Young Hearts (2024): una película íntima y honesta sobre el primer amor

Young Hearts, dirigida por Anthony Schatteman, es una de las películas más sensibles de los últimos años sobre el primer amor, el descubrimiento de la identidad y el miedo a no ser aceptado.

Hay momentos en la vida en los que todo cambia sin que sepamos exactamente por qué. El descubrimiento del amor y de la propia identidad suele llegar acompañado de preguntas para las que nadie nos ha preparado: ¿es normal lo que siento?, ¿qué pensarán los demás?, ¿y si me rechazan?.

La película nos recuerda que descubrir nuestra orientación sexual o enamorarnos por primera vez no debería ser un camino marcado por la culpa o la incertidumbre, sino una experiencia que merece vivirse con libertad, comprensión y cariño. 

Sin embargo, Young Hearts también refleja una realidad que muchas personas conocen bien: el conflicto no siempre nace de lo que sentimos, sino del temor a cómo reaccionará el entorno.

Sinopsis de Young Hearts

Young Hearts nos cuenta la historia de Elias, un chico de 14 años cuya vida cambia cuando conoce a Alexander, un nuevo vecino de su misma edad. Lo que comienza como una amistad espontánea y llena de complicidad va despertando en Elias sentimientos que nunca había experimentado, ni con la chica con la que, oficialmente, sale, obligándole a enfrentarse a preguntas sobre su identidad y el amor.

A medida que la relación entre ambos se estrecha, Elias tendrá que lidiar con las dudas, los miedos y la presión de las expectativas sociales y familiares, mientras descubre que el primer amor puede ser tan emocionante como desconcertante.

Crítica de Young Hearts

La dirección del belga Anthony Schatteman apuesta por una puesta en escena íntima, casi pudorosa, que convierte cada gesto en un pequeño acontecimiento emocional. Su mirada es cercana pero nunca invasiva: los planos cortos, la fotografía luminosa y delicada crea un entorno donde la vulnerabilidad de los personajes es casi palpable.

Esta contención formal funciona especialmente bien en un relato sobre el despertar emocional y la identidad. El director entiende que el primer amor no necesita artificios para ser intenso: basta con observar cómo un adolescente mira al otro durante un segundo más de lo habitual. Young Hearts destaca por su honestidad emocional, una cualidad que no abunda en el cine juvenil actual, a menudo más preocupado por la espectacularidad que por la verdad.

Como aspecto menos logrado, el desarrollo de algunos conflictos e historias de personajes secundarios resultan algo superficiales, quizá podrían haberse explorado con mayor profundidad para aportar más fuerza al conjunto.

Personajes e interpretaciones

Uno de los puntos más fuertes de Young Hearts son sus interpretaciones. Marius De Saeger (Alexander) y Lou Goossens (Elias) construyen personajes llenos de matices, alejados de cualquier caricatura adolescente. Su trabajo se sostiene en la naturalidad, una cualidad que no se puede fingir: cada mirada, cada silencio, cada gesto torpe o espontáneo tiene un peso especial y contribuye a que la relación entre ambos se sienta auténtica.

Goossens, en particular, ofrece una interpretación que equilibra la confusión, la ternura y el miedo con una precisión sorprendente para su edad. De Saeger, por su parte, aporta una presencia serena que contrasta y complementa la inquietud de Elias. La química entre ambos es el motor emocional de la película; sin ella, el relato perdería gran parte de su fuerza.

Opinión 

Young Hearts es una obra pequeña en apariencia, pero grande en sensibilidad. Su apuesta por la intimidad, la contención y la verdad emocional la convierte en una película necesaria dentro de su género. No busca impactar, sino acompañar; no pretende aleccionar, sino mostrar. Y lo hace con una delicadeza que se queda en la memoria.

Una película honesta, luminosa y profundamente humana.

¿Merece la pena ver Young Hearts?

Sí. Young Hearts es una película que emociona por su honestidad y su sensibilidad. Más allá de contar una historia sobre el despertar de la orientación sexual, habla del vértigo del primer amor, del miedo al rechazo y de la importancia de aceptarse a uno mismo. Es una propuesta íntima, luminosa y profundamente humana que consigue permanecer en la memoria mucho después de que terminen los créditos.

Nota final: 8 /10.

Ficha técnica de Young Hearts

Título original: Young Hearts

Año: 2024

Director: Anthony Schatteman

Duración: 100 minutos

Género: Drama, LGTBI

La madre del novio (2005): Jennifer Lopez y Jane Fonda protagonizan una divertida guerra de suegras

Pocas relaciones familiares generan tantas anécdotas, bromas y debates como la que existe entre una persona y su suegra. Desde comentarios bien intencionados hasta pequeñas rivalidades domésticas, este vínculo ha alimentado innumerables historias en el cine, como por ejemplo en La madre del novio (2005).

No es casualidad que las películas sobre suegras y conflictos familiares sigan despertando el interés del público: todos, en mayor o menor medida, reconocemos alguna situación que nos resulta familiar, ¿verdad?

En La madre del novio (Monster-in-Law), esta dinámica se convierte en el motor de una comedia llena de situaciones disparatadas, celos, malentendidos y una inevitable lucha por el afecto del hijo perfecto. La película explota con humor los estereotipos de las relaciones entre suegras y nueras, ofreciendo momentos entretenidos y personajes que llevan al extremo una realidad que muchas familias conocen demasiado bien.

Sinopsis de La madre del novio

La madre del novio empieza presentándonos a Charlotte (Jennifer Lopez), una mujer que vive centrada en encontrar al hombre de sus sueños sin demasiado éxito. Un día, cuando menos lo espera, conoce a Kevin Fields (Michael Vartan), un exitoso cirujano e hijo de una conocida presentadora de televisión venida a menos, Viola (Jane Fonda).

Aunque no lo parezca, Viola es una auténtica pesadilla para cualquiera y más, cuando ve que puede perder a su hijo igual como ha perdido su trabajo, de un día a otro. Como quien no quiere la cosa, Viola se convierte a voluntad propia en la peor suegra del mundo con el único objetivo de retener a su hijo y alejar a Charlotte.

Como ya os podéis imaginar, Charlotte no renunciará a su amor aunque la batalla campal se intensifique ante la proximidad de la boda.

Crítica de La madre del novio

La madre del novio nos demuestra que el cine todavía puede sacar mucho partido a este clásico de las relaciones familiares. Bajo la dirección de Robert Luketic, la película apuesta por una fórmula sencilla pero bastante efectiva: enfrentar a una futura nuera con una madre incapaz de aceptar que ya no es la mujer más importante en la vida de su hijo.

El resultado es una comedia ligera que encuentra sus mejores momentos, pocos a decir verdad, en los malentendidos, las indirectas y las situaciones cada vez más disparatadas que se desarrollan a medida que se acerca la boda. La película exagera tanto el estereotipo de la suegra controladora que, por momentos, hace que las reuniones familiares más incómodas parezcan un remanso de paz.

Con todo, su argumento flojea y resulta predecible en varios momentos. Eso sí, la película cumple con lo que promete: hacer reír y recordar que las relaciones entre suegras y nueras pueden ser tan complejas como hilarantes.

Jane Fonda y Jennifer Lopez protagonizan el divertido enfrentamiento entre suegra y nuera en La madre del novio (Monster-in-Law), una popular comedia romántica de 2005.

La madre del novio se convierte en una opción ideal para quienes buscan una comedia romántica divertida, perfecta para desconectar y disfrutar de una historia sin demasiadas pretensiones.

Personajes e interpretaciones

La película encuentra su mayor fortaleza en el enfrentamiento entre Jane Fonda y Jennifer Lopez, dos actrices que convierten una premisa bastante convencional en un espectáculo lleno de chispa, ironía y situaciones tan absurdas como divertidas.

Jane Fonda se adueña de la pantalla cuando en ella aparece Viola Fields, una madre posesiva, manipuladora y completamente incapaz de aceptar que otra mujer ocupe el centro de la vida de su hijo. Convierte a Viola en una villana tan desesperante como divertida. Jane Fonda parece divertirse tanto interpretando a Viola que resulta difícil no contagiarse un poco de su entusiasmo.

Por su parte, Jennifer Lopez aporta frescura y simpatía como Charlotte, la futura nuera que debe sobrevivir a las artimañas de su suegra sin perder la paciencia ni el sentido del humor. Aunque el personaje es más convencional, Lopez funciona como el contrapunto perfecto al huracán Fonda.

Opinión y nota final

En definitiva, La madre del novio es una comedia romántica entretenida que encuentra su principal atractivo en el duelo interpretativo entre Jane Fonda y Jennifer Lopez. Aunque su guion resulta predecible y abusa de algunos tópicos del género, sigue siendo una película ideal para quienes buscan una historia ligera, divertida y repleta de conflictos familiares y situaciones disparatadas.

No es una película que revolucionara el género de la comedia romántica, pero sí una de esas cintas que siguen funcionando gracias al carisma de sus protagonistas. Y, seamos sinceros, ver a Jane Fonda declararle la guerra a Jennifer Lopez tiene bastante más gracia de la que debería.

Nota final: 5/10

Ficha técnica de La madre del novio

Título original: Monster in Law

Año: 2005

Director: Robert Luketic

Duración: 101 minutos

Género: Comedia romántica

Mientras dormías (1995), crítica y análisis

Desde la lejana navidad de 1895 cuando, podríamos decir que se inauguró oficialmente la historia del cine hasta hoy en día, el cine ha cambiado en casi todos los sentidos, desde tecnológicamente hasta en la forma como se han usado las secuencias y los planos visuales, y todo, de la mano de la constante evolución de la sociedad.

Desde casi los primeros días, con los 18 segundos de “The Kiss” en 1896, el cine romántico ha estado presente de forma constante en la historia del cine con, eso sí, hitos importantes, como en la década de los 30 y 40 del pasado siglo (en la época dorada de Hollywood), actualmente con la proliferación de historias LGTBI o en los 90, con la explosión de las comedias románticas.

Hoy, en este rincón nos centraremos en, precisamente esa época, la década de los 90 y lo haremos con una película que logró despuntar entre el aluvión de comedias románticas de esos años logrando capturar con calidez y sencillez el encanto de los encuentros más improbables.

Dirigida por el estadounidense Jon Turteltaub en 1995 y protagonizada por Sandra Bullock y Bill Pullman, la cinta “Mientras dormías” nos invita a sumergirnos en una historia de amor que, aunque empieza con un malentendido, acaba desplegando todo un abanico de emociones.

Sí, hoy en este rincón y esta crítica intentaremos explorar porque “Mientras dormías” se ha convertido en un clásico entrañable del género.

“Mientras dormías” empieza presentándonos a Lucy (a quien da vida Sandra Bullock), una solitaria vendedora de billetes de metro en una estación de Chicago. Lucy, sin más familia que su gato, vive sumida en una absoluta monotonía vital ya que, su única alegría o ilusión es ver cada día, al para ella, hombre más guapo cuando este se dirige trajeado a su trabajo, se trata de Peter Callaghan (interpretado por Peter Gallagher).

Lucy sueña cada día con conocerle un día, pero este, jamás se ha fijado en ella. Un día, hay un accidente en la estación y Peter cae a la vía tras ser empujado por unos ladrones siendo salvado de una muerte segura por Lucy.

Poco después, Lucy va al hospital donde Peter está ingresado y en coma. Aunque al no ser familia no le dan información, un malentendido con la familia del accidentado hace que estos crean que es la prometida de Peter invitándola a su casa a pasar las fiestas de Navidad.

Lo que empieza como una pequeña mentira piadosa para no herir a la familia de Peter, acaba evolucionando en un vínculo auténtico con cada uno de los miembros de la familia, especialmente con Jack (Bill Pullman), el hermano de Peter.

Jack y Lucy ante Peter en "Mientras dormías"

Poco a poco, Jack y Lucy se van conociendo y fortaleciendo su relación, tanto que acaban enamorándose aunque entre ellos hay una barrera casi insalvable, una mentira piadosa que hace que ambos se resignen a dejar pasar su amor ¿o quizá esto no sea así finalmente? Como ya os podéis imaginar, esto nos lo guardaremos celosamente.

Técnicamente os diremos que Turteltaub consigue en “Mientras dormías” crear un ambiente acogedor, intimista y a la vez optimista sin que caiga en ningún momento en lo empalagoso. Ciertamente nos parece remarcable el hecho de conseguir, mediante la sencillez de la historia un desarrollo de sus personajes con total naturalidad.

También nos ha gustado mucho de “Mientras dormías” la forma como consigue equilibrar totalmente la comedia con el drama explorando con delicadeza temas tan diversos y profundos como la soledad, el deseo de pertenecer, la importancia de la familia, etc.

Como lado más negativo, podríamos destacar que, la sencillez con la que se desarrolla “Mientras dormías” afecta por momentos en su predictibilidad, restándole así originalidad e innovación.

Interpretativamente hablando, queremos remarcar el buen trabajo de Sandra Bullock dando vida a Lucy, una mujer vulnerable, divertida y a la vez carismática con la que es muy fácil empatizar. También, para nosotros, es remarcable el trabajo de Bill Pullman con su Jack, y sobre todo, con la química que muestran entre ellos en cada secuencia.

“Mientras dormías” es una comedia romántica que, pese a sus clichés, destaca por su ternura, las interpretaciones de su elenco y su enfoque optimista sobre el amor y las relaciones humanas.

Por tanto, y por todo lo que os hemos contado, nuestra nota para “Mientras dormías” es de un 7 sobre 10.

 

 

 

Título original: “While you were sleeping” – 1995 – USA

Duración: 100 minutos

Dirigida por: Jon Turteltaub

Género: Comedia, romántica

Bridget Jones: Loca por él (2025), crítica y análisis

El personaje creado por Helen Fielding regresa a la gran pantalla con Bridget Jones: Loca por él, la cuarta entrega de una de las comedias románticas más populares de las últimas décadas.

Interpretada de nuevo por Renée Zellweger, la película nos muestra una versión más madura del icónico personaje que durante más de veinte años ha conquistado al público con su torpeza, su humor y su forma tan particular de enfrentarse al amor.

En esta ocasión, Bridget afronta una etapa completamente distinta de su vida, marcada por la maternidad, la pérdida y la necesidad de volver a creer en el amor.

Sinopsis de Bridget Jones: Loca por él

La historia nos sitúa varios años después de los acontecimientos anteriores. Bridget Jones se ha quedado viuda tras la muerte de Mark Darcy y ahora vive centrada en sus dos hijos mientras intenta reconstruir su vida personal.

Entre el trabajo, la crianza y la presión de su entorno, Bridget se encuentra en un momento de transición emocional. Sus amigos y familiares la animan a volver a abrirse al amor, lo que la llevará a explorar nuevas formas de conocer gente, incluyendo aplicaciones de citas.

En este nuevo capítulo de la saga, Bridget tendrá que equilibrar su vida como madre con la posibilidad de volver a enamorarse, enfrentándose además a las inseguridades y expectativas que llegan con la madurez.

Una Bridget Jones más madura

Una de las principales diferencias respecto a las películas anteriores es el tono. Aunque la película mantiene el humor característico de la saga, también introduce una mirada más reflexiva sobre el paso del tiempo y las segundas oportunidades.

Bridget y Roxster

La protagonista ya no es la treintañera que contaba calorías y cigarrillos en su famoso diario. Ahora es una mujer que ha vivido experiencias duras y que intenta encontrar su lugar en una nueva etapa vital.

Este cambio aporta una dimensión más emocional a la historia, sin perder la esencia de la comedia romántica.

Reparto principal

Además de Renée Zellweger en el papel protagonista, la película cuenta con un reparto que combina caras conocidas y nuevas incorporaciones:

• Hugh Grant

• Emma Thompson

• Chiwetel Ejiofor

• Leo Woodall

La mezcla de personajes clásicos con nuevas figuras ayuda a mantener el espíritu de la saga mientras se abre a nuevas dinámicas románticas y narrativas.

Una comedia romántica sobre segundas oportunidades

Más allá de las situaciones cómicas habituales, Bridget Jones: Loca por él trata temas como:

• el duelo

• la maternidad

• la presión social

• el amor en la madurez

La película nos recuerda que, incluso después de momentos difíciles, siempre existe la posibilidad de empezar de nuevo.

Valoración final

El regreso de Bridget Jones apuesta por una mezcla de nostalgia y evolución del personaje. Aunque mantiene los elementos clásicos de la saga, también intenta adaptarse a una etapa diferente de la vida de su protagonista.

Para los fans de la saga, esta nueva entrega ofrece la oportunidad de reencontrarse con uno de los personajes más queridos de la comedia romántica contemporánea.

Por todo lo que os hemos contado, nuestra nota final para “Bridget Jones. Loca por él” es de un 7.5 sobre 10.

Ficha técnica de Bridget Jones: Loca por él

Título original: Bridget Jones: Mad about the Boy

Año: 2025

Director: Michael Morris

Duración: 126 minutos

Género: Secuela, Comedia, Drama romántico

Otras partes de la saga:

"El diario de Bridget Jones"

"Bridget Jones. Sobreviviré"

"Bridget Jones's baby"

En la Toscana

Si hay un paisaje que todo el mundo reconoce, haya o no tenido el placer de descubrirlo en persona, es el de la región italiana de la Toscana, con sus pueblos situados en lo alta de colinas, sus caminos y carreteras rodeadas de cipreses y de extensos campos conforman uno de los paisajes más bellos del mundo.

A lo largo de los últimos años, son múltiples las películas que se han aprovechado de estos paisajes para dar, como mínimo, algo inmejorable a sus producciones, os hablamos de “Una habitación con vistas”, “El paciente inglés”, “La vida es Bella”, “El sueño de una noche de Verano”, “Bajo el sol de la Toscana” y podríamos continuar la lista, aunque hoy, en esta entrada nos centraremos en una de las últimas, la producción sueca: “En la Toscana” de 2022.

“En la Toscana” empieza presentándonos a su protagonista, Theo (interpretado por Anders Matthesen), un prestigioso y perfeccionista chef danés. Theo tiene en su mente, y en su lucha diaria, encontrar el dinero suficiente para poder abrir su propio restaurante, aunque como nos dejan bien claro en las primeras secuencias, su propio carácter aleja con el rabo entre las patas a todos los posibles inversores.

Después de perder a un posible inversor, Theo recibe la notificación de que su padre, con el que no se llevaba nada bien, murió hace unas semanas en la región italiana de la Toscana y que, le ha dejado en herencia un viejo castillo con un restaurante en dicha región.

Aunque de buenas a primeras no quiere saber nada de su difunto padre ni de su herencia, la necesidad de tener dinero suficiente para adquirir su restaurante en propiedad le hace repensar y plantearse un viaje fugaz a la Toscana para vender de forma rápida la propiedad para así obtener el dinero para sus planes.

El primer contacto con el castillo no puede ser más desalentador ya que, por su carácter obstinado pronto choca con todos. Al poco de llegar conoce a Sophia (a quien interpreta Cristina Dell’Anna) una mujer que, considera el castillo como su propia casa y quien, además, se casará próximamente.

Con el paso de los días, y con el recuerdo de su padre en mente, el deseo de vender de Theo se incrementa a la vez que, su amistad con Sophia sigue los mismos pasos, aunque a ella, lo de la venta le parece realmente mal. Al final, aparece un comprador que está dispuesto a ofrecer algo menos de lo que se pide por el Castillo, pero ante la inminencia de la boda de Sophia en el propio castillo, Theo le ofrece un trato al comprador, si dicha boda sale bien, pagará por encima del precio pactado, si sale mal, Theo aceptará la oferta a la baja.

Sophia con el Chef Theo  

Como es obvio, la boda sale a pedir de boca y Theo, vende el castillo/restaurante al comprador y vuelve a Suecia con el dinero. Aunque muy pronto, se da cuenta que, quizá, con ese dinero podría hacer algo en otro sitio que no fuera Suecia, aunque claro, esto, como ya os podéis imaginar nos lo reservaremos para nosotros.

Técnicamente, “En la Toscana” nos encontramos ante una de esas películas que, desgraciadamente, no destaca por ningún aspecto técnico. Argumentalmente, nos encontramos con una película que, a los pocos minutos te ha marcado completamente por donde irá y casi, cuál será su desenlace. Más acertado, tenemos el ritmo narrativo, sereno y pausado, que acompañan perfectamente con la belleza natural de la Toscana italiana.

Interpretativamente hablando os diremos que, todos sus intérpretes continúan exactamente la ruta marcada en lo que os hemos contado en el punto anterior ya que, absolutamente todos, tanto protagonistas como secundarios están bien, cumpliendo con sus personajes y transmitiéndonos sus sentimientos y las consecuencias de sus actos.

“En la Toscana” es una de esas películas sencillas que, pese a no ser, ni de lejos, una obra maestra del cine se deja ver y, por sus paisajes, se acaba disfrutando. Por todo lo que os hemos contado, nuestra nota final para “En la Toscana” es de un 5.5 sobre 10.

Título original: “Toscana” – 2022 – Suecia

Duración: 90 minutos

Dirigida por: Mehdi Avaz

Género: Drama, Romántica

Violet y Finch (2020), críticas y análisis

Las personas tenemos, en muchas ocasiones, una forma curiosa de enfrentarnos a los problemas o a las dificultades que la vida coloca en nuestro camino. A veces nos quedamos atrapados en nuestros miedos, intentando resolver el pasado o anticipar un futuro totalmente incierto, mientras lo más importante se nos escapa entre los dedos: el presente.

Si a todo esto le sumamos un trauma del pasado, la situación puede complicarse todavía más. La mochila emocional que cargamos puede llegar a pesar tanto que, en ciertos momentos, resulta difícil avanzar en el día a día.

El cine ha abordado esta realidad en numerosas ocasiones, y una de las películas que trata este tema es “Violet y Finch”, el drama juvenil de Netflix basado en la novela homónima de Jennifer Niven, publicada en 2014.

De qué trata "Violet y Finch"

La trama de “Violet y Finch” comienza presentándonos a Violet Markey, interpretada por Elle Fanning, una joven que vive en un pequeño pueblo de Indiana. Violet arrastra un fuerte trauma del pasado que la ha dejado emocionalmente devastada.

La primera vez que la vemos está subida a la barandilla de un puente, contemplando una decisión desesperada. En ese momento aparece Theodore Finch, personaje interpretado por Justice Smith, quien pese a sus propios problemas consigue convencerla para que baje.

Este encuentro marca el inicio de una relación que cambiará la vida de ambos.

Dos jóvenes marcados por el trauma

Violet y Finch comparten varias cosas en común. Ambos estudian en el mismo instituto y los dos viven con profundos traumas psicológicos que les dificultan disfrutar de la vida.

Violet no ha superado la muerte de su hermana en un accidente de tráfico ocurrido nueve meses antes. Finch, por su parte, es un joven solitario que a veces desaparece durante días sin dar explicaciones.

Poco después de conocerse en el puente, un trabajo escolar obliga a Violet a formar equipo con un compañero para investigar algunos de los lugares más emblemáticos del estado de Indiana.

Aunque Violet no quiere relacionarse con nadie, Finch logra convencerla para hacer el proyecto juntos.

Un viaje emocional por Indiana 

A partir de ese momento, “Violet y Finch” nos propone un viaje tanto físico como emocional. Mientras recorren distintos lugares de Indiana para completar su trabajo escolar, ambos comienzan a conocerse mejor.

Finch ayuda a Violet a abrirse poco a poco al mundo y a superar su dolor. Incluso consigue que vuelva a subirse a un coche para visitar una pequeña montaña rusa situada lejos de su casa. 

Con el tiempo, la relación entre ambos evoluciona y termina convirtiéndose en una historia de amor.

 

Violet y Finch en el lago

Sin embargo, Finch también arrastra una historia complicada. Durante una escena en un lago cercano, Violet descubre parte del trauma del joven: Finch sufrió abuso y violencia física por parte de su padre. Este pasado le provoca episodios en los que siente que pierde el control y necesita desaparecer durante un tiempo para no repetir ese comportamiento.

Tras una pelea en la escuela con el exnovio de Violet y problemas en casa, Finch vuelve a desaparecer. Violet, siguiendo los consejos de su padre, decide buscarlo recorriendo los lugares que ambos visitaron durante su proyecto.

Hasta aquí podemos contar de la historia de “Violet y Finch” sin desvelar más detalles de la trama.

Opinión y crítica de la película "Violet y Finch"

Técnicamente, “Violet y Finch” nos ha sorprendido positivamente. Al encontrarla en el catálogo de Netflix, esperábamos una comedia romántica juvenil típica de la plataforma (similar a “A todos los chicos de los que me enamoré”) pero nos encontramos con una película más profunda y emocional.

La película construye una historia sobre dos jóvenes muy diferentes unidos por sus traumas personales. En la primera parte del film vemos cómo Finch ayuda a Violet a superar su dolor, mientras apenas conocemos el pasado del chico. En la segunda mitad descubrimos los problemas de Finch y su lucha interna.

Todo esto se mezcla con la relación sentimental que nace entre ambos.

Otro aspecto interesante es el montaje de la película, que combina el viaje introspectivo de los protagonistas con un recorrido físico por distintos lugares de Indiana.

Las interpretaciones de Elle Fanning y Justice Smith

En el apartado interpretativo, Elle Fanning destaca especialmente en “Violet y Finch”. La actriz consigue transmitir el sufrimiento de Violet, su proceso de sanación y su evolución emocional.

Por su parte, Justice Smith ofrece una actuación correcta, aunque algo menos empática que la de su compañera. Aun así, la química entre ambos actores funciona y ayuda a transmitir la intensidad romántica de la historia.

Conclusión: una historia sobre amor y salud mental  

En definitiva, “Violet y Finch” es una película que nos ha gustado, especialmente por las reflexiones que plantea sobre la importancia de la salud mental y la forma en la que las personas afrontan sus traumas.

Se trata de un drama juvenil que va más allá del romance adolescente y que intenta mostrar la complejidad emocional de sus protagonistas.

Por todo ello, nuestra valoración final para “Violet y Finch” es de 7 sobre 10.

Ficha técnica de Violet y Finch

Título original: All the bright places

Año: 2020

Director: Brett Haley

Duración: 107 minutos

Género: Drama, romántico, LGTBI

A dos metros de ti

Hoy en día, con toda la “Generación Z” o “centenials” llegando a su edad adulta está, y teniendo en cuenta que, para la mayoría ha cambiado la forma de comunicarse e interactuar, la mayoría de las personas nos damos cuenta otra cosa que también ha cambiado, el concepto del “amor a distancia”.

Si hace años pensar en una relación amorosa en que ambas personas estuvieran separadas a más de una hora de distancia era pensar en una relación abocada al fracaso, actualmente esto ha dado un giro como un calcetín. Cada día que pasa y gracias a las redes sociales y la interconexión a todos los niveles, nuestro mundo se ha hecho cada vez más pequeño.

Muchos de los centenials, pueden enamorarse de otras personas a largas distancias sirviéndoles para mantener la llama del amor, únicamente una imagen o unas palabras de forma regular. Para el resto de los mortales, el contacto con los cinco sentidos es algo imprescindible en cualquier relación y más si esta es amorosa.

Siguiendo esta premisa, al poco de estallar la pandemia de COVID-19, se estrenó un drama romántico que nos narra varias fases del amor entre dos jóvenes con una vida marcada por una extrema complejidad, os estamos hablando de “A dos metros de ti”.

“A dos metros de ti” empieza presentándonos a Stella Grant (interpretada por Haley Lu Richardson), una joven adolescente de 17 años que lleva una vida marcada por el control, las rutinas, la monotonía y la grabación de videos donde explica sus experiencias en el manejo y tratamiento de la enfermedad que sufre, fibrosis quística.

Stella pasa la mayoría de su tiempo ingresada en el hospital, alejada de lo que sería la vida de una joven de 17 años, siendo su único capricho ir a ver a los neonatos del hospital mientras espera que llegue un pulmón compatible. Un día, su vida se cruza con un joven encantador, Will Newman (interpretado por Cole Sprouse) quien, como ella, sufre de fibrosis quística, aunque a diferencia suya, tiene una infección que le impide ser receptor de unos pulmones que le garantizarían 5 años más de vida, por este motivo, no confía en su recuperación ni en las rutinas o protocolos que les marcan desde el hospital.

Cuando Bárbara se entera de la amistad de ambos jóvenes pronto les recuerda la norma por la cual, entre ellos tiene que haber siempre como mínimo 2 metros de distancia para evitar contagios entre ellos. Aunque de entrada son antagónicos, poco a poco van descubriendo cosas del pasado de cada uno y, a la vez que van entendiendo sus reacciones se van enamorando.

Las ganas de estar juntos y compartir su tiempo hace que Stella y Will lleguen a un pacto que beneficia a ambos, Will seguirá el protocolo marcado por el hospital para tranquilizar a Stella y esta posará para que Will la dibuje.

A los pocos días, los chicos celebran el 18 cumpleaños de Will con la ayuda de Poe, otro chico con fibrosis quística que a la vez es el mejor amigo de Stella invitando a varias amistades de Will.

Will y Stella viviendo "a dos metros de ti"

A la mañana siguiente, Poe muere haciendo que Stella reaccione, descubriendo que está echando a la basura una vida que no sabe si la mañana siguiente la tendrá o no. Como reacción, le pide a Will que la acompañe a la ciudad para ver las luces de Navidad a escondidas del personal del hospital.

En su viaje a la ciudad, Stella da la mano (con guantes) a Will, hacen un ángel en la nieve y patinan en un estanque helado, y todo esto, mientras en el hospital reciben el aviso que tienen unos pulmones compatibles con Stella aunque esta no parece muy dispuesta a escuchar la propuesta.

¿Aceptará Stella los pulmones que han recibido en el hospital? ¿Conseguirá llegar al hospital a tiempo? Y si se opera, ¿saldrá exitosa de la complicada intervención? Como ya os podéis imaginar, nosotros sabemos la respuesta a estas y otras preguntas, pero nos las reservaremos para nosotros, porque el final de “A dos metros de ti” es realmente emotivo.

Técnicamente os diremos que “A dos metros de ti” tiene un montaje realmente bueno y una banda sonora que encaja completamente con la historia que nos cuenta. En el lado contrario de la balanza os diremos que “A dos metros de ti” tiene un hándicap que le lastra el resultado final y este no es otro que, se centra tanto en el protocolo que siguen los enfermos de fibrosis quística que, toda la trama gira a su alrededor dejando poco o casi nada a la sorpresa.

La falta de sorpresa no impide que la carga romántica entre Will y Stella brille en cada secuencia, aunque todos tenemos muy claro que su amor es imposible por culpa de la enfermedad que sufren, una enfermedad que nos muestra a todos, la importancia de la gestión del tiempo ya que este, pasa y no vuelve.

Interpretativamente hablando, “A dos metros de ti” cuenta con dos jóvenes intérpretes que desprenden una magia especial, Haley Lu Richardson y Cole Sprouse. Haley Lu Richardson ejecuta una gran actuación siendo capaz, con cercanía, de transmitirnos el sufrimiento de su personaje, tanto en la enfermedad como en el amor hacia Will. Mientras Cole Sprouse, aunque no está tan brillante como Haley sí que es solvente con su papel

Por todo lo que os hemos contado, y pese a que “A dos metros de ti” no es una obra maestra, sí que es una película que te acaba marcando, por tanto, nuestra nota final para ella es de un 7 sobre 10.

Título original: “Five feet apart” – 2019 – USA

Dirigida por Justin Baldoni

Duración: 116 minutos

Género: Drama, Romántico

 

 

Elemental

La industria del cine es cada vez más incomprensible. Aunque raras veces un éxito de crítica ha acompañado a un auténtico éxito comercial, durante muchos años los éxitos comerciales eran casi telegrafiados al público con meses de antelación, sobre todo si hablamos de las producciones del entramado de empresas del gigante californiano Disney.

Las múltiples secuelas de Star Wars se estrenaban como churros con éxito intratable, al igual que lo hacían las cintas del universo Marvel y, porque no decirlo, Pixar agrandaba su imagen de genios de la animación digital con fabulosos originales explorando la mentalidad humana y sus tribulaciones.

El paso de los años, la popularización de las plataformas digitales y, obviamente, la llegada del COVID19, han supuesto un cambio en el mundo del cine, en el cual, pocas producciones triunfan (algunas ni se llegan a estrenar en las salas) y ya, predecir un éxito comercial y de crítica parece lejos de cualquiera.

Este 2023, y fiel a su cita de verano, Pixar ha estrenado su apuesta anual de animación digital, recibiendo algunas críticas profesionales y sin llegar a arrasar en la taquilla, os estamos hablando de su cinta número 27 titulada “Elemental”.

“Elemental” empieza presentándonos a Bernie y Cinder Lumen abandonando su ciudad para dirigirse a una gran metrópolis llamada Ciudad Elemento donde ya de buenas a primeras deberán enfrentarse al rechazo y a la xenofobia de los otros habitantes de la ciudad, todos pertenecientes a otros elementos básicos, mientras los Lumen pertenecen al fuego, hay habitantes del agua, de la tierra y del aire.

Los Lumen encuentran su lugar en los suburbios de la ciudad donde además de crear una tienda de comestibles, crean también su familia con su pequeña hija, Candela, una niña ingeniosa, fuerte y con mucho carácter.

Con el paso del tiempo, Bernie le va inculcando a Candela el oficio de regentar la tienda de comestibles, aunque la chica no acaba de controlar ni su carácter ni sus chispeantes dotes sociales con los clientes lo cual, acaba suponiendo un problema para ellos ya que, aunque Bernie se quiere jubilar este no ve que su hija se pueda hacer cargo del negocio.

Un día, en una explosión de Candela, las tuberías de la tienda empiezan a no poder aguantar la presión del agua y empiezan a reventar llevando al lugar a un nuevo habitante de Ciudad Elemento, al joven Nilo perteneciente al agua. Nilo es un chico tranquilo, divertido, sensible y, por desgracia de los Lumen, inspector de aguas.

Candela y Nilo

Cumpliendo con su trabajo Nilo entrega un informe que, aunque intenta ser intervenido por Candela, acaba provocando un aviso de cierre de la tienda. Pronto la bondad de Nilo sale a relucir y se alía con Candela para intentar solucionar el problema llegando hasta su supervisora, la exigente Gale (perteneciente al grupo del aire) quien les da una semana para encontrar el problema y solucionarlo.

La búsqueda del problema llevará a nuestra pareja a un recorrido por Ciudad Elemento, una profundización en su conocimiento mutuo y el descubrimiento que, aunque diferentes uno puede a aportar al otro mucho más de lo que, a primera vista, podría parecer.

Os podríamos contar mucho más del argumento y desenlace de “Elemental”, pero, realmente no es necesario pues creemos que es una película que merece la pena ser vista.

Sin llegar a ser destruida por la crítica como “Luca” o incluso “Lightyear”, “Elemental” ha recibido de la crítica profesional calificativos como “animación obsoleta” o “Pixar ya no sorprende”, para nosotros, a todas luces, unas críticas injustas.

Si que es verdad que, durante unos años, Pixar era sinónimo de sorpresa, de crear genialidades de animación para adultos y ahora, se han vuelto algo más familiares (como por otro lado, se les pedía en sus buenos tiempos). Con todo, esta “Elemental” ha sido, un poco, una vuelta a la casilla de salida, ya que nos ha presentado una cinta capaz de entretener (con mucho humor), de emocionar y, sobre todo, con la madurez suficiente para provocar ese dolor que solo pueden captar los espectadores que han vivido más.

“Elemental” es una película sólida, con una técnica espectacular que, sinceramente, solo está a la altura de Pixar y además es capaz además de hacernos empatizar con unos elementos que nos hablan de la importancia de mantener vivas las tradiciones, de luchar contra el racismo, del miedo a no estar a la altura que esperan de nosotros nuestros padres, la valoración personal, etc.

Para nosotros, “Elemental” no es una de las mejores cintas de Pixar, pero sí que es una película que está a muy buen nivel y con la que es muy fácil implicarse, pensar y sin demasiado esfuerzo hasta llorar.

Por todo lo que os hemos contado, nuestra nota final para “Elemental” es un 7.5 sobre 10.

Título original: “Elemental” – USA – 2023

Dirigida por: Peter Sohn

Duración: 101 minutos

Género: Animación

 

El diario de Noel

La Navidad, esa época del año, en teoría, llena de magia y de ilusiones creada en torno al nacimiento de Jesucristo donde es tradición, en gran parte de la sociedad occidental, decorar nuestras casas y nuestras calles con cientos de luces de distintos colores y formas para demostrar la felicidad que embarga nuestras vidas entre constantes reuniones familiares, celebraciones y regalos, como mínimo durante estos días, comprendidos entre el 25 de diciembre y el día de Reyes.

Desgraciadamente, esta imagen tan idealizada de la Navidad choca, muchas veces, con la cruda realidad. Para empezar, en muchas ocasiones las familias ya no están completas y quienes faltan son importantes para la felicidad y la magia imperante estos días, en otras ocasiones, pese a estar completas, no son tan ideales como poder estar juntos, hablar y recordad sin discutir o sacar rencillas del pasado. Lo que no falla nunca en la época de Navidad, eso sí, es una potente campaña comercial para que, como mínimo se pueda y deba comprar una pizca de efímera felicidad en forma de regalos.

Como no podía ser de otra forma, la industria de la literatura y del cine no podía quedar al margen de esta época tan señalada, y durante años ha creado obras para intentar, desde diferentes géneros, aproximar varias de las formas de vivir la Navidad, la mayoría de ellas con un toque romántico.

A finales del 2022 llegó al catálogo del gigante de streaming Netflix la adaptación de una novela de Richard Paul Evans publicada en 2017 titulada, como la misma película, “El diario de Noel” que es la cinta que hoy os comentaremos en este rincón.

“El diario de Noel” empieza presentándonos al famoso y solitario escritor de éxito, Jake Turner (a quien da vida Justin Hartley). Pocos días antes de Navidad, y cuando ha decidido pasarla en solitario junto a su perra Ava, recibe la llamada del abogado y albacea de su madre, quien le indica que esta murió días atrás debiendo hacerse cargo de sus pertenencias.

Pocos días después, y preparado para remover el pasado, Jake va a la casa que le vio crecer, la casa de su difunta madre encontrándosela completamente llena de trastos, así que, con paciencia toma la determinación de, habitación tras habitación, limpiarla y ponerla al día.

Mientras limpia, y al otro lado de la calle observa a una chica quien, misteriosamente no deja de mirar hacia a la casa. Pocos días después, descubre que es Rachel (interpretada por Barrett Doss), una joven prometida con un contable que, curiosamente ha iniciado un viaje a su pasado como ha hecho el propio Jake, ya que ella, está buscando sus orígenes, quiere conocer a su madre biológica de la que, únicamente sabe que, años atrás había trabajado de canguro en casa de los Turner.

Como Jake ni la recuerda, y la vecina, amiga de la familia sí la recuerda, pero desconoce su nombre y su residencia por tanto, no le queda más remedio que remitirles a la única persona que puede recordarlo, Scott Turner, el padre de Jake. El único problema es que padre e hijo llevan sin hablarse y sin contacto más de 30 años, por lo que, inicialmente, Jake se niega a tirar de ese hilo.

Cuando ve que Rachel no lo dejará ahí, coge a Ava y los tres cruzan el estado en busca de Scott y de información sobre la madre de Rachel. Curiosamente, por el camino, Rachel descubre un diario escrito por Noel, su madre. En el diario habla de su embarazo, de su vida en casa de los Turner y del hecho que aconteció allí con el hermano de Jake.

Rachel, Ava y Jake camino de sus orígenes

Cuando llegan a la cabaña de Scott, y pese a la tensión que se respira entre padre e hijo, ambos hablan y descubren que ninguno de los dos tenía la verdad absoluta, haciendo así las paces. Otra cosa que obtienen de allí, es una dirección, la última donde contactó con Noel años atrás.

Durante su vuelta, los sentimientos entre Rachel y Jake cambian, haciendo tambalear incluso el compromiso de esta Rachel con su novio, aunque, como ya os podéis imaginar, eso y si encuentran o no a Noel, nos lo guardaremos celosamente.

No os vamos a engañar, técnicamente “El diario de Noel” no es una película que vaya a pasar a los anales de la historia del cine, es más, posiblemente dentro de unos años, no la recordaremos, pero tiene un punto especial, con ella, han conseguido hacer una historia buenista de una pareja, inicialmente de desconocidos, que, por motivos diferentes deberán volver a su infancia para solucionar ciertos problemas, y lo harán durante una época especial para las familias, la Navidad.

¿La podemos catalogar como una película de Navidad? Pues la verdad, escapa un poco del típico de las películas románticas de Navidad, sí que es verdad que el tema romántico está, pero tiene mucha más fuerza la contraposición de caracteres entre los dos protagonistas en busca de algo común, sus orígenes, la una, biológicos y el otro, para arreglar problemas que le han marcado la vida, y todo enmarcado en un bucólico viaje con perro y nieve.

Interpretativamente hablando os diremos que “El diario de Noel” nos ha sorprendido positivamente pues, la química que hay entre Justin Hartley y Barrett Doss es patente en cada secuencia, haciendo que, lo que podría haber sido un drama romántico simplón vaya mucho más allá, haciéndose ambos con sus personajes y haciéndonos que reflexionemos sobre la soledad, la pérdida de nuestros seres queridos y como no, el perdón.

Por todo lo que os hemos contado, nuestra nota final para “El diario de Noel” es de un 6.5 sobre 10.

Título original: “The Noel Diary” – 2022 – USA

Dirigida por: Charles Shyer

Duración: 99 minutos

Género: Drama, romántico.

 

 

Con amor, Víctor - Temporada 2

Hace muy poco tiempo os contábamos nuestras impresiones sobre el spin-off de la notable cinta “Con amor, Simon”, la serie de Hulu (en España distribuida por la plataforma de streaming Disney+) “Con amor, Víctor”.

Como el estreno en nuestro país de dicha serie se demoró más de lo esperado (vaya, hasta la incorporación de Star en la plataforma Disney+), muy poco tiempo después de la finalización de la emisión de la primera temporada “Con amor, Víctor”, se inició la emisión de su segunda temporada, la cual, os reseñaremos en esta entrada.

La segunda temporada de “Con amor, Víctor” empieza poco tiempo después de la salida del armario de Víctor (Michael Cimino) con su familia y coincidiendo con la vuelta al instituto tras el descanso veraniego.

Los primeros días del nuevo curso son complicados para Víctor ya que, debe enfrentarse a varias situaciones provocadas por su salida del armario, la primera de ellas hace referencia a la relación con su antigua ex, Mia, quien ha pasado el verano alejada de todos recomponiendo su corazón, también la integración de Víctor con el equipo de baloncesto del instituto es complicada ya que varios de sus compañeros no aceptan que se duche con ellos lo cual acaba provocando que deje el equipo.

Por suerte para Víctor, a su lado tiene a un Benji (George Sear) incondicional quien le apoya en sus decisiones y le respeta sus indecisiones, y también a la nueva pareja del momento, su vecino Félix y Lake quien durante los primeros capítulos hará de nexo de unión entre el grupo y Mia.

Como los problemas en casa de Víctor no ceden (a la separación de sus padres se une el rechazo de Isabel, su madre, a aceptar la homosexualidad de su hijo) y en casa de Félix parecen aumentar sin control (su madre debe ser internada y tratada de un trastorno psiquiátrico), Benji decide organizar un fin de semana en una casa que tiene su familia en un lago, invitando lógicamente a Víctor y los amigos comunes (Félix, Lake, Mia, Andrew).

A la vuelta del fin de semana, un nuevo personaje entra en escena, Rahim (Anthony Keyvan) un chico de ascendencia iraní que tomando ejemplo de Víctor (como este hizo en su momento con Simon), se pone en contacto con este para que le guie en su proceso de salida del armario.

Con el paso de los capítulos las situaciones van cambiando ya que, mientras las madres de Víctor y Félix avanzan en sus respectivos problemas, ellos deben afrontar algunos cambios en sus vidas ya que, tanto Félix como Víctor verán como sus relacionas tambalean teniendo que escoger el camino a seguir con ellas, aunque como ya os podéis imaginar, nosotros no os contaremos cual es.

Benji y Víctor atraviesan un proceso de crecimiento como pareja.

Argumentalmente, no os vamos a engañar, esta segunda temporada de “Con amor, Víctor” nos ha parecido un paso atrás respecto a la temporada de su estreno. Oficialmente, entendemos que querían crear una temporada más adulta, aunque bajo nuestro punto de vista, se ha caído en el uso y abuso de los clichés del mundo LGTB (por ejemplo: un gay no puede tener amigos de su misma orientación ya que siempre se acabarán liando).

En el equipo, esta segunda temporada de “Con amor, Víctor” nos ha parecido precipitada, abriendo muchos temas, pero no entrando en detalle en ninguno, y esto afecta tanto a las tramas principales como a las secundarias, recordándonos con ello, a la típica serie adolescente hecha en churrera.

Desde el punto de vista interpretativo, nos gustaría comentar que, gran parte del casting continúa desarrollando su trabajo como un reloj, dando credibilidad a las historias que nos cuentan y proximidad a sus problemas, pero la precipitación de esta segunda temporada ha afectado y mucho a dos personajes, el de Benji y el de Rahim. El primero de ellos sufre un cambio de carácter totalmente inexplicable y el segundo adolece totalmente de profundidad y construcción.

Por todo lo que os hemos contado, no nos queda más remedio que valorar de forma muy justa esta segunda temporada de “Con amor, Víctor”, aprobándola por los pelos. Nuestra nota final para ella, es de un 5 sobre 10.

“Love, Victor” – 2021 – USA

Año de creación: 2020

Año de finalización: 2021 (segunda temporada)

Duración: 20 capítulos (de unos 30 minutos

Con amor, Víctor - Temporada 1

Desde hace años, cuando hay un éxito inesperado, la industria de Hollywood lo tiene claro, hay que buscar la forma de continuar estirando el chicle, ya sea con secuelas o precuelas, ya sea inventándose un spin-off con alguno de los personajes principales o de sus historias. Con la popularización de las plataformas de streaming esto no solo no ha cambiado, sino que, además, ha abierto la puerta a continuar historias que empezaron en la gran pantalla, en la pequeña y en forma de serie.

Uno de los últimos casos ha sido el aprovechamiento del éxito de crítica y comercial de la primera película que daba todo el protagonismo a un adolescente que tenía que afrontar sus miedos en su salida del armario. Corría el año 2018, y os hablamos de “Con amor, Simon”.

Dos años más tarde, en 2020, se estrenó en Estados Unidos (a través de la plataforma Hulu) una serie basada en dicha cinta, titulada: “Con amor, Víctor”. Unos meses más tarde y coincidiendo con el lanzamiento mundial de Star dentro de Disney+, esta serie ha llegado a nuestras pantallas y hoy, os contamos nuestra opinión.

“Con amor, Víctor” empieza presentándonos a la familia Salazar llegando a Atlanta desde Texas, son Armando e Isabel, los padres, y Víctor (Michael Cimino) Pilar y Adrián, los hijos. Muy pronto, Víctor entabla amistad con Félix, su vecino y unos de los alumnos más poco populares del instituto Creekwood.

En sus primeros días en Creekwood, Víctor conoce a Mía (una apasionada del arte) y a su amiga Lake (una forofa de las redes sociales) con quien forma grupito, aunque por quien siente una potente atracción es con Benji Campbell, su compañero de clase.

A partir de este momento se iniciarán un conjunto de tramas en las que Víctor deberá ir deshojando la margarita de su sexualidad, apuntando en muchas ocasiones hacia la bisexualidad, ya que, aunque se enamora profundamente de Mia y empieza a salir con ella, nunca puede quitarse de la cabeza a Benji.

Paralelo a todo esto, Víctor de entera de la historia de un célebre exalumno de Creekwood, Simon, un chico que años antes se hizo popular por mostrar y aceptar su sexualidad ante todos. Como vive en un mar de dudas, Víctor se pone en contacto con Simon a través de una red social y este le irá dando consejos en base a sus propias experiencias.

Incapaz por decidirse, Víctor inicia un noviazgo con Mia, a la vez que sus dos amigos, Félix y Lake inician también una tóxica relación que poco a poco les va abriendo los ojos. Con todo, Víctor no se siente preparado para tener relaciones sexuales con Mia, sembrando con eso la duda entre las chicas, duda que a su vez mantiene también el propio Víctor con sus deseos hacia Benji aunque este tenga novio.

La tensión entre Víctor y Benji es palpable en cada escena

Poco más os vamos a contar del argumento de la primera temporada de “Con amor, Víctor”, salvo que, para descubrirse, o intentarlo, Víctor viajará hasta Nueva York, donde se reunirá con Simon (a quien da vida el mismo Nick Robinson que le interpretó en “Con amor, Simon”) y sus amigos, aunque, ¿este viaje tendrá el resultado esperado?

Técnicamente “Con amor, Víctor” es un spin-off con poquísimo riesgo y con, además, poquísima originalidad. La historia parte de los mismos patrones que ya usó “Con amor, Simon” añadiéndole dos nuevos ingredientes; la racialización de Víctor y su familia (las referencias a sus raíces portorriqueñas son constantes los primeros capítulos) y la apuesta por la bisexualidad como medio de indefinición del protagonista. Con todo, ambas historias pierden fuelle con el paso de los capítulos siguiendo la estela de lo que pasó en la película original, aunque sin llegar nunca a su nivel.

En cuanto a las interpretaciones, y bajo nuestro punto de vista, “Con amor, Víctor” peca en exceso de una falta de definición de sus personajes, haciendo que los trabajos de sus intérpretes queden encorsetados en una indefinición demasiado marcada, todo esto a excepción, obviamente, de Víctor Salazar donde ahí sí, Michael Cimino se hace amo y señor de cada escena en la que es protagonista.

No os vamos a engañar, “Con amor, Víctor” no es una mala serie, aunque quizá, se le nota demasiado el puritanismo americano, dejando esta primera temporada como una serie bonita de ver, pero sin profundidad en las tramas ni en los personajes, cosa que sí tenía su predecesora.

Por todo lo que os hemos contado, nuestra nota para esta primera temporada de “Con amor, Víctor” es de un 6.5 sobre 10.

 

Título original: “Love, Victor ” - 2020 – USA

Año de creación: 2020

Año de finalización: 2020 (primera temporada)

Duración: 10 capítulos (de unos 30 minutos cada uno)

Género: Drama, Comedia