El hombre menguante: un remake que se atreve a crecer a su manera

El hombre menguante regresa a la gran pantalla en forma de remake, demostrando que Hollywood y el cine europeo siguen encontrando inspiración en los grandes clásicos. Entre secuelas, precuelas y nuevas versiones, Jan Kounen recupera la mítica película de 1957 para ofrecer una reinterpretación más íntima y contemporánea.

Después de ver El hombre menguante, no pudimos evitar hacernos una pregunta: ¿tiene sentido rehacer un clásico cuando lo que realmente cambia no es la historia, sino la forma en que miramos a su protagonista?

Es una cuestión que acompaña a casi cualquier remake, aunque no siempre encuentra una respuesta convincente. En este caso, creemos que sí. Jan Kounen no se limita a trasladar la película de 1957 a la actualidad con mejores efectos visuales, sino que apuesta por una mirada más íntima, emocional y contemporánea. El resultado es una obra que respeta el espíritu del clásico mientras aporta nuevos matices a una historia que, casi setenta años después, sigue teniendo mucho que decir.

Sinopsis de “El hombre menguante”

Scott lleva una vida completamente normal hasta que un extraño fenómeno mientras nada en el mar cambia su existencia para siempre. Sin previo aviso, su cuerpo comienza a encogerse de manera imparable y, por mucho que la ciencia intente encontrar una explicación, cada día se despierta siendo un poco más pequeño. Lo que al principio parece una simple anomalía acaba convirtiéndose en una lucha desesperada por sobrevivir.

A medida que pierde tamaño, El hombre menguante transforma los objetos más cotidianos en auténticos desafíos. Una escalera se convierte en una montaña, una mascota deja de ser inofensiva y cualquier rincón de la casa puede esconder un peligro mortal. Jan Kounen aprovecha esta premisa para construir una aventura de ciencia ficción tan espectacular como angustiosa, donde la supervivencia depende tanto del ingenio como del valor.

Pero esta nueva versión va más allá del espectáculo visual y los efectos especiales. Bajo su historia de ciencia ficción se esconde una reflexión sobre la identidad, la fragilidad humana y el miedo a desaparecer en un mundo que sigue creciendo mientras su protagonista se hace cada vez más pequeño. Una propuesta que combina tensión, emoción y un inevitable homenaje al clásico de 1957.

Crítica de “El hombre menguante”

Con una premisa tan conocida como la de El hombre menguante, el mayor riesgo era quedarse en un simple ejercicio de nostalgia. Afortunadamente, Jan Kounen entiende que un remake no debería limitarse a repetir lo que ya funcionó hace casi setenta años.

En lugar de competir con el clásico de 1957, el director opta por recorrer un camino diferente. Su propuesta es más íntima, más emocional y menos preocupada por el espectáculo puro, una decisión arriesgada que puede no convencer a todo el mundo, pero que dota a El hombre menguante de una personalidad propia en lugar de convertirla en una copia del clásico.

Uno de los grandes aciertos de la película es su capacidad para transformar lo cotidiano en una amenaza constante. Una habitación deja de ser un refugio, una mascota puede convertirse en un depredador y cualquier objeto acaba representando un desafío de supervivencia. Y es ahí donde la película demuestra todo su ingenio.

En El hombre menguante, hasta un gato doméstico puede convertirse en una amenaza mortal.

Y para que esa propuesta funcione hacía falta un protagonista capaz de sostenerla. Jean Dujardin asume ese reto con naturalidad, dando vida a un Scott vulnerable, cercano y creíble.

Personajes e interpretaciones

Si hay alguien sobre quien recae el peso de El hombre menguante, ese es Jean Dujardin. El actor francés ofrece una interpretación contenida, pero cargada de matices, transmitiendo con enorme naturalidad la angustia, la incertidumbre y la soledad de un hombre que ve cómo el mundo se hace cada vez más grande mientras él desaparece poco a poco.

No era un papel sencillo. Gran parte del metraje depende de su capacidad para conectar con el espectador sin recurrir a grandes discursos ni excesos dramáticos, y Dujardin supera el reto con nota. Consigue que empaticemos con Scott desde el primer momento y convierte un personaje extraordinario en alguien sorprendentemente cercano y humano.

Opinión

Una de las cosas que más nos ha gustado de esta nueva versión de El hombre menguante es que Jan Kounen nunca intenta competir con el clásico de 1957. En lugar de copiar sus escenas más icónicas o apoyarse únicamente en la nostalgia, el director decide contar la misma historia desde una perspectiva más íntima, más humana y mucho más emocional.

Esta vez, hacerse pequeño no es solo una cuestión física. Es una forma de hablar de la fragilidad, del miedo a quedarse atrás y de la sensación de perder el lugar que uno ocupa en el mundo. Los efectos visuales están al servicio de esa idea y no al revés, permitiendo que el verdadero protagonista sea el viaje emocional de Scott.

Quizá no tenga el espíritu aventurero de la película original, y eso puede decepcionar a quienes esperaban un remake más fiel. Sin embargo, precisamente ahí encontramos su mayor acierto: El hombre menguante no pretende sustituir al clásico, sino demostrar que una buena historia también puede crecer cuando se atreve a cambiar de enfoque. Y eso, en una época en la que tantos remakes viven de mirar al retrovisor, nos parece una decisión tan valiente como acertada.

¿Merece la pena ver El hombre menguante?

Después de todo lo que hemos contado, la respuesta es sencilla: sí, merece la pena ver El hombre menguante, siempre que no esperes una copia del clásico de 1957. Jan Kounen entiende que un remake no tiene por qué competir con el original, sino ofrecer una nueva forma de acercarse a la historia.

Su propuesta apuesta por la emoción antes que por el espectáculo, convirtiendo el proceso de hacerse pequeño en una reflexión sobre la fragilidad, el aislamiento y el miedo a dejar de importar. Puede que su ritmo pausado no convenza a todo el mundo, pero precisamente esa personalidad propia es la que consigue que esta nueva versión justifique su existencia.

Quizá no sea más grande que el clásico, pero sí lo bastante valiente como para no vivir a su sombra.

Nota final: 7 /10.

Ficha técnica de El hombre menguante

Título original: L’homme qui rétrécit

Año: 2025

Director: Jan Kounen

Duración: 99 minutos

Género: Ciencia ficción, Drama, Fantástico

Las damas primero: crítica, Sacha Baron Cohen desaprovecha una gran sátira

El machismo sigue siendo uno de esos temas que, aunque la sociedad ha avanzado mucho en las últimas décadas, continúa formando parte de nuestro día a día. A veces se manifiesta de forma evidente y otras se esconde tras comentarios, costumbres o situaciones que hemos normalizado durante años. El cine ha encontrado en esta realidad una fuente inagotable para la comedia y la sátira, demostrando que el humor puede ser una herramienta tan eficaz para entretener como para invitar a la reflexión.

Precisamente sobre esa idea se construye Las damas primero, la última, por el momento, comedia protagonizada por Sacha Baron Cohen. La película imagina un mundo en el que hombres y mujeres intercambian por completo sus roles sociales, dando lugar a situaciones tan absurdas como reconocibles. Una premisa que, sobre el papel, prometía convertirse en una sátira tan divertida como incómoda.

Porque darle la vuelta al tablero siempre resulta atractivo. La cuestión es qué haces después con las piezas. Las damas primero arranca con una idea brillante y muchas posibilidades para cuestionar nuestros prejuicios, pero pronto descubriremos si se atreve a ir más allá de los tópicos... o si prefiere quedarse en una comedia ligera donde la verdadera revolución acaba pidiendo la cuenta antes del postre.

Sinopsis de Las damas primero

Las damas primero nos presenta a Damien (Sacha Baron Cohen), un hombre profundamente acomodado en sus privilegios, convencido de que el mundo funciona exactamente como debería. Su actitud machista y su forma de relacionarse con las mujeres forman parte de una rutina que nadie parece cuestionar, especialmente en un entorno laboral donde los comentarios sexistas y las desigualdades se han normalizado hasta el punto de resultar casi invisibles.

Pero su vida da un giro inesperado tras sufrir un accidente. Al despertar, descubre que sigue viviendo en el mismo mundo... aunque solo en apariencia. La sociedad ha cambiado por completo y ahora es un matriarcado donde los roles de género se han invertido. Lo que antes era cotidiano para él se convierte en una carrera de obstáculos en la que deberá enfrentarse a prejuicios, estereotipos y situaciones que nunca había imaginado vivir en primera persona.

La premisa de Las damas primero juega con una pregunta tan sencilla como sugerente: ¿qué ocurriría si los hombres ocuparan el lugar que durante siglos han tenido muchas mujeres? A partir de ahí, la película busca construir una comedia repleta de situaciones disparatadas, malentendidos y alguna que otra dosis de humor incómodo que invita a mirar la realidad desde una perspectiva completamente distinta.

Con Sacha Baron Cohen al frente, todo parecía apuntar a una sátira mordaz capaz de remover conciencias mientras arrancaba unas cuantas carcajadas. La idea, desde luego, no puede ser más atractiva. Ahora solo queda descubrir si la película se atreve a exprimir todo su potencial... o si, como ocurre a veces, prefiere ponerse de puntillas para no pisar demasiados callos.

Crítica de Las damas primero

Las damas primero tenía todos los ingredientes para convertirse en una de las comedias más inteligentes del año. Una premisa brillante, un reparto de primer nivel y, sobre todo, un Sacha Baron Cohen que parecía el actor perfecto para protagonizar una sátira afilada sobre el machismo y los privilegios. Sin embargo, la película da la sensación de quedarse constantemente a medio camino. Es un "quiero y no puedo" que prefiere jugar sobre seguro antes que incomodar al espectador.

Rosamund Pike y Sacha Baron Cohen protagonizan una escena de Las damas primero.

El principal problema está en que su crítica social pierde fuerza conforme avanza la historia. La inversión de los roles de género ofrece situaciones divertidas al principio, pero pronto cae en una sucesión de tópicos demasiado previsibles. En lugar de aprovechar ese nuevo mundo para desmontar prejuicios o lanzar una reflexión realmente incómoda, el guion se conforma con intercambiar hombres por mujeres y repetir los mismos clichés de siempre. El resultado es una comedia simpática, pero con una denuncia tan descafeinada que termina diluyéndose entre chistes que rara vez sorprenden.

Y es una auténtica pena, porque el potencial estaba ahí. Sacha Baron Cohen demuestra una vez más su enorme talento para la comedia, aunque aquí parece tener el freno de mano echado. Las damas primero entretiene, arranca alguna sonrisa y se deja ver con facilidad, pero da la sensación de que alguien decidió suavizar la sátira para no molestar a nadie. Y cuando una historia promete poner el mundo patas arriba y acaba limitándose a darle la vuelta al mantel, es inevitable acabar con la sensación de que podía haber sido mucho más.

Personajes e interpretaciones

Si algo mantiene a flote Las damas primero es la interpretación de Sacha Baron Cohen. El actor vuelve a demostrar su enorme capacidad para la comedia, manejando con soltura el desconcierto de un personaje que pasa de sentirse dueño del mundo a convertirse en el blanco de unos prejuicios que jamás había sufrido. El problema no está en su trabajo, sino en un guion que parece empeñado en ponerle límites.

A su alrededor, Rosamund Pike aporta presencia y elegancia a un personaje que podría haber dado mucho más juego, mientras que el resto del reparto cumple con solvencia sin disponer de grandes momentos para brillar. Todos están al servicio de una historia que apuesta más por la situación que por el desarrollo de sus personajes. Y quizá ahí resida otro de los problemas de la película: resulta más interesante la idea que plantea que las personas encargadas de vivirla.

¿Merece la pena ver Las damas primero?

Depende mucho de lo que esperes encontrar. Si buscas una comedia ligera con alguna situación divertida y un Sacha Baron Cohen que, aún lejos de su mejor versión, sigue teniendo un gran carisma en pantalla, probablemente pases un rato entretenido. La película se deja ver, tiene un ritmo ágil y nunca llega a resultar aburrida.

Sin embargo, si buscas una película mordaz sobre el machismo, es posible que te arrepientas si le das la oportunidad a esta película. La película plantea preguntas muy interesantes, pero rara vez se atreve a profundizar en ellas. Prefiere provocar una sonrisa antes que una reflexión incómoda.

Al final, Las damas primero acaba siendo una oportunidad desaprovechada. No porque sea una mala película, sino porque detrás de su divertida premisa se escondía una historia con potencial para convertirse en una gran comedia satírica.

Nota final: 5 /10.

Ficha técnica de Las damas primero

Título original: Ladies First

Año: 2026

Director: Thea Sharrock

Duración: 90 minutos

Género: Comedia

Toy Story 5 (2026): crítica y opinión, Pixar recupera la magia de Woody y Buzz

En los últimos años hemos visto cómo los hábitos de juego de niños y jóvenes han cambiado profundamente. Los juegos que antes dependían de la imaginación han dejado paso a las pantallas y al entretenimiento digital. En este contexto, Toy Story 5 recupera un mensaje que sigue siendo actual: el valor de la creatividad, la amistad y los juguetes como compañeros de aventuras. Siete años después de su última entrega, Pixar ha vuelto a reunir a Woody, Buzz y el resto de la pandilla en una nueva historia.

Toy Story 5 se sitúa entre cinco y siete años después de los acontecimientos de la cuarta entrega y retoma la historia prácticamente donde terminó. En esta ocasión, Bonnie ha crecido y se enfrenta a una nueva etapa de su vida, mientras los juguetes deberán adaptarse, una vez más, a los cambios que trae el paso del tiempo y a un mundo cada vez más dominado por la tecnología y las pantallas.

Sinopsis de Toy Story 5

Toy Story 5 ha devuelto a la gran pantalla a Woody, Buzz Lightyear y el resto de los juguetes más queridos del cine en una nueva aventura cargada de emoción, humor y nostalgia. La historia transcurre varios años después de la anterior entrega y nos muestra a una Bonnie casi preadolescente, inmersa en una etapa de su vida en la que las pantallas y la tecnología empiezan a ocupar el lugar que antes pertenecía a la imaginación y a los juegos tradicionales.

Lejos de conformarse con repetir la fórmula de siempre, Toy Story 5 plantea un conflicto muy actual: ¿qué ocurre cuando los juguetes dejan de ser el centro del universo de un niño? Entre momentos divertidos, reencuentros inolvidables y nuevas incorporaciones, la película vuelve a explorar temas como la amistad, el paso del tiempo y la importancia de encontrar nuestro lugar, incluso cuando todo cambia muy rápido a nuestro alrededor.

Con el inconfundible sello de Pixar, Toy Story 5 vuelve a demostrar que crecer no significa dejar de soñar. Entre situaciones disparatadas, guiños para quienes llevan décadas acompañando a Woody y Buzz y escenas capaces de sacar más de una sonrisa (e incluso alguna lágrima), la película nos recuerda que los juguetes nunca desaparecen del todo: simplemente encuentran un rincón especial en nuestros recuerdos.

Crítica de Toy Story 5

Toy Story 5 nos demuestra que, cuando parecía que la caja de juguetes ya no daba para más, todavía quedaban historias por contar. La película recupera el espíritu de aventura, la amistad y ese humor capaz de hacer reír tanto a los más pequeños como a quienes crecimos con Woody y Buzz. Sí, vuelve a jugar con la nostalgia... y, sorprendentemente, le sale bastante bien.

Visualmente es una delicia, como sabe hacer Pixar, los personajes conservan todo su carisma y las nuevas incorporaciones aportan aire fresco sin robar protagonismo a los clásicos. Aunque alguna escena parece estirar la cuerda más de la cuenta, el conjunto mantiene un ritmo ágil y muchas situaciones tan divertidas como entrañables.

Buzz Lightyear y Woody se enfrentan a un mundo dominado por la tecnología en Toy Story 5.

Bajo nuestro punto de vista, no alcanza la magia irrepetible de las primeras entregas, pero Toy Story 5 recuerda que los mejores juguetes nunca pasan de moda... solo necesitan que alguien vuelva a sacarlos de la estantería.

Personajes

Uno de los grandes atractivos de Toy Story 5 son, una vez más, sus personajes. Woody y Buzz Lightyear siguen demostrando por qué forman una de las parejas más icónicas de la animación, combinando amistad, humor y alguna que otra discusión que ya es marca de la casa, las nuevas incorporaciones encuentran su espacio sin intentar quitarles el protagonismo. El equilibrio entre caras conocidas y personajes inéditos funciona muy bien y mantiene viva la esencia de la saga.

Cada juguete tiene su momento para brillar, ya sea arrancando una carcajada o regalando una escena emotiva.

Opinión y nota final

Obviamente Toy Story 5 no revoluciona la saga ni alcanza la magia irrepetible de sus primeras aventuras, pero sí nos demuestra que esos juguetes todavía tienen mucho corazón que compartir.

Toy Story 5 es una película divertida, emotiva y llena de guiños para quienes crecieron y disfrutaron con Woody, Buzz y compañía. Al final, más que una nueva secuela, es una invitación a recordar que nunca seremos demasiado mayores para emocionarnos con una buena historia, sobre todo si viene dentro de una caja de juguetes.

En definitiva, Toy Story 5 demuestra que Pixar todavía sabe emocionar cuando apuesta por personajes que forman parte de nuestra memoria. Quizá no sea la mejor entrega de la saga, pero sí una película entretenida, divertida y emotiva que merece la pena descubrir tanto en familia como para reencontrarse con unos juguetes que, generación tras generación, siguen teniendo mucho que contar.

Nota final: 6.5 sobre 10.

Ficha técnica de Toy Story 5

Título original: Toy Story 5

Año: 2026

Director: Andrew Stanton

Duración: 102 minutos

Género: Animación

Otras películas de la saga Toy Story

"Toy Story"

"Toy Story 2"

"Toy Story 3"

"Toy Story 4"

Young Hearts (2024): una película íntima y honesta sobre el primer amor

Young Hearts, dirigida por Anthony Schatteman, es una de las películas más sensibles de los últimos años sobre el primer amor, el descubrimiento de la identidad y el miedo a no ser aceptado.

Hay momentos en la vida en los que todo cambia sin que sepamos exactamente por qué. El descubrimiento del amor y de la propia identidad suele llegar acompañado de preguntas para las que nadie nos ha preparado: ¿es normal lo que siento?, ¿qué pensarán los demás?, ¿y si me rechazan?.

La película nos recuerda que descubrir nuestra orientación sexual o enamorarnos por primera vez no debería ser un camino marcado por la culpa o la incertidumbre, sino una experiencia que merece vivirse con libertad, comprensión y cariño. 

Sin embargo, Young Hearts también refleja una realidad que muchas personas conocen bien: el conflicto no siempre nace de lo que sentimos, sino del temor a cómo reaccionará el entorno.

Sinopsis de Young Hearts

Young Hearts nos cuenta la historia de Elias, un chico de 14 años cuya vida cambia cuando conoce a Alexander, un nuevo vecino de su misma edad. Lo que comienza como una amistad espontánea y llena de complicidad va despertando en Elias sentimientos que nunca había experimentado, ni con la chica con la que, oficialmente, sale, obligándole a enfrentarse a preguntas sobre su identidad y el amor.

A medida que la relación entre ambos se estrecha, Elias tendrá que lidiar con las dudas, los miedos y la presión de las expectativas sociales y familiares, mientras descubre que el primer amor puede ser tan emocionante como desconcertante.

Crítica de Young Hearts

La dirección del belga Anthony Schatteman apuesta por una puesta en escena íntima, casi pudorosa, que convierte cada gesto en un pequeño acontecimiento emocional. Su mirada es cercana pero nunca invasiva: los planos cortos, la fotografía luminosa y delicada crea un entorno donde la vulnerabilidad de los personajes es casi palpable.

Esta contención formal funciona especialmente bien en un relato sobre el despertar emocional y la identidad. El director entiende que el primer amor no necesita artificios para ser intenso: basta con observar cómo un adolescente mira al otro durante un segundo más de lo habitual. Young Hearts destaca por su honestidad emocional, una cualidad que no abunda en el cine juvenil actual, a menudo más preocupado por la espectacularidad que por la verdad.

Como aspecto menos logrado, el desarrollo de algunos conflictos e historias de personajes secundarios resultan algo superficiales, quizá podrían haberse explorado con mayor profundidad para aportar más fuerza al conjunto.

Personajes e interpretaciones

Uno de los puntos más fuertes de Young Hearts son sus interpretaciones. Marius De Saeger (Alexander) y Lou Goossens (Elias) construyen personajes llenos de matices, alejados de cualquier caricatura adolescente. Su trabajo se sostiene en la naturalidad, una cualidad que no se puede fingir: cada mirada, cada silencio, cada gesto torpe o espontáneo tiene un peso especial y contribuye a que la relación entre ambos se sienta auténtica.

Goossens, en particular, ofrece una interpretación que equilibra la confusión, la ternura y el miedo con una precisión sorprendente para su edad. De Saeger, por su parte, aporta una presencia serena que contrasta y complementa la inquietud de Elias. La química entre ambos es el motor emocional de la película; sin ella, el relato perdería gran parte de su fuerza.

Opinión 

Young Hearts es una obra pequeña en apariencia, pero grande en sensibilidad. Su apuesta por la intimidad, la contención y la verdad emocional la convierte en una película necesaria dentro de su género. No busca impactar, sino acompañar; no pretende aleccionar, sino mostrar. Y lo hace con una delicadeza que se queda en la memoria.

Una película honesta, luminosa y profundamente humana.

¿Merece la pena ver Young Hearts?

Sí. Young Hearts es una película que emociona por su honestidad y su sensibilidad. Más allá de contar una historia sobre el despertar de la orientación sexual, habla del vértigo del primer amor, del miedo al rechazo y de la importancia de aceptarse a uno mismo. Es una propuesta íntima, luminosa y profundamente humana que consigue permanecer en la memoria mucho después de que terminen los créditos.

Nota final: 8 /10.

Ficha técnica de Young Hearts

Título original: Young Hearts

Año: 2024

Director: Anthony Schatteman

Duración: 100 minutos

Género: Drama, LGTBI

La cena (2025): una reflexión sobre la memoria histórica y la dictadura franquista

La película La cena de 2025 nos hace reflexionar sobre cómo las decisiones de las personas pueden verse condicionadas por el miedo, el poder y las circunstancias históricas. A través de una situación aparentemente sencilla, como la preparación de un banquete, la película muestra las dificultades que vivían muchas personas durante la dictadura franquista.

La cena nos invita a pensar en la importancia de actuar con dignidad y de mantener nuestros valores personales, incluso cuando hacerlo puede tener consecuencias personales.

Además, la película destaca el valor de la memoria histórica y la necesidad de conocer el pasado para comprender el presente. Nos recuerda que la libertad, la justicia y los derechos humanos no deben darse por sentados, ya que muchas personas tuvieron que sufrir y sacrificarse para que hoy podamos disfrutarlos.

Sinopsis de La cena

La cena está ambientada en los años posteriores a la Guerra Civil española, durante la dictadura franquista. La historia gira en torno a la preparación de un importante banquete organizado para recibir a Franco a cargo de un grupo de presos republicanos, un acontecimiento que pone en marcha una serie de situaciones llenas de tensión y conflictos entre los personajes.

A medida que avanza la trama, la película muestra cómo el miedo, la represión y las diferencias sociales condicionan la vida de quienes participan en la organización de la cena. Cada personaje debe enfrentarse a decisiones difíciles, intentando proteger a sus seres queridos sin renunciar por completo a sus principios y valores.

Más que contar la historia de un simple banquete, La cena retrata la realidad de una época marcada por el control, el silencio y la falta de libertad.

Crítica de La cena

La cena es una película que retrata con sensibilidad, un cierto grano de humor y mucho realismo el ambiente de tensión que se vivía durante la dictadura franquista. A través de una historia centrada en la organización de un banquete, muestra cómo el miedo y la presión del poder influían en la vida cotidiana de las personas, las cuales, todas tenían algo que esconder.

Uno de los aspectos más destacados de la película es su capacidad para combinar el contexto histórico con los conflictos personales de los personajes. La ambientación, las interpretaciones y el desarrollo de la trama consiguen transmitir al espectador la incertidumbre y los dilemas morales a los que debían enfrentarse quienes vivían en esa época.

El teniente y Genero, cada uno con sus dilemas.

En definitiva, bajo nuestra opinión, es una película recomendable ya que, además de entretener nos invita a reflexionar sobre la memoria histórica, la libertad y la importancia de defender los derechos propios y humanos.

Personajes e interpretaciones

Los personajes de La cena están bien construidos y representan distintas formas de afrontar una época marcada por el miedo, la represión y la falta de libertad. Cada uno reacciona de manera diferente ante las circunstancias que vive, lo que permite comprender los conflictos personales y morales a los que se enfrentaban muchas personas durante la dictadura.

En cuanto a las interpretaciones, el reparto nos ofrece una actuaciones comedidas, convincentes y muy naturales. Los actores consiguen transmitir emociones, tensión, incertidumbre, miedo y esperanza sin caer en amarillismos o exageraciones.  

Opinión y nota final

Aunque La cena transmite muy bien el ambiente de la época y cuenta con buenas interpretaciones, en algunos momentos el ritmo resulta demasiado pausado, lo que hace que la historia avance con cierta lentitud.

Teniendo en cuenta todos estos aspectos, La cena consigue cumplir su objetivo convirtiéndose, además, en un producto interesante especialmente para aquellos que desean conocer mejor ese periodo de la historia de España.

Nota final: 6 / 10

Ficha técnica de La cena

Título original: La cena

Año: 2025

Director: Manuel Gómez Pereira

Duración: 106 minutos

Género: Drama, comedia