Deadpool y Lobezno

Gracias a Marvel (desde hace unos años en manos de Disney), cuando uno piensa en super héroes le vienen a la cabeza: Spider-man, Iron man, Thor, Hulk, el Capitán América, Lobezno/Wolverine, etc., pero la cosa se complica mucho cuando hay que escoger cual es el mejor de todos, y más por el potente efecto de los fans, esa horda de personas, más o menos freaks que siguen a muerte cada uno de los personajes.

En nuestro caso, la verdad, nos sentimos más raros que la mayoría de los freaks que siguen y viven el mundo del Universo Marvel ya que, para seros sinceros, no nos apasiona ninguno de ellos (quizá podríamos salvar a Iron Man/Tony Stark, pero tampoco creáis), aunque sentimos cierta predilección por un antihéroe deslenguado y sinvergüenza que descubrimos en el cine en 2016, obviamente os hablamos de Deadpool.

Como ya sabréis, Deadpool es el alter ego de Wade Wilson, un villano modificado genéticamente creado en 1991 por Marvel Comics el cual tuvo muy poco recorrido hasta que en 2016 fue llevado a la gran pantalla con gran éxito e interpretado por Ryan Reynolds.

Ocho años después, en julio de 2024 se ha estrenado la que es la tercera entrega de la franquicia “Deadpool”, en esta ocasión con un coprotagonista de excepción, Lobezno / Wolverine. Os estamos hablando de “Deadpool y Lobezno”.

“Deadpool y Lobezno” empieza presentándonos al primero (interpretado por Ryan Reynolds) buscando la tumba de Lobezno cuando es interceptado por los soldados de la TVA enviados por Paradox, momento en el que Deadpool aprovecha para contarnos como se lo hará para revivir a Lobezno sin mancillar “su honor”, para lo cual recurrirá a un flashback.

La historia se desplaza 6 años atrás, donde nos encontramos con un Wade Wilson que ha desterrado a su Deadpool para incorporarse a la vida corriente tras romper con Vanessa, su novia de toda la vida. Durante esa época, Wade es un vendedor de coches de segunda mano que únicamente mantiene relación con sus amigos más próximos.

Durante su fiesta de cumpleaños, es secuestrado por la TVA y llevado ante Paradox quien le cuenta que su línea temporal se está desintegrando tras la muerte de Lobezno. Ante la nueva perspectiva, Wade se enfunda un nuevo traje de Deadpool y emprende un viaje por el multiverso para encontrar un Lobezno que pueda ayudarle a evitar la desintegración de su línea temporal.

Cuando consigue uno, aunque no sea la mejor versión que esperaba encontrar, vuelve a la sede de la TVA donde Paradox les descubre sus auténticos planes, quiere destruir todas las líneas temporales enviando a todos al Vacío que es donde les envía para poder continuar con sus planes de destrucción.

En el Vacío Deadpool y Lobezno/Logan inician una espectacular pelea que acaba con ambos y con Johnny Storm (de los “4 fantásticos”) capturados y enviados ante la jefa del Vacío, la cruel Cassandra Nova, la malvada hermana del creador de los X-Man, Charles Xavier.

Por poco, nuestros protagonistas pueden huir del cuartel de Cassandra. En su huida, se encuentran con otra versión de Deadpool, Nicepool quien les da un coche para llegar la frontera del Vacío donde podrán unirse a la resistencia, Elektra, Blade, Gambito y Laura, a quienes Deadpool apoda como “los Otros”.

Aunque no todos parecen dispuestos, al final “los Otros” y nuestros amigos acaban uniendo fuerzas para volver al cuartel de Cassandra y desatar una potente pelea que les acabará devolviendo a su línea temporal, con eso sí, aún pequeño contratiempo.

Deadpool y Lobezno juntos

¿Podrán volver a tiempo Deadpool y Lobezno para desarmar los planes de Paradox? ¿Qué papel acabará teniendo Cassandra en el desenlace? ¿El multiverso tendrá más presencia? Totas estas preguntas y muchas más, forman parte del desenlace de “Deadpool y Lobezno”, la tercera entrega de la saga “Deadpool”.

“Deadpool y Lobezno” es una película pensada y desarrollada únicamente como entretenimiento puro y puro, y como tal funciona perfectamente. En el equipo le reconocemos y valoramos mucho la originalidad al contarnos la historia ya que, el desarrollo de su trama argumental difiere totalmente del desarrollo en churrera que utiliza Marvel para el 90% de sus películas, aunque reconocemos que “Deadpool y Lobezno” flojea un poco en su parte final.

En esta tercera entrega, y bajo nuestro punto de vista, al equipo de guionistas se les ha ido excesivamente la mano al abusar, no solo de los chistes y gags sexuales, si no, sobre todo, al abusar de las referencias (y cameos) a otros personajes del Universo Marvel que tan sólo los acérrimos del Universo Marvel podrán entender.

Interpretativamente, y como ya pasó en las dos primeras entregas de la saga, Ryan Reynolds hace un trabajo genial dando vida a Deadpool, llevando por donde quiere al personaje y haciéndolo completamente suyo. En esta ocasión nos encontramos también con un coprotagonista de excepción, Hugh Jackman dando vida a su Lobezno/Logan de la misma forma que nos tiene acostumbrados desplegando, además, una gran química con Ryan Reynolds.

Llegados a este punto, nos encontramos ante la disyuntiva de valorar a “Deadpool y Lobezno” y hacerlo de la manera más justa posible, ya que como película realmente aporta entre poco y nada al séptimo arte, pero como comedia de acción es realmente buena y si os gusta el humor grosero y sarcástico, ya estáis tardando en haceros con vuestra entrada. 

Por todo lo que os acabamos de contar, nuestra nota final para “Deadpool y Lobezno” es de un 6.5 sobre 10

Título original: “Deadpool & Wolverine” – USA – 2024

Dirigida por: Shawn Levy

Duración: 127 minutos

Género: Acción, Secuela, Fantástico, Comedia

Otras partes de la saga:

"Deadpool" - 2016
"Deadpool 2" - 2018 

 

En la Toscana

Si hay un paisaje que todo el mundo reconoce, haya o no tenido el placer de descubrirlo en persona, es el de la región italiana de la Toscana, con sus pueblos situados en lo alta de colinas, sus caminos y carreteras rodeadas de cipreses y de extensos campos conforman uno de los paisajes más bellos del mundo.

A lo largo de los últimos años, son múltiples las películas que se han aprovechado de estos paisajes para dar, como mínimo, algo inmejorable a sus producciones, os hablamos de “Una habitación con vistas”, “El paciente inglés”, “La vida es Bella”, “El sueño de una noche de Verano”, “Bajo el sol de la Toscana” y podríamos continuar la lista, aunque hoy, en esta entrada nos centraremos en una de las últimas, la producción sueca: “En la Toscana” de 2022.

“En la Toscana” empieza presentándonos a su protagonista, Theo (interpretado por Anders Matthesen), un prestigioso y perfeccionista chef danés. Theo tiene en su mente, y en su lucha diaria, encontrar el dinero suficiente para poder abrir su propio restaurante, aunque como nos dejan bien claro en las primeras secuencias, su propio carácter aleja con el rabo entre las patas a todos los posibles inversores.

Después de perder a un posible inversor, Theo recibe la notificación de que su padre, con el que no se llevaba nada bien, murió hace unas semanas en la región italiana de la Toscana y que, le ha dejado en herencia un viejo castillo con un restaurante en dicha región.

Aunque de buenas a primeras no quiere saber nada de su difunto padre ni de su herencia, la necesidad de tener dinero suficiente para adquirir su restaurante en propiedad le hace repensar y plantearse un viaje fugaz a la Toscana para vender de forma rápida la propiedad para así obtener el dinero para sus planes.

El primer contacto con el castillo no puede ser más desalentador ya que, por su carácter obstinado pronto choca con todos. Al poco de llegar conoce a Sophia (a quien interpreta Cristina Dell’Anna) una mujer que, considera el castillo como su propia casa y quien, además, se casará próximamente.

Con el paso de los días, y con el recuerdo de su padre en mente, el deseo de vender de Theo se incrementa a la vez que, su amistad con Sophia sigue los mismos pasos, aunque a ella, lo de la venta le parece realmente mal. Al final, aparece un comprador que está dispuesto a ofrecer algo menos de lo que se pide por el Castillo, pero ante la inminencia de la boda de Sophia en el propio castillo, Theo le ofrece un trato al comprador, si dicha boda sale bien, pagará por encima del precio pactado, si sale mal, Theo aceptará la oferta a la baja.

Sophia con el Chef Theo  

Como es obvio, la boda sale a pedir de boca y Theo, vende el castillo/restaurante al comprador y vuelve a Suecia con el dinero. Aunque muy pronto, se da cuenta que, quizá, con ese dinero podría hacer algo en otro sitio que no fuera Suecia, aunque claro, esto, como ya os podéis imaginar nos lo reservaremos para nosotros.

Técnicamente, “En la Toscana” nos encontramos ante una de esas películas que, desgraciadamente, no destaca por ningún aspecto técnico. Argumentalmente, nos encontramos con una película que, a los pocos minutos te ha marcado completamente por donde irá y casi, cuál será su desenlace. Más acertado, tenemos el ritmo narrativo, sereno y pausado, que acompañan perfectamente con la belleza natural de la Toscana italiana.

Interpretativamente hablando os diremos que, todos sus intérpretes continúan exactamente la ruta marcada en lo que os hemos contado en el punto anterior ya que, absolutamente todos, tanto protagonistas como secundarios están bien, cumpliendo con sus personajes y transmitiéndonos sus sentimientos y las consecuencias de sus actos.

“En la Toscana” es una de esas películas sencillas que, pese a no ser, ni de lejos, una obra maestra del cine se deja ver y, por sus paisajes, se acaba disfrutando. Por todo lo que os hemos contado, nuestra nota final para “En la Toscana” es de un 5.5 sobre 10.

Título original: “Toscana” – 2022 – Suecia

Duración: 90 minutos

Dirigida por: Mehdi Avaz

Género: Drama, Romántica

Violet y Finch

Las personas tenemos, a veces, una forma de lo más curiosa de enfrentarnos a los problemas o a las trabas que, día a día, la vida pone en nuestro camino (en ocasiones nos las ponemos nosotros mismos). A veces, nos obcecamos en nuestros miedos, en solucionar el pasado o en prever un futuro totalmente incierto mientras lo más importante, se escapa entre los dedos de nuestras manos, el presente.

Si a todo esto le sumamos un trauma en nuestro pasado, la situación se puede complicar mucho más ya que, la mochila que podemos llegar a tener puede pesar tanto que, por momentos, sea difícil moverse en el día a día.

En el mundo del cine han llegado muchas películas que nos muestran o quieren mostrar esta situación, una de ellas adaptando o inspirándose en la novela homónima de Jennifer Niven publicada en 2014, os hablamos del drama juvenil: “Violet y Finch”.

La trama de “Violet y Finch” empieza presentándonos a Violet Markey (interpretada por Elle Fanning), una joven que vive en un pequeño pueblo de Indiana. Violet es una chica atormentada por un problema vivido en el pasado, tan atormentada que, la conocemos subida a la barandilla de un alto puente, justo en el momento en que otro joven llega al lugar, se trata de Theodore Finch (a quien da vida Justice Smith) quien, pese a su propia mochila, ayuda a Violet a bajar y reincorporarse.

Violet y Finch comparten varias cosas en su vida, por un lado, van al mismo instituto y por otro, ambos tienen graves traumas psicológicos que les impide vivir y ser felices. Violet todavía no ha superado la muerte en un accidente de circulación de su hermana nueve meses antes y Finch es un joven solitario que de vez en cuando tiene que desaparecer por unos días.

Al poco de encontrarse en el puente, y pese a que Violet no quiere ningún tipo de relación con nade, un trabajo del instituto hace que tenga que agruparse con algún compañero para hacer una investigación sobre sus lugares más emblemáticos de Indiana.

Al final y pese a las reticencias, Finch acaba convenciendo a Violet de hacer el trabajo juntos, lo cual ayuda a que, poco a poco, Violet se vaya abriendo con Finch y vayan afianzando su amistad, tanto que incluso consigue que Violet se monte en su coche para ir a visitar una montaña rusa en miniatura que está lejos de su casa.

Poco a poco Violet va superando sus problemas, abriéndose al mundo y a Finch, tanto que acaban enamorándose.

Tras una de las desapariciones de Finch, la pareja va a nadar a un lago cercano donde Finch se sumerge desapareciendo durante varios minutos lo cual acaba angustiando a Violet quien, sin darle opción obliga a Finch a contar lo que le ocurre destapando así, la dura historia del joven. Finch, no ha superado nunca el abuso y violencia física que ejerció sobre él su padre. Este trauma le provoca que, cuando pierde el control, debe desaparecer para no caer él en la violencia.

Violet y Finch en el lago

Un día, tras un problema en casa y una posterior pelea con el exnovio de Violet en la escuela Finch desaparece provocando que Violet, siguiendo los consejos de su padre, salga a buscar a Finch por los lugares que ambos han conocido.

Y, como ya os podéis imaginar, hasta aquí lo que os podemos contar del desarrollo argumental de “Violet y Finch”.

Técnicamente os diremos que la película “Violet y Finch” nos ha sorprendido en positivo ya que, al encontrarla en el catálogo de Netflix imaginamos que sería una comedia dramática al estilo de la plataforma de streming (“A todos los chicos de los que me enamoré”, por ejemplo) y nos encontramos con una película bastante bien montada y con unas interpretaciones que han conseguido implicarnos.

“Violet y Finch” nos cuenta la historia de dos jóvenes radicalmente opuestos unidos por dos traumas que les mantiene tras sus propias corazas. En la primera parte de la película, vemos como, con la ayuda y esfuerzo de Finch, Violet consigue salir a flote y superar su propio trauma mientras apenas conocemos nada de Finch. En la segunda parte, descubrimos los problemas de Finch y sus intentos la superarlos, y todo, mezclado con la incipiente historia de amor que viven ambos.

Otro punto que nos ha gustado de “Violet y Finch” es el montaje que tiene, ya que nos cuenta el viaje introspectivo y emocional de ambos protagonistas envolviéndolo en un viaje físico por varios lugares de Indiana.

Interpretativamente hablando, “Violet y Finch” cuenta con una buena interpretación de Elle Fanning que logra hacernos sentir su sufrimiento, su lucha y sus pasos hacia la curación mientras se enamora perdidamente. Por su lado, pese a no brillar, Justice Smith realiza un buen trabajo, pero algo menos empático que su compañera. Con todo, lo mejor es la química que hay entre ambos, colaborando y mucho a transmitirnos una potente carga romántica.

“Violet y Finch” es una película que nos ha gustado, sobre todo por la moraleja (quizá deberíamos decir moralejas) que nos cuenta sobre la importancia de la salud mental.

Por todo lo que os hemos contado, nuestra nota final para “Violet y Finch” es de un 7 sobre 10.

Título original: “All the bright places” – USA – 2020

Dirigida por: Brett Haley

Duración: 107 minutos

Género: Drama, romántico.

 

 

Gru 4. Mi villano favorito

Siete años después de que descubriéramos que nuestro villano favorito, Gru, tenía un hermano altamente repelente y millonario, ha llegado a nuestras pantallas una cuarta entrega de la saga que descubrimos hace 15 años, en un ya lejano verano de 2010.

Poco esperábamos ya que esta cuarta entrega acabara llegando a nuestras pantallas ya que, tras siete años de ausencia, la falta de noticias al respeto y la marcada falta de ideas y de originalidad manifestada en “Gru 3” en el equipo pensábamos que la historia de Gru había acabado en trilogía.

Como bien sabéis, nos equivocamos ya que el verano de 2024 ha llegado de nuevo a nuestras pantallas una nueva entrega del supervillano Gru y su ejercito de alocados Minions. ¿Tenéis ya vuestras entradas? 

La historia de “Gru 4. Mi villano favorito” empieza presentándonos a Gru haciendo llegada a la que había sido su instituto, el “Lycee Pas Bon” donde va a asistir a la entrega de unos premios al mejor alumno/villano formado en el centro.

En la gala se encuentra con un antiguo alumno y rival, Maxime Le Mal quien tras ganar el premio (era y continúa siendo el favorito de la directora del centro) cae en la provocación de Gru y acaba haciendo público que ha conseguido la fórmula para convertirse en super cucaracha. Tras esto, Gru se identifica como agente de la Liga Anti Villanos (LAV) y detiene a Maxime ridiculizándolo ante el resto de antiguos alumnos.

Un tiempo después, y como no podía ser de otra manera, Maxime Le Mal acaba escapando de la prisión donde cumplía condena y lo hace jurando venganza a su máximo rival y a su familia.

Para protegerles, la LAV envía a Gru y a su familia (su mujer Lucy, sus hijas adoptivas Margo, Edith y Agnes, y al pequeño retoño de Gru, Gru Jr., sin olvidarnos de tres pequeños minions) al programa de protección de testigos en una casa franca en una urbanización de millonarios.

Mientras Gru y su familia deben de adaptarse al nuevo vecindario y sus nuevas identidades, en el cuartel general de la Liga Anti Villanos (LAV) han inventado un sistema para crear super agentes y para probarlo, han decidió que lo mejor es usar a cinco minions voluntarios que, acaban convirtiéndose en MegaMinions (un minion superfuerte, otro con capacidad para estirarse, otro con lanza rayos, otro volador y un último duro como roca) con una alta capacidad para liarla.

En el barrio, Gru debe lidiar con dos pequeños problemas, acercarse a su pequeño Gru Jr, quien se divierte fastidiando a su padre, y ceder al chantaje de la hija de sus vecinos, Poppy quien quiere convertirse en super villana accediendo al “Lycee Pas Bon” para secuestrar a la mascota de este.

Dos minions con el pequeño Gru jr. 

Tantas acciones pronto ponen al descubierto a toda la familia y Maxime Le Mal se pone manos a la obra para ejecutar su plan de venganza. Aunque ya os podéis imaginar como acaba, y más habiendo minions de por medio, nosotros dejaremos aquí nuestro desarrollo argumental de “Gru 4. Mi villano favorito”.

Técnicamente, no os vamos a engañar, esta “Gru 4. Mi villano favorito” tiene una de cal y varias de arena. Por un lado, y bajo nuestro punto de vista, argumentalmente la franquicia no consigue alzar el vuelo y continúa mostrando evidentes síntomas de agotamiento (como la mayoría de las sagas que, llegadas a un punto, parecen meras vías de exprimir al máximo la taquilla mundial), sin la frescura que tenía en las dos primeras partes (“Gru. Mi villano favorito” y “Gru 2. Mi villano favorito”). 

En el lado positivo, tenemos a un grupo de protagonistas y sobre todo de secundarios, los minions, que funcionan perfectamente en los gags haciéndonos reír y pasarlo bien durante casi todo el metraje.

En esta cuarta entrega, y como gran novedad, tenemos a unos mínimos convertidos en superhéroes que se parecen a mezcla entre “Los increíbles” y los “cuatro fantásticos” ejecutando unas acciones que se parecen tremendamente a las que realizaban estos, aunque con un final algo más cómico y desastroso.

En cuanto a los personajes y su doblaje, hay que indicar que quizá, le sobran varios minutos a Lucy Lucy (con un pésimo y cansino doblaje de Patricia Conde), mientras que aplaudimos el protagonismo de los minions quienes, aunque secundarios, son la auténtica alma de la saga de “Gru” aportando, sobre todo, diversión y color.

Bajo nuestro punto de vista, y aunque la película funciona muy bien en la taquilla asegurando, como mínimo una parte más de la saga, nosotros iríamos cancelándola ya, más que nada, para acabar la misma con un buen sabor de boca

Por todo lo que os hemos contado, nuestra nota final para “Gru 4. Mi villano favorito” es de un 6 sobre 10.

Título original: “Despicable Me 4” – USA – 2024

Dirigida por: Patrick Delage, Chris Renaud

Duración: 95 minutos

Género: Secuela, Animación

Otras partes de la saga:

"Gru. Mi villano favorito" - 2010
"Gru 2. Mi villano favorito" - 2013 
"Gru 3. Mi villano favorito" - 2017 

Inside out 2

Las emociones forman parte del ser humano siendo, en cierta manera, el desencadenante o detonador de nuestra personalidad mostrándose en mayor o meno intensidad según lo que vayamos viviendo.

Aunque podríamos pasarnos horas hablando de las emociones y, sin lugar a duda, necesitaríamos de la intervención de algún experto, si que os diremos que hay un grupo de emociones que son básicas o comunes en todos los seres humanos y son: la alegría, el miedo, el asco, la ira, la tristeza, el desprecio y la sorpresa. Todas ellas muy identificables desde que somos pequeños a través de expresiones faciales o corporales.

Ya veis que se trata de un tema realmente complejo y profundo. Pues bien, para contarnos con todo lujo de detalle el funcionamiento de las emociones, en 2015, y de la mano de los genios de Pixar (Disney), llegó a nuestros cines, y de rebote a la mayoría de nuestros corazones una de sus películas más maravillosas “Inside out (Del revés) “.

Tras nueve años de rumores y en plena ola de secuelas por parte de Disney, le ha llegado el turno, con cierto miedo por nuestra parte, a “Inside out”, con la esperada por muchos “Inside out 2” (os recomendamos ir a por vuestras entradas, ya).

“Inside out 2” empieza situándonos un año después del final de la primera parte, con nuestra Riley completamente instalada en California y a punto de entrar en el instituto.

Alegría continúa controlando los sentimientos de Riley bien secundada por Tristeza, Ira, Miedo y Asco. En el último año, Alegría ha creado dos nuevas secciones en la mente de la pequeña, el primero es el rincón de la identidad con todos los recuerdos alegres y positivos que ha experimentado, y, en el lado más profundo de la mente, el rincón del olvido donde se almacenan o lanzan los recuerdos o vivencias negativas.

Riley como apasionada del hockey es invitada junto a sus dos mejores amigas a un campamento de fin de semana donde la entrenadora escogerá a las mejores para entrar en el equipo del colegio. Las tres están ansiosas por agradar y triunfar, tanto que, la noche previa de al campamento hace saltar una extraña alarma en el control de emociones de Riley, es la “alarma de pubertad”, lo cual a la postre, acaba provocando que la consola de emociones sea actualizada.

Esta actualización de la consola de emociones llega con dos consecuencias, que Riley reaccione exageradamente ante cualquier acción en la consola y que, cuatro nuevas emociones se incorporen: Ansiedad, Envidia, Vergüenza y Aburrimiento. Aunque las nueve emociones parecen encajar perfectamente, pronto tienen los primeros choques, tanto que Ansiedad, muy preocupada por el futuro de Riley, acaba enviando la identidad de esta al fondo de la mente.

Sin identidad, las nuevas emociones empiezan a crear una nueva identidad para Riley, con ciertos sentimientos negativos y momentos de ansiedad. Este cambio provoca que los sentimientos originales decidan actuar e inician un curioso viaje hace la zona más profunda de la mente para recuperar la identidad original de Riley.

Alegría y Ansiedad en el centro de control de sentimientos

Sin ninguna de las emociones originales en el centro de control, las reacciones de Riley son radicalmente diferentes a las que tenía dos días atrás, sorprendiendo a propios y ajenos. Para evitar estar pérdida de control, Alegría envía de nuevo a Tristeza al centro de control, aunque poco puede hacer.

En la víspera del decisivo partido, Alegría y sus amigas llegan al fondo de la mente, aunque para volver no se les ocurre otra cosa que provocar un derrumbe de las emociones de guardadas allí las cuales acaban llegando al nuevo sentido de identidad dejándolo totalmente trastocado.

Después del reencuentro de todas las emociones, Alegría y Ansiedad aceptan que ninguna de sus identidades es la mejor para Riley, ni la feliz niña pequeña ni la ansiosa adolescente del último fin de semana y entre todas deciden conformar una personalidad de Riley mucho más compleja y variada.

Con todo, y con el sentimiento a flor de piel, os decimos que, hasta aquí lo que os podemos contar de “Inside Out 2”.

No os vamos a engañar, cuando descubrimos que la gente de Pixar iba a lanzar una secuela de una de sus películas más especiales y conseguidas “Inside Out (Del Revés)” nos pusimos a temblar ya que, desgraciadamente, en el mundo del cine hay muchas segundas partes fallidas (“Monstruos University”, “Cars 2”, etc.) y más, cuando entre la original y la secuela, hay muchos años de diferencia. Por suerte, con “Inside Out 2” han conseguido una película que, aunque inferior a la original, es muy buena.

Argumentalmente os diremos que “Inside Out 2” parte de un gran acierto, hacer entrar a Riley en la convulsa época de la pubertad, un momento en que todas las hormonas se revolucionan y los sentimientos se ponen a flor de piel necesitando para ello, la incorporación de nuevas emociones.

Otro buen acierto argumental es hacernos ver como nuestras emociones se coordinan e interactúan en un momento tan complejo de la vida de un ser humano, la pubertad con sus crisis de identidad y la pérdida de la inocencia.

En el lado contrario de la balanza os diremos que hemos echado de menos un poco de profundidad en la trama de “Inside Out 2” y quizá alguna emoción presente en toda pubertad, el orgullo y, sobre todo, el amor.

Tampoco nos ha gustado la escasez de sorpresas argumentales ya que, desgraciadamente, cuando vimos el mecanismo inventado por Alegria nos dimos cuenta de su importancia y que, sin lugar a duda sería parte de la solución.

Técnicamente os diremos que “Inside Out 2” mantiene la espectacular técnica que Pixar nos tiene acostumbrados y lo hace con un correcto sentido del humor que nos ayuda y mucho a empatizar con unos sentimientos que nos hablan de la importancia que todos los actos y recuerdos tienen en la conformación de nuestra personalidad.

“Inside Out 2” es en definitiva una tierna y divertida apuesta de Pixar que intenta profundizar en ideas complejas sin olvidar, esta vez sí, que su público objetivo es el infantil.

Por todo lo que os hemos contado, nuestra nota final para “Inside Out 2” es de un 8 sobre 10.

Título original: “Inside out 2” – USA – 2024

Dirigida por: Kelsey Mann

Duración: 96 minutos

Género: Animación, secuela

Bajo la misma estrella

Todos, absolutamente todos, en algún momento de nuestra vida nos tendremos que enfrentar al duro descubrimiento de que el cáncer ha entrado en ella, ya sea afectando a una persona próxima o a nosotros mismos. Aunque no lo parezca, o nos creamos muy duros, es uno de los descubrimientos que, sin lugar a duda, más marcan la vida de uno.

Parece mentira como cambia la vida escuchar esas 6 letras juntas, el miedo se adueña de uno, tanto que, algunas personas buscan eufemismos para no pronunciar su nombre, otras se hunden en depresiones y la mayoría, pierden la esperanza en la vida y en todo, cuando esta es fundamental para afrontar el duro camino hasta la victoria.

Podríamos hablar de ¿qué es el cáncer? Y os diríamos que, es la multiplicación sin control de las células de nuestro cuerpo. Con todo, hablar de esto no es el objetivo de este pequeño rincón, nuestro objetivo, como diría Francisco Umbral lo podríamos resumir como “aquí hemos venido a hablar de cine” y a ello iremos inmediatamente.

La industria del cine, como extensión del mundo de la literatura, se ha enfrentado en múltiples ocasiones al difícil camino de mostrarnos el momento del descubrimiento y al de aceptación del cáncer (por ejemplo, en la española “ma-ma” o “Mi vida sin mí”), o la lucha contra este (“Planta 4ª” o incluso la serie “Polseres vermelles”).

En esta entrada os queremos hablar de la adaptación cinematográfica de la novela homónima del estadounidense John Green publicada en 2012, “Bajo la misma estrella”.

“Bajo la misma estrella” empieza presentándonos a Hazel Grace Lancaster (interpretada por Shailene Woodley), una joven adolescente diagnosticada de cáncer de tiroides con metástasis en los pulmones. Como no la ven bien, sus padres, Frannie (Laura Dern) y Michael (Sam Trammell), le obligan a asistir a un grupo de apoyo religioso.

En una de las reuniones coincide con el joven acompañante de otro integrante del grupo, Gus Waters (a quien da vida Ansel Elgort), otro adolescente que perdió una pierna por un cáncer de hueso que superó hace años.

Aunque Hazel, de buenas a primeras, no está muy receptiva con Gus, la insistencia y desparpajo de este muy pronto le gana naciendo entre ellos una bonita amistad y más, tras compartir sus libros de cabecera “Contra la insurgencia” Gus y “Un dolor imperial” Hazel.

Cuando acaban de leer, Gus le dice que le parece muy raro el final de “Un dolor imperial” y Hazel le cuenta que su autor, Peter Van Houten se retiró a Amsterdam tras publicar la novela desapareciendo así del mundo.

Unas semanas después Gus le dice a Hazel que ha contactado Van Houten por email, tras esto, Hazel contacta con el autor para preguntarle por el final del libro. Van Houten le incita a viajar a Amsterdam para conseguir las respuestas que tanto quiere, ya que solo se las dará en persona. Esta respuesta provoca una ilusión desbocada de Hazel para viajar a Amsterdam, pero un empeoramiento momentáneo de su salud y las limitaciones financieras de los Lancaster pronto truncan la ilusión de la chica.

Tras recuperarse, Gus le dice a Hazel que él hará uso de su “deseo de cáncer” y que viajará con ella a Amsterdam si le autorizan. Después de moverlo todo con el equipo médico, el viaje es autorizado y Gus, Hazel y Frannie se van a Holanda.

Gus y Hazel, los protagonistas de "Bajo la misma estrella"

Ya en Amsterdam, y mientras comparten una cena pagada por Van Houten, Gus le confiesa su amor a Hazel. La tarde siguiente, la nueva pareja se lleva la desagradable sorpresa de que Van Houten resulta ser un alcohólico malhumorado que ni quería ni sabía que los jóvenes viajarían. Tras esto, ambos se marchan enfadados y aprovechan para ir a visitar, junto a la asistenta del escritor, la casa de Ana Frank suponiendo una lucha titánica de Hazel por subir escaleras y la confirmación de su amor hacia Gus. Al finalizar el día, ambos jóvenes pasan la noche juntos teniendo sexo por primera vez.

Al día siguiente el drama se hace presente de nuevo ya que, Gus le comunica a Hazel que su cáncer ha regresado y que, desgraciadamente se ha expandido por todo su cuerpo.

Y hasta aquí lo que os podemos contar de “Bajo la misma estrella” ya que, creemos que es mejor que la veáis si queréis saber como acaba, si Gus se salva o incluso como se enfrenta Hazel al nuevo mazazo en su vida.

Técnicamente os diremos que “Bajo la misma estrella” nos ha sorprendido bastante ya que, cuando empezamos a verla temíamos encontrarnos con una película que buscara constantemente manipularnos para buscar el bofetón entre el amor pasteloso y las consecuencias del cáncer con metástasis, y por suerte no lo hemos encontrado.

Sí que es verdad que en “Bajo la misma estrella” se ha conseguido juntar con extremo realismo, una bella historia de amor entre dos jóvenes y el bombardeo de situaciones que sufren estos al enfrentarse a la crueldad del cáncer haciéndolo, además, con absoluta normalidad y humanidad.

¿Nos referimos a que “Bajo la misma estrella” no cae en lo “pasteloso” ?, no, porque por momentos lo hace buscando la lágrima fácil del espectador, pero no es lo que predomina.

Nos sorprendió y muy positivamente la integración de la historia de Gus y Hazel con las vivencias y enseñanzas de Ana Frank cuando la pareja está en la casa haciéndonos entender bien lo que siente Hazel en ese momento.

Interpretativamente hablando os diremos que nos ha sorprendido muy positivamente el trabajo de sus dos protagonistas y la adictiva química que muestran en todo momento. Shailene Woodley logra transmitirnos en todo momento y con total realismo lo que vive una persona con cáncer, desde el derrotismo inicial hasta la ilusión, el enamoramiento y la pérdida. Brillante. Su compañero de reparto, Ansel Elgort también brilla a gran altura ganando soltura y brillantez en el tramo final de la historia.

Sin ser una obra maestra del cine, “Bajo la misma estrella” consigue y con creces lo que pretende, que es mostrarnos con crudeza y desde el romanticismo la realidad dos enfermos de cáncer.

Así pues, y por todo lo que os hemos contado, nuestra nota final para “Bajo la misma estrella” es de un 8 sobre 10.

Título original: “The fault in Our Stars” – 2014 – USA

Dirigida por: Josh Boone

Duración: 125 minutos

Género: Drama, romántico

 

El rescate de Ruby

Hablar de películas con perros de protagonistas es, para los amantes de los peludos (entre los que nos incluimos sin dudarlo lo más mínimo) todo un filón en el mundo del cine. Si obviamos la adaptación de “Cujo” de Stephen King y de alguna otra cinta, normalmente nos encontramos con canes adorables, inteligentes, con más valores que muchos humanos, dosis de humor y, sobre todo, alguna que otra lágrima.

De este género, tenemos ejemplos como la maravillosa “Hachiko: Siempre a tu lado”, o la más modesta “Diecisiete” o la famosa “Pareja de tres (Marley and Me)”, todas distintas, pero a la vez, todas con elementos en común.

Hoy en esta entrada os contaremos la cinta original de la plataforma de streaming Netflix titulada “El rescate de Ruby”.

“El rescate de Ruby” empieza presentándonos a la protagonista de la historia, Ruby, una preciosa Collie de poco más de un año de edad. Ruby está en un refugio de animales después de que haya sufrido varios intentos infructuosos de adopción. Tras el último intento, a Ruby le dan 24 horas para que se encuentre un nuevo adoptante, en caso contrario, será sacrificada.

Paralelamente a esto, no muy lejos de allí nos encontramos con Daniel O’Neill (a quien da vida Grant Gustin) un policía un tanto nervioso e hiperactivo que lucha contra viento y marea para entrar en la unidad canina del K9 de Rhode Island. Después de varios rechazos por su falta de concentración, el jefe de la unidad le explica que no hay presupuesto para un nuevo perro, por tanto, si quiere intentar entrar en la unidad, deberá hacerse con uno él.

De vuelta a su casa, y contra la opinión de su mujer (quien espera un segundo hijo), Daniel para en el refugio con la ilusión de encontrar un pastor alemán para adoptar y poder así, acceder a las pruebas del K9. Obviamente no hay, pero en solo verle, Ruby escoge a Daniel y este la acaba adoptando.

Muy pronto, entre Dan y Ruby se cimienta una magia especial, aunque a ella, le falta mucho por aprender, tanto a comportarse en casa (donde hace sus necesidades donde puede y llora desconsoladamente por las noches) como en las tareas de obediencia donde se inspira y mucho en el nerviosismo e hiperactividad de Dan.

Poco a poco, y después de muchas horas de entreno, Ruby aprende a tranquilizarse y a hacer caso a su dueño y este aprende a entender a su perra. En las pruebas de acceso y pese al nerviosismo que Dan sufre, consigue la suficiente puntuación para entrar en prácticas en el K9 donde caso a caso, Ruby demuestra a todos que es el mejor perro policía de Rhode Island hasta que llega el gran caso que, evidentemente nos guardaremos en el cajón.

Ruby y Dan

Técnicamente, no os engañaremos, “El rescate de Ruby” es una película, con todos los respetos de tarde de domingo, es decir, se deja ver, pero aporta muy poco a la historia del cine y a las historias que todos los que queremos a los perros, conocemos. Se ayuda de toques de humor, algunos gags perrunos ya vistos algunas veces, pero le falta arriesgar, tanto en la propia historia y su resolución como en el dramatismo de los momentos lacrimógenos.

Si hablamos del guion, os diremos que es posiblemente el gran bache que tiene “El rescate de Ruby”, ya que no nos presentas ni giros, ni sorpresas, ni grandes diálogos, parece más pensado para mostrar las pequeñas “travesuras” de Ruby, algo de sensiblería, y todo, para dejarnos muy claro la fábula de “El rescate de Ruby” que no es otra que hay que creer en el prójimo, darnos oportunidades y prestarnos más atención.

Interpretativamente hablamos os diremos que nos ha parecido muy acertada la elección de Grant Gustin para dar vida al nervioso Daniel O’Neill aportándole además ternura, carisma cierta simpatía, aunque la gran protagonista (y quien roba varias escenas a Gustin) no es otra que Ruby, la preciosa Collie.

Por todo lo que os hemos contado, nuestra nota final para “El rescate de Ruby” es de un 6 sobre 10.

Título original: “Rescued by Ruby” – 2022 – USA

Dirigida por: Katt Shea

Duración: 90 minutos

Género: Drama, familiar, Basada en hechos reales

 

Nuovo Olimpo

En algunas películas, las salas de cine tienen un elevado protagonismo. En ocasiones como escenario principal donde se suceden las tramas (por ejemplo, en el gran clásico “Cinema Paradiso”), en otras creando imágenes icónicas que perduran en el tiempo (como en “Amelie” o incluso “Cadena perpetua”).

Hoy, en este rincón os hablaremos de una película que tiene también, una sala de cine como protagonista. En esta ocasión, ejerciendo un papel importante en la primera parte de la película, aunque sin tanto simbolismo como los ejemplos que os hemos comentado antes.

Estrenada en el Festival de Cine de Roma de 2023 y distribuida directamente por la plataforma de streaming de Netflix en noviembre del mismo año, en esta entrada os hablaremos del drama romántico italiano “Nuovo Olimpo”.

“Nuovo Olimpo” empieza situándonos en la convulsa Italia de finales de la década de los 70, concretamente en el 1978. En sus calles conocemos a Pietro (a quien da vida Andrea Di Luigi) un joven y tímido estudiante de medicina quien se encuentra con la grabación de una película y cruza su mirada con un joven desconocido.

Días más tarde, Pietro va al cine a ver cine clásico, la sala escogida es “Nuovo Olimpo” donde dos filas más delante de su butaca está el joven con quien cruzó su mirada en la calle, es Enea (interpretado por Damiano Gavino) quien a los pocos minutos de proyección le propone salir al pasillo a fumar.

En el “Nuovo Olimpo”, salir a fumar al pasillo a fumar era sinónimo de ir a practicar cruising en los baños del cine. Aunque Pietro acude, rehúsa tener sexo con Enea en el baño quedando eso sí con él para el día siguiente. En este tiempo, Enea consigue de Alice, su amiga y amante, las llaves del piso de la abuela de esta.

En el encuentro del día siguiente saltan las chipas y el amor entre Pietro y Enea, teniendo sexo en varias ocasiones. Tras tan apasionada noche, quedan para el día siguiente en el cine para después ir a cenar, aunque la vida les tiene preparada otra cosa ya que, la revolución antifascista que se vive en las calles les separa sin contacto (no se habían intercambiado ni teléfono ni dirección) durante mucho tiempo.

Diez años más tarde nos encontramos con un Enea que acaba de estrenar una película inspirada claramente en el romance que tuvo con Pietro quien ve dicha cinta al lado de Giulia, su esposa en la actualidad. Tras ver la película, Pietro queda abrumado despertando recelos en Giulia. Al día siguiente, Pietro va al “Nuovo Olimpo” que ahora es un cine X esperando encontrar a Enea, pero encuentra a un viejo conocido que le pone al día de Enea.

Enea y Pietro iniciando su historia de amor

Cinco años más tarde las vidas de Pietro (ahora convertido en médico oftalmólogo) y Enea vuelven a cruzarse, en esta ocasión en dos trenes de la misma estación. Aunque Enea está en una relación con Antonio, convive a menudo con los recuerdos hacia Pietro hasta que un día, se cruza con la exdueña del “Nuovo Olimpo” quien le recrimina que nunca volvió al cine, indicándole que ella tiene una carta que le escribió Pietro.

La historia se reinicia en 2015, casi 40 años después de su noche de pasión, en el momento en que Enea rueda su decimocuarta película y sufre un aparatoso accidente que le deja temporalmente ciego. Esta situación provoca que Enea acabe en manos de Pietro, cirujano oftalmólogo de guardia.

Durante la recuperación, y a ciegas aún, Enea reconoce a Pietro precipitando el desenlace de la historia, desenlace que, obviamente nos guardaremos en el tintero.

Técnicamente os diremos que “Nuovo Olimpo” nos ha dejado un sabor claramente agridulce. En el lado positio decir que nos presenta una buena historia de amor homosexual, aceptación y superación en una época muy convulsa y complicada de Italia. Y en el negativo, que esta misma historia de amor, bajo nuestro particular punto de vista, estira en exceso el metraje y por tanto la trama para contarnos casi 40 años, muy superficiales, de unas vidas que se van cruzando en momentos quizá demasiado provocados (o poco naturales).

Particularmente hemos echado y mucho de menos conocer más la historia de Enea y Pietro, saber lo que piensan, saber por lo que sufren, conocer porque no volvieron al cine tras los altercados de 1978 ni intentaron encontrarse.

Lo que sí nos ha gustado y mucho es la escenografía, retratándonos tanto una bella Italia (durante los 40 años que transcurren), como una bellísima relación sexual entre los protagonistas rodada con un gran tacto y mucha finura para que los desnudos masculinos que aparecen queden totalmente integrados y naturalizados.

Interpretativamente hablando os diremos que tanto Damiano Gavino dando vida a Enea, como Andrea Di Luigi haciendo lo propio con Pietro realizan un gran trabajo transmitiéndonos lo que la escueta definición de sus personajes les permite, haciéndolo además con una gran química entre ellos.

Por todo lo que os hemos contado, nuestra nota final para “Nuovo Olimpo” es de un 6 sobre 10.

Título original: “Nuovo Olimpo” – Italia – 2023

Dirigida por: Ferzan Ozpetek

Duración: 111 minutos

Género: drama, romántico, LGTBI

Fabricante de lágrimas

La industria del cine, a lo largo de la historia, nos ha ofrecido un gran número de dramas románticos que nos han impactado y se han quedado marcados en nuestro cerebro, sin ir más lejos tenemos grandes clásicos como “El diario de Noa”, “Los puentes de Madison”, “Ghost. Más allá del amor”, “Brokeback Mountain”, etc.

La mayoría de estos dramas están protagonizados por personas adultas (con indiferente sexualidad) pero ¿Qué pasa con los más jóvenes? Pues, hemos de deciros que, los últimos años han tenido también su cuota de protagonismo en pantalla, sobre todo, los más pequeños con títulos como “Mi chica” o “Un puente haciaTerabithia” o incluso “A dos metros de ti”.

Con esta entrada, os queremos compartir nuestra crítica de una película recién llegada al catálogo de Netflix. Adaptando la novela homónima de la joven escritora italiana Erin Doom quien con dos únicas novelas se ha convertido en toda una institución en el país transalpino. En esta entrada nos centraremos en la película que adapta su primera novela, “Fabricante de lágrimas”.

“Fabricante de lágrimas” empieza presentándonos, a modo de flashback, una de las protagonistas de la historia, la pequeña Nica quien sufre un aparatoso accidente en un viaje con sus padres fruto del cual, estos mueren dejando a la pequeña huérfana.

Poco después del accidente, Nica llega al orfanato de Sunnycreek, lugar regentado con mano de acero por la dura señora Margaret quien lleva a todos los huérfanos con mano de hierro, todos menos uno, Rigel (interpretado de adulto por Simone Baldasseroni), quien en poco tiempo se convierte en el principal enemigo de Nica.

La infancia de Nica y del resto de los huérfanos pasa entre castigos de Margaret y el relato de varias leyendas que se cuentan los pequeños, entre las cuales está la del fabricante de lágrimas, un artesano un tanto misterioso responsable de haber provocado los miedos y los sufrimientos de los seres humanos.

Ya en la actualidad, nos encontramos con una Nica adolescente que, de un día por otro ve cumplido su deseo, ser adoptada por una familia, los Milligan. Cuando los Milligan van a recogerla a Sunnycreek escuchan de fondo la bella melodía de piano que Rigel está tocando. Sorprendidos, se interesan también por el joven, llevándoselo también para casa.

Así, de esta manera, Nica acaba compartiendo casa y vida con la única persona con quien no quería: Rigel. Ya en casa, Rigel se muestra como realmente es, introvertido, inteligente y, sobre todo, extrañamente protector con Nica.

Poco a poco Nica y Rigel se irán uniendo, descubriendo, a través de su pasado en común de penurias que han vivido y de lo que han tenido que esconder que, únicamente tienen un camino para poder convivir y más, cuando cada uno de ellos tiene su particular forma de superar sus problemas, uno a través de la ira y la otra a través de la bondad.

Rigel y Nica en su casa adoptiva

Sí, al final resulta que tanto Nica como Rigel son “el fabricante de lágrimas” del otro, un fabricante que, en su caso actúa por un sentimiento tan profundo e importante como es el amor.

¿Cómo dos rivales pueden sentir tal atracción? ¿Pueden dos hermanos, adoptivos, tener una relación? ¿Conseguirán vencer su pasado y forjarse un futuro? Como es evidente, nosotros sabemos las respuestas a estas y otras preguntas, aunque os animamos a verla para obtenerlas.

Técnicamente os diremos que, sin haber leído la obra original de Erin Doom, “Fabricante de lágrimas” es una película que parece crear por y para un público claramente juvenil o en edad de descubrir su primer amor. ¿Esto es malo? No necesariamente ya que, en este caso, el equipo técnico ha querido dar un estilo muy diferente al habitual en otras obras parecidas para contarnos una historia llena de sentimiento, de romanticismo y como no, pasión, sin olvidar eso sí, una bella factura técnica visual.

Sí que es verdad que, argumentalmente, y bajo nuestro particular punto de vista, “Fabricante de lágrimas” se ha quedado en una historia demasiado plana, cuando nos muestran a Nica llegando al orfanato y vemos la mirada que pequeño Rigel le dedica, ya casi sabemos el final, y desgraciadamente, no nos equivocamos.

Interpretativamente nos encontramos con dos trabajos que, pese a correctos, no despuntan tanto como deberían, parecen más pensados por competir con “Élite” y sus cuerpos 100% normativos que, por sus propias capacidades interpretativas, aunque aquí, tanto Simone Baldasseroni como Caterina Ferioli, como mínimo logran transmitirnos lo que sus personajes sienten.

Aunque le hemos echado mucho de menos que “Fabricante de lágrimas” asumiera muchos más riesgos, nuestra nota final para ella es de un 5.5 sobre 10.

Título original: “Fabbricante di lacrime” – Italia – 2024

Dirigida por: Alessandro Genovesi

Duración: 103 minutos

Género: Drama, Romántico