No se desea buena suerte (2026), crítica: una historia sobre crecer cuando la vida se complica

Crecer no siempre ocurre cuando uno está preparado. A veces la vida acelera el proceso y obliga a dejar atrás, demasiado pronto, una parte de esa despreocupación que asociamos con la adolescencia. No se desea buena suerte (2026) parte precisamente de esa idea para acercarse a uno de los conflictos más difíciles de afrontar a cualquier edad: ver cómo la enfermedad de una persona querida cambia las prioridades y obliga a madurar antes de tiempo.

Dirigida por Julia Hart, esta película de Netflix combina drama, comedia y música para hablar de la familia, los sueños y ese complicado momento en el que empiezas a descubrir que no todo depende de ti. Porque mientras intentamos construir nuestro propio camino, también tenemos que aprender a convivir con situaciones que no hemos elegido y para las que nadie nos ha preparado.

No se desea buena suerte utiliza así una historia aparentemente juvenil para abordar un tema profundamente humano: qué ocurre cuando la vida nos obliga a crecer justo cuando todavía estamos intentando descubrir quiénes somos. Y lo hace buscando ese difícil equilibrio entre la emoción, la esperanza y los momentos de luz que también existen incluso en las etapas más complicadas.

Sinopsis de No se desea buena suerte

Sophie Birenbaum acaba de conseguir el papel protagonista en el musical de su instituto, un sueño que parecía marcar el comienzo de una de las etapas más emocionantes de su adolescencia. Entre ensayos, canciones y nuevas responsabilidades, Sophie descubre también la importancia de sus amigos y de esos vínculos que, poco a poco, empiezan a adquirir un significado diferente. Porque crecer también implica aprender a valorar a las personas que tenemos cerca y descubrir nuevas formas de querer y de ser querido.

Pero la enfermedad de su madre vuelve a ocupar un lugar central en su vida y transforma por completo ese momento de felicidad. Sophie se encuentra ante una realidad para la que todavía no está preparada, intentando compaginar sus propios sueños con la preocupación por alguien a quien quiere profundamente. Esta situación no solo afecta a su familia, sino que la obliga a enfrentarse a sentimientos y responsabilidades que parecen demasiado grandes para alguien que todavía está intentando descubrir quién es.

En ese camino, la amistad y el amor se convierten en apoyos fundamentales, pero también en nuevas fuentes de dudas y emociones. Sophie tendrá que aprender que madurar no significa tener todas las respuestas ni poder controlar lo que sucede a nuestro alrededor, sino encontrar la manera de seguir adelante cuando la vida cambia las reglas. Entre el escenario, la familia y las relaciones que va construyendo, No se desea buena suerte plantea así un viaje de crecimiento marcado por la enfermedad, pero también por la capacidad de querer, acompañar y encontrar pequeños motivos para seguir soñando.

Personajes e interpretaciones

Sunny Sandler lleva el peso de No se desea buena suerte dando vida a Sophie Birenbaum, una adolescente que tiene que enfrentarse demasiado pronto a situaciones que ponen a prueba su forma de entender el mundo. Su interpretación funciona especialmente bien cuando la película se aleja del tono más ligero y deja espacio a la vulnerabilidad del personaje. Sandler consigue transmitir esa mezcla de ilusión, inseguridad y madurez prematura sin convertir a Sophie en una protagonista excesivamente adulta para su edad.

La familia Birenbaum al completo

A su lado, Melanie Lynskey aporta sensibilidad y profundidad al personaje de la madre, convirtiéndose en uno de los principales pilares emocionales de la historia. La relación entre ambas permite que la película explore el amor familiar desde un lugar bastante íntimo, mientras que el reparto juvenil completa el relato con las amistades, los primeros sentimientos y las inseguridades propias de una etapa en la que todo parece estar cambiando al mismo tiempo.

En conjunto, las interpretaciones consiguen que el conflicto emocional de la película resulte cercano, especialmente cuando muestra cómo una situación familiar compleja puede modificar las relaciones y acelerar un proceso de crecimiento que nadie había elegido.

Opinión

No se desea buena suerte nos ha gustado. No estamos ante una obra maestra ni ante una película que vaya a revolucionar el género, pero tampoco parece que lo pretenda. Su principal virtud está precisamente en hacer bien las cosas: construir un drama cercano, combinarlo con momentos de humor y música y conseguir que la historia resulte emotiva sin necesidad de recurrir constantemente al golpe fácil.

Eso sí, quizá le pedíamos algo más de valentía a la hora de profundizar en el dolor y la enfermedad. La película plantea una situación potencialmente muy dura, pero en buena parte del metraje prefiere mantenerse en una zona emocional relativamente cómoda, dejando algunas de sus consecuencias más dolorosas en segundo plano. Nos habría gustado que se atreviera a explorar más ese proceso y cómo afecta realmente a Sophie y a su entorno. Aun así, No se desea buena suerte funciona como un drama juvenil bien construido, honesto y con corazón, de esos que quizá no dejan una huella imborrable, pero sí consiguen que terminemos su visionado con una sensación agradable y alguna reflexión dando vueltas en la cabeza.

¿Merece la pena No se desea buena suerte?

Nosotros creemos que sí. Y no porque estemos ante la película que vaya a cambiar la historia del cine ni porque después de verla vayamos a necesitar una pizarra para analizar cada plano. No se desea buena suerte juega en una liga mucho más sencilla: quiere contar una historia emotiva, hacernos pasar un buen rato y dejar alguna reflexión por el camino. Y, sinceramente, lo consigue..

Puede que se quede algo corta cuando llega el momento de profundizar en el dolor y en todo lo que supone convivir con la enfermedad de un ser querido, pero tiene buenos personajes, una historia cercana y suficientes momentos de emoción como para que merezca la oportunidad. Además, tiene ese punto de película que empiezas pensando “vamos a ver qué tal” y terminas diciendo “pues mira, al final ha estado bastante bien”. .

Nota final: 7 /10.

Heartstopper para siempre (2026): una despedida para Nick y Charlie

Hay historias que terminan cuando aparecen los créditos finales y otras que cuesta mucho más despedir. Heartstopper pertenece claramente al segundo grupo. Desde que Nick y Charlie se cruzaron por primera vez, la historia creada por Alice Oseman se ha convertido en mucho más que una serie adolescente: ha sido un refugio para muchos espectadores y una de esas pequeñas historias capaces de hablar de amor, amistad, identidad y crecimiento con una enorme naturalidad.

Ahora, después de tres temporadas, llega Heartstopper para siempre, la película que pone el punto final a la historia de Nick Nelson y Charlie Spring. Y no podía ser un final sencillo. Porque crecer significa dejar atrás algunas cosas, tomar decisiones y descubrir que incluso el amor más bonito tiene que enfrentarse a los cambios que trae la vida.

Sinopsis de Heartstopper para siempre

Nick y Charlie han conseguido construir una relación que parecía capaz de superar cualquier obstáculo, pero crecer también significa enfrentarse a cambios que no siempre se pueden controlar.

Con Nick preparándose para marcharse a la universidad y Charlie comenzando a encontrar su propio camino en el instituto, ambos tendrán que descubrir qué significa mantener una relación cuando la vida empieza a llevarlos por caminos diferentes.

La llegada de esta nueva etapa supone un importante desafío para la pareja. La distancia, las dudas y el miedo a quedarse atrás comienzan a poner a prueba un amor que hasta ahora parecía inseparable.

Mientras Nick y Charlie intentan averiguar qué les espera después del instituto, sus amigos también se enfrentan a sus propios cambios, relaciones y decisiones. Todos están dejando atrás poco a poco la adolescencia y descubriendo que crecer implica tomar decisiones, aceptar que algunas cosas cambian y aprender a mirar hacia el futuro.

Heartstopper para siempre se convierte así en la despedida de Nick, Charlie y toda la pandilla, pero también en una historia sobre el primer amor, la amistad y ese complicado momento en el que tenemos que decidir qué queremos conservar cuando nuestra vida empieza a cambiar.

Personajes e interpretaciones

Kit Connor y Joe Locke vuelven a ser el corazón de Heartstopper para siempre como Nick y Charlie, dos personajes que han crecido muchísimo desde que los conocimos. Connor transmite muy bien las dudas de un Nick que se enfrenta a una nueva etapa y a la posibilidad de tener que mantener su relación a distancia, mientras que Locke muestra a un Charlie más maduro y seguro de sí mismo, aunque sin perder la sensibilidad que siempre ha definido al personaje. La química entre ambos continúa siendo uno de los grandes puntos fuertes de la película.

Nick y Charlie en Heartstopper para siempre

En conjunto, las interpretaciones funcionan precisamente porque no necesitan grandes artificios. Se nota la familiaridad de los actores con sus personajes y, sobre todo, esa sensación de que estamos acompañando a un grupo de jóvenes que ha crecido delante de nosotros. Heartstopper para siempre consigue así que la despedida tenga un componente emocional que va más allá de la propia historia de Nick y Charlie.

Opinión

Nos ha gustado Heartstopper para siempre, sobre todo porque consigue algo que no siempre es fácil cuando una historia tiene tanto éxito: saber cuándo terminar. Podrían haber estirado mucho más el universo de Nick y Charlie, pero la película entiende que crecer también significa cerrar etapas y prefiere despedirse en el momento adecuado antes que alargar una historia que ya había contado buena parte de lo que quería contar.

Es cierto que encontramos algunas diferencias respecto a la novela gráfica de Alice Oseman, especialmente en la manera de desarrollar determinadas situaciones y personajes. Pero creemos que funcionan dentro de la película y no impiden que conserve la esencia de Heartstopper: ese equilibrio entre romance, amistad, dudas, crecimiento personal y, sobre todo, la importancia de quererse a uno mismo y a los demás.

Quizá no sea una despedida perfecta para todos los seguidores, pero sí nos parece una despedida honesta, emotiva y coherente con lo que ha sido Heartstopper. Y después de acompañar a Nick, Charlie y sus amigos durante tanto tiempo, poder decirles adiós sin tener la sensación de que han estirado el chicle más de la cuenta ya es, para nosotros, una muy buena noticia.

¿Merece la pena Heartstopper para siempre?

Sí, especialmente si habéis seguido la historia de Nick, Charlie y compañía desde el principio. Heartstopper para siempre ofrece una despedida emotiva y bastante satisfactoria, sin necesidad de alargar innecesariamente una historia que ya había llegado a su momento de terminar.

Puede que quienes esperaban una adaptación completamente fiel a la novela gráfica encuentren algunas diferencias, pero creemos que no desvirtúan el resultado. Si os gusta Heartstopper, merece la pena darle a esta última aventura de Nick y Charlie la oportunidad de cerrar el círculo.

Nota final: 7.5 /10.

El hombre menguante: un remake que se atreve a crecer a su manera

El hombre menguante regresa a la gran pantalla en forma de remake, demostrando que Hollywood y el cine europeo siguen encontrando inspiración en los grandes clásicos. Entre secuelas, precuelas y nuevas versiones, Jan Kounen recupera la mítica película de 1957 para ofrecer una reinterpretación más íntima y contemporánea.

Después de ver El hombre menguante, no pudimos evitar hacernos una pregunta: ¿tiene sentido rehacer un clásico cuando lo que realmente cambia no es la historia, sino la forma en que miramos a su protagonista?

Es una cuestión que acompaña a casi cualquier remake, aunque no siempre encuentra una respuesta convincente. En este caso, creemos que sí. Jan Kounen no se limita a trasladar la película de 1957 a la actualidad con mejores efectos visuales, sino que apuesta por una mirada más íntima, emocional y contemporánea. El resultado es una obra que respeta el espíritu del clásico mientras aporta nuevos matices a una historia que, casi setenta años después, sigue teniendo mucho que decir.

Sinopsis de “El hombre menguante”

Scott lleva una vida completamente normal hasta que un extraño fenómeno mientras nada en el mar cambia su existencia para siempre. Sin previo aviso, su cuerpo comienza a encogerse de manera imparable y, por mucho que la ciencia intente encontrar una explicación, cada día se despierta siendo un poco más pequeño. Lo que al principio parece una simple anomalía acaba convirtiéndose en una lucha desesperada por sobrevivir.

A medida que pierde tamaño, El hombre menguante transforma los objetos más cotidianos en auténticos desafíos. Una escalera se convierte en una montaña, una mascota deja de ser inofensiva y cualquier rincón de la casa puede esconder un peligro mortal. Jan Kounen aprovecha esta premisa para construir una aventura de ciencia ficción tan espectacular como angustiosa, donde la supervivencia depende tanto del ingenio como del valor.

Pero esta nueva versión va más allá del espectáculo visual y los efectos especiales. Bajo su historia de ciencia ficción se esconde una reflexión sobre la identidad, la fragilidad humana y el miedo a desaparecer en un mundo que sigue creciendo mientras su protagonista se hace cada vez más pequeño. Una propuesta que combina tensión, emoción y un inevitable homenaje al clásico de 1957.

Crítica de “El hombre menguante”

Con una premisa tan conocida como la de El hombre menguante, el mayor riesgo era quedarse en un simple ejercicio de nostalgia. Afortunadamente, Jan Kounen entiende que un remake no debería limitarse a repetir lo que ya funcionó hace casi setenta años.

En lugar de competir con el clásico de 1957, el director opta por recorrer un camino diferente. Su propuesta es más íntima, más emocional y menos preocupada por el espectáculo puro, una decisión arriesgada que puede no convencer a todo el mundo, pero que dota a El hombre menguante de una personalidad propia en lugar de convertirla en una copia del clásico.

Uno de los grandes aciertos de la película es su capacidad para transformar lo cotidiano en una amenaza constante. Una habitación deja de ser un refugio, una mascota puede convertirse en un depredador y cualquier objeto acaba representando un desafío de supervivencia. Y es ahí donde la película demuestra todo su ingenio.

En El hombre menguante, hasta un gato doméstico puede convertirse en una amenaza mortal.

Y para que esa propuesta funcione hacía falta un protagonista capaz de sostenerla. Jean Dujardin asume ese reto con naturalidad, dando vida a un Scott vulnerable, cercano y creíble.

Personajes e interpretaciones

Si hay alguien sobre quien recae el peso de El hombre menguante, ese es Jean Dujardin. El actor francés ofrece una interpretación contenida, pero cargada de matices, transmitiendo con enorme naturalidad la angustia, la incertidumbre y la soledad de un hombre que ve cómo el mundo se hace cada vez más grande mientras él desaparece poco a poco.

No era un papel sencillo. Gran parte del metraje depende de su capacidad para conectar con el espectador sin recurrir a grandes discursos ni excesos dramáticos, y Dujardin supera el reto con nota. Consigue que empaticemos con Scott desde el primer momento y convierte un personaje extraordinario en alguien sorprendentemente cercano y humano.

Opinión

Una de las cosas que más nos ha gustado de esta nueva versión de El hombre menguante es que Jan Kounen nunca intenta competir con el clásico de 1957. En lugar de copiar sus escenas más icónicas o apoyarse únicamente en la nostalgia, el director decide contar la misma historia desde una perspectiva más íntima, más humana y mucho más emocional.

Esta vez, hacerse pequeño no es solo una cuestión física. Es una forma de hablar de la fragilidad, del miedo a quedarse atrás y de la sensación de perder el lugar que uno ocupa en el mundo. Los efectos visuales están al servicio de esa idea y no al revés, permitiendo que el verdadero protagonista sea el viaje emocional de Scott.

Quizá no tenga el espíritu aventurero de la película original, y eso puede decepcionar a quienes esperaban un remake más fiel. Sin embargo, precisamente ahí encontramos su mayor acierto: El hombre menguante no pretende sustituir al clásico, sino demostrar que una buena historia también puede crecer cuando se atreve a cambiar de enfoque. Y eso, en una época en la que tantos remakes viven de mirar al retrovisor, nos parece una decisión tan valiente como acertada.

¿Merece la pena ver El hombre menguante?

Después de todo lo que hemos contado, la respuesta es sencilla: sí, merece la pena ver El hombre menguante, siempre que no esperes una copia del clásico de 1957. Jan Kounen entiende que un remake no tiene por qué competir con el original, sino ofrecer una nueva forma de acercarse a la historia.

Su propuesta apuesta por la emoción antes que por el espectáculo, convirtiendo el proceso de hacerse pequeño en una reflexión sobre la fragilidad, el aislamiento y el miedo a dejar de importar. Puede que su ritmo pausado no convenza a todo el mundo, pero precisamente esa personalidad propia es la que consigue que esta nueva versión justifique su existencia.

Quizá no sea más grande que el clásico, pero sí lo bastante valiente como para no vivir a su sombra.

Nota final: 7 /10.

Ficha técnica de El hombre menguante

Título original: L’homme qui rétrécit

Año: 2025

Director: Jan Kounen

Duración: 99 minutos

Género: Ciencia ficción, Drama, Fantástico

Las damas primero: crítica, Sacha Baron Cohen desaprovecha una gran sátira

El machismo sigue siendo uno de esos temas que, aunque la sociedad ha avanzado mucho en las últimas décadas, continúa formando parte de nuestro día a día. A veces se manifiesta de forma evidente y otras se esconde tras comentarios, costumbres o situaciones que hemos normalizado durante años. El cine ha encontrado en esta realidad una fuente inagotable para la comedia y la sátira, demostrando que el humor puede ser una herramienta tan eficaz para entretener como para invitar a la reflexión.

Precisamente sobre esa idea se construye Las damas primero, la última, por el momento, comedia protagonizada por Sacha Baron Cohen. La película imagina un mundo en el que hombres y mujeres intercambian por completo sus roles sociales, dando lugar a situaciones tan absurdas como reconocibles. Una premisa que, sobre el papel, prometía convertirse en una sátira tan divertida como incómoda.

Porque darle la vuelta al tablero siempre resulta atractivo. La cuestión es qué haces después con las piezas. Las damas primero arranca con una idea brillante y muchas posibilidades para cuestionar nuestros prejuicios, pero pronto descubriremos si se atreve a ir más allá de los tópicos... o si prefiere quedarse en una comedia ligera donde la verdadera revolución acaba pidiendo la cuenta antes del postre.

Sinopsis de Las damas primero

Las damas primero nos presenta a Damien (Sacha Baron Cohen), un hombre profundamente acomodado en sus privilegios, convencido de que el mundo funciona exactamente como debería. Su actitud machista y su forma de relacionarse con las mujeres forman parte de una rutina que nadie parece cuestionar, especialmente en un entorno laboral donde los comentarios sexistas y las desigualdades se han normalizado hasta el punto de resultar casi invisibles.

Pero su vida da un giro inesperado tras sufrir un accidente. Al despertar, descubre que sigue viviendo en el mismo mundo... aunque solo en apariencia. La sociedad ha cambiado por completo y ahora es un matriarcado donde los roles de género se han invertido. Lo que antes era cotidiano para él se convierte en una carrera de obstáculos en la que deberá enfrentarse a prejuicios, estereotipos y situaciones que nunca había imaginado vivir en primera persona.

La premisa de Las damas primero juega con una pregunta tan sencilla como sugerente: ¿qué ocurriría si los hombres ocuparan el lugar que durante siglos han tenido muchas mujeres? A partir de ahí, la película busca construir una comedia repleta de situaciones disparatadas, malentendidos y alguna que otra dosis de humor incómodo que invita a mirar la realidad desde una perspectiva completamente distinta.

Con Sacha Baron Cohen al frente, todo parecía apuntar a una sátira mordaz capaz de remover conciencias mientras arrancaba unas cuantas carcajadas. La idea, desde luego, no puede ser más atractiva. Ahora solo queda descubrir si la película se atreve a exprimir todo su potencial... o si, como ocurre a veces, prefiere ponerse de puntillas para no pisar demasiados callos.

Crítica de Las damas primero

Las damas primero tenía todos los ingredientes para convertirse en una de las comedias más inteligentes del año. Una premisa brillante, un reparto de primer nivel y, sobre todo, un Sacha Baron Cohen que parecía el actor perfecto para protagonizar una sátira afilada sobre el machismo y los privilegios. Sin embargo, la película da la sensación de quedarse constantemente a medio camino. Es un "quiero y no puedo" que prefiere jugar sobre seguro antes que incomodar al espectador.

Rosamund Pike y Sacha Baron Cohen protagonizan una escena de Las damas primero.

El principal problema está en que su crítica social pierde fuerza conforme avanza la historia. La inversión de los roles de género ofrece situaciones divertidas al principio, pero pronto cae en una sucesión de tópicos demasiado previsibles. En lugar de aprovechar ese nuevo mundo para desmontar prejuicios o lanzar una reflexión realmente incómoda, el guion se conforma con intercambiar hombres por mujeres y repetir los mismos clichés de siempre. El resultado es una comedia simpática, pero con una denuncia tan descafeinada que termina diluyéndose entre chistes que rara vez sorprenden.

Y es una auténtica pena, porque el potencial estaba ahí. Sacha Baron Cohen demuestra una vez más su enorme talento para la comedia, aunque aquí parece tener el freno de mano echado. Las damas primero entretiene, arranca alguna sonrisa y se deja ver con facilidad, pero da la sensación de que alguien decidió suavizar la sátira para no molestar a nadie. Y cuando una historia promete poner el mundo patas arriba y acaba limitándose a darle la vuelta al mantel, es inevitable acabar con la sensación de que podía haber sido mucho más.

Personajes e interpretaciones

Si algo mantiene a flote Las damas primero es la interpretación de Sacha Baron Cohen. El actor vuelve a demostrar su enorme capacidad para la comedia, manejando con soltura el desconcierto de un personaje que pasa de sentirse dueño del mundo a convertirse en el blanco de unos prejuicios que jamás había sufrido. El problema no está en su trabajo, sino en un guion que parece empeñado en ponerle límites.

A su alrededor, Rosamund Pike aporta presencia y elegancia a un personaje que podría haber dado mucho más juego, mientras que el resto del reparto cumple con solvencia sin disponer de grandes momentos para brillar. Todos están al servicio de una historia que apuesta más por la situación que por el desarrollo de sus personajes. Y quizá ahí resida otro de los problemas de la película: resulta más interesante la idea que plantea que las personas encargadas de vivirla.

¿Merece la pena ver Las damas primero?

Depende mucho de lo que esperes encontrar. Si buscas una comedia ligera con alguna situación divertida y un Sacha Baron Cohen que, aún lejos de su mejor versión, sigue teniendo un gran carisma en pantalla, probablemente pases un rato entretenido. La película se deja ver, tiene un ritmo ágil y nunca llega a resultar aburrida.

Sin embargo, si buscas una película mordaz sobre el machismo, es posible que te arrepientas si le das la oportunidad a esta película. La película plantea preguntas muy interesantes, pero rara vez se atreve a profundizar en ellas. Prefiere provocar una sonrisa antes que una reflexión incómoda.

Al final, Las damas primero acaba siendo una oportunidad desaprovechada. No porque sea una mala película, sino porque detrás de su divertida premisa se escondía una historia con potencial para convertirse en una gran comedia satírica.

Nota final: 5 /10.

Ficha técnica de Las damas primero

Título original: Ladies First

Año: 2026

Director: Thea Sharrock

Duración: 90 minutos

Género: Comedia

Toy Story 5 (2026): crítica y opinión, Pixar recupera la magia de Woody y Buzz

En los últimos años hemos visto cómo los hábitos de juego de niños y jóvenes han cambiado profundamente. Los juegos que antes dependían de la imaginación han dejado paso a las pantallas y al entretenimiento digital. En este contexto, Toy Story 5 recupera un mensaje que sigue siendo actual: el valor de la creatividad, la amistad y los juguetes como compañeros de aventuras. Siete años después de su última entrega, Pixar ha vuelto a reunir a Woody, Buzz y el resto de la pandilla en una nueva historia.

Toy Story 5 se sitúa entre cinco y siete años después de los acontecimientos de la cuarta entrega y retoma la historia prácticamente donde terminó. En esta ocasión, Bonnie ha crecido y se enfrenta a una nueva etapa de su vida, mientras los juguetes deberán adaptarse, una vez más, a los cambios que trae el paso del tiempo y a un mundo cada vez más dominado por la tecnología y las pantallas.

Sinopsis de Toy Story 5

Toy Story 5 ha devuelto a la gran pantalla a Woody, Buzz Lightyear y el resto de los juguetes más queridos del cine en una nueva aventura cargada de emoción, humor y nostalgia. La historia transcurre varios años después de la anterior entrega y nos muestra a una Bonnie casi preadolescente, inmersa en una etapa de su vida en la que las pantallas y la tecnología empiezan a ocupar el lugar que antes pertenecía a la imaginación y a los juegos tradicionales.

Lejos de conformarse con repetir la fórmula de siempre, Toy Story 5 plantea un conflicto muy actual: ¿qué ocurre cuando los juguetes dejan de ser el centro del universo de un niño? Entre momentos divertidos, reencuentros inolvidables y nuevas incorporaciones, la película vuelve a explorar temas como la amistad, el paso del tiempo y la importancia de encontrar nuestro lugar, incluso cuando todo cambia muy rápido a nuestro alrededor.

Con el inconfundible sello de Pixar, Toy Story 5 vuelve a demostrar que crecer no significa dejar de soñar. Entre situaciones disparatadas, guiños para quienes llevan décadas acompañando a Woody y Buzz y escenas capaces de sacar más de una sonrisa (e incluso alguna lágrima), la película nos recuerda que los juguetes nunca desaparecen del todo: simplemente encuentran un rincón especial en nuestros recuerdos.

Crítica de Toy Story 5

Toy Story 5 nos demuestra que, cuando parecía que la caja de juguetes ya no daba para más, todavía quedaban historias por contar. La película recupera el espíritu de aventura, la amistad y ese humor capaz de hacer reír tanto a los más pequeños como a quienes crecimos con Woody y Buzz. Sí, vuelve a jugar con la nostalgia... y, sorprendentemente, le sale bastante bien.

Visualmente es una delicia, como sabe hacer Pixar, los personajes conservan todo su carisma y las nuevas incorporaciones aportan aire fresco sin robar protagonismo a los clásicos. Aunque alguna escena parece estirar la cuerda más de la cuenta, el conjunto mantiene un ritmo ágil y muchas situaciones tan divertidas como entrañables.

Buzz Lightyear y Woody se enfrentan a un mundo dominado por la tecnología en Toy Story 5.

Bajo nuestro punto de vista, no alcanza la magia irrepetible de las primeras entregas, pero Toy Story 5 recuerda que los mejores juguetes nunca pasan de moda... solo necesitan que alguien vuelva a sacarlos de la estantería.

Personajes

Uno de los grandes atractivos de Toy Story 5 son, una vez más, sus personajes. Woody y Buzz Lightyear siguen demostrando por qué forman una de las parejas más icónicas de la animación, combinando amistad, humor y alguna que otra discusión que ya es marca de la casa, las nuevas incorporaciones encuentran su espacio sin intentar quitarles el protagonismo. El equilibrio entre caras conocidas y personajes inéditos funciona muy bien y mantiene viva la esencia de la saga.

Cada juguete tiene su momento para brillar, ya sea arrancando una carcajada o regalando una escena emotiva.

Opinión y nota final

Obviamente Toy Story 5 no revoluciona la saga ni alcanza la magia irrepetible de sus primeras aventuras, pero sí nos demuestra que esos juguetes todavía tienen mucho corazón que compartir.

Toy Story 5 es una película divertida, emotiva y llena de guiños para quienes crecieron y disfrutaron con Woody, Buzz y compañía. Al final, más que una nueva secuela, es una invitación a recordar que nunca seremos demasiado mayores para emocionarnos con una buena historia, sobre todo si viene dentro de una caja de juguetes.

En definitiva, Toy Story 5 demuestra que Pixar todavía sabe emocionar cuando apuesta por personajes que forman parte de nuestra memoria. Quizá no sea la mejor entrega de la saga, pero sí una película entretenida, divertida y emotiva que merece la pena descubrir tanto en familia como para reencontrarse con unos juguetes que, generación tras generación, siguen teniendo mucho que contar.

Nota final: 6.5 sobre 10.

Ficha técnica de Toy Story 5

Título original: Toy Story 5

Año: 2026

Director: Andrew Stanton

Duración: 102 minutos

Género: Animación

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