El Menú

Podríamos decir que desde que Julia Child se convirtió en cocinera mediática ha llovido mucho, y más si tenemos en cuenta que apareció en la pequeña pantalla a mediados de los años 60 del pasado siglo, y los cocineros han ido ganando presencia en la televisión y nombres tan famosos como Anthony Bourdain, Jamie Oliver, Gordon Ramsay o los más locales, Karlos Arguiñano, Jordi Cruz o Pepe Rodríguez han pasado a formar parte de nuestras vidas consiguiendo que, nos guste o no la cocina, veamos sus programas.

Si a todo esto le sumamos el halo de prestigio que tienen sus creaciones culinarias, haberlas podido degustar y sobre todo, poder alardear de ello, el coctel de relevancia que tienen los chefs es explosivo (tendremos que decir: ¡gracias foodies influencers!).

En el mundo del cine hemos visto ya varias películas con chefs como protagonistas, desde “Julie & Julia” (relatando la vida de Julia Child) hasta “#chef” pasando por cine de terror como “El hoyo” o de animación como “Ratatouille”, aunque nos faltaba una película que hiciera una potente crítica social y que nos hablara del poder de los chefs y de los influencers, y esta cinta ha acabado llegando, lo hizo a finales de 2022 y se titula “El Menú”.

“El Menú” empieza presentándonos a Tyler (interpretado por Nicholas Hoult), un joven obsesionado con la cocina quien paga una fortuna para que él y Margot Mills (a quien da vida Anya Taylor-Joy) asistan a un exclusivo restaurante regentado por el prestigioso chef Julian Slowik (interpretado por Ralph Fiennes), ubicado en una solitaria isla privada.

A dicha cena asistirán, además de Tyler y Margot, la crítica gastronómica Lilian y su editor Ted, George una estrella de cine y su asistente, una pareja de ricos, Soren, Dave y Bryce tres socios de negocios y la alcohólica madre del propio chef.

En la isla son recibidos por Elsa, el maître del restaurante y mano derecha del chef, quien les guiará en un pequeño tour por la isla y descubrirá que Margot no era la acompañante que esperaban de Tyler.

Al poco empieza la cena y en cada plato, hay un monólogo de Slowik, y a cada plato más sorprendente porque siempre tiene una dedicatoria para alguien de la sala, dedicatoria que, además, no tarda en ser bastante incómoda.

Sin esperarlo nadie, en la presentación de uno de los pases, el segundo de cocina se suicida delante de todos, en otro, el principal inversionista del restaurante disfrazado de ángel es ahogado ante la mirada de todos y por si fuera poco, uno de los dedos de uno de los comensales es rebanado sin escrúpulos.

Cuando los nervios empiezan a apoderarse los comensales, Slowik les anuncia que todos están allí porque, de una manera u otra han hecho que perdiera la pasión por la cocina, por tanto, esa noche morirían todos y solo uno, podría escoger si entre los cocineros o entre los comensales, Margot quien no debería estar allí.

Cuando Slowik revela que Tyler conocía sus intenciones para esa noche y que pese a todo contrató a Margot, toma la determinación de humillarle haciéndole cocinar para posteriormente hacerle suicidar.

Cuando parece que ya nada puede hacer a Margot se le ocurre algo que le acaba dando una opción para escapar, hacerle cocinar a Slowik algo sencillo que le hace recordar al chef sus orígenes, una simple hamburguesa con queso. Aunque, ¿se comerá la hamburguesa Margot en el restaurante? O por el contrario podrá escapar mientras el resto acaba como ha previsto Slowik. Como ya os podéis imaginar, nosotros sabemos la respuesta a estas preguntas, pero no os la contaremos aquí.

Slowik y Margot en un lance del menú

Técnicamente os diremos que, “El menú” goza de una malvada premeditación mezclando casi a la perfección una ambientación claramente claustrofóbica contando únicamente el comedor de un restaurante, parcialmente su cocina y unas grandes cristaleras con la negra noche al fondo, una decena de comensales con sus respectivos secretos con un chef tan brillante gastronómicamente como siniestro. Y todo, con giros que no dejaran indiferente a casi nadie.

Como todo buen menú, esta película nos sorprende argumentalmente ya que consigue juntar en una misma mesa, la película, una crítica feroz a la prepotencia de los chefs de renombre que miran por encima del hombre a sus clientes y seguidores, con una crítica velada a la sociedad actual, en la cual se mezclan desde ricachones que malgastan su fortuna sin vivir hasta trabajadores venidos a más por distintos motivos pasando por “influencers” que se creen superiores y dar lecciones al resto.

Con este menú de críticas, “El menú” teje su argumento y lo desarrolla con calma, incrementando la tensión a medida que los pecados de los clientes van aflorando al ritmo que el tirano del chef va mostrando píldoras de su personalidad. Sin lugar a duda, un acierto para todo el equipo de “El menú”.

Interpretativamente hablando nos quitamos el sombrero ante el apabullante trabajo de un Ralph Fiennes dando vida al famoso chef Julian Slowik, un hombre que ha llegado a la cima de su carrera y que ha perdido totalmente la orientación lo cual le convierte en un ser retorcido y sin escrúpulos que hará lo que sea para conseguir su objetivo. Sin lugar a duda, su elección fue una magnífica decisión pues crea y se funde totalmente con su personaje. En cuanto al resto de intérpretes, nos gustaría comentar el trabajo de Anya Taylor-Joy dando vida a Margot, una chica de compañía que no debería estar allí y que parece que es la única con la mente suficientemente clara como para pensar. Su trabajo, correcto, pero sin estridencias. Para nosotros, le falta expresividad

No os diremos que “El menú” es una joya del cine porque os engañaríamos, es más a nosotros, pese que nos ha gustado, hubiésemos preferido que la película hubiese tenido menos giros y quizá, que hubiese dejado menos interpretaciones al aire.

Por todo lo que os hemos contado, nuestra nota final para “El menú” es de un 6 sobre 10.

Título original: “The Menu” – 2022 – USA

Dirigida por: Mark Mylod

Duración: 107 minutos

Género: Thriller, Terror

Come Reza Ama (2010), críticas y análisis

Para muchos, encontrar nuestro sitio en un mundo tan complicado como el que nos ha tocado vivir, no es una tarea fácil, aunque muchos lo tienen claro, basta con encontrarnos a nosotros mismos. Una frase, sin lugar a duda bonita y cierta, aunque para quien se encuentra en esa situación, su sensación de vacío emocional es tan potente que, en ocasiones, le basta con arrastrase hasta un nuevo día.

Cuando la sensación de no saber qué pinta uno el mundo, la sensación de pesimismo y de agobio va en aumento, como si uno pasara solo por los caminos que los demás quieren, vagando sin pena ni gloria. Con toda seguridad, cuando pasa esto, es el momento de plantearse si esa es la vida que uno quiere.

Y es precisamente en este punto, donde empieza la novela “Eat Pray Love: One Woman’s search for Everything Across Italy, India e Indonesia” de la estadounidense Elizabeth Gilbert publicada en 2006 y que sirvió de base para la película que os presentamos hoy en este pequeño rincón, “Come Reza Ama”.

“Come Reza Ama” empieza presentándonos a Liz Gilbert (a quien da vida Julia Roberts), una mujer moderna que tiene todo lo que, en esta vida, la mayoría, sueña en tener, un marido, una carrera exitosa (que a veces, no le acaba de llenar), una casa de ensueño, amigos, etc., pero que se encuentra totalmente perdida en lo que realmente quiere para su vida.

En un viaje fugaz a Bali para uno de sus artículos, Liz conoce a Ketut, un chamán que le lee la línea de su vida, pronosticándole dos matrimonios, uno largo y uno corto (aunque no le dice cual es cual) y que, antes de un año estará viviendo en Bali mientras busca su felicidad interior.

A su vuelta del viaje, habla con su marido y le plantea la posibilidad del divorcio, a lo que él, no le pone ningún problema, aceptándolo sin más. Ya en trámites de su divorcio, y tras asistir a una representación teatral Liz tiene un breve romance con el actor protagonista, David (James Franco).

Una vez conseguido el divorcio, Liz decide hacer un cambio radical en su vida y salir de su zona de confort, su destino será una especie de vuelta el mundo durando un año, pasando por Italia, India e Indonesia con la finalidad de descubrirse a sí misma.

La primera parada de su viaje le lleva a la bella Italia donde se instala en casa de unos amigos durante nada más y nada menos que cuatro meses. Durante todo este periodo Liz descubre el placer de la comida y de la rica gastronomía italiana, sus pastas y sus helados.

Pasado este tiempo, un nuevo destino llama a su puerta, la India donde se dirige hacia un ashram, una especie de monasterio hinduista donde le enseñaran tanto el yoga como la meditación según la tradición hinduista. Además de rezar y orar, Liz se encargará, inicialmente de la limpieza de los pisos y posteriormente de orientar y recibir a los recién llegados.

Liz y Ketut en "Come Reza Ama"

Su siguiente parada le lleva a reencontrarse con un viejo conocido, Ketut, el chamán que un año atrás le había leído su futuro, aunque en esta ocasión, Liz está mucho más centrada que en el pasado. Liz busca y alquila una casa donde vivirá los próximos meses.

Para continuar su encuentro interior, Ketut le da a Liz varias tareas que hacer, lo que hace que tenga que ir de un lado a otro en bicicleta. Un día, en uno de estos trayectos, tiene un accidente y debe ir a una curandera, Wayan la cual al final, acabará convirtiéndose en una gran amiga, como también acabará iniciando una relación con el conductor del Jeep con el que se accidentó, Felipe (interpretado por Javier Bardem), un brasileño divorciado que ha rehecho su vida en Bali.

Todo va viento en popa a toda vela entre ellos, pero quizá demasiado rápido para Liz, aunque eso, nos lo guardamos para nosotros.

Uno de los grandes aciertos de “Come, reza, ama” es plasmar el viaje introspectivo, en busca del equilibrio y su sitio en el mundo de Liz, y lo hace físicamente, a través de un viaje por tres destinos que, casi todo el mundo ansia conocer, la eterna Roma, y las exóticas y más desconocidas, pero igualmente espirituales, Delhi y Bali, y todo mezclado con gastronomía del país (¿por dónde se nos conquista? Sí señor, por el estómago).

Llegados aquí, el resto que, técnicamente nos ofrece “Come, reza, ama” además de una buena fotografía, es un cúmulo de tópicos y clichés que, provocan que la película en ningún momento llegue a sorprendernos. Los tres viajes son una copia uno de otro, en los tres, Liz conoce a gente habla inglés y se hacen amigos, le ayudan, etc., en los tres destinos conoce a un hombre. No sé, la verdad esperaba algo más, ya que tanta previsibilidad hace que, por momentos, las dos horas de metraje se hagan largas y poco dinámicas.

Interpretativamente os diremos que, “Come, reza, ama” parece una película pensada y diseñada para el lucimiento de su actriz principal, la siempre solvente (y garantía de éxito casi asegurada) Julia Roberts quien, en este caso, cumple con las expectativas dejándonos muy clara la evolución de Liz su personaje. El resto de reparto, correcto, aunque sobresaliendo, por papel y peso en la historia, Javier Bardem.

Por todo lo que os hemos contado, nuestra nota final para “Come, reza y ama” es de un 6 sobre 10.

Título original: “Eat, Pray, Love” – USA – 2010

Dirigida por: Ryan Murphy

Duración: 146 minutos.

Género: Romántica, Drama, Comedia

A dos metros de ti

Hoy en día, con toda la “Generación Z” o “centenials” llegando a su edad adulta está, y teniendo en cuenta que, para la mayoría ha cambiado la forma de comunicarse e interactuar, la mayoría de las personas nos damos cuenta otra cosa que también ha cambiado, el concepto del “amor a distancia”.

Si hace años pensar en una relación amorosa en que ambas personas estuvieran separadas a más de una hora de distancia era pensar en una relación abocada al fracaso, actualmente esto ha dado un giro como un calcetín. Cada día que pasa y gracias a las redes sociales y la interconexión a todos los niveles, nuestro mundo se ha hecho cada vez más pequeño.

Muchos de los centenials, pueden enamorarse de otras personas a largas distancias sirviéndoles para mantener la llama del amor, únicamente una imagen o unas palabras de forma regular. Para el resto de los mortales, el contacto con los cinco sentidos es algo imprescindible en cualquier relación y más si esta es amorosa.

Siguiendo esta premisa, al poco de estallar la pandemia de COVID-19, se estrenó un drama romántico que nos narra varias fases del amor entre dos jóvenes con una vida marcada por una extrema complejidad, os estamos hablando de “A dos metros de ti”.

“A dos metros de ti” empieza presentándonos a Stella Grant (interpretada por Haley Lu Richardson), una joven adolescente de 17 años que lleva una vida marcada por el control, las rutinas, la monotonía y la grabación de videos donde explica sus experiencias en el manejo y tratamiento de la enfermedad que sufre, fibrosis quística.

Stella pasa la mayoría de su tiempo ingresada en el hospital, alejada de lo que sería la vida de una joven de 17 años, siendo su único capricho ir a ver a los neonatos del hospital mientras espera que llegue un pulmón compatible. Un día, su vida se cruza con un joven encantador, Will Newman (interpretado por Cole Sprouse) quien, como ella, sufre de fibrosis quística, aunque a diferencia suya, tiene una infección que le impide ser receptor de unos pulmones que le garantizarían 5 años más de vida, por este motivo, no confía en su recuperación ni en las rutinas o protocolos que les marcan desde el hospital.

Cuando Bárbara se entera de la amistad de ambos jóvenes pronto les recuerda la norma por la cual, entre ellos tiene que haber siempre como mínimo 2 metros de distancia para evitar contagios entre ellos. Aunque de entrada son antagónicos, poco a poco van descubriendo cosas del pasado de cada uno y, a la vez que van entendiendo sus reacciones se van enamorando.

Las ganas de estar juntos y compartir su tiempo hace que Stella y Will lleguen a un pacto que beneficia a ambos, Will seguirá el protocolo marcado por el hospital para tranquilizar a Stella y esta posará para que Will la dibuje.

A los pocos días, los chicos celebran el 18 cumpleaños de Will con la ayuda de Poe, otro chico con fibrosis quística que a la vez es el mejor amigo de Stella invitando a varias amistades de Will.

Will y Stella viviendo "a dos metros de ti"

A la mañana siguiente, Poe muere haciendo que Stella reaccione, descubriendo que está echando a la basura una vida que no sabe si la mañana siguiente la tendrá o no. Como reacción, le pide a Will que la acompañe a la ciudad para ver las luces de Navidad a escondidas del personal del hospital.

En su viaje a la ciudad, Stella da la mano (con guantes) a Will, hacen un ángel en la nieve y patinan en un estanque helado, y todo esto, mientras en el hospital reciben el aviso que tienen unos pulmones compatibles con Stella aunque esta no parece muy dispuesta a escuchar la propuesta.

¿Aceptará Stella los pulmones que han recibido en el hospital? ¿Conseguirá llegar al hospital a tiempo? Y si se opera, ¿saldrá exitosa de la complicada intervención? Como ya os podéis imaginar, nosotros sabemos la respuesta a estas y otras preguntas, pero nos las reservaremos para nosotros, porque el final de “A dos metros de ti” es realmente emotivo.

Técnicamente os diremos que “A dos metros de ti” tiene un montaje realmente bueno y una banda sonora que encaja completamente con la historia que nos cuenta. En el lado contrario de la balanza os diremos que “A dos metros de ti” tiene un hándicap que le lastra el resultado final y este no es otro que, se centra tanto en el protocolo que siguen los enfermos de fibrosis quística que, toda la trama gira a su alrededor dejando poco o casi nada a la sorpresa.

La falta de sorpresa no impide que la carga romántica entre Will y Stella brille en cada secuencia, aunque todos tenemos muy claro que su amor es imposible por culpa de la enfermedad que sufren, una enfermedad que nos muestra a todos, la importancia de la gestión del tiempo ya que este, pasa y no vuelve.

Interpretativamente hablando, “A dos metros de ti” cuenta con dos jóvenes intérpretes que desprenden una magia especial, Haley Lu Richardson y Cole Sprouse. Haley Lu Richardson ejecuta una gran actuación siendo capaz, con cercanía, de transmitirnos el sufrimiento de su personaje, tanto en la enfermedad como en el amor hacia Will. Mientras Cole Sprouse, aunque no está tan brillante como Haley sí que es solvente con su papel

Por todo lo que os hemos contado, y pese a que “A dos metros de ti” no es una obra maestra, sí que es una película que te acaba marcando, por tanto, nuestra nota final para ella es de un 7 sobre 10.

Título original: “Five feet apart” – 2019 – USA

Dirigida por Justin Baldoni

Duración: 116 minutos

Género: Drama, Romántico

 

 

Nowhere

Vivimos en un mundo donde para muchos, la única alternativa para tener una oportunidad en la vida pasa por jugársela y empezar de cero en otro país, solos y sin conocer ni la lengua ni la cultura (tenemos ejemplos clarísimos en las costas de Canarias, Miami o incluso Grecia o Italia).

Desgraciadamente y aunque muchos no quieran valorarlo, son seres humanos los que huyen de sus orígenes y de sus familias convirtiéndose en contrabando humano, sin más derechos que el de sobrevivir por sus propios medios.

Basándose en esta premisa, tras el verano de 2023 se estrenó en la plataforma de streaming Netflix una película de suspense y terror dirigida por el español Albert Pintó y protagonizada por Anna Castillo y Tamar Novas. Os estamos hablando de “Nowhere”.

La historia se “Nowhere” nos sitúa en España, en un futuro distópico, con un gobierno autoritario intentando gestionar una grave crisis de escasez de recursos, tanto económicos como de elementos básicos para vivir. Es tan grave la situación que el propio gobierno ha dejado sin ayudas a los más marginados mientras hace redadas para quitar de las calles a niños y mujeres embarazadas.

De lo poco que pueden plantearse los pocos habitantes que conservan algunos recursos es huir de España con el fin de llegar a Irlanda, uno de los pocos países del mundo donde la crisis no ha azotado tanto, aunque eso sí, para ello tendrán que convertirse en contrabando humano escondidos en grandes contenedores de carga marítimos.

En estas condiciones nos encontramos con una joven pareja formada por Mía (interpretada por Anna Castillo) y su marido Nico (a quien da vida Tamar Novas), quienes, tras perder a su hija al comienzo de la crisis, vuelven a estar embarazados y viendo que se serán un objetivo fácil para que el gobierno les elimine (a ellos o a su futura hija), deciden abandonar el país.

Tras entrar en contacto con los contrabandistas y pagar un alto precio que les deja sin absolutamente nada, ambos son guiados entre grandes contenedores hasta un punto donde son metidos en uno de ellos y cargados en un camión junto a otro grupo de personas.

En el desplazamiento a una nueva escala, Mía y Nico son, accidentalmente, separados cayendo uno en un contenedor distinto al otro lo cual les forzará a, una vez llegados a su destino buscarse para reencontrarse.

A su llegada al puerto, y durante un control de la policía aduanera, el contenedor donde viaja Mía es disparado, revisado y la mayoría del pasaje masacrado a balazos por la policía… igual suerte corre el contenedor donde viaja Nico. Tras esto, ambos contenedores son cargados con grandes grúas en un barco carguero.

Al poco tiempo de estar en alta mar y viendo Mía que únicamente tiene media botella de agua y un trozo de bocadillo para comer, decide racionarse para aguantar el viaje sin problemas. Con lo que no cuenta Mía es con lo que le espera, una dura y potente tormenta que provoca que una gran cantidad de contenedores caigan del barco, entre los cuales el suyo.

Mía, sola en medio del mar dentro de un contenedor

Con su contenedor flotando en alta mar, Mía solo tiene el recurso de mirar por los agujeros de bala de su contenedor, aunque por allí solo ve el inmenso mar y como el resto de contenedores se van hundiendo, entre ellos, uno muy parecido al que viaja Nico.

A partir de este punto, Mía empieza una auténtica carrera de supervivencia, intentado taponar los agujeros para que no entre agua al contenedor, inventando sistema para achicarla y como no podía ser de otra manera, enfrentándose al parto de su hija y a la supervivencia de ambas hasta su hipotético rescate.

Mía se las tendrá que ingeniar para conseguir hacer una puerta para subir encima del contenedor, conseguir comida para ella y para que pueda amamantar a su pequeña, y todo con únicamente una caja llena de televisores, y dos más llenas de tuppers vacíos.

¿Conseguirá Mía su objetivo de llevar a su hija sana y salva a tierra firme? Y si lo consigue, ¿podrá reunirse con Nico? Como es evidente, nosotros conocemos la respuesta a estas y otras preguntas, pero nos las guardaremos celosamente.

“Nowhere” nos presenta una historia bastante original y repleta de sorpresas que, por momentos nos recuerda la gran “Naufrago” aunque sea vagamente. Como gran punto positivo, el argumento y su desarrollo el cual consigue, aunque en el primero momento arranca un poco titubeante, mantenernos en tensión durante todo el metraje. En el punto negativo, algunos pequeños giros o sorpresas quizá demasiado buenistas dentro de un entorno totalmente inhóspito y casi imposible.

Interpretativamente os diremos que, sin lugar a dudas, Anna Castillo hace una de las mejores interpretaciones de su vida interpretando a la luchadora y a la vez sufridora Mía, una mujer abandonada en solitario en medio de Océano en busca de una oportunidad para su familia y teniéndose que enfrentar a mil peligros (hambre, frío, deshidratación, un parto, el cuidado de su hija, etc.). Sin lugar a dudas, está fantástica en la transmisión de sus penurias.

No queremos cerrar esta crítica sin remarcar el buen y claro mensaje que podemos sacar de “Nowhere” y que no es otro que el valor de la esperanza y que esta, por muy pequeña que parezca, siempre estará como mínimo un paso por delante de la raza humana.

Por todo lo que os hemos contado, nuestra nota final para “Nowhere” es de un 7 sobre 10.

Título original: “Nowhere” – España – 2023

Dirigida por: Albert Pintó

Duración: 109 minutos

Género: Drama, Aventuras, Supervivencia

 

 

Un puente hacia Terabithia (2007), crítica y análisis

¿Cuántas veces el ritmo del día a día nos consume sin que apenas nos demos cuenta? Muchas personas pasan gran parte de su tiempo enfrentándose a problemas, resolviendo conflictos o lidiando con situaciones difíciles, olvidando algo esencial: vivir y valorar su propia vida.

Este fenómeno no afecta únicamente a los adultos. Muchos adolescentes también atraviesan dificultades como el acoso escolar, la exclusión social o la sensación de soledad. Aunque el cine ha abordado estos temas en numerosas ocasiones, pocas películas lo hacen con la sensibilidad y profundidad que encontramos en Un puente hacia Terabithia.

En esta reseña analizamos esta emotiva película de 2007 basada en la novela de Katherine Paterson, una historia que mezcla fantasía y realidad para hablarnos de amistad, imaginación y resiliencia.

Sinopsis de Un puente hacia Terabithia

La película comienza presentándonos a Jesse Aarons, interpretado por Josh Hutcherson, un chico de 12 años que vive en una familia humilde en una zona rural de Estados Unidos. Su situación económica y el hecho de tener que usar ropa heredada de sus hermanas mayores lo convierten en el objetivo de las burlas de algunos compañeros de escuela.

La llegada de una nueva estudiante cambiará su vida. Leslie Burke, interpretada por AnnaSophia Robb, es una chica creativa, segura de sí misma y con una imaginación extraordinaria. En su primer día en el colegio sorprende a todos al ganar una carrera contra los chicos, incluido Jesse, lo que inicialmente provoca cierto rechazo por parte de él.

Esa misma tarde descubren que además son vecinos, algo que marcará el inicio de una amistad inesperada.

Un puente hacia Terabithia: imaginación frente a la realidad

Con el paso de los días, Jesse y Leslie descubren que comparten talentos complementarios. Ella posee una imaginación desbordante, mientras que él tiene un gran talento para el dibujo.

Un día, explorando el bosque cercano a sus casas, encuentran una cuerda colgada sobre un riachuelo. Tras cruzarlo, descubren una vieja casa del árbol abandonada. Allí comienzan a imaginar un mundo fantástico al que llaman Terabithia.

A partir de ese momento, cada tarde después de clase se reúnen en ese lugar secreto donde dan vida a criaturas mitológicas, monstruos y personajes que representan simbólicamente los problemas de su vida real, especialmente los conflictos del colegio.

Jesse y Leslie cruzando hacia Terabithia

Durante esta etapa de su amistad, Jesse decide regalarle a Leslie un cachorro adoptado al que llaman Príncipe Terrien, reforzando aún más el vínculo entre ambos.

Un giro inesperado

La vida de Jesse cambia cuando su profesora de música le invita a una excursión al museo tras descubrir su talento artístico. Aunque en un primer momento piensa en invitar a Leslie, finalmente decide aprovechar la oportunidad para pasar tiempo a solas con su profesora.

Al regresar a casa recibe una noticia devastadora: Leslie ha fallecido intentando cruzar el río hacia Terabithia.

Este acontecimiento marca un punto de inflexión en la historia. Jesse se derrumba emocionalmente y comienza a culpar a quienes le rodean, incluida su profesora y su hermana pequeña May Belle. Sin embargo, con el tiempo deberá afrontar el duelo y descubrir qué significa realmente Terabithia para él.

Análisis de la película 

Técnicamente no os diremos que “Un puente hacia Terabithia” sea una gran película, aunque sí que os diremos que nos ha sorprendido muy positivamente. Os asumimos que, no teníamos ni idea que estaba basada en un libro (obviamente, no lo habíamos leído) ni conocíamos su argumento, así pues, haciendo un acto de fe, nos pusimos a ver una película que suponíamos familiar o tirando a infantil, y la verdad, nada más lejos de la realidad, “Un puente hacia Terabithia” nos brinda un conjunto de puntos de vista inesperados e insólitos en el cine comercial más juvenil haciéndonos pensar, mientras la disfrutamos.

Durante sus aproximadamente 95 minutos de duración, la película utiliza la fantasía como una herramienta narrativa para hablar de temas muy reales:

• la amistad

• el crecimiento personal

• el duelo

• la lucha contra el acoso escolar

• la importancia de la imaginación 

El mundo de Terabithia funciona como una metáfora del refugio emocional que los protagonistas crean para enfrentarse a sus propios miedos y problemas.

Actuaciones y reparto

Un puente hacia Terabithia es una película que sorprende por su profundidad emocional y por la forma en que mezcla fantasía con temas muy reales de la adolescencia.

Lejos de ser simplemente una película infantil, ofrece una reflexión sobre la pérdida, la amistad y la importancia de la imaginación como herramienta para afrontar la vida.

Nuestra puntuación para Un puente hacia Terabithia es de 7,5 sobre 10.

Ficha técnica de Un puente hacia Terabithia

Título original: Bridge to Terabithia

Año: 2007

Director: Gábor Csupó

Duración: 95 minutos

Género: Drama, Aventuras, fantástico

Lupin - Temporada 3

Después de que en 2021, y en poco más de cinco meses, se estrenaran las dos primeras temporadas de la producción francesa basada en la adaptación de las historias del célebre ladrón de guante blanco Arsène Lupin (personaje inventado por Maurice Leblanc a comienzos del pasado Siglo XX) y visto que el éxito en audiencia conseguido fue realmente equiparable al éxito conseguido por el Lupin original en sus robos durante la Belle Epoque, la plataforma Netflix decidió continuar con las historias, modernizadas, del mítico ladrón.

A comienzos del último trimestre de 2023 ha llegado al catálogo del gigante de streaming Netflix una nueva entrega que mantiene el elenco protagonista de la original contándonos una nueva historia, os estamos hablando de la serie francesa “Lupin”, protagonizada por Omar Sy dando vida a Assane Diop (un ladrón que se inspira en las aventuras de Arsène Lupin), Ludivine Sagnier como Claire, su exmujer y Etan Simon (Raoul Diop), su hijo.

En esta segunda historia (y tercera temporada) de “Lupin” nos encontramos con un Assane Diop que lleva bastante tiempo alejado de su exmujer y su hijo, escondiéndose en Marsella y sorteando a la policía y a la propia gente pues ahora, es un ladrón conocido por todos y el hombre más buscado del país.

Después de este tiempo y viendo que su familia empieza a pasarlo mal entre rumores de su muerte y de que otros muchos lo han visto, disfrazado por las calles París, decide acercarse a su familia, a escondidas, disfrazado y con distorsionadores de voz para, en cuanto pueda, proponerles abandonar París e iniciar una vida, todos juntos, como fugitivos.

Con siempre, algo se va a cruzar en su camino, en esta ocasión serán dos cosas las que se interpondrán a las intenciones de Diop, su propio pasado el cual nos irán desgranando a lo largo de los 7 capítulos de esta temporada, un pasado marcado en base a los hechos que sucedieron en su adolescencia cuando vivía bajo la custodia de su entrenador de boxeo, Jean-Luc Keller y, por la reaparición de Mariama, su madre.

Keller, en 1998, era el propietario del gimnasio de boxeo donde entrenaba Diop y a otros jóvenes huérfanos de los que esperaba una lealtad total, incluso cuando les obligaba a determinadas actividades ilegales (robar, etc.), situación que pone en peligro tanto a Assane como a su amigo Manon y provoca una gran incomodidad a una joven y enamorada Claire.

En el presente, Keller lo organiza todo para vengarse de Diop donde más daño le puede hacer, en su círculo más próximo, secuestrando a su madre, poniendo en peligro a Raoul y Claire y separándole de su fiel amigo, el anticuario Benjamin.

Lupin con su amigo el anticuario Benjamin

Con lo que no cuenta Keller es que, Assane ya no tiene que demostrar nada a nadie y para conseguir su objetivo de proteger a los suyos llegará hasta donde sea necesario, incluyendo esto un pacto con el detective Guedira para entregarse y mantener a salvo a los suyos.

Pero, ¿conseguirá Assane Diop salirse con la suya? O, por el contrario, ni los trucos y disfraces del célebre Arsène Lupin podrán salvarle… Como es evidente, nosotros sabemos la respuesta a estas y otras preguntas, aunque también es evidente, que nos las guardaremos celosamente.

Técnicamente, esta tercera temporada de “Lupin” difiere en varios puntos de sus dos predecesoras ya que, aunque también se usa, y mucho, la técnica del flashback, en esta no se usa para explicarnos los trucos de Diop en sus robos o en sus trampas, si no que se usa para explicarnos lo que sucedió en 1998 marcando con ello el desarrollo argumental del presente.

En cuanto al montaje, esta tercera temporada de “Lupin” nos ha dejado un tanto fríos ya que, en los siete capítulos hay dos partes claramente diferenciadas, la primera de ellas, en la que nos presenta el argumento del presente, transcurre de forma lenta, inconexa y sin demasiadas explicaciones, como buscando liar al espectador, mientras que la segunda parte, o desenlace, vuelve a recuperar el ritmo que tanto nos enganchó en las primeras entregas.

Interpretativamente hablando, esta tercera temporada de “Lupin” mantiene en todo lo que os contamos en las dos primeras, sobresaliendo y mucho el trabajo de Omar Sy haciendo suyo y haciéndonos vibrar con su Arsène Diop, sus disfraces y su lucha.

Por todo lo que os hemos contado, nuestra nota final para esta tercera temporada de “Lupin” es de un 6 sobre 10.

Título original: “Arsène Lupin” - 2021 – Francia

Año de creación: 2021

Año de finalización: 2023 (tercera temporada)

Duración: 17 capítulos (en tres temporadas)

Género: Thriller, Policiaco

Granizo (2022), crítica y análisis

Crítica de Granizo (2022): el precio de equivocarse cuando todos confían en ti

Hablar del tiempo es uno de esos recursos universales cuando no hay conversación. Ya sea con un vecino o un conocido, el clima siempre funciona: es neutral, cotidiano y evita conflictos.

Además, hoy en día prácticamente todos consultamos aplicaciones meteorológicas antes de tomar decisiones: desde qué ropa ponernos hasta organizar un viaje o una escapada de fin de semana.

Pero hay algo importante que muchos olvidan: las predicciones meteorológicas no son certezas, sino probabilidades. Y ese pequeño margen de error es precisamente el punto de partida de Granizo (2022), película argentina disponible en Netflix.

Sinopsis de Granizo

Granizo nos presenta a Miguel Flores (Guillermo Francella), un famoso meteorólogo conocido como “el infalible” por no haber fallado nunca una predicción.

Su éxito es tal que está a punto de lanzar su propio programa de televisión. La gente confía plenamente en él, hasta el punto de organizar su vida en función de sus pronósticos.

Pero todo cambia cuando anuncia una noche tranquila… y una inesperada granizada golpea Buenos Aires.

De la noche a la mañana, su prestigio desaparece, el cariño del público se convierte en rechazo y pierde su lugar en televisión.

Un viaje personal

Tras el desastre, Miguel decide alejarse y viajar a Córdoba, donde vive su hija, con la que mantiene una relación distante.

Miguel, observando sorprendido la granizada

Este viaje no solo es una huida, sino también una oportunidad para reconectar emocionalmente y replantearse su vida.

Allí conocerá a una persona capaz de predecir el tiempo sin tecnología, lo que le hará cuestionarse todo lo que creía saber.

Opinión: una mezcla irregular con momentos interesantes 

A nivel técnico y narrativo, Granizo funciona como una mezcla de temas:

• La obsesión por la precisión
• La crítica a la dependencia tecnológica
• El ego y la caída personal
• Las relaciones familiares
• El “renacimiento” del protagonista

El problema es que la película intenta abarcar demasiado, lo que provoca cierta falta de cohesión.

La historia principal gana fuerza tras el error de Miguel, pero luego se diluye en varias subtramas que no siempre aportan lo suficiente. El resultado es un desarrollo irregular y un final algo precipitado.

Eso sí, el humor (ligero pero constante) consigue mantener el interés y arrancar más de una sonrisa.

Interpretación de Guillermo Francella

Uno de los puntos más destacados de Granizo es la actuación de Guillermo Francella.

Su interpretación transmite bien la evolución del personaje:

• Seguridad inicial
• Caída pública
• Vulnerabilidad personal
• Búsqueda de redención

A pesar de algunas críticas recibidas, su trabajo resulta convincente y, probablemente, lo mejor de la película.

Valoración final de Granizo (2022)

Granizo es una película entretenida que combina comedia y drama con una idea interesante, aunque no siempre bien desarrollada.

Tiene momentos sólidos, un protagonista destacable y una premisa atractiva, pero falla en la cohesión narrativa.

Nota final: 6/10

Ficha técnica de Granizo

Título original: Granizo

Año: 2022

Director: Marcos Carnevale

Duración: 118 minutos

Género: Comedia, drama

La sirenita

Érase una vez, hace mucho, mucho tiempo un joven ilustrador fue despedido de su trabajo por pérdida de ingresos de la empresa donde estaba contratado. Sin apenas despeinarse inició el emprendimiento en lo que más le gustaba, aunque la verdad, sin demasiado éxito hasta que en 1923 se trasladó a la emergente ciudad de Hollywood donde intentó vender una novela gráfica hecha sobre papel semitransparente: “Alicia en el país de las maravillas”, os estamos hablando de Walt Disney, el creador en 1923 de Disney Brothers Studio (el embrión de “The Walt Disney Company”).

Con el paso de los años, varias crisis en el sector, cambios de colaboradores y en definitiva de muchas tormentas, acabaron llegando Mickey Mouse, Blancanieves, Pinocho, Dumbo, Bambi, y un largo etcétera.

Mucho más reciente y sin Walt Disney al frente, en 1989 Disney estrenó en pantalla grande la adaptación de una historia del escritor danés Hans Christian Andersen titulada “La sirenita” que consiguió un notable éxito de taquilla y de crítica convirtiéndose pronto en uno de sus clásicos.

34 años más tarde y sin ganas de dar el “colorín colorado” a la posibilidad de continuar exprimiendo la caja con “La sirenita”, el gigante de Burbank ha continuado con ella, su intención de convertir sus clásicos en películas de acción real o live action.

Como ya hicieron con suerte dispar con “Aladdin”, "Mulan", “Dumbo”, “Alicia en el país de las maravillas”, “El rey León” y muchas más, a mediados de 2023 y rodeada de varias polémicas, se estrenó la versión en live action de “La sirenita” y hoy, os la contaremos en este rincón.

“La sirenita” empieza presentándonos a su protagonista, Ariel (a quien en esta versión da vida Halle Bailey) una sirena, la hija menor del Rey Tritón (Javier Bardem). Al revés que sus hermanas, Ariel está obsesionada con el mundo humano coleccionando todos los objetos que caen en sus manos.

Un día, tras descubrir unos fuegos artificiales en superficie ve como el barco del príncipe Eric es hundido por un fuerte temporal dejando al joven príncipe a la deriva. Sin pensarlo mucho, Ariel le rescata llevándole a la playa y huyendo, enamorada, antes de que el joven príncipe pueda verla.

Como ni la compañía, forzada por Tritón, de Sebastián (un cangrejo) parece tener éxito ni las prohibiciones impuestas son seguidas por Ariel, Tritón intenta conseguir el juramento de Ariel de que esta no subirá nunca más a la superficie. Todo esto provoca que, Ariel sucumba a las promesas de su tía, la malvada bruja Úrsula, la cual le ofrece la posibilidad de, a cambio de su voz, convertirse en humana durante tres días, tiempo en el que tendrá que conseguir un beso de amor de Eric.

Ariel (Halle Bailey) en el fondo del mar

Ya en el castillo, y tras un inicio titubeante, Ariel y Eric pasan una primera noche juntos viendo y estudiando la colección de objetos que el príncipe ha traído de sus viajes, y todo, sin que Ariel pueda articular palabra.

Al día siguiente y tras un paseo por el pueblo, Sebastián (que ha seguido a Ariel por tierra) descubre que Úrsula ha hecho trampa borrando de la memoria de Ariel la urgencia de recibir el beso de Eric antes de la tercera noche por lo que, pone todos sus medios para ambos jóvenes se besen haciendo reaccionar a una Úrsula que lo observa todo.

Sin tiempo que perder, Úrsula toma forma de la bella Vanessa quien con la voz cautiva de Ariel rápidamente seduce a Eric haciendo que este se quiera casar de inmediato con ella.

¿Podrá conseguir Ariel el amor de Eric y romper el hechizo? O en cambio, ¿será la malvada Úrsula quien gane al príncipe, el reino y destroce así tanto a Ariel como a su padre Tritón? Como es evidente, nosotros lo sabemos, aunque, no os lo contaremos por aquí.

Técnicamente estamos ante “una más” de las películas que, el gigante Disney ha escogido de entre sus clásicos para pasarla por el filtro del CGI para dar vida a sus personajes. La verdad es que, en el equipo entendemos que deberían haber aprendido de sus propios errores, pero, una vez más han repetido el patrón de sus predecesoras. Un patrón que, todo sea dicho, funciona mejor en taquilla que en el resultado final de sus productos.

Hay dos cosas que, para nada nos han gustado, la primera de ellas es que, repitiendo totalmente la historia original, el metraje de esta supera a la de animación en casi 1 hora dándonos muchos momentos superfluos y varios números musicales sin sentido. La segunda de las cosas que no nos ha gustado es la recreación del fondo marino donde han abusado tanto del color que lo han convertido totalmente en irreal.

Interpretativamente, en “la sirenita” nos encontramos con una de cal y varias de arena. Por un lado, deciros que, por nuestra parte felicitamos a la controvertida protagonista, Halle Bailey, quien pese a no despuntar tampoco lo hace mal del todo destacando su interpretación en lo positivo y su inexpresividad en lo negativo. Por el otro lado, nos ha dejado muy fríos el trabajo de la villana de esta película, Melissa McCarthy dando vida a la desdibujada Úrsula.

Con todo, no os diremos que es live action de “La sirenita” sea malo, más bien aceptable, aunque nos ha dejado el claro regusto a “que pena de oportunidad perdida para hacer algo realmente grande sin estropear el clásico”.

Por nuestra parte, nuestra nota final para “La sirenita” es de un 6 sobre 10.

Título original: “The Little Mermaid” – 2023 – USA

Duración 135 minutos

Dirigida por: Rob Marshall

Género: Fantástico, musical,

Misery (1990), la historia más perturbadora de Stephen King

“Misery” (1990) es una de las adaptaciones más inquietantes del universo de Stephen King, y lo es por una razón muy concreta: no necesita monstruos, ni fantasmas, ni elementos sobrenaturales para generar auténtico terror.

En su lugar, juega con algo mucho más real y perturbador: la obsesión humana.

Dirigida por Rob Reiner y protagonizada por Kathy Bates y James Caan, esta película se ha consolidado como una de las mejores adaptaciones de Stephen King, tanto por crítica como por público. Pero… ¿qué la hace realmente especial?.

De qué trata “Misery”

La historia sigue a Paul Sheldon, un escritor de éxito conocido por sus novelas románticas protagonizadas por el personaje de Misery Chastain. Cansado de estar encasillado, decide acabar con su personaje para poder avanzar en su carrera.

Sin embargo, tras terminar su nueva novela, sufre un accidente en medio de una tormenta de nieve. Es entonces cuando entra en escena Annie Wilkes, una enfermera que lo rescata… y que pronto demuestra ser mucho más peligrosa de lo que aparenta.

Aislado, inmovilizado y completamente a su merced, Sheldon descubrirá que su mayor fan puede convertirse en su peor pesadilla.

Annie Wilkes: uno de los personajes más perturbadores del cine 

Si hay algo que hace grande a “Misery”, es sin duda el personaje de Annie Wilkes.

No estamos ante un villano típico. Annie no es un monstruo, ni una asesina fría al uso. Es algo mucho más incómodo: una persona aparentemente normal con una obsesión llevada al extremo.

Su comportamiento combina:

• Devoción absoluta hacia su ídolo
• Cambios bruscos de humor
• Necesidad de control
• Justificación moral de sus actos

Esto la convierte en un personaje profundamente inquietante, porque resulta creíble. Es decir, da miedo porque podría existir.

La interpretación de Kathy Bates (ganadora del Oscar por este papel) eleva aún más el personaje, convirtiéndolo en uno de los más icónicos del cine psicológico.

Escena de Misery (1990): Annie Wilkes mantiene cautivo a Paul Sheldon en este thriller psicológico basado en Stephen King.

Por qué “Misery” da miedo sin ser una película de terror típica

A diferencia de muchas obras de Stephen King, “Misery” prescinde completamente de lo sobrenatural. Y aún así, funciona perfectamente. 

Esto es así porque construye su tensión a través de:

• El aislamiento
• La indefensión del protagonista
• La imprevisibilidad de Annie
• La sensación constante de peligro

La película juega con el espectador, generando una angustia progresiva en un entorno aparentemente cotidiano: una casa en medio de la nieve.

Es la normalidad convertida en prisión lo que la hace tan efectiva.

Una de las mejores adaptaciones de Stephen King

No todas las obras de Stephen King han tenido la misma suerte en el cine. Mientras algunas adaptaciones han sido muy criticadas, “Misery” destaca por:

• Su fidelidad al material original
• Su enfoque centrado en los personajes
• Su capacidad para generar tensión sin artificios

Se puede colocar sin problema junto a otras grandes adaptaciones como “La milla verde” o “Cadena perpetua”.

Valoración final: un thriller psicológico imprescindible

Misery” no es solo una buena película, es un ejemplo perfecto de cómo construir terror psicológico sin recurrir a elementos fáciles.

Su fuerza reside en:

• Un guion sólido
• Un personaje inolvidable
• Una tensión constante
• Una interpretación brillante de Kathy Bates

Si buscas una película que te incomode más por lo que sugiere que por lo que muestra, esta es una apuesta segura.

Nuestra valoración: 8.5 / 10

Ficha técnica de Misery

Título original: “Misery”

Año: 1990

Dirigida por: Rob Reiner

Duración: 104 minutos

Género: Drama, Thriller psicológico

Soy leyenda

Desde hace unos años, la producción de cintas de ciencia ficción que mezclan un futuro post-apocalíptico con el terror, el drama y a veces incluso el amor, proliferan a muy buen ritmo, tanto en plataformas de streaming (“The last of us”, “A ciegas”, “Sweet Tooth”, etc.) como en producciones para la gran pantalla (“Contagio”, “Mad max”, “Hijos de los hombres”, etc.).

No os vamos a engañar, la idea que algún día, como humanidad, nos cargaremos el mundo, parece cada vez más clara, ya sea después de una pandemia, tras una explosión nuclear o simplemente por eso que algunos se empeñan en negar, el agotamiento o cambio climáticos.

Hoy en este rincón os comentaremos una película estrenada en 2007 que adaptaba una novela homónima que Richard Matheson publicó en 1954, os estamos hablando de “Soy leyenda”.

“Soy leyenda” empieza desplazándonos a la ciudad de Nueva York un día de 2009, cuando entre noticias de índole deportivo, el noticiario de hace eco de que, tras el éxito de la doctora Krippin creando una cura para el cáncer modificando el virus del sarampión, resulta que, en algunos casos, este virus ha mutado provocando una pandemia.

Al poco de este anuncio, el ejército toma el control de la ciudad de Nueva York para aislarla del resto del país dejando en ella a los infectados. Justo en el momento de llevar a cabo el aislamiento conocemos al virólogo y teniente coronel Robert Neville (a quien da vida Will Smith) quien saca de la isla a su esposa y su pequeña hija.

Tres años después de esto, nos encontramos con Neville en una ciudad desolada y desértica. El virus que provocó la pandemia infectó a la mayoría de los humanos y animales del mundo provocando que se conviertan en una especie de vampiro o zombi extremadamente violento y altamente vulnerable a los rayos del sol.

Neville, inmune al virus que ha causado el desastre y su perra Samantha, una bella pastora alemana que solo puede contagiarse por mordida tienen una vida de lo más rutinaria, cada día es igual al anterior, Neville destina su tiempo a investigar curas del virus y tras ello, sale de casa con Sam a buscar suministros vitales (cazar, encontrar conservas, etc.) antes de volverse a encerrar en su casa al anochecer cuando la ciudad es invadida por monstruosos ruidos y gritos.

También, cada mediodía, mientras está en el puerto jugando al golf, emite por radio varios mensajes grabados ofreciendo su ayuda a cualquier otro posible superviviente.

Mientras vemos sus tímidos avances en la cura del virus, vamos descubriendo a modo de flashback lo que sucedió con su familia, el dramático avance de los contagiados, los descubrimientos sobre los mismos, etc.

Un día, Neville consigue una cura que parece funcionar en ratones, por tanto, el siguiente paso sería inocularlo a un contagiado por lo que, debe salir a la caza de uno lo cual consigue enfadando y mucho al líder de la colmena de donde lo caza.

Sam y Neville en "Soy leyenda"

Preso de la emoción, prueba la cura con el contagiado y aunque no lo mata tampoco parece curarlo. A los pocos días, Neville cae en una de sus trampas lo cual provoca el ataque de tres perros infectados enviados por el líder de la colmena que parece perseguirle. El ataque se salda con profundas heridas a Sam la cual, pese a los esfuerzos de Neville y la inoculación de la cura, acaba muriendo.

Desesperado por su soledad, Neville lanza un ataque desesperado contra la colmena y cuando está a punto de morir, es rescatado por Anna y su hijo Ethan quienes al igual que él, son inmunes al virus. Los tres se dirigen a casa del doctor donde este es curado antes del furibundo ataque de los miembros de la colmena, aunque eso, como ya os podéis imaginar, no os lo contaremos aquí.

Argumentalmente, como ya habéis visto, “Soy leyenda” parte de una gran premisa, la supervivencia de la humanidad cuando sobre la tierra casi se ha extinguido y para conseguirlo, hay que encontrar la cura de un extraño virus que años atrás se creó en un laboratorio. Pese a esto, “Soy leyenda” flaquea un poco en su guion cuando este, es incapaz de hacernos empatizar con su gran protagonista, el doctor Neville, quien casi nunca sabemos lo que piensa o como se siente (solo cuando pierde a Sam), provocando esto que, por momentos la película pierda interés y llegue a aburrir.

Técnicamente, en “Soy leyenda” nos encontramos con una de cal y otra de arena, mientras la recreación de la isla de Manhattan arrasada, sin vida y desértica es realmente espectacular, la parte referente a los infectados deja bastante que desear ya que se pintan en todo momento como personajes grises y sin definición, es decir que, por momentos parece que estamos viendo imágenes digitales sin demasiada definición, ni en el movimiento, ni en las luchas.

Interpretativamente hablando os diremos que, Will Smith (el encargado de dar vida al doctor Neville) realiza un gran trabajo dando vida a su personaje, de hecho, bajo nuestro punto de vista es él quien, con su trabajo da el punto extra a “Soy leyenda” para que no sea una película más, aunque, la falta de definición del mismo, por momentos, le pesa en su contra.

No os diremos que “Soy leyenda” sea una película mala, porque no lo es, lo que os diremos es que, con la historia que tiene entre manos podría haberse hecho algo mucho mejor. Nosotros, la vemos un poco, como una oportunidad perdida para darle una vuelta al tema de la modificación genética y sus consecuencias.

Por todo lo que os hemos contado, nuestra nota final para “Soy leyenda” es de un 7 sobre 10.

Título original: “I am legend” – 2007 – USA

Dirigida por: Francis Lawrence

Duración: 100 minutos

Género: Ciencia ficción, Terror, Acción.