The Bear - Temporada 1

En este pequeño rincón hemos hablado en varias ocasiones de la adaptación del cine y de las series a las diferentes modas sociales. En ocasiones creando estas modas (vaya, lo actualmente llamaríamos creadores de tendencias) en otras, sumándose a tendencias actuales para llenar nuestras carteleras de cine o catálogos de plataformas de streaming de películas y series sobre un tema en concreto, por ejemplo, los zombis.

Los últimos años, nuestros canales de televisión más convencionales se han llenado de programas de televisión, “talent shows”, “realities” y otras variantes sobre la cocina encumbrando, en ocasiones, tanto esta como a los cocineros que en ellas aparecen (ahí tenemos a Gordon Ramsey, Jordi Cruz, Alberto Chicote, Jamie Oliver, etc.).

El mundo del cine y las series se había mantenido bastante al margen, quizá por la complejidad de llevar a este formato un tema que puede llegar a ser complicado. Con todo, los últimos años podemos encontrar, sobre el mundo de la cocina, películas como “#chef”, “Julie y Julia”, “Ratatouille” o “El menú”, entre otras, ¿pero y en las series? Pues la verdad, encontramos muy pocos ejemplos.

A mitad de 2022, y por sorpresa para muchos, se estreno en Hulu (ahora Disney Plus), una serie dramática de 8 capítulos ambientada en un restaurante de bocadillos de Chicago. La serie tuvo tanto éxito que, al poco tiempo renovó por una segunda temporada. Os estamos hablando de “The Bear”/”El oso”.

“The Bear” empieza situándonos en la ciudad de Chicago en la actualidad (año 2022) para presentarnos a Carmen Berzatto, Carmy para su familia y amigos, un joven chef de la alta cocina neoyorquina que vuelve a su Chicago tras un periplo por lujosos y prestigiosos restaurantes con el objetivo de dirigir un pequeño restaurante de bocadillos italianos de la familia tras el suicidio de su hermano Michael, el “The Original Beef of Chicagoland”.

“The Original Beef of Chicagoland” resulta ser poco más que un restaurante en ruinas con un equipo de personas al frente totalmente desmotivadas y sin ganas de cambiar nada, entre las que nos encontramos con el testarudo gerente Richie (Ebon Moss-Bachrach), la veterana cocinera Tina (Liza Colón-Zayas) y el joven panadero Marcus (Lionel Boyce).

En sus primeras decisiones Carmy contrata a una joven y talentosa cocinera llamada Sydney (Ayo Edebiri) con quien forma un contundente tándem que intentará cambiar la dinámica de un restaurante sin apenas dinero para reformar ni comprar mercancías. Como resultado, recibe una pésima calificación de una inspectora de salud y descubre que su hermano le dejó un agujero económico de más de 300000 dólares con su tío Jimmy.

Con el agua al cuello Sid y Carmy acuerdan implantar un sistema de brigadas en la cocina para que cada uno se encargue de su partida, aunque la falta de experiencia de Sid y la desgana del equipo casi hacen descarrilar la propuesta, aunque pronto Marcus empieza a disfrutar de su sección de pastelería y Tina empieza a valorar su trabajo.

Carmy y el resto de equipo en la cocina de "The Beef"

Cuando ambos preparan un menú para el restaurante nuevos problemas de mantenimiento (fusibles fundidos, baños que explotan, etc.), con hacienda (deudas) y de relación entre ellos parece que va a lastrar el proyecto de Carmy aunque tras el caos llega la calma y con ello, un nuevo proyecto, esta vez llamado “The Bear”, aunque eso, será en la temporada 2 de la serie.

Técnicamente os diremos que esta primera temporada de “The Bear” realmente nos ha sorprendido, y lo ha hecho tanto por la gran calidad de realización y de interpretación como intentando descubrir el porque del tremendo éxito cosechado por esta producción en su lanzamiento (premios del Sindicato de actores, de guionistas, de productores, Globos de Oro, varios Emmy, etc.).

Cada uno de los capítulos de esta primera temporada nos sumerge en la cocina de un restaurante que intenta salir a flote sin un equipo profesional que esté a la altura, y lo hace en base al caos más incontrolado, el hastío de los trabajadores entre ellos y con el propio trabajo y el más absoluto estrés en todas y cada una de las situaciones que nos propone (solucionar los problemas más variopintos, crear nuevos platos, entenderse, superarse, etc.)

Y todo esto sin olvidarse de los problemas de cada uno de los protagonistas, sus inseguridades, su frágil salud mental y, sobre todo, su crecimiento personal tanto en el sentido de equipo, como en el técnico.

Personalmente, además de la exquisita forma en que se ha grabado “The Bear”, con movimientos rápidos de cámara, zooms en los momentos más delicados, etc., nos quedamos con la delicada forma en que se ha combinado el más absoluto caos con los momentos más íntimos de todos y cada uno de los personajes.

En el lado negativo, vamos a remarcar dos grandes puntos, el primero de ellos, el excesivo uso de la técnica de flashback moviéndose muy pocos meses en el tiempo lo cual provoca por momentos, la pérdida del hilo argumental, el segundo de los aspectos negativo es el uso abusivo de los gritos y los insultos para reforzar el caos reinante, se usa y abusa tanto de ello que, por momento uno llega a no entender lo que nos están contando.

Interpretativamente hablando, nos quitamos el sombrero ante todo el reparto, en muchos casos y para los miembros de este equipo totalmente desconocidos. Todos ellos realizan un trabajo excepcional en “The Bear”, tanto en los múltiples momentos de caos como en aquellos de intimidad y más humanos demostrándonos la capacidad que tenemos todos de mejorar, de luchar por un proyecto y por una vida mucho mejor.

En nuestro caso, no seguiremos el discurso de la crítica profesional ya que, aunque consideramos que “The Bear” es una buena serie, dista un poco de ser una serie excepcional, aunque hubiese podido llegar a serlo.

Por todo lo que os hemos contado, nuestra nota final para esta primera temporada de “The Bear” es de un 7.5 sobre 10.

Título original: “The Bear”– 2022 – USA

Año de creación: 2022

Año de finalización: 2022 (primera temporada)

Duración: 8 capítulos (de unos 30 minutos)

Recursos inhumanos

Desde hace muchos años, uno de los temas que más preocupan a la sociedad es el paro, tanto el que afecta a nuestros jóvenes, grupo al que parece imposible que las empresas den la confianza suficiente como para entrar en el mercado laboral, como a la gente más mayor quienes cumplida cierta edad, parece que han dejado de ser útiles a las empresas y quedan arrinconados en el mercado laboral, aunque tengan más experiencia y callo que ninguno en sus sectores.

El mundo del capitalismo salvaje y su afectación, tanto en positivo como en negativo a la sociedad es un tema recurrente, tanto en la literatura, como en la calle como en el cine y la televisión. En este sentido, en 2020 se estrenó una miniserie francesa basada en el libro de Pierre Lemaitre titulado “Cadres Noirs”, os estamos hablando de “Recursos Inhumanos”.

“Recursos Inhumanos” empieza presentándonos a Alain Delambre (interpretado por Eric Cantona), un hombre cuya edad se acerca a los sesenta años y vive en con Nicole, su mujer en un destartalado apartamento de París. Alain lleva seis años sin trabajar, ha acabado el paro y se dedica, cuando le surge la oportunidad a hacer trabajos de escasa duración y sin apenas calificación, aunque él había sido director de recursos humanos en una empresa que decidió rejuvenecer su plantilla.

Después de responder a la agresión de un superior con otra agresión en la empresa donde hace un trabajo temporal, Alain se ve de nuevo en la calle con la única opción de continuar echando curriculums que nunca obtienen respuesta, hasta un día que, misteriosamente, entra a formar parte de un proceso de selección para una gran empresa aeronáutica, Exxya.

Pese a hacer una mala prueba, Alain es preseleccionado justo cuando el CEO de Exxya, Dorfmann (Alex Lutz) aparece en prensa después de anunciar que presentará un plan de recorte que afectará a más de 2000 empleados. La prueba final para Delambre se realizará en la sede de Exxya donde Lutz ha preparado un juego maquiavélico, usar a los finalistas de su oferta de trabajo para valorar la actitud de los directivos de su compañía en un juego de rol que escenificará el secuestro de dichos directivos por parte de un grupo de terroristas.

Delambre ve este juego como una última oportunidad en su vida, y no duda ni un momento en, con la ayuda de su amigo Charles, investigar uno por uno a los directivos de Exxya, tampoco dura en prepararse con un expolicía en técnicas de secuestro y claro, como todo esto vale dinero que él no tiene, tampoco teme en extorsionar a su yerno y a su hija para conseguirlo.

Con todo, algo se tuerce cuando está a punto de llegar el gran día ya que, Alain tiene el soplo de que todo está organizado para que se quede otro candidato. Como Alain no está dispuesto a pasar por ello, decide tomar las riendas de la situación y sorprender a todos.

Poco después de empezar el juego de rol, y con los directivos tomados por el grupo ficticio de terroristas, Alain saca un arma real y les toma a todos como sus rehenes haciéndoles pasar miedo, mientras les cuenta porqué lo hace, y porque no exige ningún rescate.

Finalmente, y ante la inminente llegada de las fuerzas especiales, Delambre les suelta y es preso y enviado a la cárcel en espera de juicio. En la cárcel la situación no es muy halagüeña ya que, siendo el nuevo tiene que sufrir el desprecio y las agresiones (forzadas desde fuera por contactos de Lutz).

Delambre (Cantona) en pleno juicio

A medidas que se acerca el juicio, se van conociendo más detalles mientras Delambre se va integrando en la prisión y haciendo su historia se conozca en el exterior (a través de periodistas y de un libro). También se conoce que Delambre tiene un as en la manga, durante el secuestro se hizo con más de 20 millones de euros de Exxya, lo cual, obviamente intentará usar en su beneficio.

¿Cómo acabará el juicio de Delambre? ¿Podrá Alain Delambre rehacer su vida o por el contrario Lutz se lo pondrá difícil? Nosotros evidentemente sabemos las respuestas a estas preguntas, pero nos las guardaremos celosamente.

Técnicamente os diremos que la miniserie “Recursos inhumanos” nos ha sorprendido en especial por su montaje claramente dividido en dos partes de tres capítulos cada una. En la primera parte nos encontramos con una denuncia social total, especialmente hacia una sociedad que se mira constantemente el ombligo olvidando a la gente que cae fuera de ella, dejándoles sin espacio, sin recursos y sin posibilidades de volver a entrar en la misma. En la segunda parte, “Recursos inhumanos” vira totalmente hacia una trama judicial (o carcelaria por momentos) perdiendo la magia que había ganado inicialmente.

Lo que nos presenta “Recursos inhumanos” no es para nada un plato de fácil digestión ya que toca muchos palos y la mayoría complejos, entre ellos nos encontramos con la posibilidad de la pérdida de la casa, la marginación social, la disolución de la familia, etc. Con todo, en su primera parte, consigue que empaticemos con el protagonista y sus problemas, aunque quizá no tanto con las acciones que decide tomar.

Interpretativamente hablando os diremos que nos ha gustado y mucho el trabajo de Eric Cantona, haciéndose totalmente suyo un personaje muy complicado que pasa de la frustración a la indefensión en cuestión de minutos, desembocando a veces en la violencia y otras, la mayoría en la impotencia, aunque eso sí, haciendo gala de una buena inteligencia y anticipación. Sin lugar a duda todo un acierto haberlo escogido.

No os vamos a engañar, la primera parte de “Recursos inhumanos” nos ha encantado, pero no la segunda y su resolución, por tanto, aunque la consideramos una buena serie, nuestra nota final para ella es de un 6 sobre 10.

Título original: “Derapages” – 2020 – Francia

Año de creación: 2020

Año de finalización: 2020 (temporada única)

Duración: 6 episodios (de unos 50 minutos cada uno)

Género: Drama

 

Deadpool y Lobezno

Gracias a Marvel (desde hace unos años en manos de Disney), cuando uno piensa en super héroes le vienen a la cabeza: Spider-man, Iron man, Thor, Hulk, el Capitán América, Lobezno/Wolverine, etc., pero la cosa se complica mucho cuando hay que escoger cual es el mejor de todos, y más por el potente efecto de los fans, esa horda de personas, más o menos freaks que siguen a muerte cada uno de los personajes.

En nuestro caso, la verdad, nos sentimos más raros que la mayoría de los freaks que siguen y viven el mundo del Universo Marvel ya que, para seros sinceros, no nos apasiona ninguno de ellos (quizá podríamos salvar a Iron Man/Tony Stark, pero tampoco creáis), aunque sentimos cierta predilección por un antihéroe deslenguado y sinvergüenza que descubrimos en el cine en 2016, obviamente os hablamos de Deadpool.

Como ya sabréis, Deadpool es el alter ego de Wade Wilson, un villano modificado genéticamente creado en 1991 por Marvel Comics el cual tuvo muy poco recorrido hasta que en 2016 fue llevado a la gran pantalla con gran éxito e interpretado por Ryan Reynolds.

Ocho años después, en julio de 2024 se ha estrenado la que es la tercera entrega de la franquicia “Deadpool”, en esta ocasión con un coprotagonista de excepción, Lobezno / Wolverine. Os estamos hablando de “Deadpool y Lobezno”.

“Deadpool y Lobezno” empieza presentándonos al primero (interpretado por Ryan Reynolds) buscando la tumba de Lobezno cuando es interceptado por los soldados de la TVA enviados por Paradox, momento en el que Deadpool aprovecha para contarnos como se lo hará para revivir a Lobezno sin mancillar “su honor”, para lo cual recurrirá a un flashback.

La historia se desplaza 6 años atrás, donde nos encontramos con un Wade Wilson que ha desterrado a su Deadpool para incorporarse a la vida corriente tras romper con Vanessa, su novia de toda la vida. Durante esa época, Wade es un vendedor de coches de segunda mano que únicamente mantiene relación con sus amigos más próximos.

Durante su fiesta de cumpleaños, es secuestrado por la TVA y llevado ante Paradox quien le cuenta que su línea temporal se está desintegrando tras la muerte de Lobezno. Ante la nueva perspectiva, Wade se enfunda un nuevo traje de Deadpool y emprende un viaje por el multiverso para encontrar un Lobezno que pueda ayudarle a evitar la desintegración de su línea temporal.

Cuando consigue uno, aunque no sea la mejor versión que esperaba encontrar, vuelve a la sede de la TVA donde Paradox les descubre sus auténticos planes, quiere destruir todas las líneas temporales enviando a todos al Vacío que es donde les envía para poder continuar con sus planes de destrucción.

En el Vacío Deadpool y Lobezno/Logan inician una espectacular pelea que acaba con ambos y con Johnny Storm (de los “4 fantásticos”) capturados y enviados ante la jefa del Vacío, la cruel Cassandra Nova, la malvada hermana del creador de los X-Man, Charles Xavier.

Por poco, nuestros protagonistas pueden huir del cuartel de Cassandra. En su huida, se encuentran con otra versión de Deadpool, Nicepool quien les da un coche para llegar la frontera del Vacío donde podrán unirse a la resistencia, Elektra, Blade, Gambito y Laura, a quienes Deadpool apoda como “los Otros”.

Aunque no todos parecen dispuestos, al final “los Otros” y nuestros amigos acaban uniendo fuerzas para volver al cuartel de Cassandra y desatar una potente pelea que les acabará devolviendo a su línea temporal, con eso sí, aún pequeño contratiempo.

Deadpool y Lobezno juntos

¿Podrán volver a tiempo Deadpool y Lobezno para desarmar los planes de Paradox? ¿Qué papel acabará teniendo Cassandra en el desenlace? ¿El multiverso tendrá más presencia? Totas estas preguntas y muchas más, forman parte del desenlace de “Deadpool y Lobezno”, la tercera entrega de la saga “Deadpool”.

“Deadpool y Lobezno” es una película pensada y desarrollada únicamente como entretenimiento puro y puro, y como tal funciona perfectamente. En el equipo le reconocemos y valoramos mucho la originalidad al contarnos la historia ya que, el desarrollo de su trama argumental difiere totalmente del desarrollo en churrera que utiliza Marvel para el 90% de sus películas, aunque reconocemos que “Deadpool y Lobezno” flojea un poco en su parte final.

En esta tercera entrega, y bajo nuestro punto de vista, al equipo de guionistas se les ha ido excesivamente la mano al abusar, no solo de los chistes y gags sexuales, si no, sobre todo, al abusar de las referencias (y cameos) a otros personajes del Universo Marvel que tan sólo los acérrimos del Universo Marvel podrán entender.

Interpretativamente, y como ya pasó en las dos primeras entregas de la saga, Ryan Reynolds hace un trabajo genial dando vida a Deadpool, llevando por donde quiere al personaje y haciéndolo completamente suyo. En esta ocasión nos encontramos también con un coprotagonista de excepción, Hugh Jackman dando vida a su Lobezno/Logan de la misma forma que nos tiene acostumbrados desplegando, además, una gran química con Ryan Reynolds.

Llegados a este punto, nos encontramos ante la disyuntiva de valorar a “Deadpool y Lobezno” y hacerlo de la manera más justa posible, ya que como película realmente aporta entre poco y nada al séptimo arte, pero como comedia de acción es realmente buena y si os gusta el humor grosero y sarcástico, ya estáis tardando en haceros con vuestra entrada. 

Por todo lo que os acabamos de contar, nuestra nota final para “Deadpool y Lobezno” es de un 6.5 sobre 10

Título original: “Deadpool & Wolverine” – USA – 2024

Dirigida por: Shawn Levy

Duración: 127 minutos

Género: Acción, Secuela, Fantástico, Comedia

Otras partes de la saga:

"Deadpool" - 2016
"Deadpool 2" - 2018 

 

En la Toscana

Si hay un paisaje que todo el mundo reconoce, haya o no tenido el placer de descubrirlo en persona, es el de la región italiana de la Toscana, con sus pueblos situados en lo alta de colinas, sus caminos y carreteras rodeadas de cipreses y de extensos campos conforman uno de los paisajes más bellos del mundo.

A lo largo de los últimos años, son múltiples las películas que se han aprovechado de estos paisajes para dar, como mínimo, algo inmejorable a sus producciones, os hablamos de “Una habitación con vistas”, “El paciente inglés”, “La vida es Bella”, “El sueño de una noche de Verano”, “Bajo el sol de la Toscana” y podríamos continuar la lista, aunque hoy, en esta entrada nos centraremos en una de las últimas, la producción sueca: “En la Toscana” de 2022.

“En la Toscana” empieza presentándonos a su protagonista, Theo (interpretado por Anders Matthesen), un prestigioso y perfeccionista chef danés. Theo tiene en su mente, y en su lucha diaria, encontrar el dinero suficiente para poder abrir su propio restaurante, aunque como nos dejan bien claro en las primeras secuencias, su propio carácter aleja con el rabo entre las patas a todos los posibles inversores.

Después de perder a un posible inversor, Theo recibe la notificación de que su padre, con el que no se llevaba nada bien, murió hace unas semanas en la región italiana de la Toscana y que, le ha dejado en herencia un viejo castillo con un restaurante en dicha región.

Aunque de buenas a primeras no quiere saber nada de su difunto padre ni de su herencia, la necesidad de tener dinero suficiente para adquirir su restaurante en propiedad le hace repensar y plantearse un viaje fugaz a la Toscana para vender de forma rápida la propiedad para así obtener el dinero para sus planes.

El primer contacto con el castillo no puede ser más desalentador ya que, por su carácter obstinado pronto choca con todos. Al poco de llegar conoce a Sophia (a quien interpreta Cristina Dell’Anna) una mujer que, considera el castillo como su propia casa y quien, además, se casará próximamente.

Con el paso de los días, y con el recuerdo de su padre en mente, el deseo de vender de Theo se incrementa a la vez que, su amistad con Sophia sigue los mismos pasos, aunque a ella, lo de la venta le parece realmente mal. Al final, aparece un comprador que está dispuesto a ofrecer algo menos de lo que se pide por el Castillo, pero ante la inminencia de la boda de Sophia en el propio castillo, Theo le ofrece un trato al comprador, si dicha boda sale bien, pagará por encima del precio pactado, si sale mal, Theo aceptará la oferta a la baja.

Sophia con el Chef Theo  

Como es obvio, la boda sale a pedir de boca y Theo, vende el castillo/restaurante al comprador y vuelve a Suecia con el dinero. Aunque muy pronto, se da cuenta que, quizá, con ese dinero podría hacer algo en otro sitio que no fuera Suecia, aunque claro, esto, como ya os podéis imaginar nos lo reservaremos para nosotros.

Técnicamente, “En la Toscana” nos encontramos ante una de esas películas que, desgraciadamente, no destaca por ningún aspecto técnico. Argumentalmente, nos encontramos con una película que, a los pocos minutos te ha marcado completamente por donde irá y casi, cuál será su desenlace. Más acertado, tenemos el ritmo narrativo, sereno y pausado, que acompañan perfectamente con la belleza natural de la Toscana italiana.

Interpretativamente hablando os diremos que, todos sus intérpretes continúan exactamente la ruta marcada en lo que os hemos contado en el punto anterior ya que, absolutamente todos, tanto protagonistas como secundarios están bien, cumpliendo con sus personajes y transmitiéndonos sus sentimientos y las consecuencias de sus actos.

“En la Toscana” es una de esas películas sencillas que, pese a no ser, ni de lejos, una obra maestra del cine se deja ver y, por sus paisajes, se acaba disfrutando. Por todo lo que os hemos contado, nuestra nota final para “En la Toscana” es de un 5.5 sobre 10.

Título original: “Toscana” – 2022 – Suecia

Duración: 90 minutos

Dirigida por: Mehdi Avaz

Género: Drama, Romántica

Violet y Finch (2020), críticas y análisis

Las personas tenemos, en muchas ocasiones, una forma curiosa de enfrentarnos a los problemas o a las dificultades que la vida coloca en nuestro camino. A veces nos quedamos atrapados en nuestros miedos, intentando resolver el pasado o anticipar un futuro totalmente incierto, mientras lo más importante se nos escapa entre los dedos: el presente.

Si a todo esto le sumamos un trauma del pasado, la situación puede complicarse todavía más. La mochila emocional que cargamos puede llegar a pesar tanto que, en ciertos momentos, resulta difícil avanzar en el día a día.

El cine ha abordado esta realidad en numerosas ocasiones, y una de las películas que trata este tema es “Violet y Finch”, el drama juvenil de Netflix basado en la novela homónima de Jennifer Niven, publicada en 2014.

De qué trata "Violet y Finch"

La trama de “Violet y Finch” comienza presentándonos a Violet Markey, interpretada por Elle Fanning, una joven que vive en un pequeño pueblo de Indiana. Violet arrastra un fuerte trauma del pasado que la ha dejado emocionalmente devastada.

La primera vez que la vemos está subida a la barandilla de un puente, contemplando una decisión desesperada. En ese momento aparece Theodore Finch, personaje interpretado por Justice Smith, quien pese a sus propios problemas consigue convencerla para que baje.

Este encuentro marca el inicio de una relación que cambiará la vida de ambos.

Dos jóvenes marcados por el trauma

Violet y Finch comparten varias cosas en común. Ambos estudian en el mismo instituto y los dos viven con profundos traumas psicológicos que les dificultan disfrutar de la vida.

Violet no ha superado la muerte de su hermana en un accidente de tráfico ocurrido nueve meses antes. Finch, por su parte, es un joven solitario que a veces desaparece durante días sin dar explicaciones.

Poco después de conocerse en el puente, un trabajo escolar obliga a Violet a formar equipo con un compañero para investigar algunos de los lugares más emblemáticos del estado de Indiana.

Aunque Violet no quiere relacionarse con nadie, Finch logra convencerla para hacer el proyecto juntos.

Un viaje emocional por Indiana 

A partir de ese momento, “Violet y Finch” nos propone un viaje tanto físico como emocional. Mientras recorren distintos lugares de Indiana para completar su trabajo escolar, ambos comienzan a conocerse mejor.

Finch ayuda a Violet a abrirse poco a poco al mundo y a superar su dolor. Incluso consigue que vuelva a subirse a un coche para visitar una pequeña montaña rusa situada lejos de su casa. 

Con el tiempo, la relación entre ambos evoluciona y termina convirtiéndose en una historia de amor.

 

Violet y Finch en el lago

Sin embargo, Finch también arrastra una historia complicada. Durante una escena en un lago cercano, Violet descubre parte del trauma del joven: Finch sufrió abuso y violencia física por parte de su padre. Este pasado le provoca episodios en los que siente que pierde el control y necesita desaparecer durante un tiempo para no repetir ese comportamiento.

Tras una pelea en la escuela con el exnovio de Violet y problemas en casa, Finch vuelve a desaparecer. Violet, siguiendo los consejos de su padre, decide buscarlo recorriendo los lugares que ambos visitaron durante su proyecto.

Hasta aquí podemos contar de la historia de “Violet y Finch” sin desvelar más detalles de la trama.

Opinión y crítica de la película "Violet y Finch"

Técnicamente, “Violet y Finch” nos ha sorprendido positivamente. Al encontrarla en el catálogo de Netflix, esperábamos una comedia romántica juvenil típica de la plataforma (similar a “A todos los chicos de los que me enamoré”) pero nos encontramos con una película más profunda y emocional.

La película construye una historia sobre dos jóvenes muy diferentes unidos por sus traumas personales. En la primera parte del film vemos cómo Finch ayuda a Violet a superar su dolor, mientras apenas conocemos el pasado del chico. En la segunda mitad descubrimos los problemas de Finch y su lucha interna.

Todo esto se mezcla con la relación sentimental que nace entre ambos.

Otro aspecto interesante es el montaje de la película, que combina el viaje introspectivo de los protagonistas con un recorrido físico por distintos lugares de Indiana.

Las interpretaciones de Elle Fanning y Justice Smith

En el apartado interpretativo, Elle Fanning destaca especialmente en “Violet y Finch”. La actriz consigue transmitir el sufrimiento de Violet, su proceso de sanación y su evolución emocional.

Por su parte, Justice Smith ofrece una actuación correcta, aunque algo menos empática que la de su compañera. Aun así, la química entre ambos actores funciona y ayuda a transmitir la intensidad romántica de la historia.

Conclusión: una historia sobre amor y salud mental  

En definitiva, “Violet y Finch” es una película que nos ha gustado, especialmente por las reflexiones que plantea sobre la importancia de la salud mental y la forma en la que las personas afrontan sus traumas.

Se trata de un drama juvenil que va más allá del romance adolescente y que intenta mostrar la complejidad emocional de sus protagonistas.

Por todo ello, nuestra valoración final para “Violet y Finch” es de 7 sobre 10.

Ficha técnica de Violet y Finch

Título original: All the bright places

Año: 2020

Director: Brett Haley

Duración: 107 minutos

Género: Drama, romántico, LGTBI