Fabricante de lágrimas

La industria del cine, a lo largo de la historia, nos ha ofrecido un gran número de dramas románticos que nos han impactado y se han quedado marcados en nuestro cerebro, sin ir más lejos tenemos grandes clásicos como “El diario de Noa”, “Los puentes de Madison”, “Ghost. Más allá del amor”, “Brokeback Mountain”, etc.

La mayoría de estos dramas están protagonizados por personas adultas (con indiferente sexualidad) pero ¿Qué pasa con los más jóvenes? Pues, hemos de deciros que, los últimos años han tenido también su cuota de protagonismo en pantalla, sobre todo, los más pequeños con títulos como “Mi chica” o “Un puente haciaTerabithia” o incluso “A dos metros de ti”.

Con esta entrada, os queremos compartir nuestra crítica de una película recién llegada al catálogo de Netflix. Adaptando la novela homónima de la joven escritora italiana Erin Doom quien con dos únicas novelas se ha convertido en toda una institución en el país transalpino. En esta entrada nos centraremos en la película que adapta su primera novela, “Fabricante de lágrimas”.

“Fabricante de lágrimas” empieza presentándonos, a modo de flashback, una de las protagonistas de la historia, la pequeña Nica quien sufre un aparatoso accidente en un viaje con sus padres fruto del cual, estos mueren dejando a la pequeña huérfana.

Poco después del accidente, Nica llega al orfanato de Sunnycreek, lugar regentado con mano de acero por la dura señora Margaret quien lleva a todos los huérfanos con mano de hierro, todos menos uno, Rigel (interpretado de adulto por Simone Baldasseroni), quien en poco tiempo se convierte en el principal enemigo de Nica.

La infancia de Nica y del resto de los huérfanos pasa entre castigos de Margaret y el relato de varias leyendas que se cuentan los pequeños, entre las cuales está la del fabricante de lágrimas, un artesano un tanto misterioso responsable de haber provocado los miedos y los sufrimientos de los seres humanos.

Ya en la actualidad, nos encontramos con una Nica adolescente que, de un día por otro ve cumplido su deseo, ser adoptada por una familia, los Milligan. Cuando los Milligan van a recogerla a Sunnycreek escuchan de fondo la bella melodía de piano que Rigel está tocando. Sorprendidos, se interesan también por el joven, llevándoselo también para casa.

Así, de esta manera, Nica acaba compartiendo casa y vida con la única persona con quien no quería: Rigel. Ya en casa, Rigel se muestra como realmente es, introvertido, inteligente y, sobre todo, extrañamente protector con Nica.

Poco a poco Nica y Rigel se irán uniendo, descubriendo, a través de su pasado en común de penurias que han vivido y de lo que han tenido que esconder que, únicamente tienen un camino para poder convivir y más, cuando cada uno de ellos tiene su particular forma de superar sus problemas, uno a través de la ira y la otra a través de la bondad.

Rigel y Nica en su casa adoptiva

Sí, al final resulta que tanto Nica como Rigel son “el fabricante de lágrimas” del otro, un fabricante que, en su caso actúa por un sentimiento tan profundo e importante como es el amor.

¿Cómo dos rivales pueden sentir tal atracción? ¿Pueden dos hermanos, adoptivos, tener una relación? ¿Conseguirán vencer su pasado y forjarse un futuro? Como es evidente, nosotros sabemos las respuestas a estas y otras preguntas, aunque os animamos a verla para obtenerlas.

Técnicamente os diremos que, sin haber leído la obra original de Erin Doom, “Fabricante de lágrimas” es una película que parece crear por y para un público claramente juvenil o en edad de descubrir su primer amor. ¿Esto es malo? No necesariamente ya que, en este caso, el equipo técnico ha querido dar un estilo muy diferente al habitual en otras obras parecidas para contarnos una historia llena de sentimiento, de romanticismo y como no, pasión, sin olvidar eso sí, una bella factura técnica visual.

Sí que es verdad que, argumentalmente, y bajo nuestro particular punto de vista, “Fabricante de lágrimas” se ha quedado en una historia demasiado plana, cuando nos muestran a Nica llegando al orfanato y vemos la mirada que pequeño Rigel le dedica, ya casi sabemos el final, y desgraciadamente, no nos equivocamos.

Interpretativamente nos encontramos con dos trabajos que, pese a correctos, no despuntan tanto como deberían, parecen más pensados por competir con “Élite” y sus cuerpos 100% normativos que, por sus propias capacidades interpretativas, aunque aquí, tanto Simone Baldasseroni como Caterina Ferioli, como mínimo logran transmitirnos lo que sus personajes sienten.

Aunque le hemos echado mucho de menos que “Fabricante de lágrimas” asumiera muchos más riesgos, nuestra nota final para ella es de un 5.5 sobre 10.

Título original: “Fabbricante di lacrime” – Italia – 2024

Dirigida por: Alessandro Genovesi

Duración: 103 minutos

Género: Drama, Romántico

El hilo imperceptible

Desde hace unos años, con la evolución de la sociedad hacia el respecto interpersonal, aunque quizá deberíamos decir, gracias a la lucha de un gran número de personas para conseguir su visibilidad y respeto, se han visibilizado lo que, en su momento se llamó “nuevos tipos de familia”.

Esperemos que muy pronto se pierda ya lo de “nuevo” y se hable de familia sin más, ya sea monoparental (un solo padre e hijos), extensa (padre, madre, hijos, abuelos, etc.), nuclear o clásica (padre, madre, hijos), homoparental, etc.

El cine y la televisión no se ha mantenido al margen de estos tipos de familia (diferentes a la nuclear o extensa), encontrando títulos como “Los chicos están bien” de 2010, “Uno de estos días”, etc., pues bien, el pasado 2022 y directamente desde Italia, se estrenó un nuevo título a modo de tragicomedia contándonos los problemas que, como en cualquier familia, se cuecen en una familia homoparental, os estamos hablando de “El hilo imperceptible”.

“El hilo imperceptible” empieza presentándonos a Leone (a quien da vida Francesco Gheghi), un adolescente de 16 años que está grabando un documental para el instituto. Dicho documental habla sobre el derecho de las parejas LGTBI en Europa. Para ilustrar sus argumentos, el joven piensa en usar un claro y cercano ejemplo, sus dos padres, Paolo y Simone.

Paolo y Simone son una pareja homosexual que lleva casi 20 años de relación y que, años atrás, contactaron con una mujer de Estados Unidos, Tilly, con quien tuvieron un hijo mediante la técnica del vientre de alquiler, este hijo es, evidentemente Leone.

En el instituto, Leone descubre a Anna, una chica guapísima de la que, más o menos se enamora, aunque ve difícil que esta se fije en él ya que siempre va al lado de uno de los chicos más exitosos de instituto. Para sorpresa suya, Anna entabla amistad con él descubriéndole que el chico es su hermano.

Como Paolo y Simone van a celebrar su 20 aniversario deciden montar una fiesta a la que acude también Anna y de sorpresa para ambos, Tilly, la madre biológica de Leone con su marido. Durante la cena ocurre algo que trastorna a todos, se descubre que Simone tiene novio y ha estado engañando a Paolo los últimos años.

Paolo no lo soporta y echa a Simone de casa esa misma noche iniciando así el proceso de divorcio y posterior lucha para saber con quién se queda Leone ya que, en Italia, al ser una pareja homoparental, el hijo se quedará con el padre biológico y ninguno de ellos sabe quién es.

Paralelamente la relación entre Anna y Leone parece que prospera, aunque muy pronto descubre que se acercó a él para acercarle a su hermano quien está secretamente enamorado de Leone y supone que, al ser hijo de dos hombres, él será también homosexual.

Leone entre Anna y el hermano de esta

Y como ya os podéis imaginar, hasta aquí lo que os podemos contar de la trama argumental de “El hilo imperceptible”, el resto, nos lo guardaremos celosamente.

Técnicamente os diremos que, el guion y el desarrollo de la trama te conduce perfectamente hacia la fábula que te quiere contar “El hilo imperceptible”. Nos narra y descubre, a los espectadores y a Leone, su protagonista que, las parejas homosexuales tienen los mismos problemas que todo en el mundo en el campo del amor y muchos más en el campo legal. Con todo, consideramos que “El hilo imperceptible” peca en exceso de ser excesivamente didáctica (por momentos adoctrinadora) y previsible.

Desde el punto de vista interpretativo os diremos que tanto los actores protagonistas como los secundarios realizan un buen trabajo. En el equipo nos han gustado mucho el trabajo del joven Francesco Gheghi dando vida a un Leone al que le toca hacer muchos descubrimientos, tanto sobre la familia, como en el amor y la vida. También aplaudimos el trabajo de Jodhi May interpretando a la madre biológica de Leone. Quizá el que nos cuadra menos es Filippo Timi dando vida al padre de Leone, más que nada por sobreactuado. Con todo, buen trabajo de todo el elenco del reparto.

Con todo, y teniendo en cuenta el buen trabajo de sus actores, nuestra nota final para este drama italiano titulado “El hilo imperceptible” es de un 6 sobre 10.

Título original: “Il filo invisibile” – 2022 – Italia

Duración: 90 minutos

Dirigida por: Marco Simon Puccioni

Género: Drama, LGTBI

 

 

Un papá genial

Hay intérpretes que, por su única presencia en una película, esta merece la pena ser vista. Hablamos por ejemplo de estrellas actuales como Leonardo DiCaprio, Tom Hanks, George Clooney, Tim Robins, Matthew McConaughey, etc., todos ellos inmensos actores con carreras más que consolidadas o en claro ascenso, los cuales, en muchas ocasiones dan valor a una cinta.

Después, encontramos a otro gran grupo de actores que arrastran un montón de espectadores a las salas (o dan miles de horas de reproducción en canales de streaming), pero que, considerarlos estrellas, bajo nuestro punto de vista, les queda algo lejos, aunque amasen fortunas por sus trabajos.

Uno de estos actores es el neoyorquino Adam Sandler (seguro que ya todos tenéis como mínimo un título suyo en la mente), algunos auténticos bodrios, otros, grandes éxitos. Hoy en este rincón os traemos una de sus películas más reconocidas dentro del género de la comedia, os hablamos de la obra de 1999, “Un papá genial”.

“Un papá genial” empieza presentándonos Sonny Koufax (a quien da vida Adam Sandler), un joven de 30 años con una vida totalmente desorganizada. Pese a que obtuvo el título de abogado y ganó una auténtica fortuna por un accidente que tuvo tiempo atrás con un taxi, en la actualidad no ejerce y únicamente trabaja unas pocas horas en una cabina de peaje.

Por si fuera poco, su novia Vanessa le abandona cansada de pedirle que se ponga las pilas dejándolo solo en su pintoresco apartamento de Manhattan. Sin casi tiempo de asumir su soledad, recibe una llamada de asuntos sociales diciéndole que tiene que ir a recoger al pequeño Julian (interpretado por los gemelos Sprouse) el hijo biológico pero no reconocido de su amigo Kevin.

Cuando se presenta ante los servicios sociales, Sonny tiene una luminosa idea para impresionar a Vanessa y demostrarle que es más adulto y responsable de lo que piensa. Dicha idea pasa por adoptar al pequeño Julian haciéndose pasar por su amigo Kevin y, ni corto ni perezoso, así lo hace, aunque eso, de poco le sirve ante Vanessa.

Después de unos primeros días realmente catastróficos con Julian, se le cruza por la cabeza devolver al pequeño, aunque acaba dándose una nueva oportunidad con él. Poco a poco le va queriendo y se van llevando bien, hasta tal punto que, de dejarle hacer todo lo que quiera y cuando quiera, empieza a imponerle normas al pequeño.

Julian y Sonny en su día a día

Con la situación mejorando en el apartamento, Sonny conoce a Layla, la hermana de la novia de su amigo Kevin. Como no todo puede ir bien, los servicios sociales descubren que Sonny no es Kevin, por tanto, le retiran la custodia del pequeño y lo demandan acusándolo de fraude.

Durante el juicio, Sonny recurre a todos sus amigos abogados, entre los que está Kevin, el propio padre de Sonny y Layla esforzándose a tope para mostrar al juez quien es Sonny. Con todo, Sonny acaba perdiendo el juicio, la custodia de Julian e incluso la libertad, aunque un giro final, que obviamente nos reservaremos, cambia alguna cosilla que otra.

Técnicamente, no os engañaremos, “Un papá genial” es una comedia con toques de drama que funciona en ambas vertientes, aunque como drama intenta explotar demasiado la disyuntiva del buen o mal padre, y como comedia, pues, aunque graciosa, no deja de serlo por tener varios gags divertidos y poco más.

En la parte más negativa encontramos que, con “Un papá genial” se ha intentado hacer una comedia original, alejada de la típica comedia familiar de humor fácil y hasta cierto punto grosero pero, ha caído precisamente en eso, en el humor facilón y resultón con bastantes chistes fuera de tono o sin encaje.

Desde el punto de vista interpretativo, nos quitamos el sombrero ante Adam Sandler dando vida a ese desastre llamado Sonny Koufax y lo hace brillantemente y en todo momento. Como secundarios, pues aunque su papel es más manido y con poco recorrido, también nos ha gustado el trabajo de los gemelos Sprouse dando vida al pequeño Julian.

Por todo lo que os hemos contado, a esta comedia fácil y entretenida titulada “Un papá genial” le pondremos una nota de un 6 sobre 10.

Título original: “Big Daddy” – USA – 1999

Duración: 93 minutos

Dirigida por: Dennis Dugan

Género: Comedia, Drama

Mi reno de peluche - Temporada 1

Podríamos decir que el acoso es tan antiguo como la propia humanidad ya que, desgraciadamente para algunas personas acosar es algo innato en su personalidad causando un daño increíble a conocidos y seres queridos que, por el mero hecho de serlo, son más vulnerables ante el acosador.

Con todo, para aquellos que os preguntéis ¿qué es el acoso? Os diremos que, acoso es todo comportamiento agresivo no deseado hacia una persona por parte de otra pudiendo incluir acciones como amenazas, ataques físicos o verbales, propagación de rumores, marginación, etc.

Reflejar con ejemplos estas actitudes puede parecer fácil, más que nada, porque todos tenemos ejemplos en la cabeza, pero hacerlo y a la vez, difundirlo con cierta calidad no está al alcance de todos, en el cine encontramos películas como “Wonder”, “Un monstruo viene a verme” o incluso la dura serie “13 reasons why”, la mayoría de ellas, centradas en el acoso infantil/juvenil o bullying, pero ¿Qué pasa con el acoso desde y hacia adultos?

A comienzos de abril de 2024 y sin apenas hacer ruido, llegó al catálogo de Netflix una serie con un título que parecía jugar al despiste, “Mi reno de peluche”. Sin apenas publicidad, “Mi reno de peluche” se alzó muy rápido entre las series más vistas de la plataforma, y no es para menos.

“Mi reno de peluche” es una creación del escocés Richard Gadd para contarnos la historia de abuso y acoso que sufrió en sus propias carnes durante muchos meses. Son siete apasionantes capítulos de poco mas de media hora duración cada uno que, sin lugar a duda, quedarán grabados en la memoria de muchos que la vean.

“Mi reno de peluche” empieza presentándonos a Donny (interpretado por el propio Richard Gadd), un cómico en horas bajas que vive en casa de la madre de su ex, acudiendo, sin éxito, a la policía para denunciar que una mujer le acosa acribillándole a emails.

Como no podía ser de otra forma, en este momento, la trama retrocede unos meses en el tiempo, para encontrarnos con un Donny tras la barra de un bar en Camden justo en el momento en que una mujer cruza la puerta de este y se dirige a la barra, es Martha Scott (a quien da vida Jessica Gunning), una mujer que no puede ni permitirse consumir pero que, con su labia y su desparpajo provoca un gesto amable de Donny, le invita a un refresco y la escucha.

El gesto amable de Donny provoca que, desde ese momento Martha acuda regularmente al bar para contarle mil y una historias, todas ellas inventadas. Al poco, Donny empieza a recibir cientos de mensajes de email de Martha, aunque nunca ha le ha dado el email lo cual, le hace sospechar y empieza a investigar, descubriendo que la chica tiene un largo historial de acoso y problemas previos.

Pese al descubrimiento, Donny decide no cortar con una relación que poco a poco se va complicando cada vez más, le espera en la calle, le sigue en los clubs donde ejerce y en definitiva no le deja a sol ni sombra.

Martha frente a Donny en el bar donde trabaja este

Pero ¿por qué no corta Donny con Martha? Nos lo cuentan a mitad de la serie, cuando se hace un nuevo flashback para contarnos algo que marcó la vida de Donny. En sus inicios como cómico, un conocido productor/guionista abusó sexualmente de él provocándole un auténtico trauma que le llevo incluso a mentir sobre su identidad a su nueva novia, Teri (Nava Mau) una joven transexual.

El primer punto de inflexión llega cuando Martha descubre que Donny está con Teri y su acoso llega tanto a ella como a la familia de su ex. En ese momento Donny pone distancia de por medio y se va a vivir con Teri, aunque sus traumas están a punto de llevarse por delante también su relación.

Y como os decimos a menudo, hasta aquí lo que os podemos contar del argumento de “Mi reno de peluche”.

Técnicamente os diremos que, “Mi reno de peluche” nos ha sorprendido totalmente ya que nos cuenta la historia del propio creador, cambiando obviamente nombres, momentos y otros puntos por temas legales, una historia dura, real, espeluznante y lo hace de forma tan valiente que logra transmitirnos, casi a la perfección los sentimientos y el sufrimiento de Donny y todos los que le rodean.

“Mi reno de peluche” no es una serie fácil de catalogar ya que tiene mucho drama, unos toques de comedia, mucho suspense y un terror psicológico que va calando poco a poco en la mente del espectador, sobre todo por los sentimientos encontrados que tiene el propio afectado.

Desde el punto de vista interpretativo nos quitamos el sobrero ante Richard Gadd y Jessica Gunning, los dos protagonistas. Gadd consigue transmitirnos el dolor, el trauma y la humillación de una persona hundida por su propia historia y el acoso que sufre. Gunning por su parte, realiza un trabajo a gran nivel, haciéndonos sentir su locura, su obsesión por Donny y a la vez, consigue que sintamos pena por su salud mental. Sin lugar a duda, todo un acierto la elección de ambos.

No os vamos a engañar, “Mi reno de peluche” no va a ganar grandes premios técnicos, pero es una serie totalmente honesta y bien trabajada que la convierte en todo una rara avis del panorama televisivo actual.

Por todo lo que os hemos contado, nuestra nota para “Mi reno de peluche” es de un 8 sobre 10.

Título original: “Baby Reindeer”– 2024 – Reino Unido

Año de creación: 2024

Año de finalización: 2024 (primera y única temporada)

Duración: 7 capítulos (de unos 35 o 40 minutos)

 

The Florida Project

Cuando uno piensa en Florida, haya estado o no, le viene a la cabeza la imagen de playas quilométricas, con Miami al frente, un clima benigno y por qué no decirlo, World Disney World, el parque temático de Disney más grande de la cadena (ubicado cerca de Orlando). Es decir, turismo de masas “made in USA”, con lo que tiene de bueno y lo que tiene de malo.

En un país tan consumista y capitalista como Estados Unidos, donde la desigualdad se hace más que evidente en las calles y en lugares como Florida es más que visible ya que, para mucha gente mantener el ritmo de vida de las fortunas que mueve la industria del turismo de masas es realmente imposible.

Partiendo de esta premisa, en 2017 se estrenó una cinta diferente a las que estamos acostumbrados a ver en el cine. Una cinta con mucho mensaje y por momentos difícil de digerir, y lo hizo tomando el mismo nombre que en su momento tomó Disney para lanzar su macro parque temático: “The Florida Project”.

“The Florida Project” empieza presentándonos a la pequeña Moonee (Brooklynn Prince) una niña de 6 años que vive con su madre Halley (Bria Vinaite) en un motel de carretera llamado “The Magic Castle”. Moonee se pasa los días vagando sin supervisión adulta por el motel y sus alrededores con dos amigos, Scooty y Dicky.

En una de sus chiquilladas (o travesuras) el trío de amigos acabará conociendo a Jancey, una niña que vive en un motel cercano y creando desde ese mismo momento una gran amistad que se irá fortaleciendo a lo largo de la película.

Uno de los principales problemas que tiene Moonee, aunque ella no lo vea, está relacionado con su madre, Halley, una joven de 22 años, alternativa y poco ortodoxa quien, semana tras semana lucha por obtener el dinero necesario para que ella y su pequeña puedan pagar el alquiler del Motel, buscándose la vida como puede, desde vendiendo perfumes a los clientes más adinerados de hoteles cercanos hasta revendiendo pases de los parques de atracciones y, cuando no consigue el dinero suficiente, prostituyéndose.

A parte de ellos, Bobby (a quien da vida Willem Dafoe) el gerente del motel, un hombre que, a pesar de su imagen de duro tiene un gran corazón y siempre, tiene un ojo puesto en los niños, ayudándoles y alejándoles de los peligros que les acechan.

Un tiempo después, se presentan en el motel un par de agentes del Departamento de la Familia de Florida con la intención de investigar el caso de Halley y Moonee (sí, alguien ha denunciado su situación), y la verdad, parece que no pinta muy bien para ellas, ya que en las cámaras de seguridad del motel se han registrado varios hombres diferentes entrando y saliendo de su habitación.

Halley y Moonee  intentando vivir la vida

En una segunda inspección, los agentes le indican a Halley que, mientras dure la investigación Moonee deberá ir a vivir con una familia de acogida, pero cuando esta se despide de su amigo Scooty este le hace ver la situación real. Sin tiempo que perder, Moonee toma la determinación de irse del motel, aunque el donde, y con qué finalidad, nos lo guardaremos celosamente.

Técnicamente, nos quitamos el sombrero ante la realización de “The Florida Project” ya que, sin decirnos apenas nada, nos cuenta realmente la dramática situación en que viven muchas personas, en las afueras del sueño americano (en este caso, a escasos metros de Disney World), en un modesto motel que actúa como el último refugio o frontera antes de caer al margen de la sociedad, presentándonos sin tapujos, la decadencia y la degradación en la que malviven muchas personas.

Nos ha parecido brillante el trabajo de fotografía de “The Florida Project”, captando y mostrándonos los contrastes del día a día con total naturalidad, el deambular de los pequeños sin rumbo, entre su refugio y los grandes hoteles, pasando por construcciones abandonadas y todo, desde la perspectiva de unos niños de 6 años que ven como objetivo máximo el parque de Disney World, su sueño americano.

Desde el punto de vista interpretativo nos quitamos el sombrero ante dos de sus intérpretes, la pequeña Brooklyn Prince quien con su naturalidad, su descaro y su encanto, se lleva de calle todas y cada una de las escenas donde aparece, y también aplaudimos, con las orejas, el magistral trabajo del único actor profesional de la cinta, Willem Dafoe, quien como personaje secundario en la historia se come, la mayoría de veces la misma, sin lugar a dudas un trabajo soberbio.

Por todo lo que os hemos contado, por la denuncia que realiza y por cómo nos lo cuenta, nuestra nota final para “The Florida Project” es de un 7.5 sobre 10.

Título original: “The Florida Project” – 2017 – USA

Duración: 115 minutos

Dirigida por: Sean Baker

Género: Drama

Zathura

Si os hablamos de que un niño encuentra un juego misterioso y que, como es obvio se lanza a iniciar una partida que se convierte, inexplicablemente en un peligroso juego donde la supervivencia de sus participantes está en el orden del día, seguramente la mayoría de vosotros pensará en el clásico de 1995 protagonizado por el malogrado Robin Williams (o los más jóvenes en su secuela protagonizada por Dwayne Johnson), “Jumanji”.

Sin lugar a duda estáis en lo cierto, pero si os decimos que el juego no se lleva a cabo en la jungla y con animales, sino en el espacio con astronautas, alienígenas sanguinarios y múltiples peligros más, seguramente andaréis más perdidos ya que, en su momento la película que os comentaremos hoy no tuvo mucha aceptación por parte del público.

Veinte años después de que Chris Van Allsburg lanzara el libro “Jumanji”, en 2002 él mismo lanzó lo que sería un spin-off del mismo, un nuevo libro de aventuras que, partiendo de la misma idea, llevaría a sus protagonistas a un peligroso viaje espacial, y se tituló “Zathura”, el cual, fue llevado al cine poco tiempo después y hoy, os comentaremos en este rincón.

“Zathura” empieza presentándonos a dos hermanos, Danny (interpretado por Jonah Bobo) de 6 años y Walter (a quien da vida Josh Hutcherson) de 10, entre ambos, tienen una relación de lo más típica, Walter se cree mayor y su hermano es demasiado pequeño para él, y a la vez, está celoso porque tiene que compartir el escaso tiempo que tienen con su padre con él.

Un día, después de varias riñas, su padre tiene que dejarlos en casa para ir a la oficina quedando ambos a cargo de su hermana mayor, una chica que, como adolescente está recuperándose de la última fiesta y preparándose, durmiendo para la siguiente. Durante la ausencia de su padre, los hermanos continúan discutiendo hasta el momento que Walter encierra a Danny en el sótano, donde descubre un viejo juego metálico de temática espacial llamado “Zathura”.

Como Walter no quiere jugar, Danny empieza la partida él solo provocando, en el salón, una sorprendente lluvia de meteoritos en el salón de casa. Una vez visto, Danny y Walter descubre dos cosas, la primera que una vez iniciado el juego deberán continuarlo hasta llegar al final y la segunda, que su caja está volando por el espacio.

Cada tirada, que tiene que hacer cada uno, una nueva carta sale de la máquina, y un nuevo problema tienen que ir solucionando los hermanos. En uno de ellos, su hermana es criogenizada, en otro, un robot se vuelve loco y les ataca por toda la casa, en otra, la casa se dirige hacia un planeta pintando un futuro más que negro.

Preso del miedo, en una de las tiradas el pequeño Danny, rescatan de la deriva un solitario astronauta y poco después son asediados por una nave de sanguinarios Zorgons (una especie alienígena parecida a los lagartos), por suerte para los pequeños, el astronauta rescatado les ayudará desde ese momento en adelante.

Walter y Danny, los pequeños protagonistas de "Zathura"

Parte de la ayuda que les da el astronauta va orientada en que los pequeños colaboren para superar las pruebas y la vez refuercen la relación que les une, aunque claro, lo hace con un objetivo claro, aunque no os lo contaremos aquí, como tampoco os contaremos el desenlace.

Técnicamente vemos a “Zathura” como a ese globo que compramos en la feria llenos de ilusión y que, sin haber salido del recinto ferial vemos que no sube tanto como cuando estaba con el vendedor y minutos después, y sin llegar al coche (o a la bici) ya ni tan siquiera flota. La verdad es que “Zathura” empieza fantásticamente bien, presentándonos a los protagonistas y definiéndolos en muy pocas frases, y en contadas secuencias tenemos ya definida su personalidad.

Al poco de empezar, y pasado el efecto sorpresa de tener una casa volando por el espacio cual nave espacial, “Zathura” entra en una dinámica de previsibilidad y de falta de sorpresas que se mantendrá, como un mantra hasta el final de esta, ofreciéndonos una prueba tras otra sin la más mínima originalidad o emoción. Aunque estéticamente se le puede parecer, está muy lejos de aquellas películas de los 80’s llenas de magia y encanto.

Interpretativamente hablando en “Zathura” nos encontramos ante dos trabajos notables, los de los pequeños Josh Hutcherson y Jonah Bobo, dos chavales que dan credibilidad a sus personajes manteniendo entre ellos la única magia de la cinta. En cuanto a los secundarios, poco hay que decir, salvo que nos parece excesivo, por corto su papel, la presencia fugaz del bueno de Tim Robbins haciendo del padre de los hermanos.

Por todo lo que hemos contado, nuestra valoración para esta “Zathura” familiar y realmente floja es de un aprobado justo, un 5 sobre 10.

Título original: “Zathura” – 2005 – USA

Dirigida por: John Favreu

Duración: 101 minutos

Género: Ciencia ficción, aventuras.

 

Jóvenes Altezas - Temporada 3

Aunque de buenas a primeras podría parecer algo sencillo, es casi imposible encontrar una serie de televisión que tenga un comienzo y un final marcado de antemano, y que, además, no se prolongue temporada tras temporada para aprovechar al máximo su éxito.

La mayoría de las series que encontramos en las plataformas, si consiguen una primera temporada de éxito, acaban siendo renovadas una y otra vez haciendo que su argumento principal y su desarrollo languidezca con subtramas vacías, creadas únicamente para estirar el chicle de su rentabilidad hasta el infinito y más allá. Uno de los ejemplos más sangrantes de esta (mala) práctica la encontramos en la serie española “Élite” la cual, hace años que debería haber finalizado.

Cuando en 2021 se estrenó en la plataforma Netflix “Jóvenes Altezas” consiguiendo un inesperado y gran éxito internacional, en el equipo pensamos que estábamos ante un nuevo caso de una buena serie quemada por un sinfín de temporadas estériles. Por suerte para nosotros, el éxito de la segunda temporada, estrenada a finales 2022, trajo asociado una noticia, la serie finalizaría con una tercera temporada.

En marzo de 2024, y con el mismo elenco protagonista se ha estrenado el esperado desenlace de “Jóvenes Altezas”, la serie sueca que nos cuenta y hace vivir y sentir la relación entre el príncipe Wilhelm (a quien da vida Edvin Ryding) y Simon (interpretado por Omar Rudberg).

La tercera temporada de “Jóvenes Altezas” empieza poco tiempo después de que Wilhelm en su discurso saliera del armario declarando su amor a Simon mientras que, Sara, la hermana de este, denuncia a August ante la policía por las novatadas y ritos iniciáticos.

El revuelo creado por la denuncia llega a todas las escalas, ya que, mientras en palacio se llega a un acuerdo económico entre la familia de Simon y la de August para cerrar el asunto, Hillerska se convierte en auténtico hervidero de problemas ya que, con la prensa acechando, la nueva dirección del colegio debe cortar de cuajo los ritos iniciáticos y cualquier problema.

Con el río revuelto, Wilhelm y Simon continúan su relación, viéndose, sin ocultarse por los pasillos de Hillerska, y, cuando los castigos se lo permiten, estan juntos y disfrutan de su amor.

Con todo, pronto Simon empieza a notar la presión, tanto de la prensa como en las redes sociales, donde se siente atacado tanto por su condición de homosexual, como de pobre, lo cual provoca al joven una sensación de total agobio.

Por otro lado, Wilhelm, que continúa intentando, sin demasiado éxito, que su condición de príncipe heredero no interfiera en su vida privada, vive una situación difícil, sin apenas relacionarse con August (su competidor en la corte) y con una madre que, continúa sin superar la muerte de Erik (su primogénito fallecido en la temporada 1), solo ve soledad, restricciones y limitaciones personales en su vida.

Wilhelm y Simon intentan vivir su amor y su vida

Todos estos problemas, junto al mal ambiente que se respira en Hillerska por la denuncia de los ritos iniciáticos, causan auténticos estragos entre Simon y Wilhelm, tantos que, en la fiesta de 17 cumpleaños del príncipe, todo parece venirse abajo.

¿Acabarán juntos Wilhelm y Simon o por el contrario ganará la responsabilidad por la Corona de Suecia? Como es evidente, nosotros sabemos la respuesta, aunque nos la guardaremos celosamente.

Argumentalmente, esta tercera y última temporada de “Jóvenes Altezas” continúa explorando las dudas e inseguridades de sus protagonistas, en especial las de su pareja protagonista, el joven príncipe heredero de Suecia Wilhelm quien, por amor, se plantea su vida para compartirla con Simon, un joven becado en el exclusivo internado elitista donde ambos estudian y lo hacen desde un punto de vista íntimo, costumbrista y terrenal. Y todo sin olvidarse de Felice con sus problemas de racismo, o Sara y su frágil mentalidad, rodeados todos de aristócratas engreídos.

Técnicamente os diremos que esta tercera y última temporada de “Jóvenes altezas” continúa el camino marcado en las dos primeras, alejándose de todas las series con las que se compara (está lejísimos tanto de la famosa “Élite” como de la también famosa “The Crown” en incluso de la positiva “Heartstopper”), explotando con solvencia su calidad adictiva mientras se aleja de los típicos “adolescentes privilegiados enloquecidos” mientras se convierte en algo profundo.

En esta tercera temporada, “Jóvenes altezas” incide, una vez más, en la demostración de que el amor no entiende de clases sociales ni de colores y todos, estamos expuestos al sufrimiento, la lucha, al amor y los desengaños.

Desde el punto de vista interpretativo queremos remarcar muy positivamente la elección de todo el reparto ya que, como os dijimos para las temporadas precedentes, todos los actores tienen realmente la edad que representan en sus personajes mostrándose además como son, con sus imperfecciones (tienen acné, están racializados, y, sobre todo, no tienen cuerpos 100% normativos) y sus perfecciones.

Por otro lado, y en el mismo punto interpretativo, nos quitamos el sombrero ante el gran trabajo de sus dos actores principales, Edvin Ryding y Omar Rudberg quienes no solo se fusionan con sus personajes, si no que les aportan y nos transmiten la química que tienen entre ellos.

Por todo lo que os hemos contado, nuestra nota final para esta tercera temporada de “Jóvenes altezas” es de un 8.5 sobre 10.

Título original: “Young Royals” – Suecia – 2021

Año de creación: 2021

Año de finalización: 2024 (temporada 3)

Duración: 18 capítulos (de unos 40-50 minutos cada uno)

Género: Drama, LGTBI

 

 

El misterio de Glass Onion

El mundo del cine está lleno de éxitos inesperados y, obviamente, de grandes fracasos igualmente inesperados. Cuando en 2019 la plataforma de Streaming Netflix estrenó una de sus apuestas para su próxima campaña de Navidad, poca gente, por no decir nadie, se esperaba un éxito tan rotundo para una película que, casting aparte, tenía un regusto demasiado grande a las obras de Agatha Christie como para triunfar, pero lo hizo, ¡y de qué manera!

Os estamos hablando de “Puñales por la espalda”, una película que centraba toda su fuerza en intentar descubrir al asesino de un afamado novelista, jugando eso sí, al escondite de pistas y a los flashbacks, y todo bajo la investigación del detective Benoit Blanc.

Como no podía ser de otra forma, dos años después del rotundo éxito de “Puñales por la espalda”, se ha estrenado, para la campaña de navidad de 2022 su secuela, en esta ocasión titulada “El misterio de Glass Onion”.

En esta ocasión, y con el precedente de la primera, la expectación ha sido máxima, sobre todo teniendo en cuenta que se ha mantenido el protagonista de la historia, el poco convencional y a la vez carismático Benoit Blanc interpretado por Daniel Craig.

“El misterio de Glass Onion” empieza presentándonos ligeramente a cinco personas, el científico Lionel Toussaint, la gobernadora de Connecticut Claire Debella, la diseñadora de moda Birdie y el streamer de Twitch Duke y Andi, todas ellas receptoras de una misteriosa caja llena de juegos y automatismos que culminan con una invitación del multimillonario Miles Bron (Edward Norton) a su isla privada para participar en una fiesta para resolver un misterioso asesinato.

El día del encuentro en la isla, además de los cinco indicados, se presentan también la asistenta de Birdie, la novia de Duke y el detective Benoit Blanc. Aunque Miles le dice que no ha sido invitado, acaba aceptándolo en el juego.

Al poco de llegar, descubrimos que Andi y Blanc no solo se conocen, sino que es ella quien le ha hecho llegar al detective la invitación con el objetivo de ayudarle a descubrir el asesino de su hermana, lo cual nos lleva a otro punto, Andi no es Andi, es su hermana gemela Helen y la muerta, es precisamente Andi, la ideadora, junto al propio Bron de la tecnológica Alpha, la empresa que le está proporcionando dinero y fama.

A partir de este punto, “El misterio de Glass Onion” empieza a desgranarnos una historia donde todos los protagonistas, tan distintos entre ellos, van contándonos sus motivos que tendrían para asesinar a su supuesto “amigo” Bron, flashbacks, historias cruzadas nos van sorprendiendo sin parar en base a pequeños giros hasta que da el giro más sorprendente.

Benoit Blanc en plena investigación del asesinato

Más o menos a media película, todo gira cuando en la fiesta hay realmente un asesinato, el de Duke que acaba destapando el personaje de Helen y de nuevo, se destapa, es base a flashbacks, las motivaciones de cada uno de los personajes para deshacerse de Andi relacionándolo con la muerte de Duke en la fiesta, hasta el momento en que Benoit Blanc resuelve el misterio, aunque eso, ni cierra la historia de “El misterio de Glass Onion” ni os lo contaremos aquí.

Técnicamente en “El misterio de Glass Onion” nos encontramos con dos grandes bazas, además muy bien resueltas, la primera de ellas es el sorprendente montaje del desarrollo de la trama, con una muy buena construcción del misterio, un conjunto de pequeños giros argumentales que, lejos de hacernos perder, nos guían primero por un misterio y después por el definitivo construyendo perfectamente los rompecabezas necesarios. La segunda de las bazas es la potente crítica social a los privilegios que gozan algunos y la hipocresía de la vida moderna (tenemos influencers, políticos, celebridades, genios y millonarios de empresa tecnológicas), donde el dinero fluye sin importarles ni un momento la moralidad o el ridículo.

Desde el punto de vista interpretativo, nos quitamos, una vez más, el sombrero ante el gran trabajo de Daniel Craig dando vida al detective Benoit Blanc, un hombre inteligente, cautivador, divertido y hasta cierto punto, patoso y despistado, sin lugar a duda, un personaje a continuar explotando. Del resto de reparto no destacaremos a ninguno, no porque lo hayan hecho mal, sino porque todos dan profundidad y fuerza a sus personajes. Sin lugar a duda, más que correctos.

“El misterio de Glass Onion” no es una película brillante, ni será nunca un clásico del cine, pero sí que, es un muy buen entretenimiento que consigue tenerte atento ante la pantalla durante sus más de dos horas de metraje.

Por todo lo que os hemos contado, nuestra nota final para “El misterio de Glass Onion”, es de un 7 sobre 10.

Título original: “Glass Onion: A Knives Out Mistery” – USA – 2022

Dirigida por: Rian Johnson

Duración: 139 minutos

Género: Intriga, Comedia, Secuela.

Wonka

Crear fantasía familiar es algo realmente complicado ya que precisa más de una gran imaginación que de grandes dotes literarias. Una imaginación que debe ser capaz de crear mundos parecidos al nuestro pero repletos, en cada rincón, de una fantasía lo suficientemente desbordante como para afrontar con éxito los más variopintos problemas.

Dentro de este reducido grupo de autores, podemos encontrar nombres célebres como J.K. Rowling (creadora del universo de “Harry Potter”), Lewis Carroll (el creador de “Alicia en el País de las Maravillas”), Michael Ende (el creador de “La historia Interminable”) o británico Roald Dhal (el creador de “Matilda”, “Charlie y la fábrica de chocolate”, etc.).

Hoy nos centraremos en el universo de uno de ellos, el del británico Roald Dhal en una de sus obras más célebres, “Charlie y la fábrica de chocolate”, una novela que tuvo su última adaptación cinematográfica en 2005 de la mano de Tim Burton, y lo haremos gracias a una precuela de esta adaptación estrenada en diciembre de 2023, “Wonka”.

Como ya os podéis imaginar, esta precuela parte de una gran idea, darnos a conocer el origen del célebre chocolatero Willy Wonka, uno de los grandes protagonistas de “Charlie y la fábrica de chocolate”, aunque lo hace también con un gran hándicap, no contar con ninguna novela de su creador, Roald Dhal como base, aunque bueno, no nos avancemos y vayamos a nuestra crítica de “Wonka”.

“Wonka” empieza presentándonos a Willy Wonka (a quien da vida Thimothée Chalamet), un joven mago, inventor y chocolatero llegando en barco a una ciudad imaginaria con un único objetivo, abrir una tienda de bombones en unas célebres galerías.

Como no conoce a nadie y llega con muy poco dinero en los bolsillos, acaba pidiendo alojamiento en una extraña pensión / lavandería regentada por la huraña señora Scrubbit (interpretada por Olivia Colman), aunque como no sabe leer acaba firmando un contrato abusivo por el que se le cobrará por casi todo.

A la mañana siguiente, Wonka se dirige a las galerías donde pretende abrir su tienda. En medio de una gran expectación y con buenas dosis de magia, Wonka da a probar sus bombones provocando la ira de los tres grandes chocolateros de la ciudad quienes, con la ayuda de la policía, confiscan las ganancias de Wonka.

A su vuelta a la pensión, Wonka descubre que su deuda con Scrubbit es tan grande que tiene que trabajar 10000 días en su lavandería donde conoce a cinco personas más igualmente atrapadas por Scrubbit, la joven Noodle, el contable Abacus, Piper, el humorista Larry y la telefonista Lottie. Abacus le confirma a Wonka que los tres chocolateros forman parte del “Cártel del chocolate” y que tienen comprada a la policía, al padre Julius y sus monjes quienes son los protectores de una gran reserva de chocolate.

Con una gran dosis de imaginación, Wonka y Noodle idean una forma como salir de la lavandería y vender los bombones que, mágicamente fabrica Wonka en su habitación (siempre que un extraño ser, un Oompa-Loompa con cara de Hugh Grant, no se los robe, claro)  donde, además, aprende a leer con la ayuda de la joven.

Willy Wonka y Noodle

Pese a la prohibición explicita de vender chocolate, Wonka y sus amigos burlan a la policía y al cártel, aumentando a gran velocidad tanto el dinero que consiguen como la fama de los bombones de Wonka. Tanto crecen sus beneficios que pronto consiguen hacerse con el único local libre de las galerías donde instalan una tienda llena de fantasía.

Aunque la tienda funciona a la perfección, un sabotaje arruina a Wonka provocando que acepte el chantaje del “Cártel del chocolate” y a cambio de la libertad de sus amigos, acepta marcharse de la ciudad.

¿Queréis saber más? Pues os tocará buscarla en los cines o esperar que llegue a alguna plataforma de streaming, porque nosotros dejamos aquí nuestro resumen argumental.

Técnicamente, “Wonka” tiene dos grandes aciertos, el primero de ellos, la ambientación, muy cercano al que conocimos de Tim Burton (colorista y casi impecable), y el segundo, la creación de una auténtica aventura usada tanto para entretener como para contarnos la historia de Willy Wonka como chocolatero. En el lado negativo, nos encontramos con la faceta musical de “Wonka” ya que, aunque por momentos funciona, nunca acaba de despuntar ya sea por falta de gancho de los temas o por falta de encaje de Timothée Chalamet dentro de los números.

“Wonka” es una película obviamente familiar, quizá más dirigida hacia los niños que hacia los adultos, aunque rodeada de una ambientación más oscura y un conjunto de secuencias difíciles de entender, por ejemplo, la escena del zoológico.

Interpretativamente hablando os diremos que, aunque nos ha gustado el trabajo de Timothée Chalamet dando vida al joven Willy Wonka, este únicamente brilla a la hora de transmitir la inocencia de Wonka ya que, ni como cantante ni como bailarín está especialmente acertado, como tampoco lo está para hacernos vibrar con la excentricidad que le suponemos a su personaje. Quien sí nos ha gustado es Olivia Colman en su papel de desalmada y explotadora Sra. Scrubbit.

Con todo, “Wonka” es una película que cumple con su cometido que no es otro que el de entretenernos mientras nos cuenta los orígenes del chocolatero más famoso, por tanto, y por todo lo que os hemos contado, nuestra nota final para “Wonka” es de un 6 sobre 10.

Título original: “Wonka” – 2023 – USA

Duración: 112 minutos

Dirigida por: Paul King

Género: Secuela, Musical, Fantástico