Tierra de Dios

Se ha dicho muchas veces, aunque una parte (a veces parece que demasiado importante) de la sociedad parece no querer entenderlo, el amor es totalmente libre y no entiende ni de sexo, ni de edad, ni de nacionalidades. Amor es, y será siempre, amor.

Actualmente, escuchamos y leemos casi diariamente historias de agresiones entre gente que siente y ama de forma distinta a la del agresor. Son actos que suceden de grandes y medianas ciudades, donde la libertad y el anonimato están más que garantizadas (por suerte) ¿qué pasaría si estas historias sucedieran en zonas más pequeñas? Lo mismos, pero sin saberse.

Es una pena que actualmente el cine tenga problemas para encontrar huecos donde contar historias, para limitarse a buscar los grandes éxitos comerciales (megaproducciones, superhéroes, etc.), porque la historia que nos explica “Tierra de Dios”, la película que os contaremos hoy, hubiese merecido muchísima más atención.

La trama de "Tierra de Dios” nos desplaza en plena campiña de Yorkshire (al norte de Inglaterra), allí en medio de prados de pasto nos encontramos una granja familiar dedicada a la cría de ganado (corderos y vacas). En la granja viven Johnny (a quien da vida Josh O’Connor), su padre Martín, invalidado por un accidente cerebral, y Deirdre, la abuela ya muy entrada en años. Sobre las espaldas de Johnny recae toda la responsabilidad de la casa y del negocio.

Como Johnny está completamente desbordado, la familia contrata temporalmente un trabajador rumano Gheorghe (interpretado por Alec Secareanu) para que ayude a Johnny en las tareas de la granja. Poco a poco, vamos descubriendo más cosas Johnny, un joven cansado y asqueado de su vida quien en su tiempo libre se dedica a beber hasta emborracharse y a tener sexo esporádico con otros chicos.

Al poco de llegar a la granja, Gheorghe y Johnny tienen que irse de pastoreo en las montañas, allí, alejados de la civilización y de la gente, ambos hombres se mostraran tal cual son, el uno un hombre de mundo, capaz tanto de montar un muro como de ayudar a parir y el otro, un ser violento y arisco, aunque con el paso de los días, Johnny aprenderá a colaborar y a trabajar en compañía y ambos descubrirán que les une algo más, su gusto sexual por los hombres, aunque en eso también será Johnny quien aprenda más.

Poco a poco, la violencia se va aparcando y va dejando aparecer gotas del auténtico Johnny quien va aprendiendo a compartir, tanto en la vida como en el sexo, apreciando todo lo que le rodea en cada momento.

Johnny y Gheorge aprendiendo a compartir

A la vuelta a la granja ya nada es igual, Johnny ha cambiado, ha dejado a un lado sus borracheras, colabora en las tareas de casa y continúa viéndose con Gheorghe, hasta que un día su padre tiene un nuevo derrame dejándole la responsabilidad de la granja entera para él.

Una noche, después de que Johnny le propusiera a Gheorghe quedarse en la granja, el primero se emborracha y acaba teniendo sexo con un chico del bar, provocando la cólera de Gheorghe quien muy enfadado se marcha y abandona la familia.

Sólo y totalmente desbordado por el trabajo en la granja (dirección, mantenimiento, cuidado de su padre, del ganado, etc.) a Johnny sólo le queda un recurso, encontrar a Gheorghe pedirle perdón y hacer que vuelva, aunque, ¿Podrá? Nosotros sabemos la respuesta, pero como ya os podéis imaginar, nos la guardaremos.

Lo primero que nos sorprende de “Tierra de Dios” es que se trata de una película tremendamente intimista, donde la historia de amor y de trabajo que une a Johnny y Gheorghe en la campiña inglesa es contada con suma sensibilidad, aunque tenga que contarnos una secuencia de fracasos o derrotas personales. Son casi dos horas gritos dentro de la calma, de placeres encontrados, de dureza, de honestidad.

Técnicamente, en “Tierra de Dios” estamos ante una cinta realmente sencilla, donde los efectos especiales no tienen cabida, donde lo que realmente importa son los sentimientos y los problemas diarios de sus protagonistas. No os vamos a engañar, se respira cierto paralelismo con “Brokeback Mountain” aunque muy pronto se observan las grandes diferencias entre ellas.

Desde el punto de vista interpretativo, nos gustaría remarcar el gran trabajo de sus protagonistas principales, Josh O’Connor y Alec Secareanu, para nosotros dos auténticos desconocidos que nos han encantado, por su naturalidad, su química y sobre todo por dar cuerpo a unos bien dibujados personajes (no es fácil mostrar el crecimiento personal, y O’Connor lo borda).

Por todo lo que os hemos contado, nuestra nota final para “Tierra de Dios” es de un 7 sobre 10.

Título original: “God’s Own Country” – 2017 – Reino Unido

Dirigida por: Francis Lee

Duración: 104 minutos

Género: Drama, Romance, LGTBI

Mulan

Nadie puede negar que los últimos años, el gigante californiano Disney se ha lanzado a una carrera por rentabilizar al máximo sus obras de animación catalogadas como “Clásicos Disney” y lo está haciendo con una técnica acción real (life action). Hasta el momento, se han sucedido por nuestras pantallas títulos como “Alicia en el país de las maravillas”, “Dumbo”, “El rey león”, o “Aladdín”, algunas con gran éxito en taquilla, aunque la mayoría de ellas han recibido más palos (tanto de la crítica especializada como de espectadores) que elogios.

El complejo y convulso (gracias a la pandemia mundial del Covid-19) 2020 y después de varios retrasos, se estrenó entre una gran polémica una cinta que había sido llamada a ser una de las grandes del 2020, “Mulan” aunque claro, su polémico estreno no vino dado por el cambio de temática de la película, ni por su falta de calidad, sino porque al final, Disney optó por dar el espaldarazo a las salas de cine de todo el mundo y estrenar su remake de “Mulan” por su plataforma de streaming Disney+ bajo pago directo, para todo el mundo, de casi 22 €.

Como es evidente, tanto los miembros de este equipo, como una inmensa mayoría de espectadores, no caímos en semejante trampa, y esperamos a su liberalización, la cual acabó llegando a comienzos de diciembre y hoy, en este pequeño rincón os contaremos nuestra visión de “Mulan”.

La historia de “Mulan” empieza desplazándonos al China Imperial, donde nos encontramos con una chica activa, divertida y aventurera quien causa más de una decepción a sus tradicionales padres, se trata de Hua Mulan. Como Mulan (a quien da vida Liu Yifei) debe seguir la tradición de ser una buena mujer y esposa de un buen marido, sus padres la envían a una casamentera, aunque algo acaba saliendo muy mal.

Paralelamente a esto, unos intrépidos guerreros Rouran capitaneados por el duro Bori Khan y la bruja Xianniang (quien dispone de una alta capacidad para convertirse en diferentes personas) inician el ataque contra las fuerzas de la China Imperial. Sin pensárselo mucho, el Emperador emite un decreto ordenando que, cada familia debe aportar a la defensa del país, un hombre.

En la familia de Mulan esto es totalmente imposible, ya que el único hombre es su padre y este tiene tan delicada la salud que no soportaría el ejército. Por eso, y a escondidas de todos, Mulan roba la armadura y la espada de su padre y huye a caballo con dirección al campo de entrenamiento.

A las órdenes del comandante Tung, Mulan se entrena disfrazado de hombre junto con el resto de soldados novatos. Antes de finalizar su formación, Tung y sus cadetes son llamados a la guerra ante el avance del ejército de Khan.

Ya en el campo de batalla, Mulan se enfrenta a Xianniang quien descubre que es una mujer antes de, tener que huir ante la fuerza de la armadura de Mulan. Finamente Mulan, utilizando sus artes de guerra, logra provocar una avalancha y enterrar a los Rourans en la nieve, aunque para ello ponga al descubierto su verdadero sexo.

Mulan en un momento de la lucha contra los Rourans

Expulsada del ejército, una Mulan derrotada emprende el camino de regreso a su casa, aunque por el camino, se encuentra con una Xianniang que le confiesa que ella también sufre el rechazo de su gente y que, los ataques de los Rourans son solo una cortina de humo, porque Khan lo que pretende es matar al emperador.

Aún a riesgos de enfrentarse a la pena de muerte, Mulan reúne a sus amigos del campamento de formación y se dirigen hacia la capital donde les tocará desencadenar una lucha sin cuartel contra Khan y sus tropas para salvar al emperador.

¿Lo conseguirá, ¿no? ¿Ha cambiado el final Disney en esta adaptación? Nosotros tenemos estas y más respuestas, aunque como ya os podéis imaginar, nos las quedaremos para nosotros. Lo que no nos quedaremos es nuestra visión sobre este nuevo remake del clásico de animación de “Mulan”.

En esta versión en live-motion de 2020 del clásico de “Mulan” lo primero que nos sorprende es el cambio radical de Hua Mulan, y no físicamente, sino como concepto de personaje, ya que, en la cinta de animación, Mulan era una chica normal que luchaba además de contra los rivales, contra los cánones machistas sociales, mientras que en esta versión nos encontramos con una chica que, desde los primeros minutos, destila unos fuertes tintes de heroína con grandes capacidades para los saltos y la lucha.

A partir de esta premisa, enseguida nos podemos dar cuenta que, tanto el drama como el humor que imperaba en la película original se ha diluido completamente en esta, convirtiéndose en una cinta claramente de acción privándonos como espectadores del sentimiento de identificación o empatía, sentimiento que no consigue ni con la incorporación del tándem de villanos (Khan y Xianniang).

Interpretativamente, damos nuestro aprobado a la casi desconocida Liu Yifei (Hu Mulan) quien pese a tener un personaje desprovisto de carga dramática y humorística, soluciona bien las escenas de lucha/coreografía que le toca interpretar. Camino similar siguen el resto de protagonistas secundarios, pero tanto, sin objeciones ni alabanzas para el casting de esta versión de “Mulan”.

Por todo lo que os hemos contado, y teniendo en cuenta que, para los miembros de este equipo, esta versión del clásico es completamente prescindible y la consideramos más una opción para tener un título más en la filmografía de Disney que una buena película, le damos a esta “Mulan” una nota final de 4.5 sobre 10.

Título original: “Mulan” – USA – 2020

Dirigida por: Miki Caro

Duración: 115 minutos

Género: Secuela, Acción,

El juego del calamar

Hay historias que, por razones no muy claras, se hacen virales. Quizá por esto, son numerosas las canciones, las novelas, los artículos y, por supuesto, las películas y series de televisión de las que todo el mundo habla en cuestión de días y que tienen, además, la capacidad de arrasar por todos aquellos lugares por los que pasan. Hoy os vamos a hablar de una de esas historias, en esta ocasión contada en forma de serie a través de la plataforma de streaming “Netflix” y que, además, tiene el honor de haber alcanzado el récord de visualizaciones en dicha plataforma aún y cuando no se esperaba en absoluto su éxito.

Efectivamente, desde este equipo hemos cambiado nuestro registro habitual visualizando al completo “El juego del calamar”, en parte por el buen sabor de boca que nos dejó en su momento su compatriota “Parásitos” (cuya crítica encontraréis aquí), aunque también movidos por la curiosidad de saber qué podía ofrecer una ficción surcoreana para generar tantísimas reacciones y batir tantos records en un corto espectro de tiempo.

Tras visualizarla, nos parece que la controversia que ha generado entre los profesores de varios centros educativos es incluso escasa, dada la extrema crudeza y violencia en que se sustenta, haciendo que, bajo nuestro punto de vista, se trate de una serie no apta para menores (ni siquiera adolescentes).

No nos vamos a extender mucho explicándoos el argumento, dado que ya es de sobra conocido por todos: un grupo de personas que, por diferentes razones, están en riesgo de ser rechazadas por la sociedad dadas las cuantiosas deudas que acumulan, acceden a participar a un misterioso juego, al cual se accede por invitación. La participación en dicho juego les daría la opción de obtener una gran suma de dinero con la que resolver gran parte de sus problemas (los cuales son, principalmente, económicos).

Entre las casi 500 personas que acceden a participar en dicho juego encontramos a Seong Gi-hun, un hombre separado y padre de una niña que, en la actualidad, vive con su madre tras fracasar con dos negocios que le han llevado a la ruina, el financiero buscado por la policía tras arruinar a la compañía para la que trabajaba Cho Sang-woo, el misterioso anciano Oh Il-nam, la desertora norcoreana en busca de un futuro mejor para su madre y para su hermano Kang Sae-byeok o el inmigrante paquistaní estafado por su exjefe Abdul Ali, entre otros.

Todos ellos deberán enfrentarse a un total de 6 juegos durante 6 días, siendo el ganador del premio millonario aquel que consiga superar la totalidad de los desafíos y siendo eliminados todos aquellos participantes que no superen las pruebas a las que se enfrentan. No obstante, lo que ninguno de ellos espera es que la eliminación signifique en realidad su asesinato a sangre fría, lo que lleva a los participantes a competir utilizando todos los recursos de los que disponen para salvarse.

"El juego del calamar" un juego de supervivencia a lo bestia

Durante los 9 capítulos de la serie, se tratan temas como la corrupción, el tráfico de órganos, la lealtad o la ética. No obstante, el tema principal que está detrás de toda la serie es la desigualdad social y la falta de oportunidades, dado que son éstas las que llevan a un total de 456 participantes a arriesgar sus vidas y a actuar como salvajes por cientos de miles de millones de wones, tanto durante los juegos, como durante la convivencia.

No os engañamos si os decimos que la factura técnica de “El juego del calamar” es francamente brillante. Tampoco lo hacemos si os decimos que es una muy buena serie, que está fantásticamente interpretada y que, a pesar de las incoherencias que presenta (la principal, la desaparición de casi 500 personas por edición –y llevan más de 15- a las que nadie parece reclamar ni echar de menos), es una serie que llama la atención por poner al ser humano frente a un espejo que nos presenta nuestra peor cara.

Con todo, sí que os engañaríamos si os dijésemos que "El juego del calamar" es una serie para todos los públicos, dado que es, con diferencia, el producto de ficción más duro que hemos visto en muchos años. Y lo es tanto por su argumento (difícil de comprender por todos los menores que, inexplicablemente, la están viendo o han visto ya) como por su contenido extremadamente violento y que, en ocasiones, se recrea mostrando imágenes como cráneos reventados, balazos, violentas reyertas entre los participantes, asesinatos a sangre fría o, incluso, incineraciones de cuerpos aún con vida.

Se trata, por tanto, de una serie en la que la falta de humanidad es más que palpable y que, por la crudeza de sus imágenes, provoca que en muchas ocasiones sea muy difícil ver más allá de esas imágenes. En nuestro caso concreto, y pese a que nuestra valoración final es positiva, no volveríamos a verla de nuevo al haber sido las imágenes que la serie nos ha presentado demasiado fuertes y muy delicadas de visionar por personas sensibles y menores como los que, en la actualidad, se dedican a replicar los juegos de la serie en las escuelas.

Por todo ello, os aconsejamos que valoréis qué tipo de espectadores sois antes de decidir si es o no es para vosotros, pero, sobre todo, os recomendamos encarecidamente que los menores que tengáis a vuestro cargo no accedan a ella de ninguna de las maneras.

En nuestro caso, nuestra nota final para “El juego del calamar” es de un 7.5 sobre 10.

 

Título original: “Squid Game” - 2021 – Corea

Año de creación: 2021

Año de finalización: 2021 (primera temporada)

Duración: 9 capítulos (de unos 55 minutos cada uno)

Género: Thriller, Supervivencia

 

Cadena perpetua

Habitualmente, cuando pensamos en la que para cada uno de nosotros es la mejor película que hemos visto, siempre tendemos a sacar nuestros gustos o preferencias personales, ya sea por un actor/actriz, por un género cinematográfico, por una banda sonora o por un compendio de todo ello. Hay, quizá, tantas mejores películas como pares de ojos críticos las han visto, aunque eso sí, la mayoría de ellas se caracterizan por, de una manera u otra, ser grandes éxitos.

En nuestro caso, aunque somos incapaces de declarar nuestra “mejor película que hemos visto”, sí que tenemos un grupo de favoritas, entre las que está “La Milla Verde”, el drama carcelario dirigido por Frank Darabont e inspirado en una obra del maestro del terror, Stephen King. Con todo, cada vez que hablamos de ella, surge en la conversación otra película que, con “La Milla Verde” comparte varias cosas, entre ellas, el género (drama carcelario), director (Frank Darabont) e inspiración en una obra de King, os estamos hablando de “Cadena Perpetua”.

Dos obras que, pese a las coincidencias, son realmente distintas, y como hasta ahora no os habíamos hablado de ella, hoy en este rincón os hablaremos de “Cadena Perpetua”.

“Cadena Perpetua” empieza desplazándonos a la sala de un juicio del condado de Maine donde nos encontramos al bancario Andrew Dufresne (interpretado por Tim Robbins), corre el año 1947 y se enfrenta a un doble cargo de homicidio, el de su esposa y el del amante de esta. Con todas las pruebas en contra, es condenado a doble cadena perpetua que deberá cumplir en el penal de Shawshank.

Al poco de llegar a Shawshank, Dufresne se da cuenta de lo que le espera, un ambiente de represión dura por parte de los guardias y un grupo de violadores (“Las hermanas”) que le hará la vida muy pero que muy difícil.

A los dos meses, Andy Dufresne entabla amistad con Ellis “Red” (interpretado por Morgan Freeman), el único capaz de, a cambio de una comisión, entrar cosas a la prisión, incluso el primer pedido de Dufresne, un pequeño martillo para pulir piedras.

Pasados casi dos años, Red, Andy y un grupo de allegados son escogidos para reparar el tejado de la cárcel, mientras lo hacen, Dufresne escucha una conversación sobre los problemas con hacienda de los vigilantes. Su intervención y los consejos que les da, Andy recibe un nuevo estatus, siendo declarado el ayudante de Brooks (James Withmore) en la biblioteca.

Poco después de este cambio, Brooks recibe la libertad condicional, aunque no soporta la vida fuera de cárcel tras tanto tiempo encerrado y se suicida. Con Dufresne al frente de la biblioteca empieza una campaña de solicitudes reiteradas al Senado. Pasados unos años, acaba recibiendo libros y una paga de 500 dólares anuales de mantenimiento.

Ellis y Dufresne en la sala de cine de la cárcel

Después de este éxito, Dufresne continua con las solicitudes constantes a la vez que, junto con el Alcaide inicia un programa en el que los presos realizan trabajos fuera de la cárcel (arar campos, talar árboles, etc., y todo a cambio de ciertos cobros por parte del Alcaide, cobros que Andy gestiona ingresando en diferentes bancos a un nombre ficticio.

Casi 20 años después de su ingreso en la cárcel, Dufresne realiza un descubrimiento que perturbará su vida y le hará tomar una decisión. ¿Cuál? Como es evidente nosotros lo sabemos, pero, nos guardaremos celosamente. Aunque, ya os podéis imaginar, que lo que no nos guardaremos será nuestra visión sobre “Cadena Perpetua”.

Técnicamente podemos decir que “Cadena perpetua” es una cinta a la vieja usanza, donde los efectos especiales brillan por su ausencia y donde la cuidada fotografía y ambientación junto con un guion maravillosamente trabajado llevan, con éxito, más de la mitad del peso de la cinta. La extrema dureza de algunos thrillers carcelarios queda aparcada en esta “Cadena perpetua” dando poder al drama humano de verse encerrado de por vida en una cárcel.

A parte de la historia principal de Andy y Red y su amistad forjada en base de años, en “Cadena perpetua” nos encontramos con seres desdeñables como “Las hermanas” o historias realmente conmovedoras como la del bueno de Brooks y todas ellas, manteniendo el nivel e interés del resto.

Interpretativamente nos quitamos el sobrero antes las actuaciones de sus dos protagonistas principales, Tim Robbins dando vida magistralmente al luchador y amigo de sus amigos Andy Dufresne, y el del gran Morgan Freeman en uno de sus mejores papeles que le recordamos. Ellos dos juntamente con secundarios brillantes como James Withmore conforman lo que sería una guinda a esta gran película.

Sin lugar a dudas, este clásico del cine lo podríamos catalogar de impactante, conmovedora, genial o incluso Obra Maestra el cine, y todos, serían acertados. Así que, después de nuestra solemne recomendación de verla, os damos nuestra nota para “Cadena perpetua”, que es de un 9.5 sobre 10.

Título original: “The Shawshank Redemption” – USA – 1994

Dirigida por: Frank Darabont

Duración: 142 minutos

Género: Drama, Carcelario

 

Cobra Kai - Temporada 2

Cuando una cadena o productora lanza un producto al mercado, su intención, obviamente es que guste tanto en audiencia que se convierta en un clásico (algo realmente difícil) o se le abran las puertas para crear una saga o si se trata de una serie, una nueva temporada.

Cuando en mayo de 2018 la plataforma de pago “Youtube Red” lanzó el revival de “Karate Kid” titulado “Cobra Kai” con los mismos actores que dieron vida a sus protagonistas en 1984, aspiraban a hacer algo grande, y sinceramente, lo consiguieron, y tan rápido que en pocos días confirmaron el lanzamiento de su segunda temporada que llegó un año más tarde, en abril de 2019, la temporada que os queremos contar hoy. Así pues, empezamos nuestra reseña de “Cobra Kai – Temporada 2”.

La temporada 2 de “Cobra Kai” empieza justo después de que Miguel (Xolo Maridueña) se llevara la victoria del “Campeonato de Karate de All Valley” al dojo de Cobra Kai de Johnny.  Pese a la victoria Johnny, y gracias a la presencia de su antiguo sensei John Kreese en el Cobra Kai, empieza a dudar del camino a seguir ya que, muy pronto, ve como su historia de los 80 empieza a repetirse, lo cual, no quiere bajo ningún concepto.

Paralelamente a esto, Daniel LaRusso (Ralph Macchio) pone en marcha el antiguo dojo “Miyagi-Do” con dos alumnos de excepción, Robby (Tanner Buchanan), el hijo de su máximo rival Johnny Lawrence, y Sam, su hija. La aparición del “Miyagi-Do” no hace más que reavivar las rencillas del pasado entre Johnny y Daniel.

Pese a la aparición del “Miyagi-Do”, las diferencias entre ambos dojo son abismales ya que mientras en este, con solo dos alumnos (Sam y Robby) se enseña el equilibro como base del karate, en el “Cobra Kai”, mucho más exitoso entre el público, priman los resultados y la violencia (sobre todo, cada vez que toma los mandos el sensei John Kreese).

Dos sistemas antagónicos que, chocan constantemente como lo hacen Johnny y Daniel, quienes de ninguna manera pueden dejar atrás sus viejas diferencias ni superar sus propios fantasmas del pasado.

Poco a poco, con Robby viviendo y trabajando para Daniel, varios nuevos alumnos llegan al “Miyagi-Do”, la mayoría de ellos, alumnos del instituto y, o bien repudiados del “Cobra Kai” por Kreese o abandonándolo al no encajar en la filosofía del mismo.

John Kreese tomando las riendas del Cobra Kai

Cuando las primeras dudas sobre la metodología empleada en el “Cobra Kay” asaltan a Johnny, este debe salir de viaje dejando el dojo en manos de Kreese aplicando este, una metodología radicalmente violenta y en ciertos momentos vejatoria con sus alumnos para que estos lo transmitan en sus luchas y su día a día.

Paralelamente a esto, LaRusso se vuelca tanto en su dojo que abandona totalmente su negocio de ventas de coches de segunda mano provocando una situación más que comprometida en el mismo y en su propio matrimonio.

A la vuelta de su viaje Johnny se ve totalmente desplazado en su propio dojo perdiendo el control del mismo y viendo como sus alumnos toman un camino que, para nada es el que él pretendía en un inicio, el de la violencia y confrontación constante.

Violencia que llega a su zenit, no en el “Campeonato de karate de All Valley” si no en los pasillos del Instituto West Valley donde los alumnos de ambos dojo se enfrentarán en una lucha salvaje en la que resultará gravemente herido Miguel. Y hasta aquí, lo que os podemos contar de la segunda temporada de “Cobra Kai”.

Técnicamente, en esta segunda, “Cobra Kai” va un paso más allá de lo que llegó en su primera temporada, convirtiéndose en una serie más adulta y más profunda, profundizando en el gran problema que separa LaRusso y a Johnny desde su adolescencia, llevando mágicamente estos problemas a la actualidad. Este giro en la trama de “Cobra Kai” le ha llevado a una profundización del drama frente a la comedia, rompiendo un poco esta pareja perfecta que tan bien había funcionado en la primera temporada.

También nos gustaría remarcar el trabajo del equipo de fotografía, pues tanto la elección de interiores como de, sobre todo, exteriores es de lo más acertado como lo es también el trabajo de los creadores de coreografías (¿o acaso os creéis que es karate de verdad lo que se ve?) ya que, gracias a ellos, el ritmo se mantiene dinámico y atractivo para el espectador.

Interpretativamente nos quedamos, como ya hicimos en nuestra crítica a la primera temporada, con el gran trabajo de William Zabka dando vida a Johnny Lawrence, un personaje que, pese a vivir atormentado por su pasado, no deja de luchar para cambiar y salir de su dinámica destructiva y de violencia. El resto de casting, tanto jóvenes como adultos, más que correctos.

No os vamos a engañar, a nosotros esta segunda temporada de “Cobra Kai” nos ha gustado ya que, aunque pierde un poco ese frescor de la primera, hemos continuado totalmente enganchados ante la pantalla. Por tanto, por todo lo que os hemos contado, nuestra nota final para esta temporada 2 de “Cobra Kai” es de un 7 sobre 10.

 

Título original: “Cobra Kai” - 2019 – USA

Año de creación: 2018

Año de finalización: 2019 (segunda temporada)

Duración: 20 capítulos (de unos 30 minutos cada uno)

Género: Acción, Artes Marciales, Drama,

 

Cube

El mundo de la ciencia ficción es realmente infinito ya que no depende de fronteras ni de espacios, depende de la creatividad e imaginación de unos afortunados. Con todo, y como espectadores y/o lectores, tenemos que abrir nuestras mentes y pensar que la ciencia ficción no es solo naves espaciales, robots y luchas con armas avanzadísimas (vaya, Star Wars, Marvel, etc.), la ciencia ficción permite una hibridación perfecta con muchos otros géneros.

Uno de estos géneros que se pueden mezclar perfectamente bien con la ciencia ficción, es el del suspense o terror (no hace falta que sea de sangre e higadillos, el terror psicológico también sirve), y tenemos muchas pruebas de ello, por ejemplo “El hoyo”, “Alien”, “Poltergeist” o incluso “It”.

Hoy en este pequeño rincón os queremos traer nuestra reseña de una película que podríamos incluir en este grupo, estrenada en 1997 ganando premios en los festivales de Toronto (mejor director) y en Sitges (mejor película y mejor guion), sí, hoy os hablaremos de la cinta canadiense “Cube” (“El cubo”).

“Cube” empieza fuerte, marcando en una sola escena lo que nos deparará a lo largo de su metraje, sí, en esta escena vemos a un hombre vestido con un mono abriendo una compuerta que hay en la pared de donde está, después de observar, cruza por la compuerta a una sala con cuatro paredes, aunque a la que da un paso, una malla metálica afilada lo mata cortándolo a cubos.

Una vez visto esto, uno a uno, “Cube” va presentando a sus auténticos protagonistas, todos ellos despertando vestidos con un mono con su nombre grabado. Así nos encontramos con Quentin (Maurice Dean Wint) un policía afroamericano, el escapista de cárceles Rennes (Wayne Robson), una doctora de mediana edad llamada Holloway (Nicky Guadagni), Worth (David Hewlett) un arquitecto y la estudiante de matemáticas Leaven (Nicole de Boer).

Después de superar un gran desconcierto ya que, ninguno de ellos se explica que hace dentro de un cubo de color con una compuerta en cada pared (suelo y techo incluidos), ni como han llegado hasta allí. Después de un rato inútil de especulaciones, el grupo decide que únicamente tiene un camino, moverse e intentar buscar una salida, aunque ello conlleva un gran riesgo ya que tienen la certeza de que hay trampas en alguno de los cubos que hay tras las compuertas.

Aunque inicialmente piensan en que las trampas están en los colores de los cubos, pronto un rudimentario método ideado por Rennes les hace descubrir que no. El método es lanzar una bota para ver si dispara algún sensor / trampa. Descartados los colores Rennes les a sus compañeros algunos consejos, el más importante es que “ellos deben encontrar su propio” método.

Como si fuera premonitorio, pocos cubos más allá, la técnica del zapato falla, y Rennes es rociado en la cara con un ácido que, literalmente, le funde la cara matándolo. Demostrado que el sistema de la bota puede fallar, Leaven cuenta al grupo que, unas cajas atrás, ha descubierto en las trampillas combinaciones de 3 números (entre 0 y 999 cada uno) y proponer descubrir su valor.

En base a la observación, Leaven descubre que los cubos con trampa, uno de los números es primo, por tanto, el grupo decide avanzar a las cajas cuya combinación de números no tenga ningún número primo. El sistema parece funcionar, y pueden pasar a otros cubos, en uno de ellos, aparece un nuevo personaje, un joven autista llamado Kazan, el cual, con su comportamiento desata los nervios y agresividad de Quentin.

Un cubo, 6 puertas, la crueldad y un destino

A partir de este punto, la agresividad, los nervios y los nuevos descubrimientos en su avance hacia una posible salida se mezclan entre trampas y muertes de algunos personajes, pero ¿consigue alguien salir del cubo? Como ya os podéis imaginar, nosotros lo sabemos, pero como también os podéis imaginar, no os lo contaremos.

Lo que sí que os contaremos es nuestra visión sobre “Cube” una película de esas que dicen mucho y a la vez dejan mucho a la imaginación de cada espectador.

Argumentalmente ya veis que “Cube” parte de una idea tremendamente fácil, seis personas encerradas en una estructura de cubos, conectados entre sí por cada lado, en los que, cada uno puede o no contener trampas mortales que ponen a prueba los nervios y la destreza de seis personas encerradas sin más recursos que su propia inteligencia.

Técnicamente estamos ante una película realmente sencilla, con un cubo con paredes de color que se junta con otros cubos de otros colores y seis personajes moviéndose por ellos, pero la angustia y la tensión se respira en cada uno de los escasos 90 minutos de metraje de “Cube”, sin lugar a dudas, uno de los grandes aciertos de la película.

En el apartado interpretativo nos encontramos con 6 desconocidos, los cuales se adueñas de sus respectivos personajes para fundirse con ellos consiguiendo una dinámica de grupo donde las particularidades (intelectuales, físicas y de definición del personaje) están plenamente definidas e integradas en la trama de “Cube”.

Como ya os podéis imaginar, “Cube” no es una película para todos los públicos, aunque podríamos considerarla un muy buen exponente dentro del género de ciencia ficción y terror. Por todo lo que os hemos contado, nuestra nota final para “Cube” es de un 7 sobre 10.

Título original: “Cube” – 1997 – Canadá

Dirigida por: Vincenzo Natali

Duración: 92 minutos

Género: Ciencia Ficción, Terror, Thriller