Los dos hemisferios de Lucca

Si en la sociedad actual hay una cosa que acostumbra a quedar en la sombra es el mundo de las enfermedades raras, un mundo donde, a pesar de su baja incidencia (por eso lo del apelativo de “raras”) tiene un impacto brutal y devastador en quienes las padecen y sobre todo, a sus seres queridos.

Y ya os podéis imaginar que, si por suerte, afecta a tan poca gente, que esto se refleje en el universo del cine ya es algo realmente excepcional, aunque todos tengamos en mente dramas como “Wonder” o biopics como “La teoría del todo” o incluso, producciones más pequeñas como “Handia”.

A comienzos de 2025, y adaptando la novela de Bárbara Anderson ha llegado al catálogo de Netflix, directamente desde México una película que no solo nos relata el desconcierto de enfrentarse a un diagnóstico incierto, sino que también la lucha diaria de una familia que se ve empujada a convivir con la falta de respuestas. Os estamos hablando de la película “Los dos hemisferios de Lucca”.

“Los dos hemisferios de Lucca” empieza con un pequeño flashback unos años atrás, donde nos encontramos con Andrés (Juan Pablo Medina) y Bárbara (interpretada por Bárbara Mori) dirigiéndose al hospital ya que, Bárbara está de parto. Después de un accidentado parto, nace Lucca, un niño aparentemente sin problemas aunque muy pronto descubren que el pequeño sufre una parálisis cerebral lo cual le afectará a su desarrollo, tanto motor como cognitivo.

Aunque sin muchos recursos, Bárbara y Andrés se vuelcan, desde el comienzo, en darle a Lucca (a quien da vida Julián Tello) todos los tratamientos posibles (masajes, gimnasia acuática, etc.) para mejorar su calidad de vida, aunque ninguno parece funcionar.

Años después y ya con un hermanito en casa, con el que Lucca se lleva perfectamente bien, un nuevo desafío llega a la vida de la familia ya que, el pequeño Lucca empieza a tener convulsiones y ataques epilépticos cada vez más fuertes. Sus neurólogos no les dan mucha esperanza pero Bárbara no pierde la esperanza.

Un día, en una reunión de trabajo, Bárbara descubre que, en la India hay un tratamiento experimental que ha tenido cierto éxito con personas con parálisis cerebral. Ni corta ni perezosa, Bárbara se pone en contacto con el contacto que le pasan, quien después de estudiar el caso, le piden 50000 dólares para iniciar el tratamiento de Lucca.

Aunque por su situación no pueden afrontar tal cantidad, Andrés consigue rehipotecar su casa abriendo así la puerta al tratamiento, pero, todo se para ya que, según parece, desde la India no se puede usar la maquina Cytotron en niños.

Después de mucha lucha, mucho empeño y mucho trabajo de Bárbara, el doctor Kumar, el responsable del tratamiento en la India, acepta el tratamiento experimental, por tanto, toda la familia, coge el avión y cruza el mundo para someter al pequeño Lucca al tratamiento con el Cytotron.

Bárbara, Andrés y los pequeños de la familia

Ya en la India, y después de unas cuantas sesiones, el doctor Kumar (Danish Husain) se presenta al grupo entablando una buena relación con ellos. Más o menos a mitad del tratamiento, Lucca empieza a mostrar los primeros síntomas de mejora (sonríe, empieza a aguantar la cabeza, etc.). Al final del tratamiento, la familia recibe la noticia que, Lucca deberá volver como mínimo tres veces más realizar el tratamiento, con lo que eso supone económicamente.

Bárbara se ve con la obligación de sopesar la posibilidad de que Lucca se quede con los avances conseguidos en la primera sesión ya que, no puede conseguir la financiación para el resto de los tratamientos. Mientras lo valora, descubre que en México hay dos máquina de Cytotron bloqueadas por temas burocráticos por lo que, empieza una nueva lucha, en esta ocasión, para conseguir poder usarla en su país.

Finalmente, lo consigue en parte, pero, eso nos lo guardaremos celosamente.

Técnicamente “Los dos hemisferios de Lucca” nos ha sorprendido muy gratamente por el enfoque que Mariana Chenillo, su directora, le ha dado un enfoque sensible y realista aunque evitando caer en el melodrama más amarillista. El montaje de “Los dos hemisferios de Lucca” es realmente fluido, dando naturalidad a la historia que nos cuenta manteniendo en todo momento un ritmo constante aunque pausado lo que, acaba facilitándonos los tiempos necesarios para pensar.

También nos ha parecido muy remarcable el trabajo de ambientación haciendo creíble la historia tanto cuando esta se desarrolla en México como cuando lo hace en la India donde refleja a la perfección la diversidad cultural y las dificultades por las que pasa la familia cuando está allí.

Interpretativamente hablando nos gustaría resaltar el trabajo del pequeño protagonista, Julián Tello (interpretando a Lucca) con su trabajo auténtico y emotivo. También nos ha gustado Bárbara Mori dando vida a Bárbara, la madre de Lucca, una mujer luchadora, determinada y a la vez, vulnerable. Nuestra enhorabuena para todo el equipo de casting.

Resumiendo, “Los dos hemisferios de Lucca” nos ha parecido una buena película con una narrativa dura para reflejar de forma auténtica y emotiva la lucha de una familia para mejorar la calidad de vida de su pequeño.

Por todo lo que os hemos contado, nuestra nota final para “Los dos hemisferios de Lucca” es de un 7 sobre 10.

 

 

 

Título: “Los dos hemisferios de Lucca” – México – 2025

Dirigida por: Mariana Chenillo

Duración: 96 minutos

Género: Drama

Tiempo

Desde que le descubriéramos en su tercera película, “El Sexto Sentido” por allá a un lejano 1999, la carrera del hindú afincado en Wisconsin, M. Night Shyamalan ha estado marcada por grandes aciertos y, por digamos, obras más mediocres consiguiendo eso sí, no dejar a nadie indiferente: o lo amas o lo criticas.

El estilo de Shyamalan está marcado por su gran habilidad para construir atmósferas inquietantes y realizar giros argumentales completamente inesperados. Siguiendo estas premisas, en 2021 se estrenó una de sus obras basada en la novela gráfica “Castillo de arena” de Pierre Oscar Levy, un thriller psicológico que intenta explorar una premisa tan simple como angustiante: “¿qué pasaría si el tiempo pasara demasiado rápido y no pudiéramos hacer nada para detenerlo?”

Sí, hoy en esta entrada vamos a hablaros de la película “Tiempo” (o “Old” en su versión original).

“Tiempo” empieza presentándonos al matrimonio formado por Prisca Cappa (a quien da vida Vicky Krieps) y Guy Cappa (interpretado por Gael García Bernal) quienes, con sus dos hijos pequeños, Trent y Maddox se dirigen a un resort a pasar las, posiblemente, última vacaciones en familia ya que, todo a punta a que Prisca y Guy se van a divorciar.

Al poco de llegar al resort y siguiendo las instrucciones del responsable del hotel, la familia se va de excursión a una apartada playa con otra pareja, el cirujano Charles, su esposa Chrystal, la pequeña Kara y Agnes, la madre de Charles y abuela de Kara. Sin apenas tiempo a aposentarse, llegan a la playa Jarin y Patricia, también del hotel.

En la playa, se encuentran arrinconado bajo las rocas, con un rapero. Al poco de estar en la playa aparece flotando el cuerpo sin vida de una joven, la pareja del rapero.

Mientras discuten que hacer ante la aparición del cadáver, Agnes, la madre de Charles muere repentinamente. Agobiados, intentan salir por donde han llegado, pero les resulta imposible ya que algo les repele y les deja inconscientes en la arena.

Gracias a que Prisca comprueba que los niños se han convertido en adolescentes, el grupo se da cuenta que la playa les está envejeciendo rápidamente. Además de esto, el grupo confirma que les une otra característica, como mínimo un miembro de cada familia sufre de alguna enfermedad grave.

En un descuido, los adolescentes Trent y Kara se hacen amigos, tanto que, Kara queda embarazada y minutos después da a luz a un pequeño bebé que, por las condiciones de la playa, no sobrevive más de un minuto.

Los protagonistas de "Tiempo" entre las costillas de uno de ellos

Poco a poco, todos van muriendo, ya sea por sus intentos de salir de la playa, por sus enfermedades o, como Guy y Prisca por ancianos. Al final solo quedan dos adultos, los hermanos Trent y Maddox quienes encuentran una posible vía de salida a través de un pasaje en la barrera de coral que rodea la playa.

¿Qué pasa en la playa? ¿Llegan Trent y Maddox al hotel? ¿Está implicado el hotel en lo que pasa en la playa? Como es evidente, nosotros tenemos las respuestas estas y otras preguntas, pero nos las guardaremos celosamente.

Técnicamente “Tiempo” es un largometraje que intenta explotar el género de thriller psicológico con toques de ciencia ficción, centrándose en la metáfora del inexorable paso del tiempo en un grupo de personas encerradas en una playa. Par ello, se apoya en el uso intensivo de planos secuencia con encuadres descentrados para enfatizar el caos que viven sus protagonistas.

Argumentalmente os diremos que “Tiempo” ejecuta bastante bien la máxima de enseñarnos como el tiempo puede ser nuestro enemigo, junto con la dificultad de enfrentarse al envejecimiento prematuro y, como no, a la muerte. Sin lugar a duda, una buena idea como experimento social mezclado con terror psicológico.

Con todo, y pese a la buena premisa de entrada, “Tiempo” sufre de un gran hándicap, forzar mucho la máquina en el apartado técnico y dejar de lado el auténtico drama que viven sus protagonistas. Tampoco acaba de funcionar otra de las marcas de la casa de Shyamalan, el giro sorpresa final ya que, en esta ocasión, queda desconectado, precipitado y porque no decirlo, forzado.

Interpretativamente hablando os diremos que nos ha gustado el trabajo de los niños, con sus miedos ante su crecimiento descontrolado, la paternidad, la pérdida, etc. Con todo, los personajes de “Tiempo” son excesivamente planos, con diálogos muy forzados y sin demasiada posibilidad de empatizar con ellos. Una auténtica pena.

A modo de resumen os asumimos que, “Tiempo” es una película entretenida que parte de una gran idea y un interesante planteamiento visual pero, su ejecución lastra totalmente la experiencia y es una pena porque Shyamalan era muy capaz de hacerlo mejor.

Por todo lo que os hemos contado, nuestra nota final para “Tiempo” es de un 6 sobre 10.

 

 

 

Título: “Old” – USA – 2021

Dirigida por: M. Night Shyamalan

Duración: 108 minutos

Género: Thriller, Drama, Terror psicológico

Hitchcock

Hablar de Alfred Hitchcock es hablar de uno de los grandes directores, productores y guionistas de la historia del cine. Es difícil encontrar a alguien que le guste el cine (más allá de las películas de superhéroes que tanto proliferan últimamente en nuestras salas) y que no haya visto ninguna película de Hitchcock o desconozca su importancia en el cine actual.

A lo largo de nada más y nada menos que 53 largometrajes, Alfred Hitchcock se caracterizó, además de por su oronda silueta, por su innata capacidad para aplicar innovadores recursos narrativos que elevaron hasta límites insospechados el género del suspense (o thriller). Conocido como “El mago del suspense”, Hitchcock usaba su absoluto dominio de la técnica para mantener en constante tensión al espectador usando potentes tramas e impactantes imágenes.

¿Quién no recuerda Janet Leigh siendo acuchillada en “Psicosis”? o la bandada de pájaros atacando a toda persona que se encontraba en su camino en “Los Pájaros”, o incluso a Cary Grant siendo perseguido por una avioneta en “Con la muerte en los talones”. Sin lugar a duda, escenas míticas que forman ya parte de la historia del cine.

En plena época de biopics, donde han tenido su película personajes más bien poco relevantes, hubiese sido realmente desafortunado que nadie se hubiese atrevido a homenajear al ilustre Alfred Hitchcock. No fue así, y en 2012 bajo la dirección de Sacha Gervasi se estrenó “Hitchcock”, un biopic que se aleja de la estructura convencional del género para centrarse en un momento crucial de la vida del creador, su lucha por conseguir llevar a cabo una de sus obras más icónicas.

“Hitchcock” nos lleva directamente al Hollywood de 1959, justo tras el estreno de la célebre “Con la muerte en los talones” donde nos encontramos con un satisfecho Alfred Hitchcock (interpretado, bajo capas de maquillaje, por Sir Anthony Hopkins) aunque muy pronto los periodistas lo sacan de su felicidad con la pregunta de “¿no plantea retirarse?”.

Pese a que por esa época Alfred cuenta ya con 60 años, la pregunta le entristece y se pone inmediatamente a trabajar en su nueva película cuya idea encuentra en una novela de Robert Bloch, “Psicosis”.

Alfred está completamente emocionado con el proyecto, pero la Paramount no le hace gracia por la forma como muere la protagonista. Con todo, Hitchcock presiona a diestro y siniestro para conseguir el proyecto, finalmente decide financiarla él (en base a hipotecar todo lo que tiene) consiguiendo a la vez que la Paramount la distribuya.

Alma (Helen Mirren) su mujer, le propone a Alfred la protagonista perfecta para la película, Janet Leigh (interpretada por Scarlett Johansson). Cuando Alfred la conoce, se siente atraído por su belleza volcándose en ella y levantando suspicacias tanto del resto del casting como a la propia Alma.

Paralelamente a esto, y no sin tropiezos ni rencillas del pasado, el guion avanza y con ello los principales trabajos de grabación y montaje (incluidos metros de cortes para salvar la posible censura).

Alfred y Alma en el proceso de producción de "Psicosis"

Finalmente, como ya os podéis imaginar, "Psicosis" sale adelante y se convierte en uno de los éxitos más grandes de Alfred Hitchcock, aunque también como ya os podéis imaginar, hasta aquí lo que os podemos contar de “Hitchcock”.

Técnicamente, no os negaremos que “Hitchcock” nos ha decepcionado un poco ya que, esperábamos tener un biopic sobre la vida del genio, y la verdad, nos hemos encontrado con sólo una parte de su vida, la época en la que creó “Psicosis” aunque curiosamente, dando más importancia a cómo lo vivía y como lo sufría Alma, su esposa, que él mismo.

Sinceramente, para los miembros de este equipo, esta “Hitchcock” se ha quedado muy corta en relación con lo que se merecía el maestro del suspense ya que, por no profundizar, no lo hace ni en la personalidad de Alfred, ni siquiera en el trabajo de los censores de la época o las inquietudes de propia productora, pasando de puntillas por encima de todo.

Tampoco la definición de los personajes sobresale ya que únicamente están perfilados, como buscando que no fueran ellos los que sobresalieran ¿pensaron en que “Hitchcock” era un biopic?

Interpretativamente hablando os diremos que, como no podía ser de otra manera, tanto Anthony Hopkins dando vida a Alfred como Helen Mirren interpretando a Alma, están correctos e intentan sobresalir aunque, sinceramente, apenas lo consiguen lastrados por la escasa definición de sus personajes.

Por todo lo que os hemos contado, nuestra nota final para “Hitchcock” se asemeja a lo que transmite, una medianía, por tanto, le ponemos un 5.5 sobre 10.

 

 

 

Título original: “Hitchcock” – USA – 2012

Duración: 98 minutos

Dirigida por: Sacha Gervasi

Género: Drama, Biográfico.

Adolescencia

En un mundo donde las producciones audiovisuales sobre la juventud y la adolescencia suelen caer en clichés o estereotipos superficiales y previsibles, encontrar una serie auténtica y realista que desafía las tendencias de mercado es realmente difícil, aunque no imposible.

Aunque para muchos, la adolescencia es solo la etapa del paso de la niñez a la edad adulta, los adolescentes actuales deben enfrentarse a una gran variedad de problemas que, sin duda alguna, afectan a su desarrollo emocional, social y psicológico. Os hablamos sobre todo de problemas de salud mental (ansiedad, estrés, depresión y sus estigmas sociales) a veces provocados por el bullying, por el ciberacoso, por la falta de autoestima, por la falta de comunicación o comunicación deficiente en casa, por aislamiento social e incluso por problemas con la propia imagen o identidad.

Si lo pensamos bien, es una época mucho más complicada de lo que, los ya la hemos pasado recordamos y en la que es muy difícil prever sus consecuencias de la vida y salud mental de los y las jóvenes.

Como os hemos comentado antes, en el mundo de la televisión las series sobre los adolescentes abundan, pero muy pocas abordan directamente el tema de la salud mental y menos lo hacen aún, con un enfoque realista y sin sensacionalismos abordando temas incómodos como el ciberacoso, la soledad y el rechazo.

Por suerte, de vez en cuando, aparece una serie que sorprende a todos, y consigue lo impensable. Consigue engancharnos ante la pantalla y hacernos reflexionar mucho, os hablamos de la serie británica “Adolescencia”.

“Adolescencia” nos desplaza a un barrio obrero de una ciudad media inglesa, allí, a primera hora de la mañana nos encontramos en medio de una operación policial en la que un grupo de policías irrumpe en la casa familiar de los Miller cuando estos aún están durmiendo. El objetivo de la operación es arrestar al pequeño de la familia, Jamie Miller (interpretado por el debutante Owen Cooper) un niño de 13 años.

Jamie es llevado a la comisaría por el inspector Bascombe, donde se le comunica a él, y a su familia, que es acusado de haber asesinado a su compañera de clase, acto que además, ha sido grabado por cámaras de seguridad. Pese a todo, Jamie jura y perjura que él es inocente y que no ha cometido dicho crimen.

Más adelante, Bascombe y su compañera Misha Frank van al instituto donde estudia Jamie para profundizar en la investigación y sobre todo, localizar el arma homicida aunque, lo que se encuentran en el instituto no deja de ser sorprendente con profesores completamente desbordados por unos alumnos con mucho poder que dan al centro, un ambiente tenso y casi violento.

Al final, un alumno con el que nadie cuenta, el hijo del inspector les da una pista importante, Katie (la asesinada) había acusado a través de redes sociales a Jamie de ser un “incel” (o sea, un célibe involuntario).

Tiempo después, y ya con Jamie internado en un centro psiquiátrico especializado, la investigación continúa adelante con su evaluación psicológica a cargo de la psicóloga Briony Ariston. Durante la sesión, Jamie muestra a Briony toda su gama de emociones, a veces incontroladas, es decir, se muestra desde amable a casi rozando la agresión y demostrándole a Briony la extrema complejidad de su estado mental.

Jamie enfrentándose a Briony en su evaluación

Una vez hecho, y previo al juicio, la historia de “Adolescencia” nos lleva directamente a explorar las consecuencias que el acto de Jamie tiene en su familia, quienes tienen que lidiar con la hostilidad de la comunidad además de con sus propias dudas sobre sus papel en la formación de Jamie, y todo, intentando aparentar normalidad.

Y como os decimos habitualmente, hasta aquí lo que os podemos contar del desarrollo argumental de “Adolescencia”.

Argumentalmente, “Adolescencia” no has parecido una serie más que notable, ya que explora desde la honestidad y la naturalidad, las luchas internas que lidian, a diario y en silencio, muchos jóvenes adolescentes que intentan encajar en una sociedad y un entorno que, a menudo les menosprecia e ignora. En este caso, además de buscar entretenimiento, “Adolescencia” consigue hacer reflexionar al espectador sobre la salud mental y los pequeños actos que, consciente o inconscientemente la minan.

Técnicamente os diremos que “Adolescencia” nos ha sorprendido, sobre todo por la técnica usa en su grabación, llamada plano secuencia, ya que le dota de un efecto de realidad sorprendente dejándonos, como espectadores pegados a la realidad que nos cuenta en cada uno de los cuatro, brillantemente estructurados, capítulos.

Desde el punto de vista interpretativo, nos queremos quitar el sobrero ante el excelente trabajo del joven debutante, Owen Cooper quien con apenas 15 años nos regala una actuación conmovedora que desde su vulnerabilidad a la confusión pasando por brotes de violencia. También nos ha gustado mucho el trabajo de Stephen Graham dando vida al padre de Jamie, un hombre torturado por el dolor y la desesperación de enfrentarse a lo que le toca en la vida. Tampoco nos gustaría olvidarnos del gran trabajo de Erin Doherty dando vida a su Briony, una mujer que sabe mantener la calma mientras desgrana la compleja mente de Jamie. Sin duda, un acierto haberles escogido.

Por todo lo que os hemos contado y por la reflexión que nos ha provocado, nuestra nota final para “Adolescencia” es de un 8 sobre 10.

 

 

 

Título original: “Adolescence” – Reino Unido

Género: Drama

Año de creación: 2025

Año de finalización: 2025 (temporada única)

Capítulos: 4 de unos 55 minutos.

 

 

 

Rojo, blanco y sangre azul

La historia del cine LGTBI, y más particularmente de las películas románticas dentro de esta categoría, son algo así como una historia de resistencia, de visibilidad y de evolución. Aunque el cine es cine desde hace más de 125 años, durante una gran parte de estos años las representaciones de las relaciones entre personas del mismo sexo fueron invisibilizadas, o distorsionadas hasta límites insospechados.

No fue hasta mediados de los años ochenta cuando irrumpieron directores como Pedro Almodóvar o James Ivory (con su maravillosa “Maurice”) que el amor entre personas del mismo sexo no empezó a tener cierto peso en las carteleras, aunque, eso sí, un peso muy marcado por el sufrimiento y la represión.

No fue hasta hace pocos años, con la llegada de títulos como “Call me by your name” o “Love, Simon” que la representación de las relaciones amorosas con total naturalidad y toda su complejidad, entre personas del mismo sexo o diferentes identidades de género, llegaron a nuestros cines.

Hoy en este rincón os queremos hablar de una película dirigida por el debutante estadounidense Matthew López. Corría 2023 y adaptaba la novela homónima de Case McQuiston de 2019. Os hablamos de “Rojo, blanco y sangre azul”.

“Rojo, blanco y sangre azul” empieza presentándonos a Alex Claremont-Díaz (a quien da vida Taylor Zakhar Perez), el hijo de la primera presidenta de los Estados Unidos de América. Alex se dirige a Londres donde debe asistir en representación de su madre a la fiesta de compromiso del príncipe heredero.

Durante la fiesta, y después de beber bastante, tiene un altercado físico con el príncipe Henry (a quien da vida Nicholas Galitzine), el tercero en la línea sucesoria del trono británico. Por dicho altercado ambos jóvenes acaban en el suelo cubiertos de tarta. Esa imagen, rápidamente circula por todo el mundo y en todos los medios.

A su vuelta a Estados Unidos, Ellen Claremont (Uma Thurman), la presidenta, interroga a Alex sobre el incidente y viendo que este puede interferir en su campaña electoral de su reelección, envía de nuevo a Alex a Londres donde deberá fingir amistad con Henry de la forma más pública posible.

Aunque al comienzo todo es frío y distante entre los jóvenes, poco a poco se van sincerando, Alex le cuenta Henry que no puede verle por un comentario que le hizo tres años atrás cuando se conocieron en otro acto, y Henry le cuenta el motivo de dicho comentario.

A partir de aquí, los encuentros se hacen más frecuentes y el contacto a través de email, de WhatsApp y teléfono se hace casi diario creando así una bella relación de amistad que acaba desembocando en un beso y de ahí, a un amor que tienen que explotar a escondidas.

Con todo, y a media campaña electoral para la reelección avanza, tras un viaje sorpresa de Henry para estar con Alex, este tiene que salir del armario con sus padres, los cuales lo aceptan y le aconsejan que piense sobre su futuro en la relación, por ser quienes son ambos.

Poco después, durante unas vacaciones en Texas, Alex le confiesa su amor a Henry y este, abrumado y temiendo no poder mantener su relación amorosa por su condición de heredero al trono, huye a Inglaterra.

Alex y el príncipe Henry durante sus vacaciones

Después de unos días separados, Alex se presenta en palacio y después de hablar con Henry le convence para continuar su relación, aunque pronto se deberán enfrentar a un nuevo problema, la filtración a la prensa de todos sus emails privados y, por tanto, su relación.

¿Se enfrentará Henry a su familia y, por tanto, a la familia real británica? ¿Saldrá a flote su relación? O pesará más el poder de las instituciones que el del amor. Como ya os podéis imaginar, para tener la respuesta de estas y otras preguntas, os tocará ver “Rojo, blanco y sangre azul”.

Técnicamente os diremos que “Rojo, blanco y sangre azul” nos ha sorprendido muy positivamente ya que, con su estética moderna y un buen trabajo de cámara que ayuda a enfatizar la carga romántica entre ambos jóvenes y sus problemas, logra transmitirnos de primera mano los sentimientos de estos en cada momento de la trama.

También nos ha gustado mucho la escenografía, tanto cuando la historia se ha desarrollado en Washington como cuando se ha desarrollado en los palacios británicos, los cuales ayudan a escenificar la grandiosidad de la familia real.

Desde el punto de vista interpretativo, nos ha gustado mucho el trabajo de Taylor Zakhar Perez dando calidez, energía y una gran capacidad de lucha a su Alex Claremon-Díaz. También nos ha gustado el trabajo de Nicholas Galitzine con su sutil y a la vez poderosa interpretación de Henry, un personaje más vulnerable que Alex por su condición. Además, nos ha encantado la química que destilaban ambos.

“Rojo, blanco y sangre azul” aborda temas tan complejos como el amor, la identidad, la familia y la lucha por la aceptación lidiando tanto con la sexualidad de cada uno de sus personajes como con el impacto que esta tiene en su vida pública.

"Rojo, blanco y sangre azul" no es solo una historia de amor entre un príncipe y el hijo de la presidenta de los Estados Unidos; es un cóctel explosivo de romance, poder, y las altas expectativas de las élites que, a menudo, se sienten como una jaula dorada.

Por todo lo que os hemos contado, nuestra nota final para “Rojo, blanco y sangre azul” es de un 7.5 sobre 10.

 

 

 

Título original: “Red, White and Royal Blue” – 2023 – USA

Duración: 118 minutos

Dirigida por: Matthew López

Género: Drama, romántico, LGTBI