El hombre menguante: un remake que se atreve a crecer a su manera

El hombre menguante regresa a la gran pantalla en forma de remake, demostrando que Hollywood y el cine europeo siguen encontrando inspiración en los grandes clásicos. Entre secuelas, precuelas y nuevas versiones, Jan Kounen recupera la mítica película de 1957 para ofrecer una reinterpretación más íntima y contemporánea.

Después de ver El hombre menguante, no pudimos evitar hacernos una pregunta: ¿tiene sentido rehacer un clásico cuando lo que realmente cambia no es la historia, sino la forma en que miramos a su protagonista?

Es una cuestión que acompaña a casi cualquier remake, aunque no siempre encuentra una respuesta convincente. En este caso, creemos que sí. Jan Kounen no se limita a trasladar la película de 1957 a la actualidad con mejores efectos visuales, sino que apuesta por una mirada más íntima, emocional y contemporánea. El resultado es una obra que respeta el espíritu del clásico mientras aporta nuevos matices a una historia que, casi setenta años después, sigue teniendo mucho que decir.

Sinopsis de “El hombre menguante”

Scott lleva una vida completamente normal hasta que un extraño fenómeno mientras nada en el mar cambia su existencia para siempre. Sin previo aviso, su cuerpo comienza a encogerse de manera imparable y, por mucho que la ciencia intente encontrar una explicación, cada día se despierta siendo un poco más pequeño. Lo que al principio parece una simple anomalía acaba convirtiéndose en una lucha desesperada por sobrevivir.

A medida que pierde tamaño, El hombre menguante transforma los objetos más cotidianos en auténticos desafíos. Una escalera se convierte en una montaña, una mascota deja de ser inofensiva y cualquier rincón de la casa puede esconder un peligro mortal. Jan Kounen aprovecha esta premisa para construir una aventura de ciencia ficción tan espectacular como angustiosa, donde la supervivencia depende tanto del ingenio como del valor.

Pero esta nueva versión va más allá del espectáculo visual y los efectos especiales. Bajo su historia de ciencia ficción se esconde una reflexión sobre la identidad, la fragilidad humana y el miedo a desaparecer en un mundo que sigue creciendo mientras su protagonista se hace cada vez más pequeño. Una propuesta que combina tensión, emoción y un inevitable homenaje al clásico de 1957.

Crítica de “El hombre menguante”

Con una premisa tan conocida como la de El hombre menguante, el mayor riesgo era quedarse en un simple ejercicio de nostalgia. Afortunadamente, Jan Kounen entiende que un remake no debería limitarse a repetir lo que ya funcionó hace casi setenta años.

En lugar de competir con el clásico de 1957, el director opta por recorrer un camino diferente. Su propuesta es más íntima, más emocional y menos preocupada por el espectáculo puro, una decisión arriesgada que puede no convencer a todo el mundo, pero que dota a El hombre menguante de una personalidad propia en lugar de convertirla en una copia del clásico.

Uno de los grandes aciertos de la película es su capacidad para transformar lo cotidiano en una amenaza constante. Una habitación deja de ser un refugio, una mascota puede convertirse en un depredador y cualquier objeto acaba representando un desafío de supervivencia. Y es ahí donde la película demuestra todo su ingenio.

En El hombre menguante, hasta un gato doméstico puede convertirse en una amenaza mortal.

Y para que esa propuesta funcione hacía falta un protagonista capaz de sostenerla. Jean Dujardin asume ese reto con naturalidad, dando vida a un Scott vulnerable, cercano y creíble.

Personajes e interpretaciones

Si hay alguien sobre quien recae el peso de El hombre menguante, ese es Jean Dujardin. El actor francés ofrece una interpretación contenida, pero cargada de matices, transmitiendo con enorme naturalidad la angustia, la incertidumbre y la soledad de un hombre que ve cómo el mundo se hace cada vez más grande mientras él desaparece poco a poco.

No era un papel sencillo. Gran parte del metraje depende de su capacidad para conectar con el espectador sin recurrir a grandes discursos ni excesos dramáticos, y Dujardin supera el reto con nota. Consigue que empaticemos con Scott desde el primer momento y convierte un personaje extraordinario en alguien sorprendentemente cercano y humano.

Opinión

Una de las cosas que más nos ha gustado de esta nueva versión de El hombre menguante es que Jan Kounen nunca intenta competir con el clásico de 1957. En lugar de copiar sus escenas más icónicas o apoyarse únicamente en la nostalgia, el director decide contar la misma historia desde una perspectiva más íntima, más humana y mucho más emocional.

Esta vez, hacerse pequeño no es solo una cuestión física. Es una forma de hablar de la fragilidad, del miedo a quedarse atrás y de la sensación de perder el lugar que uno ocupa en el mundo. Los efectos visuales están al servicio de esa idea y no al revés, permitiendo que el verdadero protagonista sea el viaje emocional de Scott.

Quizá no tenga el espíritu aventurero de la película original, y eso puede decepcionar a quienes esperaban un remake más fiel. Sin embargo, precisamente ahí encontramos su mayor acierto: El hombre menguante no pretende sustituir al clásico, sino demostrar que una buena historia también puede crecer cuando se atreve a cambiar de enfoque. Y eso, en una época en la que tantos remakes viven de mirar al retrovisor, nos parece una decisión tan valiente como acertada.

¿Merece la pena ver El hombre menguante?

Después de todo lo que hemos contado, la respuesta es sencilla: sí, merece la pena ver El hombre menguante, siempre que no esperes una copia del clásico de 1957. Jan Kounen entiende que un remake no tiene por qué competir con el original, sino ofrecer una nueva forma de acercarse a la historia.

Su propuesta apuesta por la emoción antes que por el espectáculo, convirtiendo el proceso de hacerse pequeño en una reflexión sobre la fragilidad, el aislamiento y el miedo a dejar de importar. Puede que su ritmo pausado no convenza a todo el mundo, pero precisamente esa personalidad propia es la que consigue que esta nueva versión justifique su existencia.

Quizá no sea más grande que el clásico, pero sí lo bastante valiente como para no vivir a su sombra.

Nota final: 7 /10.

Ficha técnica de El hombre menguante

Título original: L’homme qui rétrécit

Año: 2025

Director: Jan Kounen

Duración: 99 minutos

Género: Ciencia ficción, Drama, Fantástico

Young Hearts (2024): una película íntima y honesta sobre el primer amor

Young Hearts, dirigida por Anthony Schatteman, es una de las películas más sensibles de los últimos años sobre el primer amor, el descubrimiento de la identidad y el miedo a no ser aceptado.

Hay momentos en la vida en los que todo cambia sin que sepamos exactamente por qué. El descubrimiento del amor y de la propia identidad suele llegar acompañado de preguntas para las que nadie nos ha preparado: ¿es normal lo que siento?, ¿qué pensarán los demás?, ¿y si me rechazan?.

La película nos recuerda que descubrir nuestra orientación sexual o enamorarnos por primera vez no debería ser un camino marcado por la culpa o la incertidumbre, sino una experiencia que merece vivirse con libertad, comprensión y cariño. 

Sin embargo, Young Hearts también refleja una realidad que muchas personas conocen bien: el conflicto no siempre nace de lo que sentimos, sino del temor a cómo reaccionará el entorno.

Sinopsis de Young Hearts

Young Hearts nos cuenta la historia de Elias, un chico de 14 años cuya vida cambia cuando conoce a Alexander, un nuevo vecino de su misma edad. Lo que comienza como una amistad espontánea y llena de complicidad va despertando en Elias sentimientos que nunca había experimentado, ni con la chica con la que, oficialmente, sale, obligándole a enfrentarse a preguntas sobre su identidad y el amor.

A medida que la relación entre ambos se estrecha, Elias tendrá que lidiar con las dudas, los miedos y la presión de las expectativas sociales y familiares, mientras descubre que el primer amor puede ser tan emocionante como desconcertante.

Crítica de Young Hearts

La dirección del belga Anthony Schatteman apuesta por una puesta en escena íntima, casi pudorosa, que convierte cada gesto en un pequeño acontecimiento emocional. Su mirada es cercana pero nunca invasiva: los planos cortos, la fotografía luminosa y delicada crea un entorno donde la vulnerabilidad de los personajes es casi palpable.

Esta contención formal funciona especialmente bien en un relato sobre el despertar emocional y la identidad. El director entiende que el primer amor no necesita artificios para ser intenso: basta con observar cómo un adolescente mira al otro durante un segundo más de lo habitual. Young Hearts destaca por su honestidad emocional, una cualidad que no abunda en el cine juvenil actual, a menudo más preocupado por la espectacularidad que por la verdad.

Como aspecto menos logrado, el desarrollo de algunos conflictos e historias de personajes secundarios resultan algo superficiales, quizá podrían haberse explorado con mayor profundidad para aportar más fuerza al conjunto.

Personajes e interpretaciones

Uno de los puntos más fuertes de Young Hearts son sus interpretaciones. Marius De Saeger (Alexander) y Lou Goossens (Elias) construyen personajes llenos de matices, alejados de cualquier caricatura adolescente. Su trabajo se sostiene en la naturalidad, una cualidad que no se puede fingir: cada mirada, cada silencio, cada gesto torpe o espontáneo tiene un peso especial y contribuye a que la relación entre ambos se sienta auténtica.

Goossens, en particular, ofrece una interpretación que equilibra la confusión, la ternura y el miedo con una precisión sorprendente para su edad. De Saeger, por su parte, aporta una presencia serena que contrasta y complementa la inquietud de Elias. La química entre ambos es el motor emocional de la película; sin ella, el relato perdería gran parte de su fuerza.

Opinión 

Young Hearts es una obra pequeña en apariencia, pero grande en sensibilidad. Su apuesta por la intimidad, la contención y la verdad emocional la convierte en una película necesaria dentro de su género. No busca impactar, sino acompañar; no pretende aleccionar, sino mostrar. Y lo hace con una delicadeza que se queda en la memoria.

Una película honesta, luminosa y profundamente humana.

¿Merece la pena ver Young Hearts?

Sí. Young Hearts es una película que emociona por su honestidad y su sensibilidad. Más allá de contar una historia sobre el despertar de la orientación sexual, habla del vértigo del primer amor, del miedo al rechazo y de la importancia de aceptarse a uno mismo. Es una propuesta íntima, luminosa y profundamente humana que consigue permanecer en la memoria mucho después de que terminen los créditos.

Nota final: 8 /10.

Ficha técnica de Young Hearts

Título original: Young Hearts

Año: 2024

Director: Anthony Schatteman

Duración: 100 minutos

Género: Drama, LGTBI

La cena (2025): una reflexión sobre la memoria histórica y la dictadura franquista

La película La cena de 2025 nos hace reflexionar sobre cómo las decisiones de las personas pueden verse condicionadas por el miedo, el poder y las circunstancias históricas. A través de una situación aparentemente sencilla, como la preparación de un banquete, la película muestra las dificultades que vivían muchas personas durante la dictadura franquista.

La cena nos invita a pensar en la importancia de actuar con dignidad y de mantener nuestros valores personales, incluso cuando hacerlo puede tener consecuencias personales.

Además, la película destaca el valor de la memoria histórica y la necesidad de conocer el pasado para comprender el presente. Nos recuerda que la libertad, la justicia y los derechos humanos no deben darse por sentados, ya que muchas personas tuvieron que sufrir y sacrificarse para que hoy podamos disfrutarlos.

Sinopsis de La cena

La cena está ambientada en los años posteriores a la Guerra Civil española, durante la dictadura franquista. La historia gira en torno a la preparación de un importante banquete organizado para recibir a Franco a cargo de un grupo de presos republicanos, un acontecimiento que pone en marcha una serie de situaciones llenas de tensión y conflictos entre los personajes.

A medida que avanza la trama, la película muestra cómo el miedo, la represión y las diferencias sociales condicionan la vida de quienes participan en la organización de la cena. Cada personaje debe enfrentarse a decisiones difíciles, intentando proteger a sus seres queridos sin renunciar por completo a sus principios y valores.

Más que contar la historia de un simple banquete, La cena retrata la realidad de una época marcada por el control, el silencio y la falta de libertad.

Crítica de La cena

La cena es una película que retrata con sensibilidad, un cierto grano de humor y mucho realismo el ambiente de tensión que se vivía durante la dictadura franquista. A través de una historia centrada en la organización de un banquete, muestra cómo el miedo y la presión del poder influían en la vida cotidiana de las personas, las cuales, todas tenían algo que esconder.

Uno de los aspectos más destacados de la película es su capacidad para combinar el contexto histórico con los conflictos personales de los personajes. La ambientación, las interpretaciones y el desarrollo de la trama consiguen transmitir al espectador la incertidumbre y los dilemas morales a los que debían enfrentarse quienes vivían en esa época.

El teniente y Genero, cada uno con sus dilemas.

En definitiva, bajo nuestra opinión, es una película recomendable ya que, además de entretener nos invita a reflexionar sobre la memoria histórica, la libertad y la importancia de defender los derechos propios y humanos.

Personajes e interpretaciones

Los personajes de La cena están bien construidos y representan distintas formas de afrontar una época marcada por el miedo, la represión y la falta de libertad. Cada uno reacciona de manera diferente ante las circunstancias que vive, lo que permite comprender los conflictos personales y morales a los que se enfrentaban muchas personas durante la dictadura.

En cuanto a las interpretaciones, el reparto nos ofrece una actuaciones comedidas, convincentes y muy naturales. Los actores consiguen transmitir emociones, tensión, incertidumbre, miedo y esperanza sin caer en amarillismos o exageraciones.  

Opinión y nota final

Aunque La cena transmite muy bien el ambiente de la época y cuenta con buenas interpretaciones, en algunos momentos el ritmo resulta demasiado pausado, lo que hace que la historia avance con cierta lentitud.

Teniendo en cuenta todos estos aspectos, La cena consigue cumplir su objetivo convirtiéndose, además, en un producto interesante especialmente para aquellos que desean conocer mejor ese periodo de la historia de España.

Nota final: 6 / 10

Ficha técnica de La cena

Título original: La cena

Año: 2025

Director: Manuel Gómez Pereira

Duración: 106 minutos

Género: Drama, comedia

Dìdi (2024), adolescencia e internet

Hay películas que intentan explicarte la adolescencia como si se tratara de un documental de “National Geographic”: el joven humano busca la aceptación mientras su cuerpo cambia sin control y desarrolla conductas erráticas. Después está Dìdi, una película estadounidense de 2024 que intenta explicarnos esta época de nuestra vida como algo mucho más importante: crecer es pasar vergüenza de forma continuada mientras intentas parecer interesante frente a tus iguales.

No deja de resultar curioso que esta película llega en una ola de nostalgia por los años 80 y los primeros 2000, cuando internet todavía era un sitio desconocido, cutre y profundamente incómodo. Ese momento en el que, entre ruidos de módem y conexiones eternas, una foto tardaba cinco minutos en subir y aun así muchos intentaban construirse una identidad digital y real al mismo tiempo.

Sinopsis de "Dìdi"

Dìdi es una de esas película independientes que llegan en silencio, triunfan en el festival de Sundance y acaban golpeando con fuerza la memoria de toda una generación. Dirigida por Sean Wang, esta pequeña película mezcla con un humor realmente incómodo, nostalgia dosmilera y caos emocional adolescente con una naturalidad brutal.

Dìdi nos lleva directamente al verano de 2008 donde nos encontramos con Chris, un chico taiwanés-estadounidense de 13 años que va justo a empezar el instituto. Dìdi vive con su madre, su abuela y con Vivian, su hermana mayor con quien discute constantemente.

En el colegio, Chris no va mucho mejor tampoco ya que su popularidad es bastante justa. Únicamente tiene dos amigos con quien hace vídeos tontos para Youtube. Un día, mediante chat se pone en contacto con Madi, una chica medio asiática que le gusta. Tras un primer encuentro con ella donde la incomodidad reina, él la bloquea a ella y, tras algún chiste misógino, sus únicos amigos le dejan también.

Tras cambios rápidos en la vida de Chris, acaba aproximándose a un trío de skaters mayores a él que lo usan para que les grabe en sus piruetas.

Crítica de “Dìdi”

Ambientada en los últimos años del internet más salvaje, cuando Messenger, los vídeos mal editados y las fotos borrosas dominaban el mundo, Dìdi captura ese instante exacto en el que uno intenta descubrir quién es mientras hace el ridículo online a niveles históricos. Y claro, es imposible no sentirse identificado.

Antes la humillación digital era artesanal. Había que currársela. Elegir una canción incomprensible para tu perfil, escribir estados crípticos para que “alguien” los leyera. Hoy tenemos algoritmos sofisticados; antes teníamos puro caos humano. Quizá por eso, los que hemos vivido aquella etapa, la sentimos como más auténtica.

Lo mejor de Dìdi es que no mira esa época desde la superioridad intelectual del adulto moderno. No intenta decir “mirad qué tontos éramos”. Dice algo mucho más honesto: seguimos siendo igual de raros, solo que ahora tenemos mejor cámara y más ansiedad.

Escena de Dìdi (2024), una de las películas indie más destacadas del año.

Y sí, también deja una sensación extraña: la de descubrir que quizá el verdadero lujo moderno no sea desconectar del móvil, sino recordar una época en la que internet todavía no había aprendido a comernos del todo.

Reparto y actuaciones

El reparto de Dìdi es precisamente una de las razones por las que la película funciona tan bien. No parece que estés viendo actores interpretando la adolescencia; más bien parece que te has colado accidentalmente en recuerdos reales de alguien. Y eso es dificilísimo de conseguir.

La película gira casi por completo sobre Izaac Wang, el intérprete de Chris, y la verdad es que el chico hace un trabajo espectacular. Su interpretación tiene algo muy complicado: consigue ser desesperante, entrañable y dolorosamente humano al mismo tiempo. Transmite una inseguridad constante, con mucha incomodidad física y una energía de lo más caótica.

Sobre el resto de los intérpretes, nos quedamos con Joan Chen, quien da vida a la madre de Chris y acaba convirtiéndose en el auténtico corazón silencioso de la película. Lo suyo es emoción pura sin caer en el dramáticos exagerado de muchas películas familiares.

Opinión y nota final

Si buscas una película diferente, divertida y emocionalmente honesta, Dìdi es una de las sorpresas más interesantes del cine independiente reciente. Una carta de amor incómoda, caótica y muy real a esa etapa de la vida en la que todos intentábamos parecer cool… y normalmente fracasábamos.

Dìdi no necesita explosiones, ni giros imposibles ni discursos grandilocuentes. Le basta con poner un espejo delante de toda una generación y decir: “tranquilos, todos dimos cringe”. Y la verdad es que pocas películas recientes han entendido tan bien lo cómico y doloroso que resulta convertirse en persona adulta.

Nota final: 7/10

Ficha técnica de Dìdi

Título original: Dìdi

Año: 2024

Director: Sean Wang

Duración: 93 minutos

Género: Drama, Adolescencia

El chico (The Kid): la obra maestra de Charles Chaplin

Hablar de Charles Chaplin es hablar de uno de los artistas más importantes de la historia del cine. Su legado ha trascendido generaciones y fronteras gracias a Charlot, el entrañable vagabundo que se convirtió en el símbolo universal del cine mudo y en uno de los personajes más reconocibles de todos los tiempos.

Entre todas las películas protagonizadas por Charlot, pocas han dejado una huella tan profunda como El chico (The Kid), estrenada en 1921. Más de cien años después de su llegada a las salas, esta obra continúa emocionando a espectadores de todas las edades gracias a una combinación única de humor, drama y sensibilidad.

Considerada una de las mejores películas de Charles Chaplin, El chico no solo fue un enorme éxito en su época, sino que también marcó un antes y un después en la historia del cine al demostrar que la comedia podía convivir con historias profundamente emotivas y humanas.

Sinopsis de El chico (The Kid)

La historia comienza cuando una joven madre, Edna (Edna Purviance), se ve obligada a abandonar a su recién nacido. Con la esperanza de ofrecerle una vida mejor, decide dejarlo en el automóvil de una familia acomodada.

Sin embargo, el destino tiene otros planes. El vehículo es robado por unos delincuentes que, al descubrir la presencia del bebé, lo abandonan en un humilde barrio de la ciudad.

Será allí donde aparezca Charlot (Charles Chaplin), quien encuentra al pequeño de forma completamente inesperada. Tras varios intentos de deshacerse de una responsabilidad que no le corresponde, termina aceptando al niño y criándolo como si fuera su propio hijo.

Cinco años después, el pequeño John (Jackie Coogan) se ha convertido en un niño despierto, ingenioso y perfectamente adaptado a la vida junto a Charlot. Ambos forman una peculiar familia que sobrevive en un entorno difícil gracias a su ingenio y a una relación basada en el cariño mutuo.

Pero el pasado nunca desaparece del todo. Cuando la madre biológica del niño reaparece en sus vidas, los acontecimientos pondrán a prueba los vínculos que han construido durante años.

Una historia sencilla cargada de emoción

Uno de los mayores méritos de El chico es su capacidad para emocionar utilizando una historia aparentemente sencilla. Chaplin construye un relato sobre el abandono, la pobreza, la solidaridad y el amor familiar que sigue resultando conmovedor más de un siglo después.

La película consigue alternar momentos de humor puro con escenas de enorme carga dramática, algo que en 1921 resultaba revolucionario y que hoy continúa funcionando de manera extraordinaria.

Charlot y John, un dúo con química

Más allá de la comedia, The Kid es una reflexión sobre la familia y sobre cómo los lazos afectivos pueden ser más fuertes que los vínculos biológicos. El espectador termina comprendiendo que la verdadera paternidad no depende de la sangre, sino del cariño, el sacrificio y la dedicación.

Charles Chaplin y Jackie Coogan: una pareja inolvidable

Si algo hace especial a El chico es la química entre Charles Chaplin y Jackie Coogan.

Chaplin vuelve a demostrar por qué Charlot es uno de los personajes más queridos de la historia del cine. Su mezcla de inocencia, ternura, picardía y humanidad consigue que el espectador empatice con él desde el primer minuto.

Por su parte, Jackie Coogan ofrece una actuación sorprendente para un niño de tan corta edad. Su naturalidad frente a la cámara y su conexión con Chaplin elevan muchas escenas a un nivel emocional extraordinario. 

¿Por qué El chico sigue siendo una película vigente?

A pesar de haber sido estrenada hace más de cien años, El chico continúa abordando temas universales que siguen presentes en nuestra sociedad: la pobreza, la desigualdad, el abandono infantil, la importancia de la familia y la necesidad de apoyo emocional.

Precisamente esa capacidad para conectar con emociones humanas atemporales es la que explica que siga siendo considerada una obra imprescindible para cualquier amante del cine.

Nuestra opinión

El chico (The Kid) es mucho más que una película de cine mudo. Es una obra pionera que revolucionó la forma de combinar comedia y drama, además de uno de los trabajos más emotivos y personales de Charles Chaplin.

Su historia sigue funcionando con la misma fuerza que hace un siglo, sus personajes continúan resultando entrañables y su mensaje permanece plenamente vigente.

Estamos, sin duda, ante una de las grandes joyas de la historia del cine y una película obligatoria para cualquier espectador que quiera descubrir los orígenes del séptimo arte.

Nota final: 9.5/10

Ficha técnica de El chico

Título original: The kid

Año: 1921

Director: Charles Chaplin

Duración: 58 minutos

Género: Comedia, drama

El diablo viste de Prada 2 (2026) Miranda Priestly regresa al caos de la moda

Dos décadas después del estreno de “El diablo viste de Prada”, “El diablo viste de Prada 2” aterriza en una época donde la moda, el trabajo y la sociedad ya no siguen las mismas reglas… aunque Miranda Priestly seguramente siga llegando tarde solo para imponer respeto. Lo que hace 20 años era sinónimo de éxito profesional entre cafés imposibles, tacones y estrés glamuroso, hoy se enfrenta a una realidad marcada por la salud mental, el equilibrio laboral y el poder de las redes sociales dentro de la industria de la moda. Porque ahora no basta con vestir de Prada: también hay que sobrevivir a Instagram, TikTok y los eternos lunes de ansiedad.

Sinopsis de "El diablo viste de Prada 2"

20 años después de sobrevivir al huracán de Miranda Priestly, Andy Sachs lleva una vida aparentemente tranquila trabajando en un pequeño medio… hasta que una inesperada crisis en el mundo editorial la obliga a replantearse su carrera profesional. Pero Andy no es la única que debe adaptarse a los nuevos tiempos: la legendaria directora de Runway también regresa más afilada que nunca.

En un abrir y cerrar de ojos, Andy termina convertida en editora jefe de reportajes de Runway, algo que, como era de esperar, no sienta nada bien a Miranda. Aunque Andy escribe grandes artículos, el formato impreso apenas genera repercusión en una época dominada por algoritmos y contenido viral. Todo cambia cuando consigue una exclusiva con Sasha Barnes, una joven millonaria recién divorciada de un magnate tecnológico.

Tras ese éxito, parece que Runway vuelve a despegar… hasta que la revista cambia de propietarios y comienzan los recortes. La situación es clara: una nueva generación de influencers amenaza con convertir las glamurosas pasarelas en simples tendencias de quince segundos, ya sea en Milán o en pleno Nueva York.

La primera “El diablo viste de Prada” demostró que el mundo de la moda podía ser tan cruel como divertido, y esta secuela continúa esa misma idea con más lujo, más egos y más caos vestido de etiqueta. Quizá pierde parte del humor afilado de la original, pero gana actualidad al introducir temas como la obsesión por las redes sociales, la imagen pública y la velocidad con la que internet crea y destruye tendencias.

La película recupera a una Miranda Priestly que sigue funcionando como auténtico icono cultural. El resultado es un entretenimiento ligero, elegante y muy consciente de sí mismo, capaz de reírse tanto de la industria de la moda como del espectáculo digital que la rodea.

Lo mejor sigue siendo el choque entre personajes: la fría sofisticación de Miranda frente a una Andy mucho más madura genera algunos de los momentos más entretenidos de la película. La cinta no pretende reinventar la fórmula ni profundizar demasiado, pero entiende perfectamente lo que el público quiere ver: diálogos afilados, vestuario espectacular y situaciones absurdamente tensas por problemas que, vistos desde fuera, resultan deliciosamente ridículos.

Miranda Priestly, Andy Sachs y Nigel regresan al mundo de la moda en El diablo viste de Prada 2.

Banda Sonora

Otro de los puntos más destacados de “El diablo viste de Prada 2” es su banda sonora. La música acompaña perfectamente el tono elegante y frenético de la película, mezclando temas modernos con ese aire sofisticado que ya forma parte de la identidad de la saga. Sabe cuándo impulsar el ritmo de las escenas más caóticas y cuándo dejar espacio a los momentos más emocionales sin resultar invasiva.

Reparto y actuaciones

El reparto vuelve a ser el verdadero motor de la película. Meryl Streep sigue teniendo esa capacidad para dominar cada escena con una simple mirada o una frase dicha en voz baja; Miranda Priestly continúa siendo elegante e intimidante.

Por su parte, Anne Hathaway aporta una versión más madura y segura de Andy, haciendo que el personaje evolucione sin perder la cercanía que tenía en la original. La química entre ambas vuelve a funcionar de maravilla y es, sinceramente, lo que hace que quieras seguir viendo la película incluso en sus momentos más exagerados.

“El diablo viste de Prada 2” sabe perfectamente que gran parte de su encanto reside en el carisma de su reparto, y explota esa baza constantemente.

Opinión y nota final

En definitiva, “El diablo viste de Prada 2” es una secuela entretenida, ingeniosa y sorprendentemente actual. Aunque no alcanza el impacto de la original, mantiene buena parte de su frescura gracias a su excelente elenco, su sátira sobre el mundo digital y su capacidad para convertir el estrés laboral en puro espectáculo glamuroso.

Es una película muy recomendable para quienes disfrutaron de la cinta original y también para quienes busquen una comedia dramática elegante que, además de entretener, deje alguna reflexión interesante sobre la moda, las redes sociales y el éxito profesional moderno.

Nota final: 7.5/10

Ficha técnica de El diablo vista de Prada 2

Título original: The Devil Wears Prada 2

Año: 2026

Director: David Frankel

Duración: 119 minutos

Género: Comedia, Drama, Secuela

Barbie (2023): humor, feminismo y mucho más que una muñeca

La mayoría de los inventos nacen con el propósito de cubrir una necesidad concreta. Sin embargo, muy pocos consiguen trascender su función inicial para convertirse en auténticos iconos culturales capaces de marcar a varias generaciones. Si pensamos en el mundo del juguete, apenas un puñado de nombres ha logrado ese privilegio y, entre todos ellos, hay uno que destaca por encima del resto: Barbie.

Si ahora mismo preguntáramos a personas de distintas edades cuál es la primera muñeca que les viene a la cabeza, es muy probable que la respuesta mayoritaria fuera la misma: Barbie.

Presentada al mundo en marzo de 1959 por Ruth Handler, cofundadora de Mattel, la muñeca nació inspirada por su hija Bárbara, que prefería imaginar historias protagonizadas por mujeres adultas en lugar de jugar únicamente con muñecos bebé. Aquella sencilla idea acabaría dando origen a uno de los juguetes más exitosos de todos los tiempos.

Más de seis décadas después, Barbie ha superado ampliamente los mil millones de unidades vendidas y ha representado a más de 250 profesiones distintas, adaptándose a los cambios sociales mediante versiones de diferentes etnias, complexiones, capacidades físicas y estilos de vida. Su enorme popularidad, sin embargo, siempre ha convivido con la polémica, convirtiéndose tanto en un símbolo de aspiración para millones de niños como en objeto de críticas relacionadas con los cánones de belleza, el consumismo o los estereotipos de género .

Sinopsis de Barbie

La película empieza presentándonos los orígenes de la propia muñeca para, muy pronto presentarnos a la auténtica protagonista, la “Barbie estereotipada” (a quien da vida Margot Robbie) que vive en una casa de ensueño (sin paredes) en la imaginaria "Barbieland", una ciudad donde todos los cargos de importancia están en manos de otras Barbies, todas ellas, mujeres de éxito y seguras de si mismas.

A parte de Barbies, en "Barbieland" también nos encontramos a los chicos, los Ken, quienes pasan sus días en actividades divertidas en la playa. Entre todos ellos, nos encontramos con un “Ken estereotipado” (interpretado por Ryan Gosling) que, como os podéis imaginar, solo es feliz estando al lado de su Barbie.

Con todo, un día y en plena chachi-fiesta, Barbie lanza una observación en voz alta que sorprende a todas: está pensando en la muerte. Al día siguiente, su vida ha cambiado al completo, dejando de ser perfecta. Asustada por la situación, va a visitar a la única Barbie que la puede ayudar, “Barbie Rara”, quien enseguida la envía a un viaje iniciático al mundo real para encontrar al niño o niña que juega con ella.

Barbie y Ken durante su viaje al mundo real en una de las escenas más icónicas de la película.

Crítica de Barbie

Uno de los grandes aciertos de la película es, sin lugar a dudas, su guion, el cual, pese a flojear un poco en algunos momentos, es capaz de fusionar ese mundo perfecto de las Barbies (en el que ellas se creen inspiradoras y modelos a seguir para las chicas) con la realidad de la sociedad actual, en la que la muñeca es odiada por muchos por todo lo que representa (sexismo, consumismo, etc.) convirtiendo, además, a los directivos de Mattel (sus vendedores) en marionetas de sí mismos sin olvidar en ningún momento un brillante sentido del humor y un hilarante uso del sarcasmo.

Margot Robbie interpreta a Barbie en Barbieland, el universo perfecto donde comienza la historia.

También nos gustaría resaltar el excelente trabajo de escenografía, creando un mundo donde el color rosa no solo encaja, sino que tiene su sentido, y está cuidado hasta el último detalle, como lo está también una fabulosa banda sonora compuesta por temas de los artistas más actuales (Dua Lipa, Karol G, Niki Minaj, Aqua, Billie Eilish, etc.) que acompañan a la perfección las múltiples coreografías.

El mayor mérito del libreto de Greta Gerwig consiste en utilizar un icono del consumo para construir una sátira sorprendentemente inteligente sobre la identidad, los roles de género y las contradicciones de la sociedad actual. La película consigue que convivan el humor absurdo, la crítica social y la emoción sin perder nunca su personalidad. 

Personajes e interpretaciones

Interpretativamente hablando, os diremos que tanto Margot Robbie como Ryan Gosling están realmente bien dando vida a sus personajes, aunque sí nos gustaría remarcar que nos ha gustado más Robbie en su versión de Barbie en la vida real que de Barbie estereotipada (ahí coincidimos con la nota a la directora en forma de broma en la parte central de la película). 

Opinión y nota final

Con el paso del tiempo, "Barbie" ha demostrado que era mucho más que una campaña publicitaria de Mattel o una simple adaptación cinematográfica de un juguete. La película se convirtió en uno de los grandes fenómenos culturales de 2023, impulsando el llamado fenómeno "Barbenheimer" junto a "Oppenheimer" y demostrando que una superproducción comercial podía combinar espectáculo, humor y reflexión social sin renunciar al entretenimiento.

Greta Gerwig consiguió transformar un icono del consumo en una inteligente sátira sobre la identidad, el feminismo, las expectativas sociales y la búsqueda del sentido de la propia existencia. Precisamente esa capacidad para generar debate, además de divertir, es la que explica que, varios años después de su estreno, "Barbie" siga siendo una de las películas más comentadas y analizadas del cine reciente.

Además de conquistar a la crítica, "Barbie" se convirtió en uno de los mayores éxitos comerciales de la historia de Warner Bros., superando los 1.400 millones de dólares en taquilla y obteniendo múltiples nominaciones a los principales premios cinematográficos. Su impacto fue mucho más allá del cine, convirtiéndose en un auténtico fenómeno cultural. 

Nota final: 8 / 10

Ficha técnica de Barbie

Título original: Barbie

Año: 2023

Director: Greta Gerwig

Duración: 114 minutos

Género: Drama, comedia

Julie y Julia (2009): cocina, blogs y dos grandes actuaciones

Hay películas que uno termina viendo casi por casualidad. Y eso fue exactamente lo que nos ocurrió con Julie & Julia. Para ser sinceros, empezamos la película sin saber demasiado sobre su argumento y con un tráiler que tampoco terminaba de convencernos. Sin embargo, había una razón de peso imposible de ignorar: Meryl Streep.

La actriz estadounidense, una de las grandes leyendas del cine moderno, era el principal motivo para darle una oportunidad a esta película dirigida por Nora Ephron. Y la verdad es que, después de verla, podemos decir algo bastante claro: no nos arrepentimos en absoluto.

Sinopsis de Julie y Julia

Por un lado tenemos a Julia Child, interpretada por Meryl Streep, cuya historia transcurre en el París de los años 50. Tras mudarse a Francia junto a su marido, Julia decide combatir el aburrimiento adentrándose en el elitista y machista mundo de la alta cocina francesa. Su pasión terminará llevándola a revolucionar la cocina doméstica gracias a la publicación del famoso libro Dominando el Arte de la Cocina Francesa.

Crítica de Julie y Julia 

Aunque a simple vista pueda parecer una película pequeña y sin grandes pretensiones, Julie y Julia es una comedia dramática elegante, amable y bastante más entretenida de lo que muchos podrían esperar.

Uno de los mayores aciertos de la película es cómo combina ambas historias sin que los constantes saltos temporales resulten molestos. La narración alterna entre las dos protagonistas de forma fluida y consigue que el espectador conecte tanto con el París clásico de Julia Child como con la vida moderna y algo caótica de Julie.

Además, la película toca temas que hoy siguen muy presentes: la búsqueda de identidad personal, la frustración laboral, el refugio emocional que muchas personas encuentran en la cocina y, curiosamente, el nacimiento de los blogs como forma de expresión personal. Vista hoy, resulta incluso nostálgica recordar aquella primera era de internet donde escribir un blog todavía parecía algo íntimo y creativo. 

Reparto y actuaciones  

El reparto es otro de los grandes puntos fuertes de Julie & Julia.

Meryl Streep realiza una interpretación llena de energía, humor y carisma como Julia Child. Aunque probablemente no sea una de las mejores actuaciones de toda su carrera, sí consigue construir un personaje entrañable y magnético que domina prácticamente cada escena en la que aparece. 

Por su parte, Amy Adams aporta naturalidad y cercanía a un personaje mucho más cotidiano y reconocible. Su interpretación funciona especialmente bien en las escenas más íntimas y personales.

Eso sí, uno de los puntos más flojos de la película es el escaso desarrollo de algunos personajes secundarios, especialmente los maridos y amigos de ambas protagonistas, que podrían haber aportado algo más de profundidad a la historia.

Opinión final de Julie y Julia  

En el apartado negativo, la película presenta ciertos problemas de ritmo y en algunos momentos puede hacerse algo lenta, especialmente durante su tramo central. Sin embargo, su tono amable, la química del reparto y el encanto de las dos historias consiguen mantener el interés prácticamente durante todo el metraje. 

Sin estar ante una obra maestra del cine gastronómico ni ante la mejor película de Meryl Streep, Julie y Julia es una película realizada con buen gusto, entretenida y muy fácil de disfrutar.

Una historia sobre cocina, cambios personales y segundas oportunidades que demuestra que, a veces, las películas que menos esperas terminan dejando mejor sabor de boca. 

Nota final: 5,75/10

Ficha técnica de Julie y Julia  

Título original: “Julie and Julia” 

Año: 2009

País: Estados Unidos 

Dirección: Nora Ephron

Género: Comedia Dramática

Duración: 123 minutos

El efecto mariposa (2004): caos, decisiones y consecuencias

El efecto mariposa (2004), protagonizada por Ashton Kutcher, es un thriller psicológico que explora cómo pequeñas decisiones pueden alterar completamente el futuro.

Con el paso del tiempo, la película se ha convertido en un título de culto gracias a su historia compleja y a un final que sigue generando debate entre los espectadores.

En esta crítica analizamos su historia, sus puntos fuertes y te explicamos el final.

Sinopsis de El efecto mariposa

“El efecto mariposa” empieza desplazándonos unos 13 años atrás para presentarnos al preadolescente Evan Treborn, un chico que sufre de extrañas y repentinas perdidas de memoria, siempre cuando está sometido a momentos de tensión y/o traumáticos.

Evan está casi siempre con tres amigos, Kayleigh, una chica por la que siente una atracción especial, Tommy el violento hermano de Kayleigh y Lenny, un chico inseguro, callado y frágil.

Aunque parezca mentira, Evan, durante su infancia tiene que enfrentarse a los siguientes hechos traumáticos: un intento de estrangulamiento por parte de su padre (un enfermo mental encerrado en un psiquiátrico), un abuso sexual, cuando el padre de Kayleigh le obliga a tener relaciones sexuales con la pequeña, el asesinato de una madre y su bebé cuando los cuatro jugaban con dinamita y finalmente a presenciar la muerte de su perro, quemado vivo por Tommy.

En cada una de esta ocasiones, Evan sufre de un apagón de memoria preocupando tanto a su familia como a los médicos que lo tratan. Por recomendación de su médico Evan empieza a escribir un diario para documentar su vida y sus apagones.

Lo que comienza como una oportunidad para arreglar errores se convierte en una espiral de caos imposible de controla.

 

Evan leyendo los diarios para volver al pasado

Opinión: lo mejor y lo peor

Lo mejor

• Idea central muy potente
• Giros constantes
• Capacidad de generar tensión

Lo peor

• Algunas incoherencias narrativas
• Cambios de tono irregulares
• Desarrollo desigual en ciertos momentos

Reparto de El efecto mariposa

Interpretativamente os diremos que “El efecto mariposa” no cuenta con grandes interpretaciones, aunque a nosotros nos ha parecido muy significativa la de Ashton Kutcher, un actor que en esta película tenía su primer gran papel dramático y lo hace con una acertada mezcla en su personaje de desconcierto, contención emocional, angustia, dolor ... Muy buena. 

Sobre el resto de los trabajos, muy poco a decir, ya que son meros secundarios sin demasiada definición.

Final explicado de El efecto mariposa

El final de El efecto mariposa depende de la versión que se vea, ya que existen varios desenlaces y muchas interpretaciones. El que hemos visto nosotros, muestra a Evan tomando una decisión radical: evitar conocer a Kayleigh para impedir todo el sufrimiento posterior.

Esto refuerza la idea central de la película: no puedes cambiar el pasado sin pagar un precio.

Nota final

Por todo lo que os hemos contado, nuestra nota final para “El efecto mariposa” es de un 7.5 sobre 10.

Ficha técnica de El efecto mariposa

Título original: The butterfly effect”

Año: 2004

Director: Eric Bress

Duración: 113 minutos

Género: Drama, thriller, psicológico

La chica danesa (2015), crítica y análisis

La chica danesa es una de las películas más destacadas sobre identidad y transformación personal. En esta crítica y análisis exploramos su historia, sus personajes y el significado de una obra que aborda la disforia de género desde una perspectiva íntima y emocional.

A pesar de los avances en muchas sociedades occidentales en materia de respeto y aceptación, todavía hoy muchas personas siguen siendo señaladas por ser y sentir diferente. Uno de los colectivos que más ha sufrido este rechazo social es el de las personas con disforia de género, un tema complejo y profundo que el cine ha tratado en pocas ocasiones con la sensibilidad que merece.

Dirigida por Tom Hooper y estrenada en 2015, La chica danesa nos traslada al Copenhague de los años 20 para contarnos la historia de Einar Wegener y su transformación en Lili Elbe, en una de las narrativas más delicadas y personales del cine reciente.

Crítica de La chica danesa

La película comienza situándonos en la vida de Einar Wegener, un pintor paisajista, y su esposa Gerda, retratista. Ambos forman un matrimonio sólido, unido tanto en lo personal como en lo artístico, aunque con trayectorias distintas dentro del mundo del arte.

Todo cambia cuando, de forma aparentemente anecdótica, Einar sustituye a una modelo para ayudar a su esposa a terminar un cuadro. Ese momento, casi casual, despierta en él sensaciones desconocidas que poco a poco irán dando forma a una identidad que siempre había estado latente.

Así nace Lili Elbe, primero como un juego, después como una presencia cada vez más dominante en la vida de Einar.

Análisis de la historia y personajes

La historia de La chica danesa se construye como un viaje emocional intenso, donde el protagonista se enfrenta a una lucha interna constante entre lo que es y lo que siente ser.

La evolución de Einar hacia Lili está tratada con una sensibilidad notable, mostrando tanto la liberación personal como el sufrimiento que conlleva. La película no solo se centra en la identidad de género, sino también en el impacto que este proceso tiene en su entorno más cercano, especialmente en Gerda.

Lili (Eddie Redmayne) en un acto social

El personaje de Gerda es clave en el desarrollo de la historia. Su amor, comprensión y sacrificio aportan una dimensión emocional que eleva la película más allá de un simple drama biográfico.

A medida que la historia avanza, los protagonistas se trasladan a París, una ciudad más abierta y tolerante que permite a Lili desarrollarse con mayor libertad. Es allí donde entra en juego la posibilidad de una intervención quirúrgica pionera, marcando un punto de no retorno en la historia.

Interpretaciones y dirección

Uno de los mayores aciertos de La chica danesa es, sin duda, su apartado interpretativo.

Eddie Redmayne ofrece una actuación sobresaliente, dando vida tanto a Einar como a Lili con una sensibilidad y profundidad admirables. Su interpretación transmite fragilidad, conflicto y valentía, convirtiéndose en el eje emocional de la película.

Por su parte, Alicia Vikander brilla con luz propia en el papel de Gerda, aportando humanidad, empatía y una enorme carga emocional a su personaje. La química entre ambos actores es fundamental para que la historia funcione y conecte con el espectador.

Ambientación y ritmo

La ambientación es otro de los puntos fuertes de la película. Tanto el Copenhague como el París de los años 20 están recreados con gran detalle, logrando sumergir al espectador en la época.

En cuanto al ritmo, La chica danesa apuesta por una narración pausada, algo que puede no encajar con todos los públicos. Sin embargo, esta elección permite profundizar en los conflictos internos de los personajes y reforzar el tono íntimo de la historia.

Opinión final de La chica danesa

¿Merece la pena ver La chica danesa? Sin duda, sí.

No estamos ante una obra perfecta ni ante una película especialmente arriesgada en su narrativa, pero sí ante un drama sólido, bien interpretado y emocionalmente potente.

En definitiva, La chica danesa es una película que deja huella, tanto por la importancia de su temática como por la forma en la que está contada. Una obra recomendable para quienes buscan cine reflexivo, humano y con una gran carga emocional.

Nota: 8/10 

Ficha técnica de La chica danesa

Título original: The Danish girl

Año: 2015

Director: Tom Hooper

Duración: 120 minutos

Género:  Drama, LGTBI

Palmer (2021), crítica y análisis

Hay personas que aprenden demasiado jovencitos que ser uno mismo, a veces, puede doler mucho. Que mostrar lo que sienten, lo que les gusta o cómo se reconocen ante el mundo y su propio círculo despierta miradas incómodas, burlas o silencios que duelen más que cualquier palabra. La identidad de género, especialmente en la infancia, no suele vivirse como una opción libre, sino como un territorio vigilado donde cualquier gesto fuera de “lo normal” parece necesitar una explicación.

El derecho a ser uno mismo no debería implicar en ningún caso valor, y sin embargo muchas veces lo exige. Vestirse, jugar o expresarse de una manera auténtica puede convertirse en un acto de desafío cuando el entorno responde con rechazo o miedo. La inclusión, entonces, deja de ser algo abstracto para convertirse en algo urgente y profundamente humano: la necesidad de no ser juzgado y de ser acompañado en vez de corregido.

La película “Palmer” (2021) parte de esa herida silenciosa. No nos habla sólo de identidad, nos habla también de la soledad que provoca no encajar y del alivio que supone encontrar a alguien dispuesto a proteger tu derecho a existir tal y como eres. La película no nos brinda grandes discursos, pero sí algo muy poderoso: la certeza de que a veces basta una sola persona que escuche y cuide para que el mundo deje de ser un lugar hostil.

"Palmer" comienza presentándonos a su protagonista, Eddie Palmer (Justin Timberlake), una antigua estrella del fútbol americano universitario que acaba de salir de prisión tras cumplir una condena de doce años por robo e intento de asesinato. De vuelta a su pueblo natal, intenta rehacer su vida en casa de su abuela Vivian, quien cuida ocasionalmente de Sam (Ryder Allen), el hijo de su vecina Shelly, una mujer con graves problemas de adicción. Sam es un niño tan extrovertido como singular: le gustan los vestidos, las princesas y las fiestas de té.

Tras varios intentos fallidos de encontrar trabajo, Palmer consigue empleo en la escuela local como ayudante del conserje. Poco después, el abandono de Shelly y la repentina muerte de Vivian lo obligan a asumir, a regañadientes, la tutela legal y temporal del pequeño Sam.

Aunque al principio la relación entre ambos es distante, poco a poco se va estrechando, especialmente cuando Palmer inicia una relación con Maggie, la profesora de Sam. Sin embargo, la aparente calma se quiebra cuando el niño regresa un día de casa de un amigo llorando, con el rostro manchado de maquillaje, dejando entrever la hostilidad del entorno hacia su forma de ser.

Al comienzo, Palmer piensa que ha sido un amigo de Sam, pero al final descubre que, quien se lo ha hecho ha sido un adulto, Daryl, un antiguo amigo suyo. Preso de la cólera, Palmer busca a Daryl y lo golpea lo cual, junto con el regreso de Shelly, acaba provocado que Sam acabe en custodia de los Servicios de Protección Infantil.

Sin tiempo que perder y con la ayuda de Maggie, Palmer intenta recuperar la tutela del niño. No obstante, Sam acaba regresando con su madre y con la pareja de esta, un hombre violento y con graves problemas de adicción. Cuando la situación degenera en un nuevo episodio de violencia, Palmer interviene y se lleva al pequeño, empujando la historia hacia su punto de no retorno.

Palmer y Sam fortalecen su relación en una escena clave de la película Palmer

Como es de esperar, este gesto precipita el desenlace de la película, un tramo final que preferimos no desvelar.

Una de las cosas que más nos han gustado de “Palmer” es el enfoque que le ha dado su director, Fisher Stevens. Sin estridencias ni alardes técnicos, consigue un trabajo sobrio y respetuoso con unos intérpretes que logran que el espectador centre su atención en las relaciones humanas. Por momentos, la película se percibe más cercana al cine independiente que al comercial. Con todo, en este apartado se echa en falta una exploración más profunda de la psicología de los personajes, especialmente la del protagonista.

En cuanto al guion, “Palmer” nos ha parecido sólido en el tratamiento de temas tan sensibles como el género, la paternidad no convencional o los prejuicios, abordados con empatía y honestidad, sin caer en el amarillismo. Sin embargo, peca de una excesiva previsibilidad y de la ausencia de giros narrativos más profundos, especialmente en el desarrollo de la relación entre Palmer y el niño.

El montaje mantiene un ritmo correcto y fluido, aunque por momentos resulta pausado y reflexivo. Aun así, la coherencia se sostiene durante todo el metraje, incluso en aquellos pasajes en los que el clímax emocional alcanza sus momentos más intensos.

En el apartado interpretativo, destaca el trabajo de Justin Timberlake, que da vida a Palmer con un registro contenido y creíble, sin perder nunca la humanidad del personaje. Del mismo modo, el joven Ryder Allen sobresale en el papel de Sam, sosteniendo gran parte del peso emocional de la película con una naturalidad y soltura superiores a lo esperado.

Por todo lo que os hemos contado, nuestra nota final para "Palmer" es de un 7 sobre 10.

“Palmer” – USA – 2021

Dirigida por: Fisher Stevens

Duración: 110 minutos

Género: Drama

Café Society (2016): Woody Allen regresa al Hollywood clásico

Café Society es la apuesta de 2016 del reconocido director Woody Allen, una película que llegó a los cines acompañada de una potente campaña publicitaria y grandes expectativas.

En esta crítica de Café Society, analizamos si el cineasta neoyorquino logra repetir el éxito de títulos como “Blue Jasmine” o si se queda en una propuesta menor dentro de su filmografía.

Sinopsis de Café Society

La historia nos sitúa en el Hollywood de los años 30, una época dorada marcada por el auge de la industria cinematográfica y la llegada de jóvenes soñadores que buscaban triunfar en el cine. 

Uno de ellos es Bobby Dorfman, interpretado por Jesse Eisenberg, un joven neoyorquino que decide mudarse a Los Ángeles con la esperanza de abrirse camino en el mundo del espectáculo.

Sin dinero ni contactos, Bobby recurre a su tío Phil Stern (Steve Carell), un influyente agente de estrellas de Hollywood. Allí comienza trabajando como mensajero, mientras conoce a Vonnie (Kristen Stewart), la secretaria de su tío.

Entre paseos y confidencias, surge una conexión especial entre ambos, pero hay un obstáculo: Vonnie ya tiene pareja. A partir de ahí, la historia evoluciona hacia un triángulo amoroso lleno de matices, decisiones complicadas y giros emocionales.

Crítica de Café Society: opinión y valoración 

Si hablamos del argumento, Café Society no destaca por su originalidad. Woody Allen vuelve a explorar temas recurrentes como el amor, las relaciones y sus complejidades, algo habitual en su cine.

Sin embargo, donde realmente brilla la película es en su reparto:

• Steve Carell ofrece una interpretación sólida y versátil, moviéndose entre el cinismo, el poder y la vulnerabilidad emocional.
• Jesse Eisenberg continúa demostrando su evolución como actor, con un personaje que conecta bien con el espectador.
• Kristen Stewart aporta naturalidad y equilibrio al triángulo protagonista.

Dirección, ritmo y ambientación 

En el apartado de dirección, la película presenta algunos altibajos. Aunque no resulta aburrida, el ritmo puede parecer algo lento en ciertos tramos, posiblemente por una narrativa más pausada y lineal.

Aun así, hay elementos muy destacables:

• El característico humor de Woody Allen
• Diálogos inteligentes y reflexivos
• Una ambientación cuidada del Hollywood clásico

Estos factores consiguen mantener el interés y aportar personalidad a la cinta.

Valoración final de Café Society

En definitiva, Café Society (2016) es una película correcta dentro de la filmografía de Woody Allen. No es su obra más brillante, pero sí una propuesta entretenida, bien interpretada y visualmente atractiva.

Nota: 7.5/10

Recomendamos verla especialmente si te gustan las historias románticas con trasfondo clásico o el cine de Woody Allen.

Ficha técnica de Café Society

Título original: Café Society

Año: 2025

Director: Woody Allen

Duración: 96 minutos

Género: Comedia dramática

Maspalomas (2025), crítica y análisis

Para muchos, sobre todo para quienes no tienen que hacerlo, salir del armario puede parecer casi un capricho. Nada más lejos de la realidad: en la mayoría de los casos es una necesidad vital. Nace del deseo de vivir y respirar sin fingir, de dejar de medir cada palabra y cada gesto, de poder existir con naturalidad.

Durante años, muchas personas LGTBIQ+ han aprendido a esconder partes de su identidad para encajar, para sentirse a salvo o para no perder el cariño de quienes les rodean. Pero siempre llega un momento en el que el peso de esconderse duele más que el precio de mostrarse tal y como uno es. La salida del armario no es solo una decisión personal, es un paso ligado a la aceptación social, al entorno y al momento vital de cada uno.

Salir del armario no es solo un acto individual: es también un diálogo con la sociedad, con sus prejuicios, sus avances, sus contradicciones y sus resistencias. En este contexto llegó "Maspalomas", la película de Jose Mari Goenaga estrenada en 2025, que aborda con sensibilidad la identidad, la vejez y la diversidad sexual. Una historia que nos recuerda que detrás de cada salida del armario hay siempre un recorrido de búsqueda, miedo y esperanza.

"Maspalomas" empieza presentándonos a Vicente (a quien da vida José Ramón Soroiz), un hombre de 76 años que lleva más de 20 años viviendo en el sur de la isla de Gran Canaria, en Maspalomas.

"Maspalomas" comienza presentándonos a Vicente, personaje interpretado por José Ramón Soroiz: un hombre de 76 años que lleva más de dos décadas viviendo en el sur de Gran Canaria, en Maspalomas. Padre de familia, rompió su matrimonio a los 50 años para iniciar una nueva vida con su pareja masculina, con quien convivió casi veinte años. Ya divorciado, Vicente continúa en la isla disfrutando de una vida social y sexualmente activa en un entorno donde se siente libre y aceptado.

Sin embargo, una noche sufre un ictus mientras disfruta del anonimato de un cuarto oscuro. El episodio lo deja en coma y, al despertar, descubre que ha sido trasladado a su ciudad natal, Donostia. Allí se reencuentra con su hija Nerea (Nagore Aranburu), a quien había dejado atrás al comenzar su nueva vida. Ella decide ingresarlo en una residencia de mayores para facilitar su recuperación, iniciando así una nueva etapa marcada por el pasado y la identidad.

La residencia de mayores se convierte para Vicente en una especie de cárcel emocional. La libertad, la alegría y la vida abiertamente homosexual que disfrutaba en Maspalomas chocan de frente con un entorno mucho más rígido y conservador. Un lugar donde no se siente preparado para decir quién es realmente y donde, para evitar conflictos con otros residentes y con el personal, decide volver a ocultar su orientación sexual. De forma casi inconsciente, Vicente regresa al armario.

Vicente en las dunas de Maspalomas, uno de los paisajes naturales más emblemáticos de Gran Canaria.

A partir de este punto,"Maspalomas" deja de ser solo una historia sobre identidad y aceptación social para adentrarse también en las heridas emocionales del pasado. La película explora la relación rota con su hija, marcada por el abandono, el silencio y las decisiones que Vicente tomó años atrás al salir del armario y rehacer su vida lejos de Donostia.

Durante una salida de la residencia, Vicente recorre espacios vinculados a su pasado en la ciudad. Por unas horas, recupera la sensación de libertad al visitar un bar de ambiente casi desierto y una sauna, lugares donde puede volver a ser él mismo, aunque sea de forma fugaz. Sin embargo, el golpe definitivo llega con la muerte de su compañero de habitación en los primeros días de la pandemia de COVID-19.

Este acontecimiento empuja a Vicente a enfrentarse a sus miedos, a la presión social y a su propia identidad, con el objetivo de reconciliarse consigo mismo y con quienes le rodean. ¿Lo consigue? La respuesta queda en la película, y sin lugar a duda, merece ser descubierta.

Una de las primeras cosas que llama la atención en "Maspalomas" es su montaje, claramente dividido en dos bloques. Una primera parte vibrante y luminosa que nos muestra la vida despreocupada de Vicente en el sur de Gran Canaria, y una segunda mucho más sobria, ambientada en la residencia de ancianos. Este contraste no es solo narrativo, sino también emocional, y empuja al espectador a reflexionar sobre la libertad personal, la identidad y la fragilidad de los pequeños logros sociales que a menudo damos por conquistados.

La puesta en escena de "Maspalomas" se construye como un reflejo de la vida misma: sin grandes explosiones dramáticas ni giros forzados. La película avanza desde la intimidad y el realismo, apoyándose en pequeños gestos, miradas y silencios que guían al espectador a través de una historia marcada por la identidad reprimida y la búsqueda de segundas oportunidades.

El ritmo narrativo es premeditadamente pausado, acorde a la edad y situación vital de su protagonista. "Maspalomas" no tiene prisa por llegar al desenlace, obligando al espectador a habitar en la incomodidad, la espera y el conflicto interno por el que atraviesa Vicente.

En el apartado interpretativo, el trabajo de José Ramón Soroiz resulta sobresaliente. Su Vicente es un personaje frágil y contenido, un hombre que se resiste a perder los últimos años de su vida sin poder ser fiel a sí mismo. A su lado, Nagore Aranburu construye una Nerea dura y compleja, atrapada en una relación padre-hija llena de silencios, reproches y heridas sin cerrar.

En definitiva, os podemos decir que "Maspalomas" es una película técnicamente sólida con todo puesto en favor del relato y la historia que nos quiere contar.

Por todo lo que os hemos contado, nuestra nota final para "Maspalomas" es de un 7.5 sobre 10.

“Maspalomas” – España – 2025

Dirigida por: José Mari Goenaga

Duración: 115 minutos

Género: Drama, LGTBI

Slumdog millionaire (2008) una historia de superación

Cuando uno deja pasar un éxito de taquilla y premiado en festivales, corre el riesgo de encontrarse con spoilers o, peor aún, de olvidarlo por completo. Eso fue exactamente lo que nos ocurrió con Slumdog Millionaire, una película que en su momento arrasó… pero que hemos redescubierto años después.

Estrenada en 2008 y ganadora de 8 premios Oscar, esta obra dirigida por Danny Boyle sigue siendo hoy una de esas películas imprescindibles que merece la pena ver al menos una vez en la vida.

Sinopsis de Slumdog millionaire

a historia nos lleva a la India contemporánea, concretamente al plató del programa “Who Wants to Be a Millionaire?”. Allí conocemos a Jamal Malik, interpretado por Dev Patel, un joven de origen humilde que está a punto de responder la última pregunta para ganar 10 millones de rupias.

Su presencia en el concurso genera sospechas: ¿cómo puede alguien sin estudios haber llegado tan lejos?

ras ser detenido, Jamal deberá explicar cómo conoce cada respuesta. Y lo hará a través de recuerdos de su vida: una serie de flashbacks que revelan una infancia marcada por la violencia, la pobreza y el amor.

Argumento y Narrativa

Uno de los puntos más destacados de Slumdog Millionaire es su estructura narrativa. A través de saltos en el tiempo, descubrimos:

• La muerte de su madre en disturbios religiosos
• Su supervivencia junto a su hermano Salim
• Su relación con Latika, el gran amor de su vida
• Su paso por redes criminales en Bombay

Lejos de resultar confuso, el uso de flashbacks está perfectamente integrado y aporta profundidad emocional a cada respuesta del concurso.

Reparto y actuaciones

El trabajo de Dev Patel es uno de los grandes aciertos de la película. Su interpretación logra transmitir vulnerabilidad, determinación y esperanza, conectando fácilmente con el espectador.

El resto del reparto acompaña con solidez una historia intensa y emocional.

Banda sonora, dirección y premios

La película destaca no solo por su historia, sino también por su impecable apartado técnico:

•  8 premios Oscar, incluyendo:
  • Mejor película
  • Mejor director
  • Mejor guion adaptado
  • Mejor banda sonora
  • Mejor sonido

La música y el ritmo narrativo elevan la experiencia, manteniendo la tensión y la emoción de principio a fin. 

Opinión final: ¿merece la pena ver Slumdog Millionaire? 

Sin duda. Nos encontramos ante una película que combina:

• Amor
• Acción
• Superación personal

Todo ello con una narrativa original y un ritmo que engancha desde el primer minuto.

Nuestra valoración: 8.5/10 

 

Ficha técnica de Slumdog millionaire

Título original: “Slumdog Millionarie”

Año: 2008

País: Reino Unido

Director: Danny Boyle

Duración: 123 minutos

Género: Drama