El Menú

Podríamos decir que desde que Julia Child se convirtió en cocinera mediática ha llovido mucho, y más si tenemos en cuenta que apareció en la pequeña pantalla a mediados de los años 60 del pasado siglo, y los cocineros han ido ganando presencia en la televisión y nombres tan famosos como Anthony Bourdain, Jamie Oliver, Gordon Ramsay o los más locales, Karlos Arguiñano, Jordi Cruz o Pepe Rodríguez han pasado a formar parte de nuestras vidas consiguiendo que, nos guste o no la cocina, veamos sus programas.

Si a todo esto le sumamos el halo de prestigio que tienen sus creaciones culinarias, haberlas podido degustar y sobre todo, poder alardear de ello, el coctel de relevancia que tienen los chefs es explosivo (tendremos que decir: ¡gracias foodies influencers!).

En el mundo del cine hemos visto ya varias películas con chefs como protagonistas, desde “Julie & Julia” (relatando la vida de Julia Child) hasta “#chef” pasando por cine de terror como “El hoyo” o de animación como “Ratatouille”, aunque nos faltaba una película que hiciera una potente crítica social y que nos hablara del poder de los chefs y de los influencers, y esta cinta ha acabado llegando, lo hizo a finales de 2022 y se titula “El Menú”.

“El Menú” empieza presentándonos a Tyler (interpretado por Nicholas Hoult), un joven obsesionado con la cocina quien paga una fortuna para que él y Margot Mills (a quien da vida Anya Taylor-Joy) asistan a un exclusivo restaurante regentado por el prestigioso chef Julian Slowik (interpretado por Ralph Fiennes), ubicado en una solitaria isla privada.

A dicha cena asistirán, además de Tyler y Margot, la crítica gastronómica Lilian y su editor Ted, George una estrella de cine y su asistente, una pareja de ricos, Soren, Dave y Bryce tres socios de negocios y la alcohólica madre del propio chef.

En la isla son recibidos por Elsa, el maître del restaurante y mano derecha del chef, quien les guiará en un pequeño tour por la isla y descubrirá que Margot no era la acompañante que esperaban de Tyler.

Al poco empieza la cena y en cada plato, hay un monólogo de Slowik, y a cada plato más sorprendente porque siempre tiene una dedicatoria para alguien de la sala, dedicatoria que, además, no tarda en ser bastante incómoda.

Sin esperarlo nadie, en la presentación de uno de los pases, el segundo de cocina se suicida delante de todos, en otro, el principal inversionista del restaurante disfrazado de ángel es ahogado ante la mirada de todos y por si fuera poco, uno de los dedos de uno de los comensales es rebanado sin escrúpulos.

Cuando los nervios empiezan a apoderarse los comensales, Slowik les anuncia que todos están allí porque, de una manera u otra han hecho que perdiera la pasión por la cocina, por tanto, esa noche morirían todos y solo uno, podría escoger si entre los cocineros o entre los comensales, Margot quien no debería estar allí.

Cuando Slowik revela que Tyler conocía sus intenciones para esa noche y que pese a todo contrató a Margot, toma la determinación de humillarle haciéndole cocinar para posteriormente hacerle suicidar.

Cuando parece que ya nada puede hacer a Margot se le ocurre algo que le acaba dando una opción para escapar, hacerle cocinar a Slowik algo sencillo que le hace recordar al chef sus orígenes, una simple hamburguesa con queso. Aunque, ¿se comerá la hamburguesa Margot en el restaurante? O por el contrario podrá escapar mientras el resto acaba como ha previsto Slowik. Como ya os podéis imaginar, nosotros sabemos la respuesta a estas preguntas, pero no os la contaremos aquí.

Slowik y Margot en un lance del menú

Técnicamente os diremos que, “El menú” goza de una malvada premeditación mezclando casi a la perfección una ambientación claramente claustrofóbica contando únicamente el comedor de un restaurante, parcialmente su cocina y unas grandes cristaleras con la negra noche al fondo, una decena de comensales con sus respectivos secretos con un chef tan brillante gastronómicamente como siniestro. Y todo, con giros que no dejaran indiferente a casi nadie.

Como todo buen menú, esta película nos sorprende argumentalmente ya que consigue juntar en una misma mesa, la película, una crítica feroz a la prepotencia de los chefs de renombre que miran por encima del hombre a sus clientes y seguidores, con una crítica velada a la sociedad actual, en la cual se mezclan desde ricachones que malgastan su fortuna sin vivir hasta trabajadores venidos a más por distintos motivos pasando por “influencers” que se creen superiores y dar lecciones al resto.

Con este menú de críticas, “El menú” teje su argumento y lo desarrolla con calma, incrementando la tensión a medida que los pecados de los clientes van aflorando al ritmo que el tirano del chef va mostrando píldoras de su personalidad. Sin lugar a duda, un acierto para todo el equipo de “El menú”.

Interpretativamente hablando nos quitamos el sombrero ante el apabullante trabajo de un Ralph Fiennes dando vida al famoso chef Julian Slowik, un hombre que ha llegado a la cima de su carrera y que ha perdido totalmente la orientación lo cual le convierte en un ser retorcido y sin escrúpulos que hará lo que sea para conseguir su objetivo. Sin lugar a duda, su elección fue una magnífica decisión pues crea y se funde totalmente con su personaje. En cuanto al resto de intérpretes, nos gustaría comentar el trabajo de Anya Taylor-Joy dando vida a Margot, una chica de compañía que no debería estar allí y que parece que es la única con la mente suficientemente clara como para pensar. Su trabajo, correcto, pero sin estridencias. Para nosotros, le falta expresividad

No os diremos que “El menú” es una joya del cine porque os engañaríamos, es más a nosotros, pese que nos ha gustado, hubiésemos preferido que la película hubiese tenido menos giros y quizá, que hubiese dejado menos interpretaciones al aire.

Por todo lo que os hemos contado, nuestra nota final para “El menú” es de un 6 sobre 10.

Título original: “The Menu” – 2022 – USA

Dirigida por: Mark Mylod

Duración: 107 minutos

Género: Thriller, Terror

Come Reza Ama

Para muchos, encontrar nuestro sitio en un mundo tan complicado como el que nos ha tocado vivir, no es una tarea fácil, aunque muchos lo tienen claro, basta con encontrarnos a nosotros mismos. Una frase, sin lugar a duda bonita y cierta, aunque para quien se encuentra en esa situación, su sensación de vacío emocional es tan potente que, en ocasiones, le basta con arrastrase hasta un nuevo día.

Cuando la sensación de no saber qué pinta uno el mundo, la sensación de pesimismo y de agobio va en aumento, como si uno pasara solo por los caminos que los demás quieren, vagando sin pena ni gloria. Con toda seguridad, cuando pasa esto, es el momento de plantearse si esa es la vida que uno quiere.

Y es precisamente en este punto, donde empieza la novela “Eat Pray Love: One Woman’s search for Everything Across Italy, India e Indonesia” de la estadounidense Elizabeth Gilbert publicada en 2006 y que sirvió de base para la película que os presentamos hoy en este pequeño rincón, “Come Reza Ama”.

“Come Reza Ama” empieza presentándonos a Liz Gilbert (a quien da vida Julia Roberts), una mujer moderna que tiene todo lo que, en esta vida, la mayoría, sueña en tener, un marido, una carrera exitosa (que a veces, no le acaba de llenar), una casa de ensueño, amigos, etc., pero que se encuentra totalmente perdida en lo que realmente quiere para su vida.

En un viaje fugaz a Bali para uno de sus artículos, Liz conoce a Ketut, un chamán que le lee la línea de su vida, pronosticándole dos matrimonios, uno largo y uno corto (aunque no le dice cual es cual) y que, antes de un año estará viviendo en Bali mientras busca su felicidad interior.

A su vuelta del viaje, habla con su marido y le plantea la posibilidad del divorcio, a lo que él, no le pone ningún problema, aceptándolo sin más. Ya en trámites de su divorcio, y tras asistir a una representación teatral Liz tiene un breve romance con el actor protagonista, David (James Franco).

Una vez conseguido el divorcio, Liz decide hacer un cambio radical en su vida y salir de su zona de confort, su destino será una especie de vuelta el mundo durando un año, pasando por Italia, India e Indonesia con la finalidad de descubrirse a sí misma.

La primera parada de su viaje le lleva a la bella Italia donde se instala en casa de unos amigos durante nada más y nada menos que cuatro meses. Durante todo este periodo Liz descubre el placer de la comida y de la rica gastronomía italiana, sus pastas y sus helados.

Pasado este tiempo, un nuevo destino llama a su puerta, la India donde se dirige hacia un ashram, una especie de monasterio hinduista donde le enseñaran tanto el yoga como la meditación según la tradición hinduista. Además de rezar y orar, Liz se encargará, inicialmente de la limpieza de los pisos y posteriormente de orientar y recibir a los recién llegados.

Liz y Ketut en "Come Reza Ama"

Su siguiente parada le lleva a reencontrarse con un viejo conocido, Ketut, el chamán que un año atrás le había leído su futuro, aunque en esta ocasión, Liz está mucho más centrada que en el pasado. Liz busca y alquila una casa donde vivirá los próximos meses.

Para continuar su encuentro interior, Ketut le da a Liz varias tareas que hacer, lo que hace que tenga que ir de un lado a otro en bicicleta. Un día, en uno de estos trayectos, tiene un accidente y debe ir a una curandera, Wayan la cual al final, acabará convirtiéndose en una gran amiga, como también acabará iniciando una relación con el conductor del Jeep con el que se accidentó, Felipe (interpretado por Javier Bardem), un brasileño divorciado que ha rehecho su vida en Bali.

Todo va viento en popa a toda vela entre ellos, pero quizá demasiado rápido para Liz, aunque eso, nos lo guardamos para nosotros.

Uno de los grandes aciertos de “Come, reza, ama” es plasmar el viaje introspectivo, en busca del equilibrio y su sitio en el mundo de Liz, y lo hace físicamente, a través de un viaje por tres destinos que, casi todo el mundo ansia conocer, la eterna Roma, y las exóticas y más desconocidas, pero igualmente espirituales, Delhi y Bali, y todo mezclado con gastronomía del país (¿por dónde se nos conquista? Sí señor, por el estómago).

Llegados aquí, el resto que, técnicamente nos ofrece “Come, reza, ama” además de una buena fotografía, es un cúmulo de tópicos y clichés que, provocan que la película en ningún momento llegue a sorprendernos. Los tres viajes son una copia uno de otro, en los tres, Liz conoce a gente habla inglés y se hacen amigos, le ayudan, etc., en los tres destinos conoce a un hombre. No sé, la verdad esperaba algo más, ya que tanta previsibilidad hace que, por momentos, las dos horas de metraje se hagan largas y poco dinámicas.

Interpretativamente os diremos que, “Come, reza, ama” parece una película pensada y diseñada para el lucimiento de su actriz principal, la siempre solvente (y garantía de éxito casi asegurada) Julia Roberts quien, en este caso, cumple con las expectativas dejándonos muy clara la evolución de Liz su personaje. El resto de reparto, correcto, aunque sobresaliendo, por papel y peso en la historia, Javier Bardem.

Por todo lo que os hemos contado, nuestra nota final para “Come, reza y ama” es de un 6 sobre 10.

Título original: “Eat, Pray, Love” – USA – 2010

Dirigida por: Ryan Murphy

Duración: 146 minutos.

Género: Romántica, Drama, Comedia

A dos metros de ti

Hoy en día, con toda la “Generación Z” o “centenials” llegando a su edad adulta está, y teniendo en cuenta que, para la mayoría ha cambiado la forma de comunicarse e interactuar, la mayoría de las personas nos damos cuenta otra cosa que también ha cambiado, el concepto del “amor a distancia”.

Si hace años pensar en una relación amorosa en que ambas personas estuvieran separadas a más de una hora de distancia era pensar en una relación abocada al fracaso, actualmente esto ha dado un giro como un calcetín. Cada día que pasa y gracias a las redes sociales y la interconexión a todos los niveles, nuestro mundo se ha hecho cada vez más pequeño.

Muchos de los centenials, pueden enamorarse de otras personas a largas distancias sirviéndoles para mantener la llama del amor, únicamente una imagen o unas palabras de forma regular. Para el resto de los mortales, el contacto con los cinco sentidos es algo imprescindible en cualquier relación y más si esta es amorosa.

Siguiendo esta premisa, al poco de estallar la pandemia de COVID-19, se estrenó un drama romántico que nos narra varias fases del amor entre dos jóvenes con una vida marcada por una extrema complejidad, os estamos hablando de “A dos metros de ti”.

“A dos metros de ti” empieza presentándonos a Stella Grant (interpretada por Haley Lu Richardson), una joven adolescente de 17 años que lleva una vida marcada por el control, las rutinas, la monotonía y la grabación de videos donde explica sus experiencias en el manejo y tratamiento de la enfermedad que sufre, fibrosis quística.

Stella pasa la mayoría de su tiempo ingresada en el hospital, alejada de lo que sería la vida de una joven de 17 años, siendo su único capricho ir a ver a los neonatos del hospital mientras espera que llegue un pulmón compatible. Un día, su vida se cruza con un joven encantador, Will Newman (interpretado por Cole Sprouse) quien, como ella, sufre de fibrosis quística, aunque a diferencia suya, tiene una infección que le impide ser receptor de unos pulmones que le garantizarían 5 años más de vida, por este motivo, no confía en su recuperación ni en las rutinas o protocolos que les marcan desde el hospital.

Cuando Bárbara se entera de la amistad de ambos jóvenes pronto les recuerda la norma por la cual, entre ellos tiene que haber siempre como mínimo 2 metros de distancia para evitar contagios entre ellos. Aunque de entrada son antagónicos, poco a poco van descubriendo cosas del pasado de cada uno y, a la vez que van entendiendo sus reacciones se van enamorando.

Las ganas de estar juntos y compartir su tiempo hace que Stella y Will lleguen a un pacto que beneficia a ambos, Will seguirá el protocolo marcado por el hospital para tranquilizar a Stella y esta posará para que Will la dibuje.

A los pocos días, los chicos celebran el 18 cumpleaños de Will con la ayuda de Poe, otro chico con fibrosis quística que a la vez es el mejor amigo de Stella invitando a varias amistades de Will.

Will y Stella viviendo "a dos metros de ti"

A la mañana siguiente, Poe muere haciendo que Stella reaccione, descubriendo que está echando a la basura una vida que no sabe si la mañana siguiente la tendrá o no. Como reacción, le pide a Will que la acompañe a la ciudad para ver las luces de Navidad a escondidas del personal del hospital.

En su viaje a la ciudad, Stella da la mano (con guantes) a Will, hacen un ángel en la nieve y patinan en un estanque helado, y todo esto, mientras en el hospital reciben el aviso que tienen unos pulmones compatibles con Stella aunque esta no parece muy dispuesta a escuchar la propuesta.

¿Aceptará Stella los pulmones que han recibido en el hospital? ¿Conseguirá llegar al hospital a tiempo? Y si se opera, ¿saldrá exitosa de la complicada intervención? Como ya os podéis imaginar, nosotros sabemos la respuesta a estas y otras preguntas, pero nos las reservaremos para nosotros, porque el final de “A dos metros de ti” es realmente emotivo.

Técnicamente os diremos que “A dos metros de ti” tiene un montaje realmente bueno y una banda sonora que encaja completamente con la historia que nos cuenta. En el lado contrario de la balanza os diremos que “A dos metros de ti” tiene un hándicap que le lastra el resultado final y este no es otro que, se centra tanto en el protocolo que siguen los enfermos de fibrosis quística que, toda la trama gira a su alrededor dejando poco o casi nada a la sorpresa.

La falta de sorpresa no impide que la carga romántica entre Will y Stella brille en cada secuencia, aunque todos tenemos muy claro que su amor es imposible por culpa de la enfermedad que sufren, una enfermedad que nos muestra a todos, la importancia de la gestión del tiempo ya que este, pasa y no vuelve.

Interpretativamente hablando, “A dos metros de ti” cuenta con dos jóvenes intérpretes que desprenden una magia especial, Haley Lu Richardson y Cole Sprouse. Haley Lu Richardson ejecuta una gran actuación siendo capaz, con cercanía, de transmitirnos el sufrimiento de su personaje, tanto en la enfermedad como en el amor hacia Will. Mientras Cole Sprouse, aunque no está tan brillante como Haley sí que es solvente con su papel

Por todo lo que os hemos contado, y pese a que “A dos metros de ti” no es una obra maestra, sí que es una película que te acaba marcando, por tanto, nuestra nota final para ella es de un 7.5 sobre 10.

Título original: “Five feet apart” – 2019 – USA

Dirigida por Justin Baldoni

Duración: 116 minutos

Género: Drama, Romántico

 

 

Nowhere

Vivimos en un mundo donde para muchos, la única alternativa para tener una oportunidad en la vida pasa por jugársela y empezar de cero en otro país, solos y sin conocer ni la lengua ni la cultura (tenemos ejemplos clarísimos en las costas de Canarias, Miami o incluso Grecia o Italia).

Desgraciadamente y aunque muchos no quieran valorarlo, son seres humanos los que huyen de sus orígenes y de sus familias convirtiéndose en contrabando humano, sin más derechos que el de sobrevivir por sus propios medios.

Basándose en esta premisa, tras el verano de 2023 se estrenó en la plataforma de streaming Netflix una película de suspense y terror dirigida por el español Albert Pintó y protagonizada por Anna Castillo y Tamar Novas. Os estamos hablando de “Nowhere”.

La historia se “Nowhere” nos sitúa en España, en un futuro distópico, con un gobierno autoritario intentando gestionar una grave crisis de escasez de recursos, tanto económicos como de elementos básicos para vivir. Es tan grave la situación que el propio gobierno ha dejado sin ayudas a los más marginados mientras hace redadas para quitar de las calles a niños y mujeres embarazadas.

De lo poco que pueden plantearse los pocos habitantes que conservan algunos recursos es huir de España con el fin de llegar a Irlanda, uno de los pocos países del mundo donde la crisis no ha azotado tanto, aunque eso sí, para ello tendrán que convertirse en contrabando humano escondidos en grandes contenedores de carga marítimos.

En estas condiciones nos encontramos con una joven pareja formada por Mía (interpretada por Anna Castillo) y su marido Nico (a quien da vida Tamar Novas), quienes, tras perder a su hija al comienzo de la crisis, vuelven a estar embarazados y viendo que se serán un objetivo fácil para que el gobierno les elimine (a ellos o a su futura hija), deciden abandonar el país.

Tras entrar en contacto con los contrabandistas y pagar un alto precio que les deja sin absolutamente nada, ambos son guiados entre grandes contenedores hasta un punto donde son metidos en uno de ellos y cargados en un camión junto a otro grupo de personas.

En el desplazamiento a una nueva escala, Mía y Nico son, accidentalmente, separados cayendo uno en un contenedor distinto al otro lo cual les forzará a, una vez llegados a su destino buscarse para reencontrarse.

A su llegada al puerto, y durante un control de la policía aduanera, el contenedor donde viaja Mía es disparado, revisado y la mayoría del pasaje masacrado a balazos por la policía… igual suerte corre el contenedor donde viaja Nico. Tras esto, ambos contenedores son cargados con grandes grúas en un barco carguero.

Al poco tiempo de estar en alta mar y viendo Mía que únicamente tiene media botella de agua y un trozo de bocadillo para comer, decide racionarse para aguantar el viaje sin problemas. Con lo que no cuenta Mía es con lo que le espera, una dura y potente tormenta que provoca que una gran cantidad de contenedores caigan del barco, entre los cuales el suyo.

Mía, sola en medio del mar dentro de un contenedor

Con su contenedor flotando en alta mar, Mía solo tiene el recurso de mirar por los agujeros de bala de su contenedor, aunque por allí solo ve el inmenso mar y como el resto de contenedores se van hundiendo, entre ellos, uno muy parecido al que viaja Nico.

A partir de este punto, Mía empieza una auténtica carrera de supervivencia, intentado taponar los agujeros para que no entre agua al contenedor, inventando sistema para achicarla y como no podía ser de otra manera, enfrentándose al parto de su hija y a la supervivencia de ambas hasta su hipotético rescate.

Mía se las tendrá que ingeniar para conseguir hacer una puerta para subir encima del contenedor, conseguir comida para ella y para que pueda amamantar a su pequeña, y todo con únicamente una caja llena de televisores, y dos más llenas de tuppers vacíos.

¿Conseguirá Mía su objetivo de llevar a su hija sana y salva a tierra firme? Y si lo consigue, ¿podrá reunirse con Nico? Como es evidente, nosotros conocemos la respuesta a estas y otras preguntas, pero nos las guardaremos celosamente.

“Nowhere” nos presenta una historia bastante original y repleta de sorpresas que, por momentos nos recuerda la gran “Naufrago” aunque sea vagamente. Como gran punto positivo, el argumento y su desarrollo el cual consigue, aunque en el primero momento arranca un poco titubeante, mantenernos en tensión durante todo el metraje. En el punto negativo, algunos pequeños giros o sorpresas quizá demasiado buenistas dentro de un entorno totalmente inhóspito y casi imposible.

Interpretativamente os diremos que, sin lugar a dudas, Anna Castillo hace una de las mejores interpretaciones de su vida interpretando a la luchadora y a la vez sufridora Mía, una mujer abandonada en solitario en medio de Océano en busca de una oportunidad para su familia y teniéndose que enfrentar a mil peligros (hambre, frío, deshidratación, un parto, el cuidado de su hija, etc.). Sin lugar a dudas, está fantástica en la transmisión de sus penurias.

No queremos cerrar esta crítica sin remarcar el buen y claro mensaje que podemos sacar de “Nowhere” y que no es otro que el valor de la esperanza y que esta, por muy pequeña que parezca, siempre estará como mínimo un paso por delante de la raza humana.

Por todo lo que os hemos contado, nuestra nota final para “Nowhere” es de un 7 sobre 10.

Título original: “Nowhere” – España – 2023

Dirigida por: Albert Pintó

Duración: 109 minutos

Género: Drama, Aventuras, Supervivencia

 

 

Un puente hacia Terabithia

¿Cuántas veces el día a día, literalmente, nos come la vida? La mayoría de nosotros nos pasamos horas y horas pensando en posibles problemas, sorteando situaciones que nos ponen a prueba o arreglando problemas y desaguisados que, aparecen como setas en otoño. Y esto lo hacemos sin darnos cuenta que, estamos echando a perder lo más importante que tenemos, nuestra vida.

Lo curioso del caso es que esto, no nos pasa sólo a los adultos, también algunos adolescentes deben perder demasiado el tiempo en enfrentarse a dificultades impuestas como el acoso escolar, la exclusión, la soledad, etc. Este, aunque es un tema tratado algunas veces en el cine, en pocas de ellas se afronta con la solvencia y el tacto necesario.

Hoy en este rincón os traemos una película que lo hace, y además lo hace de una forma que te marca y perdura en el tiempo, os estamos hablando de la adaptación de la obra de homónima de Katherine Paterson que llegó a nuestras pantallas en 2007, “Un puente hacia Terabithia”.

“Un puente hacia Terabithia” empieza presentándonos a Jesse (interpretado por Josh Hutcherson), un adolescente de 12 años que es miembro de una humilde familia del interior de Estados Unidos. Este hecho, y que tenga que reciclar algunas prendas de ropa de sus hermanas mayores, provoca que Jesse sea el blanco de las burlas de sus compañeros.

Un día, una chica nueva llega al colegio, se trata de Leslie (a quien da vida Anna Sophia Robb), una chica un tanto alternativa y con gran desparpajo. El día de su llegada al colegio, Leslie causa gran sensación, pues además de no achantarse ante nada, gana una carrera contra los chicos y contra Jesse causándole cierto rechazo inicial. Esa misma tarde, al bajar del bus, ambos descubren que son vecinos.

Al día siguiente, Jesse y Leslie descubren sus talentos, por un lado, la chica tiene una imaginación espléndida y él, dibuja de fábula. A la vuelta a casa, Jesse reta a Leslie a una carrera por el bosque, donde ambos se encuentran con una vieja cuerda colgada sobre un riachuelo. Después de cruzar el riachuelo con la cuerda, encuentran una casa árbol abandonada y empiezan a imaginarse un mundo de fantasía al que llaman, “Terabithia”.

A partir de ese día, al salir de clase pasan tu tiempo en el bosque convirtiéndose así en amigos íntimos e inseparables. En Terabithia ambos se enfrentan a monstruos, criaturas mitológicas y otros especímenes con cierto parecido a sus compañeros de clase. Un día, y como disculpa de un pequeño choque entre ambos, Jesse le regala a Leslie un cachorro de perro adoptado al que apodan príncipe Terrien.

Jesse y Leslie cruzando hacia Terabithia

Más adelante, la profesora de música de la escuela y teniendo en cuenta la capacidad de Jesse para dibujar y pintar, le invita a una excursión al museo. El chico acepta y piensa hasta el final, en invitar a Leslie, pero al final, decide pasar un tiempo a solas con su profesora. A la vuelta del museo, Jesse se encuentra con la desagradable sorpresa de que Leslie ha muerto cruzando el río hacia Terabithia.

A partir de este momento Jesse se derrumba y empieza a culpar al resto, desde a la profesora por invitarle hasta a May Belle, su hermana pequeña cuando intenta acompañarle a Terabithia. Al final, como todo en la vida, tendrá que recomponerse y ver que hace con Terabithia, aunque como ya os podéis imaginar, eso os nos lo guardaremos celosamente.

Técnicamente no os diremos que “Un puente hacia Terabithia” sea una gran película, aunque sí que os diremos que nos ha sorprendido muy positivamente. Os asumimos que, no teníamos ni idea que estaba basada en un libro (obviamente, no lo habíamos leído) ni conocíamos su argumento, así pues, haciendo un acto de fe, nos pusimos a ver una película que suponíamos familiar o tirando a infantil, y la verdad, nada más lejos de la realidad, “Un puente hacia Terabithia” nos brinda un conjunto de puntos de vista inesperados e insólitos en el cine comercial más juvenil haciéndonos pensar, mientras la disfrutamos.

Durante la escasa hora y media de metraje, “Un puente hacia Terabithia” nos propone la fantasía como una herramienta de crecimiento, de evasión de los problemas que nos asolan, pero ojo, también a la vez, de lucha contra nuestros propios monstruos, súper bien caracterizados como propios compañeros del colegio. Sin lugar a dudas una forma brillante de hacernos pensar y contarnos la fábula que pretende.

Desde el punto de vista interpretativo, mencionar el buen trabajo de sus dos actores principales los adolescentes Josh Hutcherson y Anna Sophia Robb, ambos radicalmente diferentes y a la vez totalmente compatibles que se ayudan y comparten el poder de la imaginación. Por la química que demuestran, muy buena elección.

Por todo lo que os hemos contado, nuestra nota para “Un puente hacia Terabithia” es de un 7.5 sobre 10.

Título original: “Bridge to Terabithia” – USA – 2007

Duración: 95 minutos

Dirigida por: Gábor Csupó

Género: Drama, Aventuras, fantástico

 

Lupin - Temporada 3

Después de que en 2021, y en poco más de cinco meses, se estrenaran las dos primeras temporadas de la producción francesa basada en la adaptación de las historias del célebre ladrón de guante blanco Arsène Lupin (personaje inventado por Maurice Leblanc a comienzos del pasado Siglo XX) y visto que el éxito en audiencia conseguido fue realmente equiparable al éxito conseguido por el Lupin original en sus robos durante la Belle Epoque, la plataforma Netflix decidió continuar con las historias, modernizadas, del mítico ladrón.

A comienzos del último trimestre de 2023 ha llegado al catálogo del gigante de streaming Netflix una nueva entrega que mantiene el elenco protagonista de la original contándonos una nueva historia, os estamos hablando de la serie francesa “Lupin”, protagonizada por Omar Sy dando vida a Assane Diop (un ladrón que se inspira en las aventuras de Arsène Lupin), Ludivine Sagnier como Claire, su exmujer y Etan Simon (Raoul Diop), su hijo.

En esta segunda historia (y tercera temporada) de “Lupin” nos encontramos con un Assane Diop que lleva bastante tiempo alejado de su exmujer y su hijo, escondiéndose en Marsella y sorteando a la policía y a la propia gente pues ahora, es un ladrón conocido por todos y el hombre más buscado del país.

Después de este tiempo y viendo que su familia empieza a pasarlo mal entre rumores de su muerte y de que otros muchos lo han visto, disfrazado por las calles París, decide acercarse a su familia, a escondidas, disfrazado y con distorsionadores de voz para, en cuanto pueda, proponerles abandonar París e iniciar una vida, todos juntos, como fugitivos.

Con siempre, algo se va a cruzar en su camino, en esta ocasión serán dos cosas las que se interpondrán a las intenciones de Diop, su propio pasado el cual nos irán desgranando a lo largo de los 7 capítulos de esta temporada, un pasado marcado en base a los hechos que sucedieron en su adolescencia cuando vivía bajo la custodia de su entrenador de boxeo, Jean-Luc Keller y, por la reaparición de Mariama, su madre.

Keller, en 1998, era el propietario del gimnasio de boxeo donde entrenaba Diop y a otros jóvenes huérfanos de los que esperaba una lealtad total, incluso cuando les obligaba a determinadas actividades ilegales (robar, etc.), situación que pone en peligro tanto a Assane como a su amigo Manon y provoca una gran incomodidad a una joven y enamorada Claire.

En el presente, Keller lo organiza todo para vengarse de Diop donde más daño le puede hacer, en su círculo más próximo, secuestrando a su madre, poniendo en peligro a Raoul y Claire y separándole de su fiel amigo, el anticuario Benjamin.

Lupin con su amigo el anticuario Benjamin

Con lo que no cuenta Keller es que, Assane ya no tiene que demostrar nada a nadie y para conseguir su objetivo de proteger a los suyos llegará hasta donde sea necesario, incluyendo esto un pacto con el detective Guedira para entregarse y mantener a salvo a los suyos.

Pero, ¿conseguirá Assane Diop salirse con la suya? O, por el contrario, ni los trucos y disfraces del célebre Arsène Lupin podrán salvarle… Como es evidente, nosotros sabemos la respuesta a estas y otras preguntas, aunque también es evidente, que nos las guardaremos celosamente.

Técnicamente, esta tercera temporada de “Lupin” difiere en varios puntos de sus dos predecesoras ya que, aunque también se usa, y mucho, la técnica del flashback, en esta no se usa para explicarnos los trucos de Diop en sus robos o en sus trampas, si no que se usa para explicarnos lo que sucedió en 1998 marcando con ello el desarrollo argumental del presente.

En cuanto al montaje, esta tercera temporada de “Lupin” nos ha dejado un tanto fríos ya que, en los siete capítulos hay dos partes claramente diferenciadas, la primera de ellas, en la que nos presenta el argumento del presente, transcurre de forma lenta, inconexa y sin demasiadas explicaciones, como buscando liar al espectador, mientras que la segunda parte, o desenlace, vuelve a recuperar el ritmo que tanto nos enganchó en las primeras entregas.

Interpretativamente hablando, esta tercera temporada de “Lupin” mantiene en todo lo que os contamos en las dos primeras, sobresaliendo y mucho el trabajo de Omar Sy haciendo suyo y haciéndonos vibrar con su Arsène Diop, sus disfraces y su lucha.

Por todo lo que os hemos contado, nuestra nota final para esta tercera temporada de “Lupin” es de un 6 sobre 10.

Título original: “Arsène Lupin” - 2021 – Francia

Año de creación: 2021

Año de finalización: 2023 (tercera temporada)

Duración: 17 capítulos (en tres temporadas)

Género: Thriller, Policiaco

Granizo

Somos muchos los que, cuando nos encontramos con un vecino o con alguien que conocemos pero que, no nos une una amistad, ni tenemos temas de conversación, acostumbramos a sacar “el tiempo”, es decir, el frio que hace, la previsión para el próximo fin de semana, etc., básicamente porque es un tema que sirve y, difícilmente creará situaciones comprometidas como podría llevar el futbol o la política.

Por otro lado, apostamos un guisante que, en vuestros smartphones (tablets, celulares, etc.) tenéis como mínimo una aplicación del tiempo, la que más confianza tengáis, porque, a bien seguro cuando planificáis un fin de semana, o una excursión o incluso la ropa que os pondréis la mañana siguiente, le echáis un ojo para saber si cogéis paraguas, botas de agua o camisetas manga corta.

La verdad es que, queramos o no, la mayoría de adultos queremos tener cierta seguridad en la predicción meteorológica, aunque claro, teniendo muy claro (y quien no lo sepa hasta este momento, le caerá un mito) las predicciones meteorológicas son predicciones estadísticas, por tanto, tienen margen de error (y bastante amplio).

Y os preguntaréis, ¿a qué viene esta explicación en una crítica de cine? Pues tiene su relación gracias a la película argentina estrenada en 2022 en la plataforma de streaming Netflix titulada “Granizo” y que a continuación os comentaremos.

“Granizo” empieza presentándonos a Miguel Flores (a quien da vida Guillermo Francella) un afamado hombre del tiempo que tiene la fama, y él explota, de no haber fallado nunca un pronóstico por lo que se le conoce como “el infalible”. La fama de Miguel es tan grande que está a punto de estrenar un show televisivo en el que él será la estrella.

Este éxito profesional se traslada a la calle donde además de ser conocido por todos, la gente de adora y le pregunta por el tiempo que hará para montar en torno a su respuesta, su vida. Miguel está cómodo con esta situación y les responde sin titubear, pero todo, en esta vida tiene un comienzo y un final.

Un día, después de pronosticar una noche estrellada y tranquila, la naturaleza decide jugar sus cartas y una contundente granizada azota la ciudad de Buenos Aires. El día después todo ha cambiado para Miguel. De nada le sirven los muchos años de ciertos, su prestigio ha caído por los suelos, el cariño que la gente sentía por él ha turnado en rabia y furia, y por si fuera poco, es apartado de la televisión por su jefe.

Miguel, observando sorprendido la granizada

Sin mucho que hacer en Buenos Aires y escapando de la gente que un día antes le adoraba, Miguel coge un avión y se va a Córdoba para ocultarse en casa de su hija a la que no ve desde hace tiempo y con la que no tiene una relación muy estrecha.

El viaje a Córdoba, no solo se sirve a Miguel para tomar distancia con su “error” si no que aprovechará para estrechar lazos con su hija y a la postre descubrir un auténtico mago de la meteorología, el cual, sin mapas, ni aplicaciones ni tecnología es capaz de predecir al detalle el tiempo que va a hacer.

¿Cómo afecta todo esto al bueno de Miguel? Pues la verdad, le afecta en muchos puntos pero, ya nos permitiréis que nos los guardemos a buen recaudo, pues para nada queremos destripar el desenlace de “Granizo”.

Técnicamente, “Granizo” es como el propio tiempo, una mezcla de varios puntos o temas con pocas conexiones entre sí (tenemos la predicción del tiempo, el forofismo de la gente, la crítica a la tecnología, el creerse el propio personaje, el renacimiento, las relaciones familiares, etc.) con una cola para pegarlo todo que es también sorprendente, un particular sentido del humor que impregna toda la cinta, un humor que logra arrancar varias sonrisas, aunque no carcajadas.

Desde el punto de vista argumental os diremos que “Granizo” deambula entre un buen número de mini-historias que se entrelazan con la principal, para darle volumen, aportar comicidad y sobretodo, rellenar. Con todo, la línea argumental tiene altibajos, ya que cuando empieza uno no sabe realmente lo que quiere contar, se clarifica con el “Error” de Miguel y después vuelve a caer, aunque esta vez, en un batiburrillo de historias y un desenlace, a todas luces, precipitado.

Desde el punto de vista interpretativo, os diremos que nos ha gustado bastante el trabajo de Guillermo Francella un hombre al que no seguíamos, pero nos ha parecido que transmite a la perfección lo que, en cada momento nos quiere transmitir “Granizo”, se deja querer por desconocidos, actúa de padre ausente cuando quiere recuperar a su hija, y finalmente descubre la importancia de ser querido por quien importa. Realmente, no entendemos muy bien las críticas recibidas por Francella en su Argentina, porque a nosotros, nos ha gustado, quizá el que más de la película.

Por todo lo que os hemos contado, nuestra nota final para “Granizo” es de un 6 sobre 10.

Título original: “Granizo” – 2022 – Argentina

Dirigida por: Marcos Carnevale

Duración: 118 minutos

Género: Comedia, drama

La sirenita

Érase una vez, hace mucho, mucho tiempo un joven ilustrador fue despedido de su trabajo por pérdida de ingresos de la empresa donde estaba contratado. Sin apenas despeinarse inició el emprendimiento en lo que más le gustaba, aunque la verdad, sin demasiado éxito hasta que en 1923 se trasladó a la emergente ciudad de Hollywood donde intentó vender una novela gráfica hecha sobre papel semitransparente: “Alicia en el país de las maravillas”, os estamos hablando de Walt Disney, el creador en 1923 de Disney Brothers Studio (el embrión de “The Walt Disney Company”).

Con el paso de los años, varias crisis en el sector, cambios de colaboradores y en definitiva de muchas tormentas, acabaron llegando Mickey Mouse, Blancanieves, Pinocho, Dumbo, Bambi, y un largo etcétera.

Mucho más reciente y sin Walt Disney al frente, en 1989 Disney estrenó en pantalla grande la adaptación de una historia del escritor danés Hans Christian Andersen titulada “La sirenita” que consiguió un notable éxito de taquilla y de crítica convirtiéndose pronto en uno de sus clásicos.

34 años más tarde y sin ganas de dar el “colorín colorado” a la posibilidad de continuar exprimiendo la caja con “La sirenita”, el gigante de Burbank ha continuado con ella, su intención de convertir sus clásicos en películas de acción real o live action.

Como ya hicieron con suerte dispar con “Aladdin”, "Mulan", “Dumbo”, “Alicia en el país de las maravillas”, “El rey León” y muchas más, a mediados de 2023 y rodeada de varias polémicas, se estrenó la versión en live action de “La sirenita” y hoy, os la contaremos en este rincón.

“La sirenita” empieza presentándonos a su protagonista, Ariel (a quien en esta versión da vida Halle Bailey) una sirena, la hija menor del Rey Tritón (Javier Bardem). Al revés que sus hermanas, Ariel está obsesionada con el mundo humano coleccionando todos los objetos que caen en sus manos.

Un día, tras descubrir unos fuegos artificiales en superficie ve como el barco del príncipe Eric es hundido por un fuerte temporal dejando al joven príncipe a la deriva. Sin pensarlo mucho, Ariel le rescata llevándole a la playa y huyendo, enamorada, antes de que el joven príncipe pueda verla.

Como ni la compañía, forzada por Tritón, de Sebastián (un cangrejo) parece tener éxito ni las prohibiciones impuestas son seguidas por Ariel, Tritón intenta conseguir el juramento de Ariel de que esta no subirá nunca más a la superficie. Todo esto provoca que, Ariel sucumba a las promesas de su tía, la malvada bruja Úrsula, la cual le ofrece la posibilidad de, a cambio de su voz, convertirse en humana durante tres días, tiempo en el que tendrá que conseguir un beso de amor de Eric.

Ariel (Halle Bailey) en el fondo del mar

Ya en el castillo, y tras un inicio titubeante, Ariel y Eric pasan una primera noche juntos viendo y estudiando la colección de objetos que el príncipe ha traído de sus viajes, y todo, sin que Ariel pueda articular palabra.

Al día siguiente y tras un paseo por el pueblo, Sebastián (que ha seguido a Ariel por tierra) descubre que Úrsula ha hecho trampa borrando de la memoria de Ariel la urgencia de recibir el beso de Eric antes de la tercera noche por lo que, pone todos sus medios para ambos jóvenes se besen haciendo reaccionar a una Úrsula que lo observa todo.

Sin tiempo que perder, Úrsula toma forma de la bella Vanessa quien con la voz cautiva de Ariel rápidamente seduce a Eric haciendo que este se quiera casar de inmediato con ella.

¿Podrá conseguir Ariel el amor de Eric y romper el hechizo? O en cambio, ¿será la malvada Úrsula quien gane al príncipe, el reino y destroce así tanto a Ariel como a su padre Tritón? Como es evidente, nosotros lo sabemos, aunque, no os lo contaremos por aquí.

Técnicamente estamos ante “una más” de las películas que, el gigante Disney ha escogido de entre sus clásicos para pasarla por el filtro del CGI para dar vida a sus personajes. La verdad es que, en el equipo entendemos que deberían haber aprendido de sus propios errores, pero, una vez más han repetido el patrón de sus predecesoras. Un patrón que, todo sea dicho, funciona mejor en taquilla que en el resultado final de sus productos.

Hay dos cosas que, para nada nos han gustado, la primera de ellas es que, repitiendo totalmente la historia original, el metraje de esta supera a la de animación en casi 1 hora dándonos muchos momentos superfluos y varios números musicales sin sentido. La segunda de las cosas que no nos ha gustado es la recreación del fondo marino donde han abusado tanto del color que lo han convertido totalmente en irreal.

Interpretativamente, en “la sirenita” nos encontramos con una de cal y varias de arena. Por un lado, deciros que, por nuestra parte felicitamos a la controvertida protagonista, Halle Bailey, quien pese a no despuntar tampoco lo hace mal del todo destacando su interpretación en lo positivo y su inexpresividad en lo negativo. Por el otro lado, nos ha dejado muy fríos el trabajo de la villana de esta película, Melissa McCarthy dando vida a la desdibujada Úrsula.

Con todo, no os diremos que es live action de “La sirenita” sea malo, más bien aceptable, aunque nos ha dejado el claro regusto a “que pena de oportunidad perdida para hacer algo realmente grande sin estropear el clásico”.

Por nuestra parte, nuestra nota final para “La sirenita” es de un 6 sobre 10.

Título original: “The Little Mermaid” – 2023 – USA

Duración 135 minutos

Dirigida por: Rob Marshall

Género: Fantástico, musical,

Misery

Stephen King es uno de los más grandes creadores de novelas de la historia reciente, la mayoría de ellas de ficción, thrillers u obras de terror, y todas sin excepción, auténticos best sellers mundiales, lo cual, le ha repercutido tanto en cuenta corriente como en las duras críticas recibidas desde los críticos profesionales y académicos literarios quienes le consideran poco menos que un mero autor comercial.

Pese a esta furibunda crítica, las obras de Stephen King se venden y se venden muy bien, y no solo eso, sino que también han interesado y mucho a la industria del cine, aunque ahí la trayectoria es más desigual, consiguiendo grandes éxitos como “Cadena perpetua”, “It”, “La milla verde”, “El Resplandor”, “Misery”, etc. y también sonados fracasos, como “La torre oscura”.

Hoy en este rincón, nos queremos centrar en uno de los éxitos, tanto de crítica profesional como en cartelera, y para ello nos iremos a un ya lejano 1990 para encontrarnos con la cinta de Rob Reiner protagonizada por Kathy Bates y James Caan, “Misery”.

“Misery” empieza presentándonos a Paul Sheldon (interpretado por James Caan), un escritor de éxito de novelas románticas abrumado por el éxito de uno de sus personajes, Misery Chastain. Para liberarse de esta presión, Sheldon decide matar a su personaje para poder abordar nuevos proyectos.

Libre ya de su carga, Sheldon se encierra en un pequeño hotel perdido en medio de una montaña en Colorado. Al finalizar la su novela, coge su coche para ir a Nueva York a entregar su nueva novela, y lo hace en medio de una impresionante tormenta de nieve. En una curva pierde el control y tiene un grave accidente que lo deja inmovilizado. Sin que él se dé cuenta, es rescatado por una mujer llamada Annie Wilkes (a quien da vida Kathy Bates).

Annie lleva a Sheldon a su casa y, como es enfermera profesional, le da todos los cuidados que él necesita básicamente porque las carreteras hasta el hospital más cercano están cortadas y ella es “la admiradora número 1 de Sheldon” y de Misery.

Totalmente inmovilizado en la cama, Sheldon empieza a sospechar de Annie y de la excusa de estar incomunicados en casa, aunque realmente, su objetivo es tenerlo retenido hasta que su curación. Este punto se confirma cuando, un día Annie va al pueblo y se compra la última novela de Misery.

Emocionada, Annie se pone a leer y comentar el libro con Sheldon mientras cuida a este y hasta que llega al desenlace del mismo, cuando pierde totalmente los nervios al leer la muerte de Misery. Mientras, la agente de Sheldon, extrañada por su ausencia se pone en contacto con el Sheriff local y este, empieza una investigación.

Con el arrebato de ira de Annie al descubrir la muerte de Misery, Sheldon se da cuenta que está secuestrado en casa y que nadie fuera de ella conoce su situación. Encerrado en casa y sin poderse mover, Sheldon decide asumir su situación y esperar mientras se curan sus fracturas.

Por si fuera poco, Annie decide tensar la cuerda y forzar a Sheldon a, mientras esté en su casa, a escribir una nueva novela de Misery en la que su protagonista, no muera. A regañadientes, y sin poder hacer mucho más, Sheldon acepta, mientras eso sí, a escondidas de Annie y con la silla de ruedas investiga por la casa y descubre cosas de su raptora.

Annie Wilkes (Kathy Bates) con Paul Sheldon (James Caan)

Al final... bueno, el desenlace nos lo quedaremos para nosotros pues, como buena obra de King, tiene tensión, ritmo y un desenlace con un toque de sorpresa.

Técnicamente os diremos que esta “Misery” es una de las grandes adaptaciones de una obra de King, regalándonos ese ambiente claustrofóbico tan característico del maestro King aliñado en este caso con un ritmo narrativo más que correcto y por suerte, sin la inclusión de elementos paranormales en la historia.

Nos ha gustado mucho la forma como han humanizado a la fiera, o al malo de la película (en este caso a Annie) y como, sumisamente acepta el escritor que está bajo el yugo de una psicópata mientras va tramando planes para intentar huir de ella, y todo, bajo un ambiente de tranquilidad y familiaridad que convierte, sin uno darse cuenta, una bonita casa en una tremenda cárcel.

Para los miembros de este equipo, “Misery” es un claro ejemplo de tensión perfectamente llevada a cabo con un terror psicológico que para nada abusa de sangre e higadillos (o imágenes duras) haciendo hincapié en la obsesión y la locura de su protagonista.

Interpretativamente hablando en “Misery” hay un intérprete que se lleva por delante el trabajo del resto, sin desmerecerles, y este no es otro que Kathy Bates dando vida a la psicópata Annie Wilkes, esa fan al extremo que salva de una muerte segura a su ídolo para encerrarlo en su casa y enseñarse con él, aunque le admire. Simplemente espectacular.

Por todo lo que os hemos contado, nuestra nota final para “Misery” es de un 8.5 sobre 10.

Título original: “Misery” – 1990 – USA

Dirigida por: Rob Reiner

Duración: 104 minutos

Género: Drama, Terror