Young Hearts (2024): una película íntima y honesta sobre el primer amor

Young Hearts, dirigida por Anthony Schatteman, es una de las películas más sensibles de los últimos años sobre el primer amor, el descubrimiento de la identidad y el miedo a no ser aceptado.

Hay momentos en la vida en los que todo cambia sin que sepamos exactamente por qué. El descubrimiento del amor y de la propia identidad suele llegar acompañado de preguntas para las que nadie nos ha preparado: ¿es normal lo que siento?, ¿qué pensarán los demás?, ¿y si me rechazan?.

La película nos recuerda que descubrir nuestra orientación sexual o enamorarnos por primera vez no debería ser un camino marcado por la culpa o la incertidumbre, sino una experiencia que merece vivirse con libertad, comprensión y cariño. 

Sin embargo, Young Hearts también refleja una realidad que muchas personas conocen bien: el conflicto no siempre nace de lo que sentimos, sino del temor a cómo reaccionará el entorno.

Sinopsis de Young Hearts

Young Hearts nos cuenta la historia de Elias, un chico de 14 años cuya vida cambia cuando conoce a Alexander, un nuevo vecino de su misma edad. Lo que comienza como una amistad espontánea y llena de complicidad va despertando en Elias sentimientos que nunca había experimentado, ni con la chica con la que, oficialmente, sale, obligándole a enfrentarse a preguntas sobre su identidad y el amor.

A medida que la relación entre ambos se estrecha, Elias tendrá que lidiar con las dudas, los miedos y la presión de las expectativas sociales y familiares, mientras descubre que el primer amor puede ser tan emocionante como desconcertante.

Crítica de Young Hearts

La dirección del belga Anthony Schatteman apuesta por una puesta en escena íntima, casi pudorosa, que convierte cada gesto en un pequeño acontecimiento emocional. Su mirada es cercana pero nunca invasiva: los planos cortos, la fotografía luminosa y delicada crea un entorno donde la vulnerabilidad de los personajes es casi palpable.

Esta contención formal funciona especialmente bien en un relato sobre el despertar emocional y la identidad. El director entiende que el primer amor no necesita artificios para ser intenso: basta con observar cómo un adolescente mira al otro durante un segundo más de lo habitual. Young Hearts destaca por su honestidad emocional, una cualidad que no abunda en el cine juvenil actual, a menudo más preocupado por la espectacularidad que por la verdad.

Como aspecto menos logrado, el desarrollo de algunos conflictos e historias de personajes secundarios resultan algo superficiales, quizá podrían haberse explorado con mayor profundidad para aportar más fuerza al conjunto.

Personajes e interpretaciones

Uno de los puntos más fuertes de Young Hearts son sus interpretaciones. Marius De Saeger (Alexander) y Lou Goossens (Elias) construyen personajes llenos de matices, alejados de cualquier caricatura adolescente. Su trabajo se sostiene en la naturalidad, una cualidad que no se puede fingir: cada mirada, cada silencio, cada gesto torpe o espontáneo tiene un peso especial y contribuye a que la relación entre ambos se sienta auténtica.

Goossens, en particular, ofrece una interpretación que equilibra la confusión, la ternura y el miedo con una precisión sorprendente para su edad. De Saeger, por su parte, aporta una presencia serena que contrasta y complementa la inquietud de Elias. La química entre ambos es el motor emocional de la película; sin ella, el relato perdería gran parte de su fuerza.

Opinión 

Young Hearts es una obra pequeña en apariencia, pero grande en sensibilidad. Su apuesta por la intimidad, la contención y la verdad emocional la convierte en una película necesaria dentro de su género. No busca impactar, sino acompañar; no pretende aleccionar, sino mostrar. Y lo hace con una delicadeza que se queda en la memoria.

Una película honesta, luminosa y profundamente humana.

¿Merece la pena ver Young Hearts?

Sí. Young Hearts es una película que emociona por su honestidad y su sensibilidad. Más allá de contar una historia sobre el despertar de la orientación sexual, habla del vértigo del primer amor, del miedo al rechazo y de la importancia de aceptarse a uno mismo. Es una propuesta íntima, luminosa y profundamente humana que consigue permanecer en la memoria mucho después de que terminen los créditos.

Nota final: 8 /10.

Ficha técnica de Young Hearts

Título original: Young Hearts

Año: 2024

Director: Anthony Schatteman

Duración: 100 minutos

Género: Drama, LGTBI

Dìdi (2024), adolescencia e internet

Hay películas que intentan explicarte la adolescencia como si se tratara de un documental de “National Geographic”: el joven humano busca la aceptación mientras su cuerpo cambia sin control y desarrolla conductas erráticas. Después está Dìdi, una película estadounidense de 2024 que intenta explicarnos esta época de nuestra vida como algo mucho más importante: crecer es pasar vergüenza de forma continuada mientras intentas parecer interesante frente a tus iguales.

No deja de resultar curioso que esta película llega en una ola de nostalgia por los años 80 y los primeros 2000, cuando internet todavía era un sitio desconocido, cutre y profundamente incómodo. Ese momento en el que, entre ruidos de módem y conexiones eternas, una foto tardaba cinco minutos en subir y aun así muchos intentaban construirse una identidad digital y real al mismo tiempo.

Sinopsis de "Dìdi"

Dìdi es una de esas película independientes que llegan en silencio, triunfan en el festival de Sundance y acaban golpeando con fuerza la memoria de toda una generación. Dirigida por Sean Wang, esta pequeña película mezcla con un humor realmente incómodo, nostalgia dosmilera y caos emocional adolescente con una naturalidad brutal.

Dìdi nos lleva directamente al verano de 2008 donde nos encontramos con Chris, un chico taiwanés-estadounidense de 13 años que va justo a empezar el instituto. Dìdi vive con su madre, su abuela y con Vivian, su hermana mayor con quien discute constantemente.

En el colegio, Chris no va mucho mejor tampoco ya que su popularidad es bastante justa. Únicamente tiene dos amigos con quien hace vídeos tontos para Youtube. Un día, mediante chat se pone en contacto con Madi, una chica medio asiática que le gusta. Tras un primer encuentro con ella donde la incomodidad reina, él la bloquea a ella y, tras algún chiste misógino, sus únicos amigos le dejan también.

Tras cambios rápidos en la vida de Chris, acaba aproximándose a un trío de skaters mayores a él que lo usan para que les grabe en sus piruetas.

Crítica de “Dìdi”

Ambientada en los últimos años del internet más salvaje, cuando Messenger, los vídeos mal editados y las fotos borrosas dominaban el mundo, Dìdi captura ese instante exacto en el que uno intenta descubrir quién es mientras hace el ridículo online a niveles históricos. Y claro, es imposible no sentirse identificado.

Antes la humillación digital era artesanal. Había que currársela. Elegir una canción incomprensible para tu perfil, escribir estados crípticos para que “alguien” los leyera. Hoy tenemos algoritmos sofisticados; antes teníamos puro caos humano. Quizá por eso, los que hemos vivido aquella etapa, la sentimos como más auténtica.

Lo mejor de Dìdi es que no mira esa época desde la superioridad intelectual del adulto moderno. No intenta decir “mirad qué tontos éramos”. Dice algo mucho más honesto: seguimos siendo igual de raros, solo que ahora tenemos mejor cámara y más ansiedad.

Escena de Dìdi (2024), una de las películas indie más destacadas del año.

Y sí, también deja una sensación extraña: la de descubrir que quizá el verdadero lujo moderno no sea desconectar del móvil, sino recordar una época en la que internet todavía no había aprendido a comernos del todo.

Reparto y actuaciones

El reparto de Dìdi es precisamente una de las razones por las que la película funciona tan bien. No parece que estés viendo actores interpretando la adolescencia; más bien parece que te has colado accidentalmente en recuerdos reales de alguien. Y eso es dificilísimo de conseguir.

La película gira casi por completo sobre Izaac Wang, el intérprete de Chris, y la verdad es que el chico hace un trabajo espectacular. Su interpretación tiene algo muy complicado: consigue ser desesperante, entrañable y dolorosamente humano al mismo tiempo. Transmite una inseguridad constante, con mucha incomodidad física y una energía de lo más caótica.

Sobre el resto de los intérpretes, nos quedamos con Joan Chen, quien da vida a la madre de Chris y acaba convirtiéndose en el auténtico corazón silencioso de la película. Lo suyo es emoción pura sin caer en el dramáticos exagerado de muchas películas familiares.

Opinión y nota final

Si buscas una película diferente, divertida y emocionalmente honesta, Dìdi es una de las sorpresas más interesantes del cine independiente reciente. Una carta de amor incómoda, caótica y muy real a esa etapa de la vida en la que todos intentábamos parecer cool… y normalmente fracasábamos.

Dìdi no necesita explosiones, ni giros imposibles ni discursos grandilocuentes. Le basta con poner un espejo delante de toda una generación y decir: “tranquilos, todos dimos cringe”. Y la verdad es que pocas películas recientes han entendido tan bien lo cómico y doloroso que resulta convertirse en persona adulta.

Nota final: 7/10

Ficha técnica de Dìdi

Título original: Dìdi

Año: 2024

Director: Sean Wang

Duración: 93 minutos

Género: Drama, Adolescencia

Fabricante de lágrimas (2024): crítica, análisis y opinión

La industria del cine, a lo largo de la historia, nos ha ofrecido un gran número de dramas románticos que nos han impactado y se han quedado marcados en nuestro cerebro, sin ir más lejos tenemos grandes clásicos como “El diario de Noa”, “Los puentes de Madison”, “Ghost. Más allá del amor”, “Brokeback Mountain”, etc.

La mayoría de estos dramas están protagonizados por personas adultas (con indiferente sexualidad) pero ¿Qué pasa con los más jóvenes? Pues, hemos de deciros que, los últimos años han tenido también su cuota de protagonismo en pantalla, sobre todo, los más pequeños con títulos como “Mi chica” o “Un puente haciaTerabithia” o incluso “A dos metros de ti”.

Con esta entrada, os queremos compartir nuestra crítica de "Fabricante de lágrimas", la película romántica de Netflix que adapta la exitosa novela homónima de Erin Doom y que se ha convertido en uno de los títulos más comentados de la plataforma.

En esta entrada nos centraremos en "Fabricante de lágrimas" (Fabbricante di lacrime), la adaptación cinematográfica de la primera novela de Erin Doom, una de las autoras juveniles más populares de Italia. 

Sinopsis de Fabricante de lágrimas

“Fabricante de lágrimas” empieza presentándonos, a modo de flashback, una de las protagonistas de la historia, la pequeña Nica quien sufre un aparatoso accidente en un viaje con sus padres fruto del cual, estos mueren dejando a la pequeña huérfana.

Poco después del accidente, Nica llega al orfanato de Sunnycreek, lugar regentado con mano de acero por la dura señora Margaret quien lleva a todos los huérfanos con mano de hierro, todos menos uno, Rigel (interpretado de adulto por Simone Baldasseroni), quien en poco tiempo se convierte en el principal enemigo de Nica.

La infancia de Nica y del resto de los huérfanos pasa entre castigos de Margaret y el relato de varias leyendas que se cuentan los pequeños, entre las cuales está la del fabricante de lágrimas, un artesano un tanto misterioso responsable de haber provocado los miedos y los sufrimientos de los seres humanos.

Ya en la actualidad, nos encontramos con una Nica adolescente que, de un día por otro ve cumplido su deseo, ser adoptada por una familia, los Milligan. Cuando los Milligan van a recogerla a Sunnycreek escuchan de fondo la bella melodía de piano que Rigel está tocando. Sorprendidos, se interesan también por el joven, llevándoselo también para casa.

Así, de esta manera, Nica acaba compartiendo casa y vida con la única persona con quien no quería: Rigel. Ya en casa, Rigel se muestra como realmente es, introvertido, inteligente y, sobre todo, extrañamente protector con Nica.

Poco a poco Nica y Rigel se irán uniendo, descubriendo, a través de su pasado en común de penurias que han vivido y de lo que han tenido que esconder que, únicamente tienen un camino para poder convivir y más, cuando cada uno de ellos tiene su particular forma de superar sus problemas, uno a través de la ira y la otra a través de la bondad.

Rigel y Nica en su casa adoptiva

Sí, al final resulta que tanto Nica como Rigel son “el fabricante de lágrimas” del otro, un fabricante que, en su caso actúa por un sentimiento tan profundo e importante como es el amor.

¿Cómo dos rivales pueden sentir tal atracción? ¿Pueden dos hermanos, adoptivos, tener una relación? ¿Conseguirán vencer su pasado y forjarse un futuro? Como es evidente, nosotros sabemos las respuestas a estas y otras preguntas, aunque os animamos a verla para obtenerlas.

Crítica de Fabricante de lágrimas

Sin haber leído la novela original de Erin Doom, podemos decir que "Fabricante de lágrimas" funciona como una película romántica juvenil claramente dirigida al público adolescente y a los seguidores de las historias de amor de Netflix.

Sí que es verdad que, argumentalmente, esta adaptación de "Fabricante de lágrimas" se queda en una historia bastante previsible y demasiado plana para todo el potencial que ofrecía su premisa.

Interpretativamente nos encontramos con dos trabajos que, pese a correctos, no despuntan tanto como deberían, parecen más pensados por competir con “Élite” y sus cuerpos 100% normativos que, por sus propias capacidades interpretativas, aunque aquí, tanto Simone Baldasseroni como Caterina Ferioli, como mínimo logran transmitirnos lo que sus personajes sienten.

Opinión y nota final

Aunque le hemos echado mucho de menos que asumiera más riesgos narrativos y sorprendiera más al espectador, "Fabricante de lágrimas" consigue funcionar como un correcto drama romántico juvenil. Los seguidores de la novela de Erin Doom y quienes disfruten de las películas románticas de Netflix probablemente encontrarán aquí una historia entretenida. 

Nuestra nota final para "Fabricante de lágrimas" es de un 5,5 sobre 10.

Ficha técnica de Fabricante de lágrimas

Título original: Fabbricante di lacrime

Año: 2024

Director: Alessandro Genovesi

Duración: 103 minutos

Género: Drama romántico

Wolfs (2024), crítica y análisis

Si hay un trabajo en casa y fuera de ella que es, por norma general poco agradecido y a veces incluso desagradable es el de la limpieza. Sí, tenemos que asumirlo, aunque a una inmensa mayoría nos encante vivir en un casa o una ciudad limpia, limpiar carece de valoración y para colmo de los colmos, dura limpio entre poco y nada.

 

En el mundo del cine, los limpiadores han tenido muy poca presencia (más allá del mundo de las criadas), de hecho, ahora mismo sólo nos acordamos de Elisa (en “La forma del agua”).

 

Hoy en este rincón nos queremos adentrar en el mundo de unos limpiadores un poco diferentes, los “fixers”, unos profesionales que se dedican tanto a solucionar problemas como a limpiar la escena de un crimen. Y para ello nos centraremos en una película de 2024 dirigida por Jon Watts, “Wolfs”.

 

“Wolfs” empieza desplazándonos a una lujosa habitación hotel, donde nos encontramos con Margaret, una política presa del pánico ya que, el joven con que subió de incógnito a la habitación yace muerto al lado de la cama.

 

Tras una llamada de la mujer, aparece en la habitación un hombre (George Clooney) quien se dispone a iniciar la limpieza cuando, un nuevo hombre entra en la habitación (Brad Pitt), también “fixer” o limpiador, en esta ocasión enviado por el propio hotel.

 

El choque entre ambos es total ya que, para nada quieren trabajar conjuntamente (son como dos gallos en un corral, con dos estilos diferentes, dos formas de trabajar diferentes y sobre todo, dos actitudes diferentes) aunque algo les hace cambiar de idea, que están grabados en las cámaras de seguridad y que el joven tenía una buena cantidad de drogas en su bolso.

 

Mientras trasladan el cuerpo del joven para deshacerse de él, descubren que no está muerto, únicamente tiene una sobredosis de drogas. Aunque quieren recuperarlo para dejarlo libre, el joven acaba escapando en calzoncillos provocando que, los “fixer” tengan que perseguirlo por media ciudad.

 

Cuando consiguen dar con él y “limpiarlo” de drogas, este les cuenta que iba a entregar la droga para ayudar a un amigo, aunque acabó probándola. Visto que el joven es un novato, los “fixer” deciden acompañarlo en la entrega aunque para ello deberán infiltrase en el pub donde trabaja Diego, propiedad de un viejo conocido de ambos, un mafioso croata.

 

Clooney y Pitt convenciendo al chico de colaborar

Todo parece complicarse por momentos ya que, todo parece indicar que el chico ha caído en una trampa para incriminarlo con la devolución de la droga a sus propietarios, una peligrosa banda de albaneses a quien la droga les fue robada inicialmente.

 

Aunque los “fixer” creen que el chico morirá, deciden que sea él quien realice la entrega y aunque al final, hay un baile de disparos entre bandas de albaneses, croatas y los propios “fixer”, la historia acaba teniendo un desenlace de lo más inesperado y que, obviamente, no os contaremos en esta crítica.

 

Técnicamente os diremos que “Wolfs” tiene tantas de cal como de arena, pecando en exceso de un guion que abusa de los giros y abriendo tanto melones o líneas argumentales que, ni todas tienen la misma coherencia ni se acaban cerrando, dejando al espectador una sensación de falta total de solidez.

 

En el lado positivo, os diremos que “Wolfs” tiene una estética cuidada, sobre todo, teniendo en cuenta que busca un entretenimiento ligero, con mucha acción, humor y, por momentos, buenas dosis de tensión.

 

Interpretativamente os diremos que, “Wolfs” tiene una de sus bazas más importantes, la presencia de dos actores con mucha química, mucho carisma y que juntos, funcionan como un reloj suizo, os hablamos de Brad Pitt y George Clooney. Por desgracia, no podemos decir lo mismo del resto de personajes ya que, la mayoría carecen de definición suficiente.

 

Sí que nos ha gustado bastante es la reflexión, aunque sea en base a chistes, sobre la soledad ya la edad adulta. Ambos “fixer” son dos lobos solitarios que, aunque a regañadientes tienen que colaborar para salir exitosos de los embrollos en que se meten, sin olvidarse de los chistes sobre la edad, la experiencia vital y el orgullo.

 

Por todo lo que os hemos contado, nuestra nota final para “Wolfs” es de un 6 sobre 10.

 

 

Título original: “Wolfs” – USA – 2024

Dirigida por: Jon Watts

Duración: 102 minutos

Género: Acción, Thriller, Comedia

Cónclave (2024), crítica y análisis

Casi todo el mundo, con independencia de su religión, sabe lo que es un cónclave, bueno, o debería saberlo (ya, actualmente con tanto influencer y tanto creador de contenido, quizá es algo que a algunos se les escapa). Aunque durante el último medio siglo ha habido cinco, no se puede negar que es un proceso que despierta el interés y la atención de todo el mundo.

Pero ¿qué es un cónclave? El cónclave es el proceso que se inicia tras la muerte de un Papa (el líder espiritual de la Iglesia católica en todo el mundo) y que tiene como objetivo, la elección a puerta cerrada, de un nuevo Papa. Con todo, cada uno tiene su percepción sobre lo que este evento histórico es, yendo desde un momento solemne hasta una encubierta lucha de poder pasando por un evento mundial que se resuelve con la esperada “fumata blanca”.

En 2025 hemos podido vivir el, por el momento, último conclave, lo cual mantuvo en el candelero la cinta británico-estadounidense “Cónclave” de 2024.

“Cónclave” empieza situándonos en los pasillos del Vaticano, pocos minutos después de la muerte del Papa tras sufrir un ataque cardíaco. Con nervios, el cardenal decano Thomas Lawrence (interpretado por Ralph Fiennes), un hombre que ha perdido la fe, se hace cargo de la situación y pone en marcha el mecanismo del cónclave para escoger el sucesor del sumo pontífice.

Muy poco antes de encerrarse en el cónclave, Lawrence recibe la noticia que Tremblay (John Lithgow) uno de los cardenales mejor posicionados en la elección, recibió la orden de presentar su dimisión como cardenal pocas horas antes de la muerte del papa. Tremblay lo niega enérgicamente viendo que eso, podría apartarle de la carrera por el papado.

Casi coincidiendo con el inicio del cónclave, Lawrence recibe un cardenal inesperado, el cardenal Benítez, ordenado en secreto durante el último año y cardenal de Kabul.

Ya en la primera votación del cónclave, se aprecia una gran división entre los cardenales, dejando al frente a los conservadores Adeyemi (nigeriano) y Tremblay (canadiense), al tradicionalista extremista Tedesco (italiano) y a los progresistas Bellini y Lawrence.

Dos votaciones más tarde, una monja nigeriana causa un revuelo en el comedor al enfrentarse a Adeyemi. Cuando Lawrence investiga, conoce en secreto de confesión que Adeyemi y la monja tuvieron una relación sexual de la que nació un hijo dado en adopción. Adeyemi lo niega, y se mantiene el secreto hasta que, la jefa de las monjas explota ante todos los cardenales, apartando así al nigeriano de las votaciones.

Mientras, Bellini pide a sus seguidores que no le voten y cede su voto a Tremblay para intentar frenar a Tedesco. Con el Vaticano lleno de rumores, Lawrence, tras una nueva votación decide entrar en las dependencias papales donde, escondidos, encuentra documentos en los que se demuestra que Tremblay sobornó a varios cardenales para obtener su voto.

Lawrence investigando a los papables

Cuando este se lo cuenta a Bellini este le insta a destruir la documentación alegando que a la iglesia no le interesa un escándalo de corrupción lo que demuestra que, Bellini también recibió dinero por su voto.

Tras una acalorada discusión la candidatura de Tremblay cae por corrupción dejando en la carrera a Lawrence, Tedesco y Benítez quien ha ido ganando votos poco a poco. Al empezar la sexta votación, el vaticano sufre un atentado integrista matando a varias personas y causando destrozos en la Capilla Sixtina.

Este atentado saca a relucir el carácter y vocación de Tedesco (un extremista y radical que considera a los musulmanes animales sedientes de sangre) lo que provoca que Benítez tome la palabra en un emotivo discurso que remueve la conciencia de los cardenales.

Al final, el cardenal Benítez es elegido nuevo Papa, aunque esconda algo en su vida que, puede desestabilizar al Vaticano, aunque, como ya os podéis imaginar, lo que esconde nos lo reservaremos para nosotros.

Técnicamente os diremos que “Cónclave” es un thriller que mantiene completamente la tensión, de comienzo a fin, apoyándose en un perfecto control estético y contrastando a la perfección la tradición del Vaticano con la modernidad (todos los cardenales van con su Iphone...) y todo, con una cercanía emocional que salva, por momentos, la lentitud en su desarrollo.

En cuanto al guion os diremos que, “Cónclave” adapta la novela de Rober Harris, dotándolo de una narrativa que combina la intriga, el drama político y como no, la religión, aunque deja muy en segundo plano a la mayoría de los personajes secundarios.

Interpretativamente hablando os diremos que nos quitamos el sombrero ante la gran interpretación de un Ralph Fiennes dando vida al cardenal Lawrence con un despliegue interpretativo al alcance de pocos y transmitiéndonos la investigación y la lucha por su propio conflicto interno sin agobios. Del resto, poco a decir, salvo que nos ha gustado mucho el trabajo de Stanley Tucci dando vida al cardenal Bellini, aunque la poca profundidad de este, le ha quitado puntos al final.

Por todo lo que os hemos contado, nuestra nota final para “Cónclave” es de un 7.5 sobre 10 .

“Conclave” - Reino Unido – 2024

Dirección: Edward Berger

Duración: 115 minutos

Género: Drama, Thriller

La habitación de al lado (2024), crítica y análisis

Hablar de Almodóvar es hablar, casi de un universo propio donde las madres, la muerte, las mujeres, el sexo, la homosexualidad y el amor tienen un papel más que protagonista en sus películas.

 

Después de hablarnos de sus orígenes en “Dolor y Gloria” (2019), el director manchego exploró la maternidad y las relaciones personales a través de la historia de dos mujeres que se convierten en madres en el mismo momento, os hablamos de “Madres paralelas” (2021).

 

Tres años después llegó a nuestras pantallas la vigesimocuarta película de Almodóvar que, como curiosidad, fue la primera que se grabó íntegramente en inglés y llegó para contarnos el dolor más íntimo de dos amigas. Os hablamos de “La habitación de al lado”.

 

“La habitación de al lado” empieza presentándonos a Ingrid (a quien da vida Julianne Moore), una escritora que está firmando su último libro en una librería de Nueva York. En la cola, aparece una amiga que le dice que, su amiga común Martha está grave en el hospital, enferma de cáncer.

 

Aunque hace mucho tiempo que no se ven, Ingrid lo deja todo y se va al hospital, donde se encuentra con una Martha (interpretada por Tilda Swinton) resignada por el diagnóstico, un cáncer de cérvix en estado 3, sin más solución que esperar el desenlace.

 

Aunque entre ambas parece que no ha pasado el tiempo desde que se conocieran, Ingrid trabajando en una revista y Martha de corresponsal de guerra, han pasado años desde su último encuentro. Ambas mujeres llevan consigo grandes traumas en su vida, el de Martha, es haber sido una madre ausente y no ver a su hija desde hace muchos, muchos años.

 

Cuando Martha asume su próximo final, decide morir dignamente y le pide a su amiga que le acompañe a una casa en medio del bosque a pasar sus últimos días. Aunque al comienzo se niega, al descubrir que ella es la última opción para su amiga, acepta.

 

Justo al llegar a la casa, Martha se pone muy nerviosa porque se ha olvidado de algo importante para ella, una pastilla que compró en el “Deep web” para ejecutar su eutanasia. Sin pensarlo vuelven a buscarla.

 

Los primeros días en la casa, las mujeres hablan de su pasado, de las cosas que han pasado en sus vidas los últimos años y sobre todo, Martha le explica a su amiga lo que pasó con su hija. Resulta que, Martha fue madre adolescente tras volver el padre de la pequeña, muy trastornado, de la guerra. Tiempo después, el hombre fallece en un incendio lo que acabó traumatizando tanto a la joven que empezó a ignorar a su hija.  

 

Marta e Ingrid en una de sus conversaciones

En la casa los días pasan, entre películas, paseos por el bosque y con un declive cada vez más evidente de Martha hasta que, al final, la mujer decide tomarse la plantilla, abriendo dos nuevos rumbos a la película, la reacción de la policía ante un caso de eutanasia y la aparición de la hija de Martha en la casa, aunque todo esto, nos lo guardaremos celosamente.

 

Técnicamente os diremos que “La habitación de al lado” dista un poco de lo que nos tiene acostumbrados el director manchego Pedro Almodóvar ya que, es su primera película filmada íntegramente en inglés adaptando la novela de Sigrid Nunez “What are you going through”.

 

“La habitación de al lado” aborda de forma sobria y sin amarillismos ni estridencias, temas tan complicados como la amistad, la mortalidad y la eutanasia.

 

La película se desarrolla mayoritariamente a través de planos cercanos, buscando la intimidad para contarnos la relación de dos amigas, Martha e Ingrid, en un momento tan importante para ellas.

 

En el lado negativo de la cinta, quiero deciros que, abusa demasiado de los flashbacks entorpeciendo a veces el desarrollo dramáticos y narrativo de la misma.

 

Interpretativamente hablando os diremos que, tanto Tilda Swinton como Julianne Moore realizan unos trabajos profundos e interesantes dando una imagen que oscila entre la fragilidad y la férrea determinación por parte de Tilda, mientras que Julianne nos da una imagen de delicadeza y a la vez, de ansiedad. Sin lugar a duda, todo un acierto.  

 

Quizá “La habitación de al lado” es la obra más depurada de Almodóvar, con un buen trabajo técnico, visual e interpretativo aunque por momentos, las conversaciones y el tecnicismo alejan al espectador y le privan de cierta empatía.

 

“La habitación de al lado” no es una película fácil ni amable, pero es profundamente humana. Una obra que sigue resonando después de los créditos, que no busca convencer ni consolar, solo compartir una herida.

 

Por todo lo que os hemos contado, nuestra nota final para “La habitación de al lado” es de un 6.5 sobre 10.

 

 

 

 

 

Título original: “La habitación de al lado” – España – 2024

Dirigida por: Pedro Almodóvar

Duración: 106 minutos

Género:  Drama, amistad

 

Emilia Pérez (2024), crítica y análisis

Póster oficial de Emilia Pérez (2024), película dirigida por Jacques Audiard.

Son muchos los que dicen, y a veces decimos, que en el cine ya está todo contado. No es para menos: secuelas, precuelas y spin-offs abundan más de la cuenta. Sin embargo, de vez en cuando aparece una película que intenta romper esa idea con una propuesta arriesgada, mezclando géneros que hasta ahora parecían inamovibles.

Ese es el caso de “Emilia Pérez” (2024), la cinta franco-mexicana dirigida por Jacques Audiard que combina thriller de narcotráfico, drama de identidad de género y musical.

Pero... ¿funciona realmente esta mezcla? 

“Emilia Pérez” en Cannes 2024 y su polémica

La película alcanzó notoriedad internacional tras su paso por el Festival de Cannes 2024, donde Karla Sofía Gascón obtuvo el premio a la mejor interpretación.

Desde ese momento, “Emilia Pérez” empezó a sonar con fuerza de cara a los Premios Oscar, algo sorprendente teniendo en cuenta su arriesgada mezcla temática: narcos, transición de género y números musicales.

Sin embargo, la película terminó rodeada de polémica debido a una campaña contra su actriz protagonista por antiguos mensajes en redes sociales, lo que terminó afectando seriamente su recorrido mediático

Sinopsis de “Emilia Pérez”

La historia comienza presentándonos a Rita (interpretada por Zoe Saldaña), una brillante abogada que trabaja en un despacho corrupto ayudando a criminales a blanquear dinero. 

Tras un juicio especialmente estresante, recibe una llamada misteriosa que le propone un negocio capaz de cambiarle la vida.

Rita acepta y es llevada, encapuchada, hasta un punto aislado del desierto mexicano donde conoce al poderoso narcotraficante Manitas del Monte, interpretado por Karla Sofía Gascón.

El encargo es claro: quiere desaparecer. Pero no solo eso. Quiere convertirse en mujer. Rita deberá encontrar al mejor cirujano del mundo y diseñar un plan para borrar por completo su identidad anterior 

Para lograrlo, envían a su esposa Jessi (interpretada por Selena Gomez) y a sus hijos a Suiza, mientras se simula la muerte del capo.

Cuatro años después, en París, Rita se reencuentra con una elegante mujer mexicana: Emilia Pérez, la nueva identidad de quien antes fue Manitas del Monte.

A partir de ese momento, Rita se convierte en su aliada mientras Emilia intenta redimirse ayudando a mujeres víctimas de la violencia que ella misma ejerció en el pasado.

Escena de Emilia Pérez (2024): Rita y Emilia Pérez en uno de los momentos clave de la película.

Pero el pasado siempre vuelve.

Y cuando reaparecen sus hijos y antiguos vínculos, la vida cuidadosamente reconstruida empieza a desmoronarse.

Crítica de “Emilia Pérez”: una buena idea mal ejecutada

Técnicamente, “Emilia Pérez” sorprende, aunque no siempre para bien

Dirección y montaje

Jacques Audiard tiene momentos de gran acierto visual y narrativo. Sin embargo, la película transmite la sensación de estar constantemente descompensada.

Es como bailar un vals a ritmo de reguetón.

Los números musicales irrumpen en momentos poco orgánicos y, en muchas ocasiones, parecen distraer más que aportar profundidad a la trama.

El montaje resulta irregular.

Hay secuencias donde parece querer contarlo todo en una sola escena y otras en las que el espectador se pregunta qué acaba de suceder. La sensación general es de desconexión narrativa.

La mezcla de géneros (thriller, musical, drama identitario) no termina de ensamblarse con coherencia

Interpretaciones

Aquí es donde la película genera más debate.

Karla Sofía Gascón se entrega completamente a un personaje complejo: carismático, vulnerable, temible y humano al mismo tiempo. Su trabajo es valiente y comprometido. El problema no es su actuación, sino la indefinición del guion, que obliga a cambios de tono difíciles de sostener.

En cuanto al resto del reparto, incluyendo a Zoe Saldaña y Selena Gomez, sus personajes quedan algo desdibujados y funcionan más como soporte que como pilares dramáticos reales

Opinión final: ¿merece la pena ver Emilia Pérez?

Por momentos, parece que estemos viendo un musical dirigido por Quentin Tarantino con personajes que podrían haber salido del universo de Pedro Almodóvar.

El problema es que esa combinación no termina de cocinarse bien.

La idea es potente. Arriesgada. Diferente.

Pero el resultado final deja una sensación de oportunidad desaprovechada.

Por todo lo que os hemos contado, nuestra nota final para “Emilia Pérez” es de un 4 sobre 10.

Ficha técnica de Emilia Pérez

Título original: Emilia Pérez

Año: 2024

Director: Jacques Audiard

Duración: 132 minutos

Género: Drama, Musical, Thriller,LGTBI

A Real Pain (2024), crítica y análisis

El mundo del cine comercial, especialmente el de Hollywood, está marcado, sobre todo, por criterios de rentabilidad (política aparte), por tanto, muchas ideas brillantes quedan automáticamente relegadas o abandonadas en cajones porque alguien con poder, decide que “eso” no tendría cabida en la taquilla mundial y que, por tanto, reportaría pocos beneficios.

 

Por suerte, hay varios circuitos alternativos en el mundo del cine, con mucha menos repercusión, pero con grandes títulos. Os hablamos, por ejemplo, de lo que conocemos como “cine independente” con un festival que aúna anualmente las mejores producciones de este circuito, el de Sundance.

 

Pero ¿qué es el “cine independiente”? El “cine comercial” es aquel cine que aborda, sin demasiados recursos, temas íntimos, sociales o existenciales que dan voz a personas o pensamientos que están fuera del mundo de Hollywood (minorías, mujeres, directores jóvenes, etc.).

 

A finales de 2024, comienzos de 2025 en algunos países, se ha estrenado una película englobada dentro de esta etiqueta, la segunda película como director del neoyorquino Jesse Eisenberg, “A Real Pain”, una película que, con un toque de humor encara temas como la memoria histórica, el turismo, el dolor, etc.

 

Sí, hoy en esta entrada os queremos hablar de “A Real Pain” una película estrenada en el Festival de Sundance de 2024 que ha recibido además premios en los grandes certámenes, sobre todo, en su aparatado interpretativo.

 

“A Real Pain” empieza presentándonos a David Kaplan (interpretado por Jesse Eisenberg), un joven judío que se dirige en taxi al aeropuerto e intenta localizar sin éxito a Benji (a quien da vida Kieran Culkin), su primo. Ambos se encuentran en aeropuerto de Nueva York, momentos antes de emprender un viaje a Polonia, aunque muy pronto nos dejan claras las principales diferencias entre ambos, mientras David es un entregado padre de familia, Benji es lo que todos conocemos como un auténtico espíritu libre.

 

El objetivo final del viaje es reencontrarse con sus orígenes visitando la casa de la infancia de su difunta abuela. Para ello, a su llegada a Polonia, los primos se integran en un pequeño grupo turístico que hará una ruta por el país. Desde ya las primeras visitas, la dinámica de David y Benji se ponen a prueba, tanto a ellos mismos como al propio grupo ya que, por ejemplo, tras una discusión en el tren, los Kaplan se pierden la parada y todo el grupo debe esperarles en otra estación.

 

Tampoco el carácter de Benji resulta fácil ni cómodo de llevar ya que, en todo momento cuestiona el enfoque del tour, su falta de autenticidad emocional, el exceso de datos estadísticos o incluso la frivolización turística sembrando por momentos el caos en el grupo y la vergüenza de David, aunque casi siempre Benji acaba conectando con el grupo por su tremenda honestidad emocional.

David y Benji de turismo por Polonia

 

Durante una cena, Benji explota haciendo comentarios incómodos sobre el viaje, la situación y la historia. Al final, acaba saliendo la mezcla de admiración, envidia y resentimiento que siente hacia David. Todo acentuado, sobre todo, los últimos tiempos, desde su intento de suicidio.

 

El penúltimo día del viaje, el grupo visita el Campo de concentración de Majdanek donde todos quedan impactados, tanto que el propio guía, le agradece a Benji su sincericidio al criticar el tour. Ya en solitario, los primos van a ver la antigua casa de su abuela sacando un incidente del pasado entre Benji y la abuela, lamentando con él que ella fuera la única persona capaz de controlarle.

 

Tras esto, ya solo queda una dura confesión por parte de David y la vuelta a Nueva York, aunque eso, evidentemente nos lo quedaremos para nosotros.

 

De “A Real Pain” nos ha gustado que sea un claro ejemplo de cómo el cine independiente ya que, no solo se permite una forma diferente de contar una historia si no que la junta con la mirada hacia dentro, una mirada de esas que duelen.

 

Técnicamente nos gustaría resaltar el hecho de que Eisenberg ha conseguido darle a “A Real Pain” una identidad propia a una historia íntima donde los protagonistas no son superhéroes, sino que son dos personas frágiles plagadas de heridas invisibles sin olvidar, eso sí, la belleza.

 

No os vamos a engañar, “A Real Pain” transpira verdad, desde las relaciones entre los primos hasta ese turismo del dolor que visita campos de concentración. Todo se vive y respira de forma sincera, sin filtros. A veces incómodo, pero ideal para pensar.

 

Si en una cosa destaca “A Real Pain” es en las interpretaciones de sus protagonistas, Culkin y Eisenberg quienes aportan no solo autenticidad si no también profundidad a una historia que aborda el dolor heredado y la búsqueda de la propia identidad desde el humor.

 

La química entre ambos es realmente espectacular, digna de mención, consiguiendo dar valor a las contrastadas personalidades de sus personajes si olvidar en ningún momento la exploración del trauma generacional que sufre su familia.

 

Seguramente “A Real Pain” tendrá tanto éxito en los certámenes como poca recaudación en taquilla, algo desgraciadamente habitual en el cine independiente.

 

Por todo lo que os hemos contado, nuestra nota final para “A Real Pain” es de un 7.5 sobre 10.

 

 

Título original: “A Real Pain” – 2024 – USA

Dirigida por: Jesse Eisenberg

Duración: 82 minutos

Género: Drama,

 

 

 

La sustancia (2024), crítica y análisis

Vivimos en una época en la que el consumo ha dejado de representar una necesitad para convertirse de forma desmesurada en una seña de identidad. En la sociedad que estamos construyendo entre todos, parece cada día más importante el poder de la imagen sobre lo que realmente se es, para comprobarlo solo es necesario echar un viste a las redes sociales o a los programas de televisión: valemos en medida de lo que somos visibles y deseables.

Con todo, ¿hasta que punto estamos dispuestos a ser visibles y deseables? Si lo pensáis bien, la presión para ser guapos y atractivos es constante, parece que la superficialidad tiene más valor que la inteligencia y eso, genera además de ansiedad, una gran desconexión emocional.

Hoy en este rincón os queremos hablar de una película de 2024 que aborda, con crudeza, esta situación, exponiendo una realidad pasmosa, la de una sociedad, la nuestra, que ha convertido la imagen en una marca de identidad y el consumo desmesurado en una creencia. Todo esto lo hace mediante un relato de ciencia ficción que, por su contenido, nos ha parecido dura y dolorosamente cercano. Os estamos hablando de “La sustancia”.

“La sustancia” empieza presentándonos a Elisabeth Sparkle (interpretada por Demi Moore), una mujer que, en su momento tuvo su éxito en el cine (con estrella en el Hollywood Boulevard incluida) aunque en la actualidad tiene un programa de ejercicios aeróbicos en televisión.

El día de su cincuenta aniversario Elisabeth recibe de su productor un curioso regalo, es despedida fulminantemente por su “avanzada edad”. Trastornada, mientras vuelve a casa sufre un aparatoso accidente de tráfico que, aún sin consecuencias para su salud, la lleva directamente al hospital donde se cruza con un enfermero quien al despedirse le da un pendrive con un nombre grabado, “La sustancia”.

Aunque de entrada no le hace mucha gracia, lo pone en el televisor y ve lo que es, la propuesta de un suero que le generará una versión más avanzada de ella misma, más joven, más guapa y más “perfecta”. Aunque de entrada descarta la opción, tras pensarlo y ver como su imagen es eliminada de su mundo (televisión, carteles, etc.) acaba pidiendo “La Sustancia”.

Al revés de lo que pasaría con algo oficial Elisabeth tiene que ir a buscarla en un polígono industrial medio abandonado donde encuentra un kit y una escuetas instrucciones, tiene un activador, comida en inyectable y las herramientas necesarias para extraer e inyectarse las dosis de estabilizador.

Al ponerse el activador, empieza una extraña reacción en su cuerpo, con convulsiones que acaban desembocando en la aparición a través de su espalda de un nuevo cuerpo, una mujer joven, su versión mejorada, Sue (interpretada por Margaret Qualley).

Las instrucciones son claras, los dos cuerpos son uno, y cada siete días, sin excepción, deben transferirse la conciencia dejando al otro cuerpo inconsciente. Durante su inconsciencia, Elisabeth genera el liquido estabilizador que Sue se quita mediante punción lumbar y se inyecta diariamente.

Al poco de aparecer Sue en el mundo, se presenta al casting para el nuevo programa de aerobic y es automáticamente contratada llegando en un santiamén al estrellato y a la fama gracias a su cuerpo y sus movimientos.

Dos vidas y dos formas de vivir totalmente diferentes ya que, mientras la consciente es Elisabeth esta vive recluida en su casa, pero cuando la consciente es Sue, esta disfruta de una vida a todo lujo, confiada y creída.

Sue extrayendo el estabilizador del cuerpo de Elisabeth en La Sustancia.

Una semana, tras una noche de excesos Sue extrae una dosis adicional de líquido estabilizador, lo cual tiene como consecuencia que Elisabeth despierta con un dedo necrosado, envejecido.

A partir de este momento, aunque sean dos cuerpos con una misma conciencia, Sue y Elisabeth inician una sensación de desprecio mutuo por los celos que siente Elisabeth por su imagen mejorada y Sue cada vez necesita más tiempo consciente para crecer y crecer. Al final, a ambas mujeres su desprecio las lleva a un camino sin retorno ya que, Sue se niega a volver a intercambiar el cuerpo y le roba todo el líquido estabilizador que puede.

Tras tres meses con Elisabeth inconsciente, el líquido estabilizador se acaba y Sue debe transferirse a lo que queda de Elisabeth, una deforme y jorobada anciana quien pide a la organización el remedio para acabar con el experimento aunque finalmente no se atreve provocando que ambas mujeres queden conscientes a la vez, lo que provoca que Sue mate a su matriz.

Sin Elisabeth, la vida de Sue no tiene sentido, aunque el desenlace, nos lo guardaremos celosamente.

No os engañaremos, cuando se estrenó “La sustancia” los miembros de este equipo no teníamos claro que quisiéramos verla ya que intuíamos que la película derraparía rápidamente al gore, lo cual, por suerte para en muy pocos momentos de su metraje.

Por el contrario, os diremos que “La sustancia” nos ha enganchado con su narrativa totalmente envolvente y cargada de simbolismos, poniendo en todo momento en primer plano las consecuencias de haber creado una sociedad que ha perdido todo contacto con lo esencial: la vida humana, su estabilidad emocional y la propia responsabilidad colectiva.

“La sustancia”, mediante esa pócima misteriosa y original nos expone con total crudeza los vacíos existenciales que deja en las personas un sistema basado en la imagen y el consumo.

Desde sus primeras imágenes, “La sustancia” se muestra como una película que busca incomodar al espectador, tanto emocional como visualmente y lo hace con un lenguaje cargado de símbolos y atmósferas densas para mostrarnos una realidad totalmente inestable.

Nos ha sorprendido también el montaje de “La sustancia” con una sucesión de pequeños saltos en el tiempo para mostrarnos, sin muchos tapujos, el estado mental de sus protagonistas, desorientadas por los propios efectos de la sustancia y de una sociedad que valora lo que valora.

Interpretativamente hablando os diremos que “La sustancia” tiene, como uno de sus pilares fundamentales el trabajo de sus dos actrices principales, Demi Moore y Margaret Qualley. La primera nos presenta una mujer que ve como su mundo de diluye de la noche a la mañana y, en pro de mantener lo que tiene, acaba diluyendo su estabilidad emocional en medio de un rápido deterioro físico. Qualley, en su papel nos muestra el camino contrario, con el mismo resultado mental, la destrucción emocional de si misma. Ambas, brillantes dotando de una humanidad un relato que nos habla justamente de lo contrario.

Por todo lo que os hemos contado, nuestra nota final para “La sustancia” es de un merecido 8 sobre 10.

Ficha técnica de La sustancia

Título original: The substance

Año: 2024

Director: Coralie Fargeat

Duración: 140 minutos

Género: Terror, Thriller, Ficción

Challengers (2024), crítica y análisis

Para muchos, y sobre todo, desde que en 2017 estrenara su película “Call me by your name”, Luca Guadagnino es considerado como uno de los mejores directores de cine LGTBI. Para nosotros, se escapa un poco de esta simple catalogación ya que, relacionamos su trabajo con películas mucho más personales de lo habitual, emotivas y hasta cierto punto íntimas.

El pasado 2024 llegó a nuestras salas de cine la octava propuesta del italiano, una película que mezcla el romanticismo, la comedia dramática, el deporte y algunas dosis de erotismo controlado, os estamos hablando de “Challengers”.

“Challengers” empieza desplazándonos a un reciente 2019 donde nos presenta a una pareja joven y muy adinerada, Art Donaldson (a quien da vida Mike Faist) y Tashi Duncan (interpretada por una brillante Zendaya). Art es un tenista profesional en hora muy bajas, azotado por una plaga de lesiones y falta de ilusión, y Tashi es, además de su esposa, su entrenadora y manager.

En las puertas de su retirada de los circuitos, Tashi convence a Art de intentar ganar un Grand Slam a través del US Open, aunque para ello debe conseguir tanto ponerse en forma como ganar los partidos necesarios para recibir una wild card.

Poco motivado, Art acepta y es inscrito en un campeonato menor, el evento “Challenger” de New Rochelle (en Nueva York) donde se va a encontrar con un antiguo amigo suyo y ahora rival que, al revés que él, malvive de sus participaciones en torneos menores, Patrick Zweig (interpretado por Josh O’Connor).

En este punto, “Challengers” hace un flashback para desplazarnos a 2006 en el momento en que Patrick y Art ganan el título de dobles en el campeonato junior masculino del Open de USA. Mientras lo celebran, ven la final femenina en la que ambos caen enamorados de la estrella de esta, Tashi Duncan.

Días después y tras alguna persecución a la chica, los tres coinciden en una fiesta tras la cual, los tres acaban en la habitación del hotel se besan apasionadamente y aunque los chicos quieren más, Tashi corta la situación prometiendo su número de teléfono al ganador de la final de individuales que enfrentará a Patrick y Art. La final y el partido lo gana Patrick e inicia una relación con Tashi.

Art, Patrick y Tashi en el inicio de su relación

Un año después, Patrick se ha vuelto profesional mientras que Tashi y Art juegan torneos de tenis universitario. Tashi y Patrick continúan, a distancia, su relación aunque en un momento concreto Art se interpone provocando una fuerte discusión en la pareja. Tras esto, y mientras juega su partido, Tashi sufre una grave lesión en su rodilla de la que no se recuperará, igual que no se recuperará la relación entre los chicos.

Un par de años después, Art y Tashi oficializan su relación de pareja y profesional ya que, además de salir juntos, Tashi se convierte en la entrenadora de Art.

Ya en la actualidad al llegar al registro del  “Challenger” de New Rochelle, todos los fantasmas de Art se movilizan al ver el nombre de Patrick en el cuadrante. Con todo, ambos van pasando rondas y superando a sus rivales aunque sin jugar bien del todo (sobre todo Art).

En vísperas de la final, Tashi y Patrick se reencuentran en un hotel cercano y este, le pide que le entrene para ganar su primer Grand Slam ya que, según comenta Art, está acabado y no continuará en el circuito. Al comienzo, la propuesta de Patrick sienta fatal a Tashi pero, como se dice vulgarmente, donde hubo fuego siempre hay rescoldos, pero eso, nos lo guardaremos celosamente.

No os vamos a engañar, aunque apenas conocemos nada del mundo del tenis sí que conocemos su hipnótico ritmo, de pelotas a un lado, pelotas a otro, suspiros y gritos. Puede parecer vano, pero el equipo de Luca Guadagnino ha conseguido algo realmente maravilloso, reflejar esto en una película mientras nos cuenta una historia de amor y de lucha a lo largo del tiempo, y hacerlo además, sin que interfiera en la propia narración.

Sí que hay una cosa que nos ha sorprendido y no sabemos si para bien, es la relación del sexo en toda la historia ya que, si hay una cosa que trate muy bien Guadagnino en sus películas es precisamente esto, el sexo, y lo hace sin que sea explicito o superfluo. En “Challengers” esto se le va un poco de las manos, y no por la parte de ser explicito, porque para nada lo es, pero sí que, es excesivamente superfluo. Es decir, la trieja (o pareja de tres) que conforman Tashi con Patrick y Art está clara desde el primer momento, no hace falta que, todo gire en torno a ella, cuando apenas aporta nada a la historia.

Otra cosa realmente curiosa de “Challengers” es, el cúmulo de reflexiones que, entre golpe y golpe a la pelota vamos recibiendo, yendo estas desde la duda a ser capaz de afrontar el propio futuro, hasta la necesidad de cuidar y ser cuidado, sin olvidar el postureo, la hipocresía y el consumismo que rodea la sociedad actual.

Desde el punto de vista interpretativo, los tres protagonistas de “Challengers” están realmente pletóricos dando vida a sus personajes en prácticamente todas las escenas, destacando especialmente en aquellas donde su expresividad postural y de gestual deja poco espacio a las palabras. Así pues, nuestra enhorabuena a Zendaya, Josh O’Connor y Mike Faist.

Por todo lo que os hemos contado, nuestra nota final para “Challengers” es de un 7 sobre 10.

“Challengers” – 2024 – USA

Dirigida por: Luca Guadagnino

Duración: 131 minutos

Género: Drama, Romántico, Deportes