Ahora me ves 3 (2025): crítica y análisis de la nueva película de los Cuatro Jinetes

La magia y el cine han mantenido una relación especial desde los orígenes de la gran pantalla. No es casualidad que uno de los pioneros del séptimo arte, Georges Méliès, fuera también ilusionista. Ambos mundos comparten la capacidad de sorprender, engañar a los sentidos y transportar al espectador a una realidad donde todo parece posible.

Esa conexión vuelve a cobrar protagonismo con Now You See Me: Now You Don't, conocida popularmente como "Ahora me ves 3". La nueva entrega, la tercera de la saga, promete recuperar la mezcla de ilusionismo, robos imposibles y giros sorprendentes que convirtió a la saga en un fenómeno internacional.

En un momento en que los efectos digitales dominan muchas producciones, "Ahora me ves 3" vuelve a recordarnos que la verdadera magia del cine no reside únicamente en la tecnología, sino en la capacidad de despertar asombro y mantener al público preguntándose, hasta el último minuto, cómo se ha realizado el truco.

Sinopsis de Ahora me ves 3

Nueve años después de la segunda entrega, llegó a los cines Now You See Me: Now You Don't (“Ahora me ves 3” en España), una esperada continuación que reúne de nuevo a los ilusionistas más famosos del cine. En esta nueva aventura, los Cuatro Jinetes regresan con trucos espectaculares, planes imposibles y una misión que desafía toda lógica.

La historia se sitúa unos 10 años después del último golpe de los Cuatro Jinetes, cuando nos encontramos con un trío de jóvenes magos quienes, aprovechando el tirón de los originales y usando hologramas y juegos ópticos, consiguen desplumar a un corrupto inversor en criptomonedas.

Tras este número, Atlas (Jesse Eisenberg) aparece para reclutar a los jóvenes magos para una misión secreta de “El Ojo”, robar el diamante más grande del mundo, en posesión de la despiadada Veronika Vanderberg, algo que, como ya os podéis imaginar, provocará que los Cuatro Jinetes tengan que poner toda la carne en el asador.

Crítica de Ahora me ves 3

“Ahora me ves 3” llegó con la difícil misión de recuperar la magia que convirtió a los Cuatro Jinetes en uno de los grupos más carismáticos del cine de entretenimiento. Sin embargo, bajo nuestro punto de vista, esta tercera entrega se queda por debajo de las expectativas.

Aunque la película mantiene el espectáculo visual, los trucos imposibles y el ritmo frenético característico de la franquicia, la sensación de sorpresa que definió las entregas anteriores parece haberse diluido en una historia menos impactante y más previsible.

Uno de los principales problemas de Ahora me ves 3 es que apuesta más por la espectacularidad que por la construcción de un misterio sólido. Los giros argumentales, una de las señas de identidad de la saga, resultan menos efectivos y en algunos momentos parecen forzados.

Por otro lado, varios personajes carecen del desarrollo necesario para conectar emocionalmente con el público, lo que reduce el impacto de algunas escenas clave. Aunque el reparto cumple y mantiene el carisma habitual de los Cuatro Jinetes, bajo nuestro punto de vista, el guion no logra aprovechar todo su potencial.

Una de las cosas positivas de esta tercera película de los Cuatro Jinetes es que nos plantea algo a veces impensable, el relevo generacional sin perder el legado. La película reflexiona sobre cómo las nuevas generaciones reinterpretan las reglas establecidas, manteniendo viva una tradición sin renunciar a la innovación.

J. Daniel Atlas recluta a una nueva generación de ilusionistas en Ahora me ves 3.

Personajes e interpretaciones

Uno de los aspectos más interesantes de esta tercera entrega de Ahora me ves es el carisma que siguen aportando sus protagonistas, incluso cuando el guion no les ofrece un desarrollo especialmente profundo. Los Cuatro Jinetes continúan funcionando como un equipo gracias a la química entre sus miembros, aunque en esta ocasión varios personajes parecen quedar definidos más por su función dentro de la trama que por una evolución real.

En esta ocasión, el reparto cumple con solvencia y mantiene el tono desenfadado que caracteriza a la saga. Jesse Eisenberg vuelve a sostener buena parte de la narrativa gracias a su presencia y capacidad para transmitir inteligencia y control, mientras que Woody Harrelson aporta el componente más divertido y ligero del grupo. Por momentos uno tiene la sensación de que hay mejores interpretaciones que definición del personaje.

Opinión y nota final

Ahora me ves 3, cuenta con una buena combinación de humor, acción y giros inesperados, la película vuelve a jugar con la percepción del espectador, mezclando el encanto de la magia clásica con un ritmo frenético. Una propuesta ideal para quienes disfrutan de los misterios, los atracos imposibles y unas historias que consiguen que la realidad parezca, por un momento, pura ilusión.

Aunque no alcanza el nivel de sorpresa de las dos primeras entregas, Ahora me ves 3 sigue ofreciendo entretenimiento, buenos momentos de magia y un ritmo ágil. Una propuesta recomendable para los seguidores de la saga, aunque difícilmente convencerá a quienes esperaban recuperar por completo el efecto sorpresa de los Cuatro Jinetes.

Nota final: 6/10

Ficha técnica de Ahora me ves 3

Título original: Now You See Me: Now You Don't

Año: 2025

Director: Ruben Fleischer

Duración: 112 minutos

Género: Acción, thriller y magia

Hijos de los hombres (2006) crítica y análisis

La destrucción del mundo ha sido una preocupación constante en la historia del pensamiento humano, y el cine no se ha quedado al margen. Películas como Hijos de los hombres reflejan nuestros miedos más profundos sobre el futuro, el colapso social y la fragilidad de la civilización.

En el contexto actual, donde las crisis climáticas, los conflictos globales y la deshumanización parecen intensificarse, la idea del fin de la humanidad deja de ser solo ficción para convertirse en una posibilidad inquietante. Este escenario no solo plantea la desaparición física del mundo, sino también la pérdida de valores, empatía y propósito colectivo.

Todo esto fue llevado al cine de forma brillante por Alfonso Cuarón en 2006, creando una de las mejores películas distópicas modernas: una poderosa metáfora sobre la decadencia humana y la desesperanza global.

Sinopsis de Hijos de los hombres

Hijos de los hombres es una historia distópica ambientada en 2027, en un mundo donde la humanidad enfrenta una crisis sin precedentes: la infertilidad global. Han pasado casi dos décadas desde el nacimiento del último niño, y la sociedad se ha sumido en el caos, la desesperanza y el colapso de las estructuras políticas.

En medio de este panorama, el Reino Unido se presenta como uno de los últimos estados funcionales, aunque profundamente autoritario, donde los inmigrantes son perseguidos y tratados de forma brutal.

El protagonista, Theo Faron, es un exactivista que vive atrapado en la apatía tras la muerte de su hijo años atrás. Su vida cambia cuando su exesposa Julian, ahora líder de un grupo rebelde, le pide ayuda para conseguir documentos de tránsito para una joven inmigrante llamada Kee. A lo largo del viaje, Theo descubre que Kee está milagrosamente embarazada.

Tras 20 años sin embarazos, la misión de Theo con Kee se convierte en algo crucial para la humanidad ya que, además de protegerla debe llevarla a “Proyecto humano” un lugar seguro para que su hijo, pueda nacer. Esta situación hace que Theo poco a poco empiece a recuperar la esperanza, la empatía y el sentido del propósito.

Crítica de Hijos de los hombres

Alfonso Cuarón consigue construir en Hijos de los hombres un futuro tan creíble como inquietante. La película destaca por su realismo, su atmósfera opresiva y una narrativa llena de detalles que hacen que el colapso social se sienta cercano.

Theo y Kee en una escena de El hijo de los hombres

Más que una simple película de ciencia ficción, estamos ante una crítica social muy directa. Temas como la inmigración, el autoritarismo o la pérdida de esperanza colectiva se desarrollan con una crudeza que incomoda, pero que también invita a reflexionar.

Eso sí, su ritmo pausado y su tono oscuro pueden no ser para todo el mundo. No es una película ligera, pero precisamente ahí está su fuerza.

Reparto y actuaciones

En el apartado interpretativo, la película apuesta por actuaciones sobrias y realistas, alejadas del dramatismo exagerado.

Destaca especialmente Clive Owen como Theo Faron, construyendo un personaje creíble que evoluciona de forma natural a lo largo de la historia. Su interpretación encaja perfectamente con el tono íntimo y humano de la película.

También merece mención Julianne Moore, quien aporta fuerza y carisma al personaje de Julian, dejando una huella notable pese a su limitada presencia en pantalla.

Opinión y nota final

Hijos de los hombres es de esas películas que te dejan pensando mucho después de verla. Va mucho más allá de la ciencia ficción convencional: no busca impresionar con efectos, sino hacerte reflexionar sobre la humanidad, el miedo y la esperanza.

La dirección de Alfonso Cuarón, junto a su uso del plano secuencia, consigue una inmersión total que te mantiene en tensión constante. Todo se siente real, cercano y, en muchos momentos, incómodamente posible.

En definitiva, es una película imprescindible si te gusta el cine que te hace pensar y sentir. Puede que no sea para todos, pero si conectas con su propuesta, te deja huella.

Nota final: 8.5/10

Ficha técnica de Hijos de los hombres

Título original: Children of Men

Año: 2006

Director: Alfonso Cuarón

Duración: 105 minutos

Género: Thriller, Ciencia ficción

Un lugar tranquilo (2018), cuando el silencio lo es todo

El silencio no siempre significa vacío… a veces lo dice absolutamente todo. En un mundo saturado de ruido, notificaciones y estímulos constantes, parar puede resultar incómodo. Incluso inquietante. Pero justo ahí, en ese silencio, es donde todo se intensifica: pensamientos, emociones… y miedo.

Y es que cuando desaparece el ruido, cualquier pequeño sonido se convierte en una amenaza. Cada paso, cada respiración, cada error cuenta. No es casualidad que el cine utilice el silencio como una herramienta brutal para explorar la tensión, la vulnerabilidad y el aislamiento. Puede protegerte… o destruirte. Puede unir a las personas o separarlas por completo.

Esa idea alcanza su máxima expresión en Un lugar tranquilo, una película donde el silencio deja de ser una opción para convertirse en una cuestión de vida o muerte. Aquí no hay escapatoria: hacer ruido no es un fallo… es una sentencia.

Sinopsis de Un lugar tranquilo

La película, dirigida y protagonizada por John Krasinski junto con Emily Blunt se entrenó en 2018 obteniendo un remarcable éxito tanto de crítica profesional como de público.

Un lugar tranquilo empieza presentándonos a la familia Abbott, formada por cinco miembros, padres y tres hijos. Los Abbott (la madre Evelyn, el padre Lee, la hija sorda Regan y los hijos Marcus y Beau) viven en un mundo devastado por unas criaturas que cazan guiándose exclusivamente por el sonido.

Un día, cuando la familia va al pueblo cercano a por provisiones, Beau encuentra un juguete espacial que le enamora, aunque su padre le obliga a dejarlo por si hace ruido. Pese a esto, Beau se lo lleva y de camino a casa lo pone en marcha provocando ruido. Casi inmediatamente, una extraña criatura lo asesina.

Un año después, la familia vive tranquila en su casa, Evelyn está embarazada de nuevo y Lee tiene que ir a pescar, lo cual aprovecha para llevarse con él al pequeño de la familia, Regan. Con toda la familia fuera, Evelyn se pone de parto y, sin querer, provoca un ruido que alerta a las criaturas.

En una lucha sin cuartel, Evelyn tiene que esconderse de la criatura, sufrir contracciones y activar las luces de alarma para avisar a su familia de la presencia de las criaturas en la casa. Esta señal de alarma provoca que, Lee y Regan se lancen a ayudarla con los medios que tienen (unos cohetes para alejar a las criaturas de la casa).

Escena de Un lugar tranquilo (2018): la familia Abbott se enfrenta al peligro en completo silencio

A partir de ese momento, la familia se ve empujada al límite, enfrentándose a una serie de situaciones cada vez más peligrosas donde cualquier error puede ser fatal. Pero será en medio de esa tensión constante donde los Abbott descubran que, incluso en el miedo más absoluto, aún queda espacio para la esperanza.

Crítica de Un lugar tranquilo

Un lugar tranquilo demuestra que el terror no necesita grandes artificios para funcionar. John Krasinski construye una experiencia basada en el minimalismo, donde el verdadero protagonista es el sonido… o su ausencia.

La tensión está medida al milímetro. No hay excesos, no hay ruido innecesario. Todo está pensado para que el espectador sienta la incomodidad del silencio. Y funciona. Vaya si funciona.

Pero lo que realmente eleva la película es su carga emocional. Más allá del suspense, estamos ante una historia sobre familia, sacrificio y comunicación. Sobre lo que significa proteger a los tuyos cuando ni siquiera puedes hablar con ellos.

Reparto y actuaciones

Una de las cosas más impactantes de Un lugar tranquilo es que su reparto sostiene la narrativa con un enfoque interpretativo poco convencional, donde el diálogo es mínimo y la expresividad corporal lo es todo.

John Krasinski, además de dirigir, construye un Lee contenido, basado en miradas, gestos y tensión interna. Su interpretación apuesta por la economía de recursos: cada movimiento está justificado y transmite la carga emocional de un padre que debe proteger sin poder comunicarse de forma tradicional.

Por su parte, Emily Blunt ofrece una actuación físicamente exigente y emocionalmente intensa. Su trabajo combina resistencia física con una expresividad muy precisa en primeros planos. Blunt maneja el ritmo respiratorio, la contención del dolor y la mirada como herramientas narrativas, algo fundamental en una película donde el sonido está limitado.

Opinión y nota final

Un lugar tranquilo (A quiet place) es una obra de terror inteligente, emocional y técnicamente impecable. No solo destaca por su originalidad, sino por su capacidad para convertir el silencio en un personaje más.

Más que una historia de monstruos es una historia sobre la fragilidad de la familia en un mundo que no permite errores.

Nota final: 7.5/10

Ficha técnica de Un lugar tranquilo

Título original: A quiet place

Año: 2018

Director: John Krasinski

Duración: 95 minutos

Género: Terror, Thriller

El efecto mariposa (2004): caos, decisiones y consecuencias

El efecto mariposa (2004), protagonizada por Ashton Kutcher, es un thriller psicológico que explora cómo pequeñas decisiones pueden alterar completamente el futuro.

Con el paso del tiempo, la película se ha convertido en un título de culto gracias a su historia compleja y a un final que sigue generando debate entre los espectadores.

En esta crítica analizamos su historia, sus puntos fuertes y te explicamos el final.

Sinopsis de El efecto mariposa

“El efecto mariposa” empieza desplazándonos unos 13 años atrás para presentarnos al preadolescente Evan Treborn, un chico que sufre de extrañas y repentinas perdidas de memoria, siempre cuando está sometido a momentos de tensión y/o traumáticos.

Evan está casi siempre con tres amigos, Kayleigh, una chica por la que siente una atracción especial, Tommy el violento hermano de Kayleigh y Lenny, un chico inseguro, callado y frágil.

Aunque parezca mentira, Evan, durante su infancia tiene que enfrentarse a los siguientes hechos traumáticos: un intento de estrangulamiento por parte de su padre (un enfermo mental encerrado en un psiquiátrico), un abuso sexual, cuando el padre de Kayleigh le obliga a tener relaciones sexuales con la pequeña, el asesinato de una madre y su bebé cuando los cuatro jugaban con dinamita y finalmente a presenciar la muerte de su perro, quemado vivo por Tommy.

En cada una de esta ocasiones, Evan sufre de un apagón de memoria preocupando tanto a su familia como a los médicos que lo tratan. Por recomendación de su médico Evan empieza a escribir un diario para documentar su vida y sus apagones.

Lo que comienza como una oportunidad para arreglar errores se convierte en una espiral de caos imposible de controla.

 

Evan leyendo los diarios para volver al pasado

Opinión: lo mejor y lo peor

Lo mejor

• Idea central muy potente
• Giros constantes
• Capacidad de generar tensión

Lo peor

• Algunas incoherencias narrativas
• Cambios de tono irregulares
• Desarrollo desigual en ciertos momentos

Reparto de El efecto mariposa

Interpretativamente os diremos que “El efecto mariposa” no cuenta con grandes interpretaciones, aunque a nosotros nos ha parecido muy significativa la de Ashton Kutcher, un actor que en esta película tenía su primer gran papel dramático y lo hace con una acertada mezcla en su personaje de desconcierto, contención emocional, angustia, dolor ... Muy buena. 

Sobre el resto de los trabajos, muy poco a decir, ya que son meros secundarios sin demasiada definición.

Final explicado de El efecto mariposa

El final de El efecto mariposa depende de la versión que se vea, ya que existen varios desenlaces y muchas interpretaciones. El que hemos visto nosotros, muestra a Evan tomando una decisión radical: evitar conocer a Kayleigh para impedir todo el sufrimiento posterior.

Esto refuerza la idea central de la película: no puedes cambiar el pasado sin pagar un precio.

Nota final

Por todo lo que os hemos contado, nuestra nota final para “El efecto mariposa” es de un 7.5 sobre 10.

Ficha técnica de El efecto mariposa

Título original: The butterfly effect”

Año: 2004

Director: Eric Bress

Duración: 113 minutos

Género: Drama, thriller, psicológico

El teléfono del señor Harrigan (2022), crítica y análisis

Para algunos, Stephen King es un genio literario marcado por etapas de excesos y polémicas; para otros, especialmente parte de la crítica más dura, poco más que un autor industrial, un generador de fast-books en cadena, casi como una gran franquicia de comida rápida. Sin embargo, para el gran público sigue siendo, sin discusión, el rey del terror y uno de los nombres más influyentes de

Lo que resulta indiscutible es que Stephen King, a lo largo de más de cinco décadas de carrera, ha perfeccionado una fórmula basada en la disciplina, la constancia y una pasión inquebrantable por la escritura. El resultado: una colección de bestsellers que no solo han dominado las librerías, sino que han encontrado una segunda vida en el cine y la televisión, convirtiéndose en algunas de las adaptaciones literarias más reconocibles del género.

Podríamos repasar grandes éxitos cinematográficos como "Carrie", "Misery", "Cadena perpetua" o "It", así como sonados tropiezos como "La Torre Oscura", "La cúpula" o "El cazador de sueños". Pero en esta ocasión vamos a centrarnos en una de sus adaptaciones más recientes: "El teléfono del señor Harrigan", basada en uno de sus relatos cortos y estrenada en la pequeña pantalla a finales de 2022.

"El teléfono del señor Harrigan" comienza situándonos en un presente relativamente cercano, en un pequeño pueblo de Maine, escenario habitual en el universo de Stephen King. Allí encontramos a Craig Poole (Jaeden Martell) observando un río desde lo alto de una roca, una imagen silenciosa y cargada de presagio que marca el tono del relato.

Desde ese punto, la narración retrocede mediante un flashback hasta el año 2003, cuando Craig es todavía un niño que asiste a misa tras la reciente muerte de su madre. Durante la ceremonia, el pequeño lee un pasaje de la Biblia, momento que sirve de punto de conexión con John Harrigan, un empresario jubilado y multimillonario interpretado por Donald Sutherland. Tras conversar con el padre de Craig, ambos acuerdan que el niño acudirá a casa de Harrigan tres veces por semana para leerle libros en voz alta.

Con el paso del tiempo, y pese al carácter reservado y aparentemente antisocial del anciano, entre Craig y el señor Harrigan se forja una relación tan peculiar como profunda, que pronto trasciende la simple lectura compartida. A lo largo de más de cinco años, la historia acompaña el crecimiento de Craig, que pasa de la infancia a la adolescencia y se ve obligado a adaptarse a una nueva etapa vital.

Su llegada al instituto supone enfrentarse tanto a nuevos métodos educativos, donde entabla una relación cercana con la señorita Hart, como a una realidad mucho más hostil: Kenny, el matón del centro, que encarna uno de los conflictos más terrenales y reconocibles del relato

Ese mismo año, coincidiendo con la Navidad, Craig resulta premiado con 3.000 dólares gracias al boleto de lotería que el señor Harrigan le envía puntualmente cada año. Con ese dinero, el joven decide corresponder a su anciano amigo con un regalo muy concreto: el mismo que acaba de recibir de su padre, un smartphone.

Craig regala un smartphone al Sr. Harrigan en la película El teléfono del Sr. Harrigan

La reacción inicial de Harrigan es de absoluto escepticismo. Hombre de costumbres firmes y mentalidad tradicional, se muestra reacio ante un objeto que considera innecesario y ajeno a su forma de entender el mundo. Sin embargo, su reflexión sobre el iPhone (el modelo que recibe) resulta tan lúcida como reveladora. Aun así, basta con que descubra que toda la información imaginable cabe en la palma de su mano para que termine aceptándolo, como probablemente haría cualquiera.

Pocos días después, el señor Harrigan fallece de manera repentina. Movido por un impulso emocional, Craig decide colocar el teléfono en el interior del traje del difunto, provocando que ambos sean enterrados juntos. A partir de ese momento, el relato da un giro inquietante.

Tras el funeral, Craig sufre una violenta agresión por parte de Kenny, el matón del instituto, de la que sale claramente perjudicado. Aún conmocionado, y casi sin pensarlo, toma su propio teléfono y envía un mensaje al número de Harrigan, una forma de desahogo más que una acción racional. A la mañana siguiente, Craig recibe una respuesta tan críptica como perturbadora… y poco después se descubre que Kenny ha aparecido muerto en su casa.

Preso del pánico, Craig decide deshacerse del teléfono, sustituyéndolo por otro y tratando de enterrar para siempre lo ocurrido. Sin embargo, el pasado vuelve a alcanzarlo años después, cuando ya se encuentra en la universidad.

La tragedia se repite con la muerte de la señora Hart, su antigua profesora del instituto, que fallece en un accidente de tráfico provocado por un conductor ebrio. Para mayor indignación de Craig, el responsable logra eludir cualquier tipo de castigo legal.

Dominado por la rabia y la impotencia, Craig comete el mismo error que creía haber dejado atrás: vuelve a llamar al número del señor Harrigan, deseando la muerte del conductor. Tiempo después, descubre que su deseo se ha cumplido, confirmando que la conexión con Harrigan (y con algo mucho más oscuro) sigue activa.

¿Cómo acaba "El teléfono del Sr. Harrigan"? Como es obvio nosotros lo sabemos, aunque, como ya os podéis imaginar, para nada os lo contaremos en este rincón.

No os vamos a engañar "El teléfono del señor Harrigan"nos ha sorprendido muy positivamente. Y no es algo menor, ya que en muchas adaptaciones de las obras de Stephen King se suele caer en la tentación de sobredimensionar el terror, añadiendo más elementos sobrenaturales, criaturas o fenómenos paranormales de los que el propio autor plantea en sus textos originales.

En este caso, la película opta por un enfoque mucho más contenido e inteligente, potenciando el componente humano de la historia. La crítica al uso obsesivo de los smartphones, el retrato del acoso escolar o la gestión del duelo y la culpa tienen tanto peso como la intriga sobrenatural, logrando un equilibrio notable entre emoción y misterio. El resultado es una adaptación que entiende que el verdadero terror, muchas veces, no está en lo inexplicable, sino en lo profundamente humano.

La historia de amistad entre un joven y un anciano millonario queda perfectamente reflejada en la película, mostrando además que va mucho más allá de la vida (aunque su vínculo sea un inverosímil teléfono móvil con el que fue enterrado el anciano).

Interpretativamente hablando, nos tenemos que centrar en el trabajo de los dos protagonistas de "El teléfono del sr Harrigan", el de Donald Sutherland dando vida al adinerado y misántropo John Harrigan, y el del joven Jaeden Martell quien interpreta a Craig en toda su etapa de crecimiento, tanto físico como personal, reflejando perfectamente dichas etapas. Para nosotros, en ambos casos, y vista la buena química entre ellos, creemos que hacen un trabajo más que notable.

En "El teléfono del señor Harrigan" nos encontramos ante una buena película a la que quizá le falte un punto de chispa para destacar por encima de otras adaptaciones de Stephen King. Aun así, funciona con solvencia como thriller, apoyada en buenas interpretaciones y en un conjunto de reflexiones interesantes que elevan el material por encima de lo convencional. Por todo ello, nuestra valoración final de "El teléfono del señor Harrigan" es de un 7 sobre 10.

“Mr. Harrigan’s phone” – 2022 – USA

Dirigida por: John Lee Hancock

Duración: 105 minutos

Género: Intriga, Thriller

Seven (1995), crítica y análisis

Durante la última década, las carteleras han estado dominadas por el cine de superhéroes. El universo cinematográfico de Marvel y las grandes producciones de Disney han marcado una era en taquilla y cultura popular. Y no es algo negativo: han redefinido el blockbuster moderno.

Sin embargo, si retrocedemos a los años noventa, encontramos otra tendencia que definió aquella época: el auge de las películas sobre asesinos en serie. Fue la década de personajes icónicos que dejaron huella en el thriller psicológico y el cine criminal.

Ahí están Hannibal Lecter en "El silencio de los corderos", Ghostface en "Scream" o Patrick Bateman en "American Psycho". Pero entre todos ellos hay un nombre que, aunque menos mediático, resulta fundamental para entender el thriller oscuro de los 90: John Doe

Puede que no todos recuerden de inmediato ese nombre. Pero si hablamos del asesino que puso contra las cuerdas a los detectives interpretados por Morgan Freeman y Brad Pitt en 1995, la memoria se activa. Nos referimos a "Seven" (1995), la inquietante película dirigida por David Fincher que redefinió el género y se convirtió en un clásico del cine contemporáneo.

Hoy analizamos por qué "Seven" sigue siendo una obra clave del thriller psicológico y una de las mejores películas de asesinos en serie de los años noventa.

La historia de “Seven” empieza presentándonos a Somerset (a quien da vida Morgan Freeman), un detective de homicidios de Nueva York que está en su última de semana de trabajo antes de su jubilación cuando recibe el aviso de que ha aparecido un cadáver en extrañas circunstancias. Dada la situación de Somerset, se le junta en la investigación el detective David Mills (interpretado por Brad Pitt), un joven e impulsivo recién llegado a la gran manzana.

Cuando llegan a la escena del asesinato, se encuentran con algo totalmente impensable, un hombre obeso atado ante una mesa al cual parece que obligaron a comer hasta, literalmente, reventar. Ya de vuelta a la comisaría y vista la actitud de Mills, Somerset intenta pasarle el caso, pero muy pronto, un nuevo asesinato le hace replantear su decisión.

El segundo asesinato es el de un abogado al que parece, le obligaron a cortarse parte de su cuerpo y morir desangrado. Investigando el escenario del crimen encuentran, escritas en sangre, la palabra ‘avaricia’. Somerset al verlo vuelve donde el obeso y encuentra, escondida, la palabra ‘gula’, confirmando su suspecha de que están ante un asesino en serie que representará con sus asesinatos, los siete pecados capitales.

Gracias a las pruebas encontradas en el despacho del abogado, unas huellas escondidas tras un cuadro, Mills y Somerset se dirigen hacia un apartamento donde se encuentran maniatado en la cama a un hombre moribundo, lleva atado un año, y representa la ‘pereza’.

Tres días, tres asesinatos y en todos, la confirmación de que el asesino es una persona metódica que se toma mucho tiempo para llevar a cabo cada acto. Después de un estudio de los libros que hablan sobre los siete pecados capitales y se han prestado en la red de bibliotecas, llegan hasta un hombre que se hace llamar John Doe (interpretado por Kevin Spacey), aunque este logra huir disparándoles.

Escena de uno de los crímenes en Seven (1995), thriller psicológico dirigido por David Fincher y protagonizado por Brad Pitt y Morgan Freeman.

Poco después de este encontronazo, una prostituta es brutalmente asesinada por su cliente quien confiesa que Doe le ha obligado, representando la ‘lujuria’ y, casi sin tiempo de reacción, una llamada les alerta de que una joven está muriendo en su casa, Mills y Somerset se la encuentran desfigurada con una nota, es la quinta víctima y representa la ‘soberbia’.

¿Encontrarán a tiempo a John Doe? Es más, ¿conseguirán Mills y Somerset evitar que se consuman los asesinatos de los siete pecados capitales? Como ya os podéis imaginar, nosotros no os lo contaremos y menos, en este caso, en el que el final de “Seven” es realmente espectacular y memorable.

Técnicamente “Seven” representó en su momento, y continúa, aún a día de hoy  representando a uno de los máximos exponentes del género del thriller, consiguiendo mezclar con maestría todos los ingredientes que definen dicho género: la tensión, un argumento lleno de giros, una ambientación cuidada, tenebrosa y bien acompañada por la banda sonora que envuelven a un asesino frio y despiadado, capaz de lo más atroz y espeluznante.

En el apartado interpretativo, nos quitamos el sombrero ante el dúo protagonista de “Seven”, dos cracks de la interpretación para los que “Seven” representó un punto y aparte en su carrera, por un lado, nos encontramos con un Brad Pitt haciendo suyo un David Mills que, como él, crece dejando atrás su pasado (Pitt el de guapo de Hollywood, y Mills el de detective pueblo), y por el otro, tenemos a Morgan Freeman dando vida brillantemente a un Somerset, metódico y experimentado, dos caras de la misma moneda que no solo se complementan si no que se compensan. Y todo sin olvidar el buen trabajo de Kevin Spacey dando vida al inteligente y atroz John Doe.

Somos conscientes que, para mucha gente, “Seven” es demasiado fuerte, aunque para nosotros, es todo un clásico del cine, un imperdible. Por todo lo que os hemos contado,nuestra nota final para “Seven” es de un 8.5 sobre 10.

“Seven” – USA – 1995

Dirigida por: David Fincher

Duración: 127 minutos

Género: drama, Thriller, policiaca

Tres anuncios en las afueras (2017), crítica y análisis

Todos conocemos el poder de la publicidad, y no solo para convencernos de que compremos algo que, posiblemente no usaremos nunca, sino también para hacernos pensar o peor, crear corrientes de opinión sobre algo.

Los últimos años, con el poder de internet incrementándose sin parar, miles de jóvenes (la mayoría hijos de famosos sin ganas o capacidad para estudiar) se han convertido en influencers, o lo que es lo mismo, imagen de marcas comerciales que intentan, sin parar, convencernos que compremos para parecernos tan ‘top’ como los influencers.

Os preguntaréis, ¿tienen algo que ver los influencers con la película que nos quieren recomendar? Y os contestamos sin tapujos, no, nada que ver. La película tiene que ver, y como desencadenante de su acción, con la publicidad y su poder para hacernos reaccionar. Hoy, en este pequeño rincón os hablaremos de la cinta de 2017 “Tres anuncios en las afueras”.

Argumento de Tres anuncios en las afueras  

La historia de “Tres anuncios en las afueras” nos desplaza a la imaginaria ciudad de Ebbing, Missouri, donde nos encontramos con Mildred Hayes (a quien da vida Frances McDormand), una mujer divorciada que vive con su hijo adolescente Robbie (Lucas Hedges) en una casona en las afueras de la ciudad.

Al poco de presentárnosla descubrimos que Mildred vive atormentada por un acto que ocurrió siete meses antes, la muerte y violación de su hija Angela, un caso sin esclarecer y por el que la policía de Ebbing parece no preocuparse. Un día, volviendo a casa decide alquilar tres grandes vallas publicitarias en las que publica tres frases:

• «Violada mientras moría»
• «¿Y todavía no hay arrestos?»
• «¿Cómo es posible, jefe Willoughby?»

Como es evidente, la gente del pueblo se molesta, pero Mildred se mantiene firme en su decisión, tanto ante su hijo Robbie como ante el jefe Willoughby (quien además tiene un cáncer terminal), como ante el arrogante y descerebrado oficial Dixon (Sam Rockwell), quien se toma las vallas como una falta a su autoridad.

Poco después de un arrebato de locura que lleva a Dixon a amenazar Red Welby, el arrendador de las vallas, Willoughby detiene a Mildred por una agresión a su dentista, pero un agravamiento de su enfermedad durante el interrogatorio provoca que deje libre a Midred.

La repentina muerte del jefe Willoughby desata la locura de Dixon, quien acaba lanzando por la ventana de su despacho a Red Welby, y todo ante su nuevo jefe quien, sin dudarlo, le despide. Justo esa noche, los tres anuncios son destruidos pasto de las llamas.

Como Mildred sospecha que la policía está detrás de las llamas, les devuelve la jugada, lanzando cócteles Molotov contra la comisaria, quemando accidentalmente a Dixon que estaba en ella.

A partir de este punto, la historia toma un rumbo totalmente inesperado, con una alianza entre Mildred y Dixon la cual, aunque sabemos dónde lleva, nos guardaremos celosamente.

Mildred ante la comisaría de policía de Ebbing

Crítica de Tres anuncios en las afueras   

Pocas veces una cinta con un punto de partida tan contundente como sencillo, llega a impactar tanto con el espectador como en esta “Tres anuncios en las afueras”, consiguiendo no solo que uno empatice con sus protagonistas, sino que les entienda y llegue incluso a compartir sus dramas, y eso, que ninguno de sus protagonistas parece estar al 100% en sus cabales.

Dividida en dos claros actos, la trama argumental de “Tres anuncios en las afueras” consigue llevarnos sin tregua, desde las ansias de esclarecer lo sucedido 7 meses atrás de una madre torturada hasta el sorprendente final de la cinta, pasando por la más que previsible reacción de un pueblo ante el ataque a su enfermo jefe de policía. Simplemente, genial.

Interpretaciones y personajes 

Interpretativamente, nos quitamos el sobrero ante el soberbio trabajo de sus dos intérpretes principales, Frances McDormand y Sam Rockwell. McDormand realiza un trabajo soberbio, llenando por completo la pantalla, combinando en su papel el profundo drama por la pérdida de su hija, toques de comedia negra y su inquebrantable deber de lucha desde la tristeza, sencillamente, deja a uno con ganas de más. Rockwell, por su parte, encarna a un rudo, racista y homófobo policía totalmente sometido a su desquiciada madre, un personaje por el que nos hace sentir desde el odio más profundo a cierta empatía. Sin lugar a duda, dos interpretaciones memorables.

Opinión final: ¿merece la pena ver la Tres anuncios en las afueras?

Por todo lo que os hemos contado, nuestra nota final para “Tres anuncios en las afueras” es de un 8.5 sobre 10.

Ficha técnica de Tres anuncios en las afueras

Título original: Three billboards outside Ebbing, Missouri

Año: 2017

Duración: 112 minutos

Director: Martin McDonagh

Género: Thriller, Drama

Alice in Borderland - Temporada 2

Después de dos años manteniendo en vilo a sus seguidores, “Alice in Borderland” regresó en diciembre de 2022 con una segunda temporada. Esta nueva entrega vuelve a apostar por una combinación tan eficaz como despiadada de ciencia ficción, acción y drama, con altas dosis de violencia, adaptando con soltura el manga homónimo en el que se basa la serie.

Con los mismos protagonistas que nos mantuvieron en vilo durante los ocho episodios de la primera temporada, enfrentados entonces a una sucesión de juegos cada vez más crueles y mortales, “Alice in Borderland” retoma su historia exactamente en el punto en el que la dejó. La segunda temporada profundiza en las consecuencias físicas y psicológicas de sobrevivir a Borderland, elevando el nivel de sus desafíos.

Desde su arranque, la segunda temporada de “Alice in Borderland” nos devuelve a Arisu (Kento Yamazaki) y al resto de supervivientes enfrentándose a una sensación tan incómoda como inevitable: la necesidad de recuperar la esperanza cuando el cansancio pesa y cuando cada nuevo juego, cada respuesta obtenida, exige un sacrificio mayor que el anterior.

Sin apenas tiempo para reaccionar, los jugadores descubren que los próximos desafíos estarán representados por las figuras de la baraja, y la serie no se anda con rodeos al presentar al “Rey de Picas”: un tirador experto que convierte las calles de la ciudad en un campo de caza indiscriminado.

En medio del caos, el grupo de Arisu (junto a Usagi, Kuina y Tatta) se separa del formado por Chishiya y Ann para enfrentarse sin tregua a otro desafío, esta vez bajo la figura del “Rey de Tréboles”, que se presenta desnudo y acompañado de su propio equipo de “ciudadanos” de Borderland.

El desafío del “Rey de Tréboles”, bautizado como Osmosis, es un juego por puntos en el que la victoria garantiza la supervivencia del equipo ganador y la derrota implica la muerte del perdedor. Una prueba que lleva a Arisu y a los suyos al límite hasta desembocar en un desenlace tan inesperado como revelador.

Arisu con el Rey de Tréboles en el juego de Osmosis

Mientras tanto, Chishiya se las ve en prisión con el juego de la “Sota de Corazones”, un enfrentamiento psicológico en el que la verdad, la lealtad y la traición se entrelazan para ponerlo contra las cuerdas.

Tras estos juegos, la serie nos presenta a un Arisu anímicamente hundido que, en un pueblo masacrado a las afueras de Tokio, descubre por fin el verdadero significado de los fuegos artificiales que los condujeron a Borderland.

Rescatado por un viejo conocido, Aguni, y por su nueva aliada Heiya, Arisu regresa a la ciudad en busca de Usagi, que se ha adentrado en el juego de la “Reina de Picas” para proteger a un niño cuya visa ha expirado. Bautizado como “Jaque Mate”, el desafío vuelve a poner en juego conceptos ya conocidos por la serie: la importancia de la unidad, el trabajo en equipo y la confianza mutua.

Tras esto, Arisu y Usagi deberán enfrentarse a un último juego, el “Croquet” con la Reina de Corazones, pero su desenlace nos lo guardaremos celosamente.

Esta segunda temporada de “Alice in Borderland” profundiza en conflictos más complejos, donde la psicología, el liderazgo y la confianza determinan el desarrollo de unos juegos que, identificados ahora con las figuras de la baraja francesa, dejan de ajustarse necesariamente a la estructura de un episodio por prueba.

La mayoría de los juegos presentados poseen un gran poder simbólico y plantean interesantes dilemas mentales, introduciendo además a unos antagonistas (los reyes, reinas y sotas) que funcionan como auténticos contrapuntos narrativos de los protagonistas.

“Jaque Mate” de la Reina de Picas

Como aspecto negativo, la temporada incurre en ciertos excesos emocionales, con una acumulación de “falsos clímax” que diluyen la tensión dramática. A ello se suma una irregularidad en el ritmo: algunos juegos se prolongan más de lo necesario, mientras que otros se resuelven de manera demasiado precipitada, afectando a la sensación de continuidad.

En el apartado técnico, la dirección vuelve a mostrar una gran solidez, apoyada en un eficaz uso de los efectos especiales y una banda sonora que acompaña y refuerza adecuadamente los momentos clave del relato.

Interpretativamente hablando os diremos que nos ha gustado bastante el trabajo de sus dos protagonistas, Kento Yamazaki y Tao Tsuchiya dando vida a Arisu y Usagi respectivamente. El primero ofreciéndonos una actuación intensa y creíble, y la segunda mejorando su trabajo en la primera temporada. También queremos resaltar el trabajo de alguno de los antagonistas, especialmente Tomohisa Yamashita quien da vida a un excepcional Rey de Tréboles.

En definitiva, esta segunda temporada de “Alice in Borderland” se presenta como una propuesta más oscura, ambiciosa y emocional que la anterior, aunque lastrada por ciertos problemas de ritmo.

Por todo lo que os hemos contado, nuestra nota final para esta segunda temporada de “Alice in Borderland” es de un 7 sobre 10.

“Alice in Borderland” – 2020 – Japón

Año de creación: 2020

Año de finalización: 2022 (segunda temporada)

>Duración: 8 capítulos (de 45 a 55 minutos)

Alice in Borderland - Temporada 1

Desde hace unos años, las películas y series distópicas se multiplican en todas y cada una de las plataformas de streaming. La mayoría de ellas presentándonos mundos postapocalípticos, repletos de extraterrestres o zombis que quieren acabar sí o sí con la humanidad.

 

Pero ¿Qué pasaría si a esta idea de un mundo distópico se le da un toque de crítica social, se eliminan los muertos vivientes y se convierte una gran ciudad en un tablero de juego donde los supervivientes luchan para conseguir visas o días de vida?

 

Adaptando el manga o novela gráfica homónima de Haro Aso, en diciembre de 2020 llegó al catálogo de Netflix la serie “Alice in Borderland” convirtiéndose muy pronto en todo un fenómeno global al mezclar grandes dosis de acción, emoción con el miedo a la muerte y la supervivencia.

 

Sí, en esta entrada os contaremos nuestra opción sobre la primera temporada de “Alice in Borderland”.

 

“Alice in Borderland” empieza desplazándonos a Tokio para presentarnos a Arisu (interpretado por Kento Yamazaki), un joven apático y obsesionado con los videojuegos, y dos amigos suyos Karube y Chota. Los tres, un tanto marginados socialmente por su forma de vivir la vida acaban escondidos en un baño escapando de la policía, en ese momento, los tres son trasladados a una versión desolada de Tokio.

 

Pronto descubren que, en este nuevo mundo paralelo deberán disputar juegos mortales en los que, si los superan, ganarán días de “visa”. Cada juego, se identifica con una carta de la baraja, el número de la cual representará el número de días de visa que tendrá el usuario superviviente.

 

Los palos de las cartas identifican el tipo de juego, siendo por ejemplo, juegos de inteligencia, de cooperación, físicos o psicológicos.

 

Ya desde el primer capítulo, “Alice in Borderland” nos sumerge en un tono intenso, misterioso y sobre todo, opresivo, donde la adrenalina se mezcla con una reflexión sobre el valor de la vida, la amistad y el sentimiento de culpa.

 

El grupo de Arisu, Karube y Chota se mantiene hasta el desenlace del tercer juego, donde tras un momento de gran tensión, los amigos de Arisu se alían para que este sobreviva sacrificándose en el juego de “el lobo”.

 

A partir de este punto, Arisu, psicológicamente muy tocado, se alía con Usagi (a quien da vida Tao Tsuchiya), una chica fuerte e independiente que se convierte en su otra cara de la moneda. Arisu y Usagi deciden ir a buscar lo que, en “Borderland” se conoce como “La playa”, una especie de remanso de paz en la que muchos jugadores viven entre juegos.

 

Con todo, al poco de llegar allí, se desencadena una lucha de poder y control en “la playa”, esta lucha de poder, además de un cambio de líder supone que se lance un nuevo juego de categoría “10 de corazones”, es decir, psicológico de gran dureza.

 

Arisu y Usagi enfrentándose a un juego mortal

Este juego desencadena una auténtica masacre, donde gran parte de los habitantes de la playa acaba en la hoguera (literalmente).

 

Al final, y en plena calma tras la masacre, Arisu y Usagi descubren que, los “game masters” son antiguos jugadores… aunque eso no es todo, ya que pronto se iniciarán nuevos juegos, una segunda fase con juegos que se identificarán con las figuras (J, Q, K) de la baraja.

 

Mucha gente compara “Alice in Borderland” con “El juego del Calamar”, aunque son series un tanto diferentes, aunque ambas usen juegos mortales para poner a prueba a sus protagonistas.

 

Narrativamente os diremos que “Alice in Borderland” combina perfectamente la sucesión de juegos con el desarrollo emocional y psicológico de sus protagonistas (los secundarios quedan mucho más difuminados). El ritmo vibrante de las tramas consigue que uno empatice con sus protagonistas, sus traumas y sus decisiones.

 

Más allá de las pruebas de supervivencia, “Alice in Borderland” explora y se sumerge en temas tan diferentes, y por momentos, tan poco habituales en la sociedad actual como: el vacío existencial de nuestra juventud, el valor del sacrificio frente a la competitividad y sobre todo, lo hace usando la metáfora del videojuego como reflejo de la vida moderna (un juega y juega sin parar a pensar y entender las reglas).

 

A nivel interpretativo os diremos que, pese a no conocerlos previamente, nos ha gustado bastante el trabajo de sus dos protagonistas, Kento Yamazaki y Tao Tsuchiya dando vida a Arisu y Usagi respectivamente. Yamazaki nos has encantado transmitiendo todo un conjunto de emociones, desde la frustración hasta el sentimiento de culpa sin olvidar nunca la justicia y la lucha.

 

Sin lugar a duda “Alice in Borderland” nos ha parecido una gran serie, un thriller adictivo, visualmente impactante y con una historia más profunda de lo que uno imagina, y todo esto manteniendo una tensión incremental hasta el clímax final.

 

Por todo lo que os hemos contado, nuestra nota final para esta primera temporada de “Alice in Borderland” es de un 8 sobre 10.

 

 

 

 

Título original: “Alice in Borderland” – 2020 – Japón

Año de creación: 2020

Año de finalización: 2020 (primera temporada)

Duración: 8 capítulos (de 45 a 55 minutos)

 

 

 

 

 

 

  

Wolfs (2024), crítica y análisis

Si hay un trabajo en casa y fuera de ella que es, por norma general poco agradecido y a veces incluso desagradable es el de la limpieza. Sí, tenemos que asumirlo, aunque a una inmensa mayoría nos encante vivir en un casa o una ciudad limpia, limpiar carece de valoración y para colmo de los colmos, dura limpio entre poco y nada.

 

En el mundo del cine, los limpiadores han tenido muy poca presencia (más allá del mundo de las criadas), de hecho, ahora mismo sólo nos acordamos de Elisa (en “La forma del agua”).

 

Hoy en este rincón nos queremos adentrar en el mundo de unos limpiadores un poco diferentes, los “fixers”, unos profesionales que se dedican tanto a solucionar problemas como a limpiar la escena de un crimen. Y para ello nos centraremos en una película de 2024 dirigida por Jon Watts, “Wolfs”.

 

“Wolfs” empieza desplazándonos a una lujosa habitación hotel, donde nos encontramos con Margaret, una política presa del pánico ya que, el joven con que subió de incógnito a la habitación yace muerto al lado de la cama.

 

Tras una llamada de la mujer, aparece en la habitación un hombre (George Clooney) quien se dispone a iniciar la limpieza cuando, un nuevo hombre entra en la habitación (Brad Pitt), también “fixer” o limpiador, en esta ocasión enviado por el propio hotel.

 

El choque entre ambos es total ya que, para nada quieren trabajar conjuntamente (son como dos gallos en un corral, con dos estilos diferentes, dos formas de trabajar diferentes y sobre todo, dos actitudes diferentes) aunque algo les hace cambiar de idea, que están grabados en las cámaras de seguridad y que el joven tenía una buena cantidad de drogas en su bolso.

 

Mientras trasladan el cuerpo del joven para deshacerse de él, descubren que no está muerto, únicamente tiene una sobredosis de drogas. Aunque quieren recuperarlo para dejarlo libre, el joven acaba escapando en calzoncillos provocando que, los “fixer” tengan que perseguirlo por media ciudad.

 

Cuando consiguen dar con él y “limpiarlo” de drogas, este les cuenta que iba a entregar la droga para ayudar a un amigo, aunque acabó probándola. Visto que el joven es un novato, los “fixer” deciden acompañarlo en la entrega aunque para ello deberán infiltrase en el pub donde trabaja Diego, propiedad de un viejo conocido de ambos, un mafioso croata.

 

Clooney y Pitt convenciendo al chico de colaborar

Todo parece complicarse por momentos ya que, todo parece indicar que el chico ha caído en una trampa para incriminarlo con la devolución de la droga a sus propietarios, una peligrosa banda de albaneses a quien la droga les fue robada inicialmente.

 

Aunque los “fixer” creen que el chico morirá, deciden que sea él quien realice la entrega y aunque al final, hay un baile de disparos entre bandas de albaneses, croatas y los propios “fixer”, la historia acaba teniendo un desenlace de lo más inesperado y que, obviamente, no os contaremos en esta crítica.

 

Técnicamente os diremos que “Wolfs” tiene tantas de cal como de arena, pecando en exceso de un guion que abusa de los giros y abriendo tanto melones o líneas argumentales que, ni todas tienen la misma coherencia ni se acaban cerrando, dejando al espectador una sensación de falta total de solidez.

 

En el lado positivo, os diremos que “Wolfs” tiene una estética cuidada, sobre todo, teniendo en cuenta que busca un entretenimiento ligero, con mucha acción, humor y, por momentos, buenas dosis de tensión.

 

Interpretativamente os diremos que, “Wolfs” tiene una de sus bazas más importantes, la presencia de dos actores con mucha química, mucho carisma y que juntos, funcionan como un reloj suizo, os hablamos de Brad Pitt y George Clooney. Por desgracia, no podemos decir lo mismo del resto de personajes ya que, la mayoría carecen de definición suficiente.

 

Sí que nos ha gustado bastante es la reflexión, aunque sea en base a chistes, sobre la soledad ya la edad adulta. Ambos “fixer” son dos lobos solitarios que, aunque a regañadientes tienen que colaborar para salir exitosos de los embrollos en que se meten, sin olvidarse de los chistes sobre la edad, la experiencia vital y el orgullo.

 

Por todo lo que os hemos contado, nuestra nota final para “Wolfs” es de un 6 sobre 10.

 

 

Título original: “Wolfs” – USA – 2024

Dirigida por: Jon Watts

Duración: 102 minutos

Género: Acción, Thriller, Comedia

Cónclave (2024), crítica y análisis

Casi todo el mundo, con independencia de su religión, sabe lo que es un cónclave, bueno, o debería saberlo (ya, actualmente con tanto influencer y tanto creador de contenido, quizá es algo que a algunos se les escapa). Aunque durante el último medio siglo ha habido cinco, no se puede negar que es un proceso que despierta el interés y la atención de todo el mundo.

Pero ¿qué es un cónclave? El cónclave es el proceso que se inicia tras la muerte de un Papa (el líder espiritual de la Iglesia católica en todo el mundo) y que tiene como objetivo, la elección a puerta cerrada, de un nuevo Papa. Con todo, cada uno tiene su percepción sobre lo que este evento histórico es, yendo desde un momento solemne hasta una encubierta lucha de poder pasando por un evento mundial que se resuelve con la esperada “fumata blanca”.

En 2025 hemos podido vivir el, por el momento, último conclave, lo cual mantuvo en el candelero la cinta británico-estadounidense “Cónclave” de 2024.

“Cónclave” empieza situándonos en los pasillos del Vaticano, pocos minutos después de la muerte del Papa tras sufrir un ataque cardíaco. Con nervios, el cardenal decano Thomas Lawrence (interpretado por Ralph Fiennes), un hombre que ha perdido la fe, se hace cargo de la situación y pone en marcha el mecanismo del cónclave para escoger el sucesor del sumo pontífice.

Muy poco antes de encerrarse en el cónclave, Lawrence recibe la noticia que Tremblay (John Lithgow) uno de los cardenales mejor posicionados en la elección, recibió la orden de presentar su dimisión como cardenal pocas horas antes de la muerte del papa. Tremblay lo niega enérgicamente viendo que eso, podría apartarle de la carrera por el papado.

Casi coincidiendo con el inicio del cónclave, Lawrence recibe un cardenal inesperado, el cardenal Benítez, ordenado en secreto durante el último año y cardenal de Kabul.

Ya en la primera votación del cónclave, se aprecia una gran división entre los cardenales, dejando al frente a los conservadores Adeyemi (nigeriano) y Tremblay (canadiense), al tradicionalista extremista Tedesco (italiano) y a los progresistas Bellini y Lawrence.

Dos votaciones más tarde, una monja nigeriana causa un revuelo en el comedor al enfrentarse a Adeyemi. Cuando Lawrence investiga, conoce en secreto de confesión que Adeyemi y la monja tuvieron una relación sexual de la que nació un hijo dado en adopción. Adeyemi lo niega, y se mantiene el secreto hasta que, la jefa de las monjas explota ante todos los cardenales, apartando así al nigeriano de las votaciones.

Mientras, Bellini pide a sus seguidores que no le voten y cede su voto a Tremblay para intentar frenar a Tedesco. Con el Vaticano lleno de rumores, Lawrence, tras una nueva votación decide entrar en las dependencias papales donde, escondidos, encuentra documentos en los que se demuestra que Tremblay sobornó a varios cardenales para obtener su voto.

Lawrence investigando a los papables

Cuando este se lo cuenta a Bellini este le insta a destruir la documentación alegando que a la iglesia no le interesa un escándalo de corrupción lo que demuestra que, Bellini también recibió dinero por su voto.

Tras una acalorada discusión la candidatura de Tremblay cae por corrupción dejando en la carrera a Lawrence, Tedesco y Benítez quien ha ido ganando votos poco a poco. Al empezar la sexta votación, el vaticano sufre un atentado integrista matando a varias personas y causando destrozos en la Capilla Sixtina.

Este atentado saca a relucir el carácter y vocación de Tedesco (un extremista y radical que considera a los musulmanes animales sedientes de sangre) lo que provoca que Benítez tome la palabra en un emotivo discurso que remueve la conciencia de los cardenales.

Al final, el cardenal Benítez es elegido nuevo Papa, aunque esconda algo en su vida que, puede desestabilizar al Vaticano, aunque, como ya os podéis imaginar, lo que esconde nos lo reservaremos para nosotros.

Técnicamente os diremos que “Cónclave” es un thriller que mantiene completamente la tensión, de comienzo a fin, apoyándose en un perfecto control estético y contrastando a la perfección la tradición del Vaticano con la modernidad (todos los cardenales van con su Iphone...) y todo, con una cercanía emocional que salva, por momentos, la lentitud en su desarrollo.

En cuanto al guion os diremos que, “Cónclave” adapta la novela de Rober Harris, dotándolo de una narrativa que combina la intriga, el drama político y como no, la religión, aunque deja muy en segundo plano a la mayoría de los personajes secundarios.

Interpretativamente hablando os diremos que nos quitamos el sombrero ante la gran interpretación de un Ralph Fiennes dando vida al cardenal Lawrence con un despliegue interpretativo al alcance de pocos y transmitiéndonos la investigación y la lucha por su propio conflicto interno sin agobios. Del resto, poco a decir, salvo que nos ha gustado mucho el trabajo de Stanley Tucci dando vida al cardenal Bellini, aunque la poca profundidad de este, le ha quitado puntos al final.

Por todo lo que os hemos contado, nuestra nota final para “Cónclave” es de un 7.5 sobre 10 .

“Conclave” - Reino Unido – 2024

Dirección: Edward Berger

Duración: 115 minutos

Género: Drama, Thriller