El Menú (2022) crítica de la película con Ralph Fiennes y Anya Taylor-Joy

La gastronomía lleva años ocupando un lugar privilegiado en nuestras pantallas. Los grandes chefs se han convertido en auténticas estrellas, sus restaurantes en templos gastronómicos y sus platos en experiencias que, en ocasiones, parecen estar más pensadas para ser fotografiadas que para ser disfrutadas. Y alrededor de ellos ha crecido todo un universo de críticos, foodies e influencers dispuestos a convertir cada bocado en un acontecimiento.

Con este escenario como punto de partida llega “El menú”, el thriller dirigido por Mark Mylod y protagonizado por Ralph Fiennes, Anya Taylor-Joy y Nicholas Hoult. Una película que utiliza una exclusiva cena en un restaurante situado en una isla privada para construir una historia tan incómoda como divertida y, sobre todo, para lanzar una crítica mordaz contra el elitismo, el lujo, la obsesión gastronómica y quienes han convertido el hecho de consumir en una forma de demostrar su estatus.

Porque en El menúno solo vamos a sentarnos a una mesa para degustar platos imposibles. También vamos a descubrir que, cuando el chef decide controlar hasta el último detalle de la velada, la cuenta puede acabar siendo mucho más cara de lo que cualquiera de los comensales esperaba.

Sinopsis de El menú

Tyler, un joven obsesionado con la gastronomía, consigue una reserva exclusiva para cenar junto a Margot en Hawthorn, un restaurante situado en una remota isla privada. El establecimiento está dirigido por Julian Slowik, un prestigioso chef interpretado por Ralph Fiennes, conocido por crear elaborados menús que convierten cada plato en una experiencia única.

La pareja comparte mesa con un grupo muy particular de comensales: una famosa crítica gastronómica y su editor, una estrella de cine y su asistente, una pareja adinerada y tres empresarios que han pagado una fortuna por formar parte de aquella exclusiva experiencia culinaria. Todos han llegado esperando una noche inolvidable, aunque cada uno tiene sus propios motivos para estar allí.

A medida que avanza la cena, Slowik va presentando cada plato acompañado de un discurso cada vez más inquietante, dejando claro que aquel menú esconde mucho más de lo que los invitados podían imaginar. Lo que inicialmente parecía una experiencia gastronómica de lujo comienza a convertirse en una pesadilla cuidadosamente planificada.

Mientras los comensales descubren que abandonar la isla no será tan sencillo como esperaban, Margot empieza a darse cuenta de que hay algo profundamente extraño detrás de aquella cena. Y cuando finalmente comprendan qué ha preparado el chef para ellos, puede que ya sea demasiado tarde para escapar.

Crítica de "El menú"

El menú es mucho más que un thriller ambientado en un restaurante de lujo. Mark Mylod utiliza la alta cocina como excusa para construir una sátira bastante afilada sobre el elitismo, el dinero, el postureo y esa necesidad cada vez más habitual de convertir cualquier experiencia en algo exclusivo que podamos presumir de haber vivido.

La película funciona especialmente bien cuando mezcla humor negro, tensión y crítica social. Cada plato forma parte de un espectáculo cuidadosamente preparado y, poco a poco, descubrimos que detrás de esa sofisticación hay bastante más resentimiento del que parecía. La cocina se convierte así en un escenario perfecto para hablar de poder, obsesión y de una sociedad que muchas veces confunde disfrutar con consumir y entender con aparentar.

También nos gusta que El menú no se tome completamente en serio. Su propuesta es exagerada, incómoda y en determinados momentos deliberadamente absurda, pero precisamente ahí encuentra buena parte de su encanto. La ambientación claustrofóbica y la estructura dividida en diferentes platos consiguen mantener la tensión mientras la película va descubriendo sus cartas.

Ralph Fiennes y Anya Taylor-Joy en El menú

Eso sí, no todo funciona igual de bien. Algunos giros resultan demasiado evidentes y la película plantea ideas interesantes sobre las que nos habría gustado que profundizara algo más. En ocasiones parece más preocupada por sorprender al espectador que por desarrollar realmente algunas de las críticas que plantea. Aun así,El menú consigue ser un thriller entretenido, una comedia negra bastante retorcida y una sátira social con bastante mala leche. No es una obra maestra ni pretende serlo, pero deja un buen sabor de boca… aunque después de verla quizá nos pensemos dos veces eso de pagar una fortuna por una cena.

Personajes e interpretaciones

Ralph Fiennes está magnífico como Julian Slowik. Su interpretación es contenida, elegante y perturbadora, y consigue que el chef resulte inquietante incluso cuando simplemente está explicando un plato. Fiennes entiende perfectamente el tono de la película y convierte a Slowik en una figura tan carismática como incómoda.

Anya Taylor-Joy funciona muy bien como Margot, aportando el contrapunto necesario al personaje de Fiennes. Su interpretación transmite inteligencia, desconfianza y una cierta rebeldía sin necesidad de exagerar. Nicholas Hoult, por su parte, aprovecha muy bien el carácter excesivo de Tyler y consigue que resulte tan ridículo como desesperante.

El resto del reparto cumple con solvencia, especialmente Hong Chau como Elsa, aunque la película está claramente construida alrededor del duelo interpretativo entre Fiennes y Taylor-Joy.

¿Merece la pena ver “El menú”?

Sí, creemos que merece la pena. Y no porque El menú sea una película perfecta, sino precisamente porque sabe coger una idea aparentemente sencilla —una cena exclusiva en un restaurante de lujo— y convertirla en una historia incómoda, divertida y bastante retorcida.

Nos gusta especialmente su capacidad para reírse de la alta cocina, del lujo y de quienes convierten el dinero y el prestigio en una forma de superioridad, pero también hay una crítica interesante hacia el propio consumidor. La película pone delante del espejo a quienes pagan cantidades absurdas por experiencias que quizá ni siquiera disfrutan, a quienes necesitan demostrar que saben más que los demás y a quienes han conseguido que comer deje de ser simplemente comer.

Además, Ralph Fiennes está espectacular y la película consigue mantener una tensión creciente prácticamente hasta el final. La combinación de thriller, humor negro y sátira social funciona y hace que las poco más de hora y media se pasen volando.

¿Es una obra maestra? No. Hay giros que nos parecen demasiado calculados y algunas de las ideas que plantea podrían haberse desarrollado mucho más. Pero tampoco necesita serlo para resultar interesante. Es de esas películas que terminan y te dejan pensando un rato en lo que acabas de ver... y quizá también en cuánto estarías dispuesto a pagar por una cena de 1.250 dólares.

Nuestra nota: 6/10.

Ficha técnica de El menú

Título original: The Menu

Año: 2022

Director: Mark Mylod

Duración: 107 minutos

Género: Thriller, Terror

El teléfono del señor Harrigan (2022), crítica y análisis

Para algunos, Stephen King es un genio literario marcado por etapas de excesos y polémicas; para otros, especialmente parte de la crítica más dura, poco más que un autor industrial, un generador de fast-books en cadena, casi como una gran franquicia de comida rápida. Sin embargo, para el gran público sigue siendo, sin discusión, el rey del terror y uno de los nombres más influyentes de

Lo que resulta indiscutible es que Stephen King, a lo largo de más de cinco décadas de carrera, ha perfeccionado una fórmula basada en la disciplina, la constancia y una pasión inquebrantable por la escritura. El resultado: una colección de bestsellers que no solo han dominado las librerías, sino que han encontrado una segunda vida en el cine y la televisión, convirtiéndose en algunas de las adaptaciones literarias más reconocibles del género.

Podríamos repasar grandes éxitos cinematográficos como "Carrie", "Misery", "Cadena perpetua" o "It", así como sonados tropiezos como "La Torre Oscura", "La cúpula" o "El cazador de sueños". Pero en esta ocasión vamos a centrarnos en una de sus adaptaciones más recientes: "El teléfono del señor Harrigan", basada en uno de sus relatos cortos y estrenada en la pequeña pantalla a finales de 2022.

"El teléfono del señor Harrigan" comienza situándonos en un presente relativamente cercano, en un pequeño pueblo de Maine, escenario habitual en el universo de Stephen King. Allí encontramos a Craig Poole (Jaeden Martell) observando un río desde lo alto de una roca, una imagen silenciosa y cargada de presagio que marca el tono del relato.

Desde ese punto, la narración retrocede mediante un flashback hasta el año 2003, cuando Craig es todavía un niño que asiste a misa tras la reciente muerte de su madre. Durante la ceremonia, el pequeño lee un pasaje de la Biblia, momento que sirve de punto de conexión con John Harrigan, un empresario jubilado y multimillonario interpretado por Donald Sutherland. Tras conversar con el padre de Craig, ambos acuerdan que el niño acudirá a casa de Harrigan tres veces por semana para leerle libros en voz alta.

Con el paso del tiempo, y pese al carácter reservado y aparentemente antisocial del anciano, entre Craig y el señor Harrigan se forja una relación tan peculiar como profunda, que pronto trasciende la simple lectura compartida. A lo largo de más de cinco años, la historia acompaña el crecimiento de Craig, que pasa de la infancia a la adolescencia y se ve obligado a adaptarse a una nueva etapa vital.

Su llegada al instituto supone enfrentarse tanto a nuevos métodos educativos, donde entabla una relación cercana con la señorita Hart, como a una realidad mucho más hostil: Kenny, el matón del centro, que encarna uno de los conflictos más terrenales y reconocibles del relato

Ese mismo año, coincidiendo con la Navidad, Craig resulta premiado con 3.000 dólares gracias al boleto de lotería que el señor Harrigan le envía puntualmente cada año. Con ese dinero, el joven decide corresponder a su anciano amigo con un regalo muy concreto: el mismo que acaba de recibir de su padre, un smartphone.

Craig regala un smartphone al Sr. Harrigan en la película El teléfono del Sr. Harrigan

La reacción inicial de Harrigan es de absoluto escepticismo. Hombre de costumbres firmes y mentalidad tradicional, se muestra reacio ante un objeto que considera innecesario y ajeno a su forma de entender el mundo. Sin embargo, su reflexión sobre el iPhone (el modelo que recibe) resulta tan lúcida como reveladora. Aun así, basta con que descubra que toda la información imaginable cabe en la palma de su mano para que termine aceptándolo, como probablemente haría cualquiera.

Pocos días después, el señor Harrigan fallece de manera repentina. Movido por un impulso emocional, Craig decide colocar el teléfono en el interior del traje del difunto, provocando que ambos sean enterrados juntos. A partir de ese momento, el relato da un giro inquietante.

Tras el funeral, Craig sufre una violenta agresión por parte de Kenny, el matón del instituto, de la que sale claramente perjudicado. Aún conmocionado, y casi sin pensarlo, toma su propio teléfono y envía un mensaje al número de Harrigan, una forma de desahogo más que una acción racional. A la mañana siguiente, Craig recibe una respuesta tan críptica como perturbadora… y poco después se descubre que Kenny ha aparecido muerto en su casa.

Preso del pánico, Craig decide deshacerse del teléfono, sustituyéndolo por otro y tratando de enterrar para siempre lo ocurrido. Sin embargo, el pasado vuelve a alcanzarlo años después, cuando ya se encuentra en la universidad.

La tragedia se repite con la muerte de la señora Hart, su antigua profesora del instituto, que fallece en un accidente de tráfico provocado por un conductor ebrio. Para mayor indignación de Craig, el responsable logra eludir cualquier tipo de castigo legal.

Dominado por la rabia y la impotencia, Craig comete el mismo error que creía haber dejado atrás: vuelve a llamar al número del señor Harrigan, deseando la muerte del conductor. Tiempo después, descubre que su deseo se ha cumplido, confirmando que la conexión con Harrigan (y con algo mucho más oscuro) sigue activa.

¿Cómo acaba "El teléfono del Sr. Harrigan"? Como es obvio nosotros lo sabemos, aunque, como ya os podéis imaginar, para nada os lo contaremos en este rincón.

No os vamos a engañar "El teléfono del señor Harrigan"nos ha sorprendido muy positivamente. Y no es algo menor, ya que en muchas adaptaciones de las obras de Stephen King se suele caer en la tentación de sobredimensionar el terror, añadiendo más elementos sobrenaturales, criaturas o fenómenos paranormales de los que el propio autor plantea en sus textos originales.

En este caso, la película opta por un enfoque mucho más contenido e inteligente, potenciando el componente humano de la historia. La crítica al uso obsesivo de los smartphones, el retrato del acoso escolar o la gestión del duelo y la culpa tienen tanto peso como la intriga sobrenatural, logrando un equilibrio notable entre emoción y misterio. El resultado es una adaptación que entiende que el verdadero terror, muchas veces, no está en lo inexplicable, sino en lo profundamente humano.

La historia de amistad entre un joven y un anciano millonario queda perfectamente reflejada en la película, mostrando además que va mucho más allá de la vida (aunque su vínculo sea un inverosímil teléfono móvil con el que fue enterrado el anciano).

Interpretativamente hablando, nos tenemos que centrar en el trabajo de los dos protagonistas de "El teléfono del sr Harrigan", el de Donald Sutherland dando vida al adinerado y misántropo John Harrigan, y el del joven Jaeden Martell quien interpreta a Craig en toda su etapa de crecimiento, tanto físico como personal, reflejando perfectamente dichas etapas. Para nosotros, en ambos casos, y vista la buena química entre ellos, creemos que hacen un trabajo más que notable.

En "El teléfono del señor Harrigan" nos encontramos ante una buena película a la que quizá le falte un punto de chispa para destacar por encima de otras adaptaciones de Stephen King. Aun así, funciona con solvencia como thriller, apoyada en buenas interpretaciones y en un conjunto de reflexiones interesantes que elevan el material por encima de lo convencional. Por todo ello, nuestra valoración final de "El teléfono del señor Harrigan" es de un 7 sobre 10.

“Mr. Harrigan’s phone” – 2022 – USA

Dirigida por: John Lee Hancock

Duración: 105 minutos

Género: Intriga, Thriller

Mi policía (2022) crítica y análisis

Nadie en su sano juicio puede negar que el tiempo avanza inexorable, y a veces con él, la sociedad también avanza, aunque esto resulta más cuestionable cuando uno se informa en los noticiarios serios o incluso, está al caso de los comentarios que abundan, y mucho, en las principales redes sociales.

A veces pensamos que, como sociedad, somos mucho más abiertos y respetuosos que antaño pero si estamos más atentos a lo que sucede a nuestro alrededor sin creernos el ombligo del mundo o poseedores de la verdad absoluta, podremos observar que aunque hemos avanzado, la violencia contra el más débil, el machismo y la homofobia latente continúa entre nosotros.

Con todo, no nos engañaremos, estamos mucho mejor en la mayoría de los casos de lo que estaban nuestros padres y abuelos a mediados del pasado siglo XX., cuando se ambienta la película que os vamos a comentar en este pequeño rincón.

Basada en la novela homónima de la escritora británica Bethan Roberts publicada en 2021, la película que os traemos hoy en este rincón explora el dolor de la represión, el deseo y las decisiones difíciles en un mundo donde ser auténtico es un riesgo. Os hablamos de : “Mi policía”.

“Mi policía” empieza situándonos a finales de la pasada década de los 90, donde nos encontramos con Tom Burgess postrado en una silla de ruedas dialogando con Marion, su esposa. El tema de conversación es Patrick, un viejo conocido de ambos al que parece que Tom no quiere ver y al parecer, no quiere ni oír hablar, aunque poco podrá hacer porque Marion le ha invitado a su casa.

Una vez presentados, la historia realiza un flashback hasta el Brighton de la década de 1950, allí nos encontramos con una joven y tímida maestra, Marion (interpretada por Emma Corrin) conociendo al hermano de su mejor amiga, el joven policía Tom (a quien da vida Harry Styles). Sin apenas darse cuenta, Marion cae irremediablemente enamorada de Tom.

Poco a poco, Tom y Marion van compartiendo más y más tiempo, aficiones y lecturas. Unos años más tarde, y durante una visita al Museo de Arte de la ciudad, Tom conoce a Patrick (interpretado por David Dawson), el conservador del museo, con quien entablará una relación de amistad mostrándole este el gusto por el arte.

Patrick, Tom y Marion en una escena de Mi Policía.

Los tres realizan una infinidad de actos juntos, desde visitar exposiciones, ir a cenas e incluso disfrutar de la ópera lo cual no tardará en levantar las primeras sospechas en la retrógrada y conservador sociedad británica de la época.

De buenas a primeras Marion no entiende los rumores, aunque cuando Patrick invita a Tom a un viaje a Venecia para acompañarle en calidad de ayudante en sus tareas de conservador de museo, empieza a sospechar la verdad, que no es otra que Tom y Patrick mantienen una relación sentimental paralela a la suya.

A la vuelta del viaje, ambos hombres son detenidos y acusados de desorden público por homosexualidad. En el juicio que son sometidos y al que Marion acude en defensa de Tom y de su también a amigo Patrick, tiene que escuchar lo escrito en el diario del conservador en el que este se refiere a Tom como “Mi policía”.

¿Qué es de su relación a partir de ese momento? ¿Volverán a hablarse o a verse en los 90 ambos hombres? Como es evidente, nosotros sabemos la respuesta estas y a otras preguntas pero, obviamente nos las guardaremos.

Técnicamente, “Mi policía” tiene uno de sus puntos fuertes en la ambientación y en el ritmo narrativo de la historia que nos cuenta, un ritmo lento, constante y sin precipitaciones, ideal para desarrollar plenamente las relaciones que unen a Tom, Patrick y Marion, mostrándonos sus caracteres y los puntos principales de su personalidad, lo cual nos permite entender en todo momento cómo y porqué actúan como lo hacen.

Desde el punto de vista argumental, nos gustaría remarcar como una historia ya vista en varias ocasiones en el cine o en televisión, continúa enganchándonos en “Mi policía”. Esto lo consigue con el más que acertado retrato de la conservadora sociedad británica frente conductas personales de parte de sus miembros (pertenecientes al colectivo LGTBI) al considerarlos aberrantes o enfermizos.

El punto, quizá, más débil de “Mi policía” es la falta de sorpresas en el desarrollo de la historia ya que, cuando se confirma la relación amorosa entre Tom y Patrick, uno ya sabe, aunque intentan camuflarlo, el lazo con la historia de finales de los 90 y el desenlace final.

Interpretativamente hablando queremos aplaudir y mucho, el trabajo del trío protagonista, Emma Corrin, Harry Styles y David Dawson ya que todos ellos consiguen transmitirnos totalmente su lucha contra los prejuicios, la homofobia y en favor del amor.

Por todo lo que os hemos contado, nuestra nota final para “Mi policía” es de un 7 sobre 10.

“My Policeman” – 2022 – Reino Unido

Dirigida por: Michael Grandage

Duración: 113 minutos

Género: Drama, romántica, LGTBI

Close (2022), un drama conmovedor sobre la amistad

Cada vez resulta más complicado encontrar directores capaces de apostar por historias humanas, sensibles y emocionalmente honestas. Películas que hablen de situaciones tan reales como dolorosas, invitándonos a reflexionar sin caer en el sensacionalismo ni en el drama fácil. En ese terreno, el cineasta belga Lukas Dhont ha demostrado tener una sensibilidad especial.

Tras sorprender al mundo con “Girl” (2018), una película centrada en la disforia de género durante la adolescencia, Dhont volvió en 2022 con Close, un drama intimista que explora la amistad masculina, la presión social, la identidad y el duelo emocional desde una mirada profundamente delicada.

¿De qué trata “Close”?

Close nos traslada a la campiña belga para presentarnos a Léo (Eden Dambrine) y Rémi (Gustav De Waele), dos chicos de trece años que mantienen una amistad extremadamente cercana. Pasan todo el tiempo juntos: juegan, ríen, duermen en casa el uno del otro y comparten una conexión emocional muy poco habitual a su edad.

Mientras Léo es más sociable y extrovertido, Rémi destaca por su sensibilidad y su pasión por la música y el oboe. La madre de Rémi, Sophie, trata a Léo como si fuera un hijo más, reforzando todavía más el vínculo entre ambos adolescentes.

Sin embargo, todo cambia con la llegada al instituto. Los comentarios y burlas de sus nuevos compañeros empiezan a incomodar a Léo, quien comienza a sentirse presionado por las normas sociales y los prejuicios relacionados con la masculinidad y la cercanía emocional entre chicos.

La presión social y la ruptura de una amistad

Para evitar rumores y encajar con el resto de compañeros, Léo empieza a distanciarse de Rémi. Evita el contacto físico, reduce el tiempo que pasan juntos e incluso se apunta al equipo de hockey sobre hielo intentando integrarse en otro grupo social.

Ese alejamiento termina destruyendo la relación entre ambos amigos. Poco después, Léo descubre que Rémi se ha suicidado, un acontecimiento devastador que cambia completamente el tono de la película.

A partir de ese momento, Close se convierte en un retrato emocional del duelo, la culpa y la incapacidad de expresar los sentimientos. Léo intenta continuar con su vida mientras carga con el peso emocional de haber rechazado a su mejor amigo.

Una película sobre la adolescencia, el duelo y la identidad

Una de las grandes virtudes de Close es la enorme sensibilidad con la que aborda temas complejos como:

• La amistad masculina en la adolescencia
• La presión social y los roles de género
• La identidad emocional
• El suicidio juvenil
• El sentimiento de culpa
• El duelo tras la pérdida de un ser querido

Todo ello sin recurrir al amarillismo ni manipular emocionalmente al espectador. Lukas Dhont apuesta por la sutileza, los silencios y las emociones contenidas, logrando que cada escena resulte profundamente humana.

Sophie con Léo y Rémi

Las interpretaciones: uno de los grandes puntos fuertes de “Close”

El trabajo de los jóvenes actores es sencillamente extraordinario. Eden Dambrine ofrece una interpretación muy madura y conmovedora como Léo, transmitiendo perfectamente la culpa, la tristeza y la confusión emocional del personaje.

Por su parte, Gustav De Waele consigue construir un Rémi sensible, vulnerable y lleno de ternura. La química entre ambos protagonistas es clave para que la película funcione emocionalmente desde el primer minuto.

También merece una mención especial Émilie Dequenne en el papel de Sophie, la madre de Rémi, quien aporta algunos de los momentos más dolorosos e intensos de la película. 

Opinión final de Close

Close es una de esas películas que dejan huella. Un drama intimista, doloroso y tremendamente humano que reflexiona sobre cómo la presión social puede afectar incluso a los vínculos más puros y sinceros.

Con una dirección elegante, actuaciones brillantes y una narrativa cargada de sensibilidad, Lukas Dhont confirma que es uno de los cineastas europeos más interesantes de su generación.

Si buscas una película emocional, profunda y con un mensaje poderoso sobre la adolescencia y la amistad, Close es una obra imprescindible.

Nota final: 9/10

Ficha técnica de Close

Título original: Close

Año: 2022

Director: Lukas Dhont

Duración: 104 minutos

Género: Adolescencia, Amistad, Drama

El peor vecino del mundo (2022): crítica y análisis de la película con Tom Hanks

Superar la muerte de un ser querido es una de las situaciones más duras a la cual nos deben enfrentar (y la película que os proponemos hoy, A Man Called Otto, estrenada en España como “El peor vecino del mundo” nos cuenta precisamente esto), sí o sí, los seres humanos ya que, en algún momento de nuestra vida nos tenemos que separar de un padre, una madre, una pareja o incluso, en el peor de los casos, de un hijo o hija. 

Con conocimiento de causa, os podemos decir que, es una situación a la que uno, nunca está preparado, por mucho que hayamos leído sobre el tema.

Las consecuencias de vivir esta situación pueden ser múltiples, desde sufrir reacciones mentales como ansiedad, tristeza, desesperación o sentir culpabilidad, hasta tener reacciones físicas tan diversas como la imposibilidad de dormir, de comer o incluso sufrir cambios físicos.

Por suerte, pocas cosas en esta vida son definitivas y estas reacciones tampoco lo son ya que, forman parte de lo que los psicólogos llaman, las fases del duelo.

Hoy en este rincón os queremos hablar de una película que nos ha sorprendido porque aborda, con mucho respeto y cierto sentido del humor, la superación de esta fase del duelo por la pérdida de un ser querido. Basada en la novela del autor sueco Fredrik Backman publicada en 2012 y titulada “Un hombre llamado Ove”, en 2022 se estrenó el drama con toques de comedia “El peor vecino del mundo”.

Sinopsis de El peor vecino del mundo

“El peor vecino del mundo” empieza presentándonos a Otto Anderson (a quien da vida Tom Hanks), un hombre gris que vive en una urbanización de casas adosadas en las afueras de Pittsburg. Para Otto todo debe funcionar de una única forma, respetando todas y cada una de las normas.

Otto lleva seis meses viudo tras perder a su mujer Sonya víctima de un cáncer y para colmo, un día, al llegar a su trabajo en una empresa metalúrgica, descubre que le han jubilado sin darle ninguna otra opción.

A partir de este momento la vida de Otto se centra en controlar todo lo que sucede en su vecindario y contradice alguna norma y, sobre todo, en planificar su muerte para poder reunirse por fin, con su difunta esposa.

Un día, tras hacerse con todo lo necesario para construirse una soga con la que ahorcarse es interrumpido por la llegada al vecindario de una nueva familia compuesta por Marisol (a quien da vida la mexicana Mariana Treviño) una mujer embarazada de origen mexicano, Tommy su marido y las dos hijas de ambos. Después que Otto les ayuda a regañadientes, Marisol intentará, a toda costa, hacerse con amiga suya.

Tras fracasar su intento de suicidarse con la soga, Otto va al cementerio a visitar a Sonya y, mediante un flashback nos cuentan como se conocieron, tras el intento de alistarse al ejercito de un joven Otto cuando, tiene que volver a casa, tras ser rechazado por padecer de una enfermedad coronaria.

Tras una nueva ayuda a Marisol y a su vecina Anita, Otto intenta quitarse la vida inhalando monóxido de carbono, pero nuevamente Marisol le interrumpe pidiéndole que le lleve al hospital porque Tommy, su marido se ha roto una pierna.

Tom Hanks interpreta a Otto en El peor vecino del mundo (A Man Called Otto).

Tras un altercado en el hospital y un nuevo intento fallido de suicidio, Otto conoce a Malcolm el chico transgénero que reparte publicidad quien, tras un enfrentamiento le dice que le conoce, que es el marido de Sonya, la única profesora que le apoyó en el instituto.

A partir de este momento, las cosas se precipitan entre flashbacks que nos cuentan el pasado en común de Otto con Sonya y lo que han tenido que pasar, y todo entre ayudas y favores de Otto a sus vecinos, entre lo que hay, enseñar a conducir a Marisol, hacerse amigo de Malcolm, y sobre todo, el descubrimiento del mal uso de datos médicos de los vecinos por parte de un promotor inmobiliario para conseguir echar a los vecinos.

Crítica de la película

Argumentalmente no os diremos que “El peor vecino del mundo” sea una gran película con una trama 100% original ya que, hemos visto en varias ocasiones relatos y películas que nos presentan personajes ciertamente antipáticos que, en base a varias vivencias van adaptándose y viendo que la vida merece la pena.

Aquí, en “El peor vecino del mundo” tenemos un par de puntos que la hacen distinta al resto, uno de ellos el enfoque que se le da técnicamente a la película, con una mezcla equilibrada entre la vida triste y oscura de Otto y la luminosidad y optimismo que le aportan Marisol y sus vecinos, y la otra, el correcto funcionamiento de los flashbacks para contarnos, no solo la historia de Otto con Sonya si no también, los motivos de su triste existencia.

Tom Hanks como Otto

Interpretativamente hablando, nos quitamos el sombrero, no solo ante el trabajo de Tom Hanks si no también el de Mariana Treviño, ambos están realmente brillantes consiguiendo que sus personajes encajen perfectamente aunque sean polos opuestos. Quizá Hanks no esté en el mejor papel de su vida, pero sí que nos ha dado un registro complejo y muy diferente al que nos tiene acostumbrados.

Opinión y nota final

Por todo lo que os hemos contado, esta comedia familiar con toques de drama titulada “El peor vecino del mundo” tiene para nosotros, una nota final de un 7.5 sobre 10.

Ficha técnica de El peor vecino del mundo

Título original: A man called Otto

Año: 2022

Director: Marc Forster

Duración: 126 minutos

Género: Comedia, Drama

Granizo (2022), crítica y análisis

Crítica de Granizo (2022): el precio de equivocarse cuando todos confían en ti

Hablar del tiempo es uno de esos recursos universales cuando no hay conversación. Ya sea con un vecino o un conocido, el clima siempre funciona: es neutral, cotidiano y evita conflictos.

Además, hoy en día prácticamente todos consultamos aplicaciones meteorológicas antes de tomar decisiones: desde qué ropa ponernos hasta organizar un viaje o una escapada de fin de semana.

Pero hay algo importante que muchos olvidan: las predicciones meteorológicas no son certezas, sino probabilidades. Y ese pequeño margen de error es precisamente el punto de partida de Granizo (2022), película argentina disponible en Netflix.

Sinopsis de Granizo

Granizo nos presenta a Miguel Flores (Guillermo Francella), un famoso meteorólogo conocido como “el infalible” por no haber fallado nunca una predicción.

Su éxito es tal que está a punto de lanzar su propio programa de televisión. La gente confía plenamente en él, hasta el punto de organizar su vida en función de sus pronósticos.

Pero todo cambia cuando anuncia una noche tranquila… y una inesperada granizada golpea Buenos Aires.

De la noche a la mañana, su prestigio desaparece, el cariño del público se convierte en rechazo y pierde su lugar en televisión.

Un viaje personal

Tras el desastre, Miguel decide alejarse y viajar a Córdoba, donde vive su hija, con la que mantiene una relación distante.

Miguel, observando sorprendido la granizada

Este viaje no solo es una huida, sino también una oportunidad para reconectar emocionalmente y replantearse su vida.

Allí conocerá a una persona capaz de predecir el tiempo sin tecnología, lo que le hará cuestionarse todo lo que creía saber.

Opinión: una mezcla irregular con momentos interesantes 

A nivel técnico y narrativo, Granizo funciona como una mezcla de temas:

• La obsesión por la precisión
• La crítica a la dependencia tecnológica
• El ego y la caída personal
• Las relaciones familiares
• El “renacimiento” del protagonista

El problema es que la película intenta abarcar demasiado, lo que provoca cierta falta de cohesión.

La historia principal gana fuerza tras el error de Miguel, pero luego se diluye en varias subtramas que no siempre aportan lo suficiente. El resultado es un desarrollo irregular y un final algo precipitado.

Eso sí, el humor (ligero pero constante) consigue mantener el interés y arrancar más de una sonrisa.

Interpretación de Guillermo Francella

Uno de los puntos más destacados de Granizo es la actuación de Guillermo Francella.

Su interpretación transmite bien la evolución del personaje:

• Seguridad inicial
• Caída pública
• Vulnerabilidad personal
• Búsqueda de redención

A pesar de algunas críticas recibidas, su trabajo resulta convincente y, probablemente, lo mejor de la película.

Valoración final de Granizo (2022)

Granizo es una película entretenida que combina comedia y drama con una idea interesante, aunque no siempre bien desarrollada.

Tiene momentos sólidos, un protagonista destacable y una premisa atractiva, pero falla en la cohesión narrativa.

Nota final: 6/10

Ficha técnica de Granizo

Título original: Granizo

Año: 2022

Director: Marcos Carnevale

Duración: 118 minutos

Género: Comedia, drama

Lightyear (2022), análisis y crítica

Hay películas que se planifican y definen desde el momento cero como polémicas (“Holocausto Caníbal”, “La naranja mecánica”, “La última tentación de Cristo”, etc.) y hay otras que, se van granjeando la etiqueta de polémicas poco a poco, y en esto os tenemos que asumir que la gente del gigante Disney, tienen un Master.

Después de muchos estrenos de Pixar a través de la plataforma de streaming “Disney +” (entre los que encontramos “Soul”, “Luca”, “Red”), cuando le llegó el momento de su segundo gran estreno de 2022, desde la matriz Disney muy pronto se apresuraron a anunciar a bombo y platillo que, esta vez se estrenaría directamente en las salas de cine, con la excusa de, ya que no era un original, el éxito estaba asegurado.

Y así fue, aunque ya os avanzamos que, no tuvo la acogida que todos esperaban, aunque lo que sí tuvo fue una nueva polémica, en esta ocasión lanzada desde grupos ultra (religiosos de múltiples confesiones, homófobos, integristas, gobiernos autoritarios, retrógrados, etc.) por una secuencia de escasos segundos, en la que, dos mujeres se daban un beso. Ya veis hasta donde llegamos como sociedad.

Por si aún no lo sabéis, obviamente os estamos hablando de la película “Lightyear”, el spin off de “Toy Story” protagonizado por Buzz Lightyear, en esta ocasión sin Andy y sin su inseparable Woody.

Sinopsis de Lightyear

En esta ocasión “Lightyear” empieza ubicándonos en un mundo alternativo al nuestro ya que, como bien nos indican, vamos a ver la película por la cual Buzz Lightyear se hizo famoso y todos los niños, incluido Andy querían tenerlo en 1995.

A bordo de la nave espacial Nabo, preparada para la colonización nos encontramos con el guardián espacial Buzz Lightyear y su amiga y oficial al mando Alisha Hawtorne quienes deciden aterrizar y explorar un planeta para determinar sus condiciones de habitabilidad. Muy pronto, se dan cuanta que dicho planeta está plagado de vidas hostiles.

Huyendo del planeta, la nave espacial Nabo sufre un accidente que le provoca un daño casi irreparable en el motor, la rotura y pérdida del combustible hiperespacial lo que acaba provocando un aterrizaje forzoso en el planeta y la evacuación de toda la tripulación (dormida en híper sueño) para iniciar el proceso de reparación de la nave.

Un año más tarde, y con una colonia naciente, Buzz se presenta voluntario para probar los primeros combustibles que han conseguido sintetizar, lo que no calcula es que, con dicha prueba (fallida, además) de cuatro minutos, en el planeta han pasado cuatro años. A su vuelta, Alisha le regala a Buzz a Sox, un gato robótico. A partir de aquí, Buzz realiza varias pruebas sumando para los habitantes del planeta, más de 60 años y provocando que, después de uno de los viajes Alisha haya muerto de anciana.

Cuando el programa de conseguir un nuevo combustible está a punto de ser cancelado, Sox le da la solución a Buzz, quien obviamente la prueba, aunque en esta ocasión, en vida planetaria han pasado 22 años, durante los cuales el planeta ha sido invadido y atacado por unos extraños y violentos robots capitaneados por Zurg.

Buzz Lightyear y Alisha

A partir de este momento, Buzz y un pequeño y variopinto grupo de luchadores resistentes, Izzy Hawthorne (la nieta de Alisha), Mo Morrison (ingenuo como un niño) y Darby Steel (una anciana en libertad condicional), inician una lucha desigual para intentar vencer a Zurg, aunque no les será tan fácil ya que, al final descubren quien es Zurg, aunque eso, como ya os podéis imaginar, nos lo guardaremos celosamente.

Crítica de Lightyear

Técnicamente, no os vamos a engañar “Lightyear” está lejos de lo que un seguidor de Pixar espera de dicha productora ya que nos tiene, o quizá deberíamos decir, nos tenía acostumbrados a películas de animación con un fondo muy adulto, con grandes tramas en la que pensar en la amistad (“Toy Story”), la muerte (“Coco”), la vida y sus ilusiones (“UP”), etc.

Simplemente, parece que últimamente Pixar ha optado para enfocarse a un perfil de público mucho más infantil, aunque eso sí, sin olvidarse nunca una técnica de lo más avanzada y exquisita. En este punto, un nuevo 10 para ellos.

Argumentalmente esta “Lightyear” es una película más plana que el resto de los trabajos de Pixar, intenta jugar con el tiempo y, por momentos con las paradojas temporales, pero se queda un poco cojo en este punto ya que, una vez perdida a su amiga Alisha, la acción de Lightyear se convierte en únicamente una lucha.

Opinión y nota final

Con todo, no os diremos que “Lightyear” sea una película mala, que no lo es para nada, simplemente os diremos que, “Lightyear” es una cinta de entretenimiento con la que, sin aspavientos podemos pasar más de hora y media sin aburrirnos y sin pensar demasiado, lo cual, a veces, se agradece.

Por todo lo que os hemos contado, nuestra nota para “Lightyear” es de un 6 sobe 10.

Ficha técnica de Lightyear

Título original: Lightyear

Año: 2022

Director: Angus MacLane

Duración: 100 minutos

Género: Animación

Sin novedad en el frente (2022), una de las mejores películas bélicas de los últimos años

Las películas de guerra forman parte de la historia del cine desde prácticamente sus inicios. A lo largo de más de un siglo hemos visto cientos de producciones ambientadas en conflictos como la Segunda Guerra Mundial, la Guerra de Vietnam o la Guerra Civil Española. Sin embargo, más allá de la acción y la espectacularidad de las batallas, las mejores películas bélicas son aquellas capaces de mostrar el lado más humano de la guerra.

Ese es precisamente el caso de Sin novedad en el frente, una producción alemana estrenada en 2022 que adapta la célebre novela homónima de Erich Maria Remarque publicada en 1929. Se trata de una película profundamente antibelicista que refleja con crudeza el horror de la Primera Guerra Mundial y el sinsentido de los conflictos armados.

Sinopsis de Sin novedad en el frente

La historia nos traslada al verano de 1916, en plena Primera Guerra Mundial. Allí conocemos a cuatro jóvenes alemanes: Albert, Müller, Tjaden y Paul Bäumer (interpretado por Felix Kammerer), un chico de apenas 17 años que, junto a sus amigos, decide abandonar los estudios para alistarse voluntariamente en el ejército alemán.

Movidos por el patriotismo, el entusiasmo juvenil y la promesa de servir a su país, los cuatro jóvenes creen que la guerra será una experiencia heroica. Sin embargo, la realidad que encuentran es muy distinta. Apenas reciben formación antes de ser enviados directamente al frente occidental, donde las trincheras del norte de Francia se convierten en un auténtico infierno.

Allí descubren la brutalidad de la guerra, la constante amenaza de la muerte y la indiferencia de unos mandos militares que envían a miles de jóvenes a combatir sin apenas información ni posibilidades reales de supervivencia.

Durante uno de los primeros enfrentamientos, Paul conoce a Stanislaus Katczinsky, conocido simplemente como Kat, un veterano soldado que se convertirá en su principal apoyo dentro del frente. Entre ambos surge una amistad que irá fortaleciéndose a medida que sobreviven a bombardeos, ataques y pérdidas constantes.

De forma paralela, la película nos muestra las negociaciones diplomáticas que buscan poner fin al conflicto. Allí aparece Matthias Erzberger, interpretado por Daniel Brühl, un político alemán decidido a conseguir un armisticio que evite seguir sacrificando vidas jóvenes en una guerra ya perdida.

Mientras las conversaciones de paz avanzan, algunos altos mandos militares se resisten a aceptar la derrota y continúan enviando soldados al combate hasta el último momento, provocando nuevas tragedias innecesarias.

Y hasta aquí, como siempre, es lo que os podemos contar del argumento de Sin novedad en el frente sin entrar en spoilers importantes.

Kat y Paul, los dos protagonistas de Sin novedad en el frente.

Crítica de Sin novedad en el frente

Sin novedad en el frentees mucho más que una película de guerra. Es un poderoso alegato contra la violencia y una reflexión sobre el coste humano de los conflictos armados.

Uno de sus mayores aciertos es el contraste entre la ilusión inicial de los jóvenes reclutas y la realidad devastadora que encuentran en el frente. La película muestra cómo aquellos muchachos llenos de patriotismo y esperanza terminan enfrentándose al miedo, la desesperación y la muerte.

El montaje consigue transmitir con enorme eficacia el sinsentido de la guerra. A lo largo de sus más de dos horas de duración asistimos a escenas extremadamente duras donde miles de jóvenes son sacrificados por decisiones tomadas lejos del campo de batalla.

Especialmente impactantes resultan las secuencias de combate en las trincheras, filmadas con un realismo extraordinario. Explosiones, fuego, barro, sangre y destrucción se combinan para crear una experiencia tan absorbente como angustiosa.

También merece una mención especial su fotografía. Los paisajes devastados y los rostros cubiertos de barro y sangre consiguen transmitir al espectador la sensación constante de miedo e incertidumbre que viven los soldados en primera línea.

Personajes e interpretaciones

En el apartado interpretativo destaca especialmente Felix Kammerer en el papel de Paul Bäumer. El joven actor sostiene gran parte del peso emocional de la película y logra reflejar de forma brillante la evolución de su personaje.

A través de su mirada observamos cómo desaparece la inocencia inicial para dar paso al horror, la frustración y el cansancio provocados por una guerra interminable.

También sobresalen las interpretaciones de Albrecht Schuch como Kat y Daniel Brühl como Matthias Erzberger, aportando profundidad y credibilidad a una historia cargada de dramatismo.

Opinión y nota final

Pocas películas recientes han conseguido reflejar con tanta fuerza el horror de la guerra como Sin novedad en el frente. Su extraordinaria puesta en escena, la calidad de sus interpretaciones y su contundente mensaje antibelicista la convierten en una de las mejores películas bélicas de los últimos años.

Si te gustan las historias ambientadas en la Primera Guerra Mundial o buscas una película que vaya más allá de la acción para explorar las consecuencias humanas de los conflictos armados, esta producción alemana es una apuesta imprescindible.

Nota final: 8,5/10.

Ficha técnica de Sin novedad en el frente

Título original: Im Westen nichts Neues

Año: 2022

Director: Edward Berger

Duración: 147 minutos

Género: Drama, Acción, Bélico