Quince días (2026): una historia de amor, autoestima y gordofobia

Hay edades en las que quince días pueden parecer una eternidad. Y si además tienes que pasar esas dos semanas con tu crush, la cosa puede convertirse en una película… o en una crisis existencial con piscina de fondo. Quince días habla de amor, pero también de algo bastante menos romántico: la gordofobia y todas esas inseguridades que aparecen cuando llevas demasiado tiempo escuchando que tu cuerpo no encaja.

Felipe ha aprendido a pensar que, antes de que alguien pueda enamorarse de él, tendría que cambiar unas cuantas cosas. Ya sabemos cómo funciona esto: adelgazar, gustar, encajar y, si queda tiempo, respirar. Pero entonces aparece Caio, el chico que lleva años idealizando, y de repente todas esas certezas empiezan a tambalearse.

Porque Quince días no pretende contarnos que hay que cambiar para encontrar el amor, sino justo lo contrario: que quizá el problema nunca estuvo en nuestro cuerpo, sino en todo lo que nos han enseñado a pensar sobre él. Y entre primeros amores, complejos, humor y bastante torpeza adolescente, la película nos recuerda que para que alguien pueda querernos quizá lo primero que tenemos que hacer es dejar de pensar que no somos dignos de ser queridos.

Sinopsis de Quince días

Felipe solo quiere disfrutar de las vacaciones y olvidarse durante un tiempo del instituto, de las burlas y de las inseguridades que arrastra desde hace años. Lo último que espera es que Caio, su antiguo vecino y el chico del que lleva tiempo enamorado en secreto, aparezca para pasar quince días en su casa. Un verano tranquilo que, de repente, promete ser bastante más complicado de lo previsto.

Al principio, tener a Caio tan cerca es casi una tortura para Felipe. Pero poco a poco empiezan a recuperar la amistad que tenían de pequeños, a compartir confidencias y a descubrir que quizá entre ellos hay algo más que recuerdos. Mientras tanto, Felipe tendrá que lidiar con sus propios complejos y con la idea de que alguien como Caio pueda fijarse realmente en él.

Entre primeros amores, situaciones incómodas, risas y algún que otro ataque de vergüenza adolescente, Quince días cuenta el verano en el que Felipe empieza a descubrir que no necesita cambiar su cuerpo para que alguien pueda enamorarse de él. Y que, a veces, lo más difícil no es conseguir que te quieran, sino aprender a creer que puedes ser querido tal y como eres.

Crítica de Quince días

Quince días sabe qué película quiere ser y no intenta aparentar más de lo que es. Es una historia adolescente de primeros amores, inseguridades y descubrimientos que transita por caminos bastante conocidos, pero lo hace con naturalidad, humor y ternura. Aquí no hay grandes tragedias: hay vacaciones, hormonas revolucionadas y un crush que aparece en casa durante quince días. Y ya sabemos que eso, a ciertas edades, puede ser más peligroso que cualquier apocalipsis.

Su mayor acierto está en cómo aborda la gordofobia a través de Felipe. Las burlas y los comentarios que ha recibido durante años han terminado convirtiéndose en su propia voz interior, hasta el punto de que le cuesta imaginar que alguien pueda sentirse atraído por él. Por eso su relación con Caio funciona como algo más que una historia de amor: es también el descubrimiento de que su cuerpo no es un obstáculo para ser querido, aunque él haya aprendido a verlo así. 

Felipe y Caio, superando sus barreras

La película funciona especialmente bien en esos pequeños momentos de complicidad, miradas, conversaciones y situaciones incómodas que acompañan al primer amor. Puede resultar previsible y, en algunos momentos, nos hubiera gustado que profundizara un poco más en determinados conflictos, pero tampoco pretende reinventar el género. Quince días apuesta por una historia sencilla y luminosa que deja una idea muy bonita: no hace falta cambiar para que alguien pueda enamorarse de ti; a veces lo difícil es creérselo uno mismo.

Personajes e interpretaciones

Felipe (Miguel Lallo) es el corazón de la película. Un adolescente divertido, sensible y lleno de inseguridades que lleva demasiado tiempo pensando que su cuerpo determina lo que puede o no puede conseguir. Lallo consigue que empaticemos con él, especialmente en esos momentos en los que intenta aparentar una seguridad que está muy lejos de sentir. Su evolución es sencilla, pero funciona: poco a poco deja de verse como alguien que tiene que mirar el amor desde fuera y empieza a permitirse ser protagonista.

Caio (Diego Lira) es el contrapunto perfecto y, sobre todo, funciona estupendamente junto a Felipe. La química entre ambos se siente natural, sin necesidad de forzar el romance: las miradas, las bromas, la complicidad y hasta los silencios incómodos hacen que resulte fácil creerse que entre ellos está surgiendo algo. Esa conexión es precisamente lo que hace que su historia funcione más allá del típico romance adolescente. Felipe y Caio tienen esa mezcla de nervios, curiosidad y confianza que hace que quieras verlos juntos, y la película sabe aprovecharla sin convertir su relación en algo excesivamente edulcorado. Junto a ellos, Rita (Débora Falabella) aporta el necesario contrapunto adulto y familiar.

¿Merece la pena ver Quince días?

Sí. Quince días es previsible, y probablemente sepamos por dónde van a ir los tiros bastante antes de que lleguen, pero eso no le quita encanto. Al contrario, la película sabe jugar sus cartas con un ritmo ágil, un tono cercano y una historia de amor que resulta fácil disfrutar. Además, nos ha gustado especialmente el enfoque de la gordofobia y la autoestima, sin convertirlo todo en un drama.

Y hasta su desenlace nos ha convencido. Puede que no estemos ante una película que busque sorprendernos constantemente, pero tampoco todas tienen que hacerlo. Quince días funciona porque cuenta una historia sencilla, la cuenta bien y consigue que terminemos con una sonrisa. Una película tierna, divertida y con un mensaje bonito que, sin inventar nada nuevo, sabe perfectamente lo que quiere contar.

Nota Final: 7 / 10

Ficha técnica de Quince días

Título original: Quinze dias

Año: 2026

Director: Daniel Lieff

Duración: 100 minutos

Género: Comedia, Drama Romántico, LGTBI

Anatomía de una caída (2023): donde la verdad también se sienta en el banquillo

Hay películas que te atrapan porque necesitas saber qué ha pasado. Y luego está “Anatomía de una caída”, que consigue algo bastante más interesante: hacer que, después de un rato, ya no tengas tan claro si realmente quieres saberlo.

“Anatomía de una caída” es un thriller judicial que comienza con una muerte y una pregunta aparentemente sencilla: ¿accidente, suicidio u homicidio? Pero pronto descubrimos que aquí lo importante no es únicamente averiguar cómo murió Samuel, sino intentar entender cómo llegó a romperse una relación, ya que, cuando una pareja termina delante de un tribunal, también salen a la luz todas esas pequeñas cosas que durante años permanecieron escondidas bajo la alfombra.

Justine Triet construye en “Anatomía de una caída” un thriller de 151 minutos que se toma su tiempo para buscar respuestas y en el que cada versión de los hechos puede cambiar nuestra percepción de lo ocurrido.

Sinopsis de Anatomía de una caída

Sandra, Samuel y su hijo de once años, Daniel, viven en un aislado chalet en los Alpes franceses. Sandra es una escritora de éxito; Samuel, profesor y también escritor, intenta avanzar con sus propios proyectos. Su vida familiar, aparentemente tranquila, está marcada por las dificultades de su relación y por un accidente que dejó a Daniel con una discapacidad visual.

Un día, mientras Sandra se encuentra en casa, Samuel aparece muerto al pie del chalet tras caer desde una ventana. No hay una explicación clara para lo sucedido y la investigación pronto convierte una muerte aparentemente accidental en un caso mucho más complejo. ¿Fue un accidente? ¿Se quitó la vida? ¿O alguien provocó su caída? Sandra, que se encontraba en el lugar, acaba siendo acusada de haber matado a su marido.

Un año después comienza el juicio y, con él, una reconstrucción minuciosa de la vida de la pareja. Conversaciones, testimonios, conflictos, recuerdos y detalles de su relación empiezan a formar parte del proceso, mientras Daniel queda atrapado en medio de una historia que también es la de sus padres. Porque para determinar qué ocurrió con Samuel habrá que decidir también cuánto se conoce realmente a la persona con la que compartimos nuestra vida.

Crítica de Anatomía de una caída

“Anatomía de una caída” es una de esas películas que se toman su tiempo. Mucho. Sus 151 minutos pesan en algunos momentos y hay tramos del juicio en los que el ritmo se resiente. No es un thriller de los que buscan mantenernos continuamente al borde del sofá, pero tampoco necesita serlo.

Justine Triet construye una historia mucho más interesante que un simple misterio sobre una muerte. El juicio se convierte en una radiografía de una pareja y, a medida que conocemos su relación, empezamos a preguntarnos qué parte de lo que escuchamos es verdad y cuánto creemos conocer realmente a las personas que tenemos más cerca.

Y ahí es donde la película funciona especialmente bien. No busca darnos respuestas fáciles ni decirnos qué debemos pensar. Nos convierte en espectadores y jueces al mismo tiempo, obligándonos a sacar nuestras propias conclusiones.

Sandra y Daniel en Anatomía de una caída

¿Es lenta? Sí, por momentos. ¿Nos ha hecho mirar el reloj? También. Pero cuando termina, resulta difícil negar que hemos disfrutado del viaje.

“Anatomía de una caída” no es un thriller perfecto, pero sí una película inteligente, incómoda y muy disfrutable. Una historia sobre una muerte que, en realidad, habla mucho más de cómo se rompe una relación y de lo poco que podemos llegar a conocer a otra persona.

Personajes e interpretaciones

Sandra Hüller es el gran pilar de la película. Su Sandra es un personaje complejo, difícil de leer y que nunca termina de mostrarnos completamente qué está pensando. La actriz consigue transmitir esa ambigüedad sin necesidad de grandes gestos, y eso hace que dudemos de ella prácticamente hasta el último momento.

A su lado, Milo Machado-Graner sorprende como Daniel, el hijo de la pareja. Su personaje acaba teniendo un peso mucho mayor del que inicialmente podríamos esperar y su mirada sobre lo ocurrido aporta una perspectiva diferente a todo el conflicto.

También funcionan muy bien los personajes secundarios, especialmente quienes participan en el juicio, porque ayudan a convertir los problemas íntimos de una pareja en un asunto público.

¿Merece la pena ver Anatomía de una caída?

Sí, merece la pena. Aunque su ritmo pausado puede hacerse cuesta arriba en algunos momentos, “Anatomía de una caída” compensa con un guion inteligente, unas interpretaciones excelentes y una historia que consigue mantener la duda hasta el final.

No es una película para quienes busquen un thriller lleno de giros y acción, pero si te gustan las historias que te hacen pensar y sacar tus propias conclusiones, dale una oportunidad. Porque cuando termina, probablemente seguirás dándole vueltas a lo que has visto.

Una película lenta por momentos, sí. Pero también fascinante, incómoda y muy disfrutable.

Nota final: 7.5 / 10 

Ficha técnica de Anatomía de una caída

Título original: Anatomie d'une chute

Año: 2023

Director: Justine Triet

Duración: 150 minutos

Género: Drama

Los domingos (2025): grandes interpretaciones, pero demasiado superficial

Hay películas que llegan acompañadas de buenas críticas, elogios y más premios que certámenes donde se presentan, haciendo casi imposible acercarse a ellas sin unas expectativas demasiado altas. Esto es precisamente lo que nos ha ocurrido con Los domingos, la nueva película de Alauda Ruiz de Azúa.

Tras sus últimos éxitos, esperábamos encontrar en esta ocasión una historia con personajes complejos, conversaciones incómodas y, sobre todo, un conflicto capaz de remover al espectador. La premisa, desde luego, daba para ello.

Pero, en nuestro caso, la película se ha quedado bastante lejos de lo que esperaba.

Sinopsis de Los domingos

Ainara tiene 17 años, es una chica brillante, inteligente y con las ideas bastante claras. O eso parece hasta que un día sorprende a su familia con una decisión que nadie esperaba: quiere convertirse en monja de clausura.

La noticia cae como una bomba en casa y obliga a todos a enfrentarse a una pregunta difícil: ¿es realmente una decisión libre y meditada o hay algo más detrás de ella? Mientras sus padres intentan comprender qué ha llevado a su hija a tomar este camino, su tía Maite, mucho más crítica con la religión, cuestiona algunos de los motivos que pueden estar detrás de su elección.

Los domingos, dirigida por Alauda Ruiz de Azúa, convierte esta situación en un drama familiar sobre la adolescencia, la fe, la libertad y la necesidad de encontrar nuestro propio camino. Una película que plantea un conflicto interesante y lleno de matices, aunque quizá no profundiza en todas las preguntas que su premisa nos hace plantearnos.

Crítica de Los domingos

Hay películas que, cuando terminan, te dejan pensando durante horas. Y hay otras que, pese a tener todos los ingredientes para hacerlo, simplemente te dejan con la sensación de que podrían haber dado mucho más de sí. Eso es exactamente lo que nos ha ocurrido con Los domingos.

Uno de los principales problemas que hemos encontrado en Los domingos es que plantea muchas preguntas, pero no siempre se atreve a buscar respuestas.

La decisión de Ainara es un magnífico punto de partida para explorar qué lleva a una persona tan joven a querer renunciar a una vida convencional. También para hablar de la influencia de la familia, de la religión, de la educación o de esa necesidad que todos tenemos, en mayor o menor medida, de encontrar nuestro lugar en el mundo.

Pero muchas de estas cuestiones aparecen apuntadas y poco más.

También nos ha costado bastante entrar en el ritmo de la película.

Los domingos apuesta por una narración pausada, íntima y muy contenida. No necesita grandes giros ni escenas especialmente dramáticas para contar su historia, y esa decisión parece perfectamente válida.

Ainara y su familia en una comida de domingo

El problema llega cuando esa calma empieza a confundirse con cierta falta de ritmo.

Hay momentos en los que la historia avanza muy poco y determinadas conversaciones o situaciones parecen alargarse más de lo necesario. Y cuando el conflicto que tienes delante es tan potente, resulta inevitable pensar que la película podría estar aprovechándolo mucho más.

Personajes e interpretaciones

Si hay algo que consigue que Los domingos funcione mucho mejor son sus interpretaciones.

El reparto está magnífico y consigue dotar de credibilidad a unos personajes que podrían haber caído fácilmente en el estereotipo. Especialmente destacable es el trabajo de Patricia López Arnaiz, que transmite con enorme naturalidad las contradicciones, dudas y preocupaciones de una mujer que intenta entender una decisión que se escapa completamente de su manera de ver el mundo.

También funciona muy bien Blanca Soroa como Ainara. Su personaje exige bastante contención y la actriz consigue transmitir mucho sin necesidad de grandes discursos.

De hecho, en varios momentos he tenido la sensación de que las interpretaciones consiguen aportar a los personajes una profundidad que el propio guion no termina de desarrollar.

¿Merece la pena ver Los domingos?

Sí, pero con expectativas moderadas.

Los domingos es una película bien dirigida, con una estupenda factura y, sobre todo, con unas interpretaciones magníficas. Además, plantea un conflicto interesante y poco habitual dentro del cine español reciente.

Quizá porque esperábamos encontrar una película mucho más profunda y emocional. Una historia que se atreviera a entrar realmente en la cabeza de Ainara y en las contradicciones de una familia enfrentada a una decisión que no entiende.

En cambio, nos hemos encontrado con una película demasiado contenida, irregular en su ritmo y, en nuestra opinión, bastante más superficial de lo que su interesante premisa hacía pensar.

No creemos que sea una mala película. Ni mucho menos. Simplemente pensamos que podría haber sido mucho mejor.

Nota final: 6 /10.

Ficha técnica de Los domingos

Título original: Los domingos

Año: 2026

Director: Alauda Ruiz de Azúa

Duración: 110 minutos

Género: Drama, Adolescencia

No se desea buena suerte (2026), crítica: una historia sobre crecer cuando la vida se complica

Crecer no siempre ocurre cuando uno está preparado. A veces la vida acelera el proceso y obliga a dejar atrás, demasiado pronto, una parte de esa despreocupación que asociamos con la adolescencia. No se desea buena suerte (2026) parte precisamente de esa idea para acercarse a uno de los conflictos más difíciles de afrontar a cualquier edad: ver cómo la enfermedad de una persona querida cambia las prioridades y obliga a madurar antes de tiempo.

Dirigida por Julia Hart, esta película de Netflix combina drama, comedia y música para hablar de la familia, los sueños y ese complicado momento en el que empiezas a descubrir que no todo depende de ti. Porque mientras intentamos construir nuestro propio camino, también tenemos que aprender a convivir con situaciones que no hemos elegido y para las que nadie nos ha preparado.

No se desea buena suerte utiliza así una historia aparentemente juvenil para abordar un tema profundamente humano: qué ocurre cuando la vida nos obliga a crecer justo cuando todavía estamos intentando descubrir quiénes somos. Y lo hace buscando ese difícil equilibrio entre la emoción, la esperanza y los momentos de luz que también existen incluso en las etapas más complicadas.

Sinopsis de No se desea buena suerte

Sophie Birenbaum acaba de conseguir el papel protagonista en el musical de su instituto, un sueño que parecía marcar el comienzo de una de las etapas más emocionantes de su adolescencia. Entre ensayos, canciones y nuevas responsabilidades, Sophie descubre también la importancia de sus amigos y de esos vínculos que, poco a poco, empiezan a adquirir un significado diferente. Porque crecer también implica aprender a valorar a las personas que tenemos cerca y descubrir nuevas formas de querer y de ser querido.

Pero la enfermedad de su madre vuelve a ocupar un lugar central en su vida y transforma por completo ese momento de felicidad. Sophie se encuentra ante una realidad para la que todavía no está preparada, intentando compaginar sus propios sueños con la preocupación por alguien a quien quiere profundamente. Esta situación no solo afecta a su familia, sino que la obliga a enfrentarse a sentimientos y responsabilidades que parecen demasiado grandes para alguien que todavía está intentando descubrir quién es.

En ese camino, la amistad y el amor se convierten en apoyos fundamentales, pero también en nuevas fuentes de dudas y emociones. Sophie tendrá que aprender que madurar no significa tener todas las respuestas ni poder controlar lo que sucede a nuestro alrededor, sino encontrar la manera de seguir adelante cuando la vida cambia las reglas. Entre el escenario, la familia y las relaciones que va construyendo, No se desea buena suerte plantea así un viaje de crecimiento marcado por la enfermedad, pero también por la capacidad de querer, acompañar y encontrar pequeños motivos para seguir soñando.

Personajes e interpretaciones

Sunny Sandler lleva el peso de No se desea buena suerte dando vida a Sophie Birenbaum, una adolescente que tiene que enfrentarse demasiado pronto a situaciones que ponen a prueba su forma de entender el mundo. Su interpretación funciona especialmente bien cuando la película se aleja del tono más ligero y deja espacio a la vulnerabilidad del personaje. Sandler consigue transmitir esa mezcla de ilusión, inseguridad y madurez prematura sin convertir a Sophie en una protagonista excesivamente adulta para su edad.

La familia Birenbaum al completo

A su lado, Melanie Lynskey aporta sensibilidad y profundidad al personaje de la madre, convirtiéndose en uno de los principales pilares emocionales de la historia. La relación entre ambas permite que la película explore el amor familiar desde un lugar bastante íntimo, mientras que el reparto juvenil completa el relato con las amistades, los primeros sentimientos y las inseguridades propias de una etapa en la que todo parece estar cambiando al mismo tiempo.

En conjunto, las interpretaciones consiguen que el conflicto emocional de la película resulte cercano, especialmente cuando muestra cómo una situación familiar compleja puede modificar las relaciones y acelerar un proceso de crecimiento que nadie había elegido.

Opinión

No se desea buena suerte nos ha gustado. No estamos ante una obra maestra ni ante una película que vaya a revolucionar el género, pero tampoco parece que lo pretenda. Su principal virtud está precisamente en hacer bien las cosas: construir un drama cercano, combinarlo con momentos de humor y música y conseguir que la historia resulte emotiva sin necesidad de recurrir constantemente al golpe fácil.

Eso sí, quizá le pedíamos algo más de valentía a la hora de profundizar en el dolor y la enfermedad. La película plantea una situación potencialmente muy dura, pero en buena parte del metraje prefiere mantenerse en una zona emocional relativamente cómoda, dejando algunas de sus consecuencias más dolorosas en segundo plano. Nos habría gustado que se atreviera a explorar más ese proceso y cómo afecta realmente a Sophie y a su entorno. Aun así, No se desea buena suerte funciona como un drama juvenil bien construido, honesto y con corazón, de esos que quizá no dejan una huella imborrable, pero sí consiguen que terminemos su visionado con una sensación agradable y alguna reflexión dando vueltas en la cabeza.

¿Merece la pena No se desea buena suerte?

Nosotros creemos que sí. Y no porque estemos ante la película que vaya a cambiar la historia del cine ni porque después de verla vayamos a necesitar una pizarra para analizar cada plano. No se desea buena suerte juega en una liga mucho más sencilla: quiere contar una historia emotiva, hacernos pasar un buen rato y dejar alguna reflexión por el camino. Y, sinceramente, lo consigue..

Puede que se quede algo corta cuando llega el momento de profundizar en el dolor y en todo lo que supone convivir con la enfermedad de un ser querido, pero tiene buenos personajes, una historia cercana y suficientes momentos de emoción como para que merezca la oportunidad. Además, tiene ese punto de película que empiezas pensando “vamos a ver qué tal” y terminas diciendo “pues mira, al final ha estado bastante bien”. .

Nota final: 7 /10.

Ficha técnica de No se desea buena suerte

Título original: Don't Say Good Luck

Año: 2026

Director: Julia Hart

Duración: 93 minutos

Género: Comedia, Drama, Musical

Heartstopper para siempre (2026): una despedida para Nick y Charlie

Hay historias que terminan cuando aparecen los créditos finales y otras que cuesta mucho más despedir. Heartstopper pertenece claramente al segundo grupo. Desde que Nick y Charlie se cruzaron por primera vez, la historia creada por Alice Oseman se ha convertido en mucho más que una serie adolescente: ha sido un refugio para muchos espectadores y una de esas pequeñas historias capaces de hablar de amor, amistad, identidad y crecimiento con una enorme naturalidad.

Ahora, después de tres temporadas, llega Heartstopper para siempre, la película que pone el punto final a la historia de Nick Nelson y Charlie Spring. Y no podía ser un final sencillo. Porque crecer significa dejar atrás algunas cosas, tomar decisiones y descubrir que incluso el amor más bonito tiene que enfrentarse a los cambios que trae la vida.

Sinopsis de Heartstopper para siempre

Nick y Charlie han conseguido construir una relación que parecía capaz de superar cualquier obstáculo, pero crecer también significa enfrentarse a cambios que no siempre se pueden controlar.

Con Nick preparándose para marcharse a la universidad y Charlie comenzando a encontrar su propio camino en el instituto, ambos tendrán que descubrir qué significa mantener una relación cuando la vida empieza a llevarlos por caminos diferentes.

La llegada de esta nueva etapa supone un importante desafío para la pareja. La distancia, las dudas y el miedo a quedarse atrás comienzan a poner a prueba un amor que hasta ahora parecía inseparable.

Mientras Nick y Charlie intentan averiguar qué les espera después del instituto, sus amigos también se enfrentan a sus propios cambios, relaciones y decisiones. Todos están dejando atrás poco a poco la adolescencia y descubriendo que crecer implica tomar decisiones, aceptar que algunas cosas cambian y aprender a mirar hacia el futuro.

Heartstopper para siempre se convierte así en la despedida de Nick, Charlie y toda la pandilla, pero también en una historia sobre el primer amor, la amistad y ese complicado momento en el que tenemos que decidir qué queremos conservar cuando nuestra vida empieza a cambiar.

Personajes e interpretaciones

Kit Connor y Joe Locke vuelven a ser el corazón de Heartstopper para siempre como Nick y Charlie, dos personajes que han crecido muchísimo desde que los conocimos. Connor transmite muy bien las dudas de un Nick que se enfrenta a una nueva etapa y a la posibilidad de tener que mantener su relación a distancia, mientras que Locke muestra a un Charlie más maduro y seguro de sí mismo, aunque sin perder la sensibilidad que siempre ha definido al personaje. La química entre ambos continúa siendo uno de los grandes puntos fuertes de la película.

Nick y Charlie en Heartstopper para siempre

En conjunto, las interpretaciones funcionan precisamente porque no necesitan grandes artificios. Se nota la familiaridad de los actores con sus personajes y, sobre todo, esa sensación de que estamos acompañando a un grupo de jóvenes que ha crecido delante de nosotros. Heartstopper para siempre consigue así que la despedida tenga un componente emocional que va más allá de la propia historia de Nick y Charlie.

Opinión

Nos ha gustado Heartstopper para siempre, sobre todo porque consigue algo que no siempre es fácil cuando una historia tiene tanto éxito: saber cuándo terminar. Podrían haber estirado mucho más el universo de Nick y Charlie, pero la película entiende que crecer también significa cerrar etapas y prefiere despedirse en el momento adecuado antes que alargar una historia que ya había contado buena parte de lo que quería contar.

Es cierto que encontramos algunas diferencias respecto a la novela gráfica de Alice Oseman, especialmente en la manera de desarrollar determinadas situaciones y personajes. Pero creemos que funcionan dentro de la película y no impiden que conserve la esencia de Heartstopper: ese equilibrio entre romance, amistad, dudas, crecimiento personal y, sobre todo, la importancia de quererse a uno mismo y a los demás.

Quizá no sea una despedida perfecta para todos los seguidores, pero sí nos parece una despedida honesta, emotiva y coherente con lo que ha sido Heartstopper. Y después de acompañar a Nick, Charlie y sus amigos durante tanto tiempo, poder decirles adiós sin tener la sensación de que han estirado el chicle más de la cuenta ya es, para nosotros, una muy buena noticia.

¿Merece la pena Heartstopper para siempre?

Sí, especialmente si habéis seguido la historia de Nick, Charlie y compañía desde el principio. Heartstopper para siempre ofrece una despedida emotiva y bastante satisfactoria, sin necesidad de alargar innecesariamente una historia que ya había llegado a su momento de terminar.

Puede que quienes esperaban una adaptación completamente fiel a la novela gráfica encuentren algunas diferencias, pero creemos que no desvirtúan el resultado. Si os gusta Heartstopper, merece la pena darle a esta última aventura de Nick y Charlie la oportunidad de cerrar el círculo.

Nota final: 7.5 /10.