Perfectos desconocidos (2017): crítica, sinopsis

Hoy en día, en nuestra sociedad hiperconectada, es clave saber distinguir entre el “yo público” y el “yo privado”. El teléfono móvil se ha convertido en una extensión de nuestra identidad, dejando al descubierto pensamientos, deseos y hasta nuestras contradicciones. En este contexto, Perfectos desconocidos funciona como un auténtico experimento social sobre la identidad y las relaciones humanas.

La película también pone el foco en la fragilidad de la confianza y en qué ocurre cuando desaparece la barrera de los secretos. ¿Qué pasa cuando todo sale a la luz? Su mensaje gira en torno a cómo gestionamos la intimidad en una era donde lo privado cabe en una pantalla... y puede exponerse en cualquier momento.

Sinopsis de Perfectos desconocidos

En Perfectos desconocidos, un grupo de amigos de toda la vida se reúne para cenar, reírse y ponerse al día. Todo comienza con buen ambiente, bromas y esa confianza que solo da el paso del tiempo… hasta que surge un juego aparentemente inocente: dejar los móviles sobre la mesa y compartir todos los mensajes y llamadas.

A partir de ese momento, lo que parecía una idea divertida se convierte en una auténtica bomba de relojería. Notificaciones en voz alta, llamadas en altavoz y secretos que empiezan a salir sin control. Poco a poco, afloran verdades incómodas, mentiras bien guardadas y revelaciones inesperadas.

Las relaciones empiezan a tambalearse y las amistades a resquebrajarse. Al final, la gran pregunta no es quién tiene secretos, sino si es posible sobrevivir a ellos cuando dejan de ser privados.

Crítica de Perfectos desconocidos

Perfectos desconocidos es una de esas películas que empiezan con una situación cotidiana y acaban dejándote pensando… y revisando mentalmente tu propio móvil. Dirigida por Álex de la Iglesia, parte de una premisa tan sencilla como potente: hacer público todo lo que ocurre en el teléfono.

El resultado es un juego tan adictivo como incómodo. El ritmo es ágil, casi teatral, lo que hace que la tensión crezca de forma constante sin necesidad de grandes artificios.

Uno de sus grandes aciertos es la mezcla de humor y mala leche. Te ríes, sí, pero con esa risa incómoda de “esto podría pasarme a mí”. Aunque no reinventa la historia (es un remake de la italiana Perfetti sconosciuti), la ejecución es precisa y efectiva.

Más que una comedia, la película funciona como un pequeño experimento social disfrazado de entretenimiento.

Reparto y actuaciones

El reparto de Perfectos desconocidos es uno de sus puntos más fuertes. No hay un protagonista claro, sino un conjunto de personajes que funcionan como un engranaje perfectamente sincronizado.

Escena de Perfectos desconocidos: una cena entre amigos que se convierte en un caos de secretos.

Las interpretaciones destacan por su naturalidad y realismo. Cada actor aporta matices y consigue que los conflictos se sientan auténticos. Nadie intenta sobresalir por encima del resto; todos están al servicio de la historia.

Esa sensación de estar “espiando” una conversación real es precisamente lo que hace que la película enganche tanto. No parecen personajes de ficción, sino personas reales sentadas en una mesa cualquiera.

Opinión y nota final

En definitiva, Perfectos desconocidos es una comedia dramática ingeniosa, entretenida y, a la vez, incómoda. Aunque se trata de un remake de la película italiana, esta versión española consigue conectar muy bien con el espectador.

Es una opción muy recomendable si buscas una película que no solo entretenga, sino que también invite a reflexionar sobre la privacidad, las relaciones y el papel del móvil en nuestras vidas.

Nota final: 7/10

Ficha técnica de Perfectos desconocidos

Título original: Perfectos desconocidos

Año: 2017

Director: Álex de la Iglesia

Duración: 96 minutos

Género: Comedia, Amistad

Extraño río (2025), crítica y análisis

Viajar a veces puede convertirse en una forma elegante de escapar, en otras ocasiones puede que la esencia de viajar ayude a uno a convertirse en alguien distinto, en un lugar donde nadie le conoce. Este impulso, en ocasiones despierta una parte silenciosa, como la que nos cuenta la película “Extraño río” (2025) del debutante Jaume Claret Muxart.

Al principio todo es extrañeza. Los gestos se vuelven conscientes, el cuerpo, tan conocido tiene nuevas e inesperadas recciones. Nada es completamente familiar y a la vez, tampoco completamente ajeno, aunque uno se siente vulnerable como en el despertar sexual, donde hay torpeza, ensayo, incertidumbre y, sobre todo, temor al rechazo y a la incomprensión.

Argumento de Extraño río

Extraño río nos cuenta la historia de Didac, un adolescente de 16 años que está de viaje en bicicleta con sus padres y sus dos hermanos pequeños a lo largo del río Danubio durante unas vacaciones de verano constituyendo una mezcla de turismo, convivencia familiar y autodescubrimiento.

Al principio de la aventura, el viaje se nos presenta como algo maravilloso: calor, paradas para el baño junto al río, conversaciones, etc. Sin embargo, con el paso de los días, Didac empieza a mostrar cierta distancia con el resto ya que, se siente demasiado mayor para compartir espacios con sus hermanos, aunque necesita de la protección paterna.

Nadando hacia un amor desconocido

Una mañana, mientras Didac nada, cree ver la imagen de un chico nadando desnudo y emergiendo de las aguas del Danubio, aunque no logra verle claramente. Los siguientes días, el chico se va apareciendo a Didac, mientras su relación con la familia va tensándose y necesitando más espacios para él.

La llegar a un pueblo, la familia se disgrega ya que, mientras los padres se apasionan por la arquitectura, Didac se encuentra con el joven iniciando una carrera por el pueblo para encontrar juntos, un rincón donde sentarse, mirarse y darse un beso fugaz.

A partir de este, Didac y el joven se lanzan, sin apenas cruzar palabras, en un viaje en barca por las aguas del Danubio, compartiendo miradas, besos, abrazos en una relación más visual y simbólica que sexual, es el auténtico despertar sexual y emocional de Didac.

Crítica de Extraño río

Una de las cosas que más nos han sorprendido de Extraño río es la construcción que su debutante director, Jaume Claret Muxart le ha dado, con largos silencios envolviendo situaciones cotidianas dramáticas, pero sin exceso de dramatización, observación de la situación desde la distancia y, sobre todo, la presencia, siempre en movimiento del agua del Danubio lo cual nos lleva a reflexionar sobre su gran metáfora: el mundo no se explica, se experimenta. Y todo, eso sí, enfocado desde una gran sensibilidad.

Otro de los puntos muy positivos de Extraño río es su fotografía. Tiene un montaje fotográfico que nos insiste en la naturaleza, el movimiento, las superficies, la humedad, el calor… en definitiva, en todo lo que influye en el deseo corporal.

Didac explorando el primer amor en Extraño Río durante sus vacaciones

Como punto algo más controvertido, en Extraño río tenemos el ritmo y montaje ya que, nos muestra como si todo pasara lentamente, el pedaleo, los baños en el río, los paseos dando la sensación de que el tiempo no pasa, y por momentos, no os lo negaremos, aburriendo un poco al espectador. Evidentemente, la cosa cambia al aparecer el chico y provocar, planos más cortos, rápidos, miradas...

Similitudes y diferencias con otros despertares sexuales

En el mundo del cine tenemos dos grandes referentes en los despertares sexuales, God’s Own Country (Tierra de Dios) y Call me by your name. En la primera tenemos, como aquí, un despertar adulto en la naturaleza, aunque ahí con un marcado deseo sexual. En la segunda en cambio, con un amor adolescente, aunque mientras Guadagnino con su Elio nos habla, aquí Didac siente y observa.

Interpretaciones y personajes

En Extraño río, las interpretaciones se basan en el naturalismo reduciendo al máximo los diálogos y desplazando el peso dramático hacia la conducta y presencia en escena de sus personajes. En este sentido, nos ha encantado el trabajo del debutante Jan Monter dando vida a Didac quien nos ha hecho sentir sus dudas y lucha interna en cada uno de sus planos.

En cuanto a los intérpretes adultos poco a decir, ya que su presencia, como en la vida misma, se basa en las rutinas (pedalear, comer, montar el camping, etc.)

Opinión final: ¿merece la pena ver Extraño río?

“Extraño río” nos cuenta una historia sencilla donde un adolescente siente que algo está cambiando en su interior y debe romper el cascarón. Al final, lo hace en un viaje por el Danubio donde se le aparece otro joven que, real o no, le ayuda a descubrirse.

Por todo lo que os hemos contado, nuestra nota final para “Extraño río” es de un 6.5 sobre 10.

Ficha técnica de Extraño río

Título original: Extrany riu

Año: 2025

Director: Jaume Claret Muxart

Duración: 107 minutos

Género: Drama, LGTBI

Maspalomas (2025), crítica y análisis

Para muchos, sobre todo para quienes no tienen que hacerlo, salir del armario puede parecer casi un capricho. Nada más lejos de la realidad: en la mayoría de los casos es una necesidad vital. Nace del deseo de vivir y respirar sin fingir, de dejar de medir cada palabra y cada gesto, de poder existir con naturalidad.

Durante años, muchas personas LGTBIQ+ han aprendido a esconder partes de su identidad para encajar, para sentirse a salvo o para no perder el cariño de quienes les rodean. Pero siempre llega un momento en el que el peso de esconderse duele más que el precio de mostrarse tal y como uno es. La salida del armario no es solo una decisión personal, es un paso ligado a la aceptación social, al entorno y al momento vital de cada uno.

Salir del armario no es solo un acto individual: es también un diálogo con la sociedad, con sus prejuicios, sus avances, sus contradicciones y sus resistencias. En este contexto llegó "Maspalomas", la película de Jose Mari Goenaga estrenada en 2025, que aborda con sensibilidad la identidad, la vejez y la diversidad sexual. Una historia que nos recuerda que detrás de cada salida del armario hay siempre un recorrido de búsqueda, miedo y esperanza.

"Maspalomas" empieza presentándonos a Vicente (a quien da vida José Ramón Soroiz), un hombre de 76 años que lleva más de 20 años viviendo en el sur de la isla de Gran Canaria, en Maspalomas.

"Maspalomas" comienza presentándonos a Vicente, personaje interpretado por José Ramón Soroiz: un hombre de 76 años que lleva más de dos décadas viviendo en el sur de Gran Canaria, en Maspalomas. Padre de familia, rompió su matrimonio a los 50 años para iniciar una nueva vida con su pareja masculina, con quien convivió casi veinte años. Ya divorciado, Vicente continúa en la isla disfrutando de una vida social y sexualmente activa en un entorno donde se siente libre y aceptado.

Sin embargo, una noche sufre un ictus mientras disfruta del anonimato de un cuarto oscuro. El episodio lo deja en coma y, al despertar, descubre que ha sido trasladado a su ciudad natal, Donostia. Allí se reencuentra con su hija Nerea (Nagore Aranburu), a quien había dejado atrás al comenzar su nueva vida. Ella decide ingresarlo en una residencia de mayores para facilitar su recuperación, iniciando así una nueva etapa marcada por el pasado y la identidad.

La residencia de mayores se convierte para Vicente en una especie de cárcel emocional. La libertad, la alegría y la vida abiertamente homosexual que disfrutaba en Maspalomas chocan de frente con un entorno mucho más rígido y conservador. Un lugar donde no se siente preparado para decir quién es realmente y donde, para evitar conflictos con otros residentes y con el personal, decide volver a ocultar su orientación sexual. De forma casi inconsciente, Vicente regresa al armario.

Vicente en las dunas de Maspalomas, uno de los paisajes naturales más emblemáticos de Gran Canaria.

A partir de este punto,"Maspalomas" deja de ser solo una historia sobre identidad y aceptación social para adentrarse también en las heridas emocionales del pasado. La película explora la relación rota con su hija, marcada por el abandono, el silencio y las decisiones que Vicente tomó años atrás al salir del armario y rehacer su vida lejos de Donostia.

Durante una salida de la residencia, Vicente recorre espacios vinculados a su pasado en la ciudad. Por unas horas, recupera la sensación de libertad al visitar un bar de ambiente casi desierto y una sauna, lugares donde puede volver a ser él mismo, aunque sea de forma fugaz. Sin embargo, el golpe definitivo llega con la muerte de su compañero de habitación en los primeros días de la pandemia de COVID-19.

Este acontecimiento empuja a Vicente a enfrentarse a sus miedos, a la presión social y a su propia identidad, con el objetivo de reconciliarse consigo mismo y con quienes le rodean. ¿Lo consigue? La respuesta queda en la película, y sin lugar a duda, merece ser descubierta.

Una de las primeras cosas que llama la atención en "Maspalomas" es su montaje, claramente dividido en dos bloques. Una primera parte vibrante y luminosa que nos muestra la vida despreocupada de Vicente en el sur de Gran Canaria, y una segunda mucho más sobria, ambientada en la residencia de ancianos. Este contraste no es solo narrativo, sino también emocional, y empuja al espectador a reflexionar sobre la libertad personal, la identidad y la fragilidad de los pequeños logros sociales que a menudo damos por conquistados.

La puesta en escena de "Maspalomas" se construye como un reflejo de la vida misma: sin grandes explosiones dramáticas ni giros forzados. La película avanza desde la intimidad y el realismo, apoyándose en pequeños gestos, miradas y silencios que guían al espectador a través de una historia marcada por la identidad reprimida y la búsqueda de segundas oportunidades.

El ritmo narrativo es premeditadamente pausado, acorde a la edad y situación vital de su protagonista. "Maspalomas" no tiene prisa por llegar al desenlace, obligando al espectador a habitar en la incomodidad, la espera y el conflicto interno por el que atraviesa Vicente.

En el apartado interpretativo, el trabajo de José Ramón Soroiz resulta sobresaliente. Su Vicente es un personaje frágil y contenido, un hombre que se resiste a perder los últimos años de su vida sin poder ser fiel a sí mismo. A su lado, Nagore Aranburu construye una Nerea dura y compleja, atrapada en una relación padre-hija llena de silencios, reproches y heridas sin cerrar.

En definitiva, os podemos decir que "Maspalomas" es una película técnicamente sólida con todo puesto en favor del relato y la historia que nos quiere contar.

Por todo lo que os hemos contado, nuestra nota final para "Maspalomas" es de un 7.5 sobre 10.

“Maspalomas” – España – 2025

Dirigida por: José Mari Goenaga

Duración: 115 minutos

Género: Drama, LGTBI

Lo imposible (2012), crítica y análisis

Para todo hay una primera vez, y en nuestro caso Lo imposible marca una de ellas: nunca habíamos escrito una crítica justo después de salir de la sala de cine. Sin embargo, la enorme expectación que ha generado esta película nos empujó a hacerlo con inmediatez.

Acudimos al cine al inicio de su segunda semana en cartelera y conseguir entradas no fue tarea fácil: las colas llegaban hasta la calle. Algo que, viendo la repercusión del filme, no resulta nada sorprendente.

Argumento de Lo Imposible.

Lo imposible nos cuenta la historia de María (Naomi Watts) y Henry (Ewan McGregor), un matrimonio que viaja a Tailandia junto a sus tres hijos, Lucas, Simón y Thomas, para pasar las vacaciones de Navidad en un resort paradisíaco.

Todo transcurre con normalidad hasta que, el día después de Navidad, una gigantesca ola (el devastador tsunami del océano Índico de 2004) arrasa el hotel y toda la zona costera mientras la familia se encuentra en la piscina. En cuestión de segundos, el paraíso se convierte en destrucción absoluta.

A partir de ese momento, los miembros de la familia quedan separados y deberán sobrevivir por sus propios medios en medio del caos. La película muestra con crudeza las primeras horas tras el desastre: hospitales colapsados, refugios improvisados y la desesperación de miles de personas que buscan a sus seres queridos entre los supervivientes.

Supervivencia, tragedia y esperanza

Uno de los grandes aciertos de Lo imposible es narrar la catástrofe desde la perspectiva humana. A través de los ojos de sus protagonistas vemos no solo la violencia de la naturaleza, sino también la solidaridad y los vínculos que se crean entre quienes comparten la tragedia.

La historia transmite de forma constante una mezcla de sufrimiento, resistencia y esperanza, evitando el sensacionalismo y centrando el foco en la experiencia emocional de las víctimas.

Interpretaciones y personajes

Nos gustaría destacar especialmente el trabajo de Lucas, interpretado por Tom Holland. Con apenas 10 años durante el rodaje, sostiene gran parte del peso dramático de la película con una interpretación sorprendentemente madura, transmitiendo dolor, valentía y humanidad. Sin duda, una actuación sobresaliente.

En cuanto a Naomi Watts y Ewan McGregor, ambos cumplen con enorme solvencia. Sus personajes emprenden luchas paralelas (la supervivencia y la búsqueda familiar) que convergen en un mismo objetivo: reencontrarse. La implicación emocional que transmiten logra que el espectador comparta en todo momento su angustia y su esperanza.

María y Lucas tras el tsunami en Lo imposible (2012), iniciando su lucha por sobrevivir

Crítica de Lo imposible

Técnicamente la película es genial, por momentos el tsunami parece que va a salir de la pantalla y llevarse la platea entera aunque luego, las secuencias pasan tan rápido que apenas llega a profundizar en ninguno de los graves problemas que nos explica, salvo los que afectan a los protagonistas de la historia, y no en todos los casos.

Desde el punto de vista cinematográfico, Lo imposible combina espectáculo y drama humano con gran equilibrio. La recreación del tsunami es impactante y realista, pero la película nunca pierde su foco en las personas.

El ritmo mantiene la tensión emocional de principio a fin, y la puesta en escena refuerza la sensación de caos y vulnerabilidad. Más que una película de catástrofes, funciona como un relato de supervivencia familiar basado en hechos reales.

Opinión final: ¿merece la pena ver Lo imposible?

Lo imposible es una experiencia cinematográfica intensa, conmovedora y técnicamente impecable. Su fuerza reside en el componente humano y en la capacidad de hacer sentir al espectador dentro de la tragedia.

Por todo ello, la consideramos una película muy recomendable y una de las producciones españolas más impactantes de su década. Nuestra nota final para Lo Imposible es de un 8 sobre 10.

Ficha técnica de Lo imposible

Título original: The Impossible

Año: 2012

Director: Juan Antonio Bayona

Duración: 107 minutos

Género: Drama, Catástrofes

Wolfgang (2025), crítica y análisis

Si hablar del TEA (Trastorno del Espectro Autista) en el mundo real ya es algo sumamente complicado, hacerlo desde la perspectiva del cine resulta ya casi imposible, sería parecido a explicar los efectos especiales antes de la irrupción de Marvel, es decir, sería como intentar explicar algo que todo el mundo conoce pero casi nadie sabe cómo funcionan realmente.

Por si alguien se lo pregunta, el TEA no es ni un personaje, ni un “superpoder”, es una forma de percibir y procesar el mundo que puede ser tan lógico como un manual de montaje de un mueble de IKEA. Todo depende de la persona.

En el cine hemos visto personajes con TEA que resolvían cualquier problema mientras veían imágenes y números flotando en su cabeza, también hemos visto personajes misteriosos que cambiaban la trama de la película con una sola frase y, últimamente, proliferan las películas que nos muestran personajes reales, con intereses y retos reales sin necesidad de efectos especiales.

Dentro de este último grupo, podemos encontrar la película que os queremos contar hoy, la cinta española de 2025 que adapta la novela gráfica homónima de Laia Aguilar, “Wolfgang”.

“Wolfgang” nos cuenta la historia de un niño de 10 años, Wolfgang (interpretado por Jordi Catalán) quien además de TEA tiene un coeficiente intelectual de más de 150.

La historia empieza tras la repentina muerte de la madre del pequeño quien, tras pasar unos días con su abuela, se ve obligado a ir a vivir con su padre, Carles (a quien da vida Miki Esparbé) un hombre al que nunca había conocido.

Los primeros pasos de ambos en conjunto representan un choque total, mientras Carles vive una vida desorganizada provocada por su trabajo como actor (vive entre guiones e improvisación), el pequeño necesita orden, rutina y precisión en todos los ámbitos de su vida.

Para aislarse del mundo Wolfgang se refugia en su mundo, el mundo del piano donde además encuentra el recuerdo permanente de su madre. Tal es su interés que, empieza a tramar un plan para conseguir una plaza en la prestigiosa academia de piano “Grimald” de París donde también estudió su madre.

Wolfgang y Carles en las calles de París

Poco a poco, con el paso de los días, Carles va descubriendo las necesitades y reacciones del niño tras observarle y escucharle detenidamente. Después de múltiples pasos, algunos torpes y otros certeros, padre e hijo van acercando posiciones, al mismo tiempo que Wolfgang va mostrando fisuras en su exigente carácter.

La preparación para el examen de acceso a la “Academie Grimald” es toda una prueba para ambos, mientras Carles aprende el significado de apoyar a su hijo, este, en el propio examen debe aprender a enfrentarse a cambios y desafíos no planificados.

Al final, ese examen representa una prueba para ambos y en definitiva un clímax final para la película, por tanto, dejaremos aquí nuestro resumen de trama de “Wolfgang”.

Técnicamente, uno de los aspectos que más nos ha gustado de “Wolfgang” es la forma en que combina el drama emocional con una comedia de toques ligeros, manteniendo un ritmo suave y sostenido a lo largo de toda la película.

Sin entrar a valorar su fidelidad respecto a la novela gráfica original, podemos afirmar que una de las grandes fortalezas del guion de “Wolfgang” es su claridad dramática: sin recurrir al sensacionalismo, cada escena contribuye de forma coherente a revelar el conflicto que atraviesan sus dos protagonistas.

Interpretativamente hablando os diremos que, una de las cosas que más resaltan en “Wolfgang” es la química que hay entre Jordi Catalán y Miki Esparbé. A nivel individual, queremos resaltar el gran trabajo de Catalán rehuyendo de tópicos y dando a la vez, credibilidad a su personaje. Esparbé, por su lado construye un personaje humano y torpe que consigue evolucionar como persona y padre.

Así pues, en “Wolfgang” tenemos una película correcta, eficaz emocionalmente y muy interesante por su trabajo actoral.

Por todo lo que os hemos contado, nuestra nota para “Wolfgang” es de un 7 sobre 10.

“Wolfgang (Extraordinario)” – España – 2025

Dirigida por: Javier Ruiz Caldera

Duración: 110 minutos

Género: Drama, comedia

El cautivo (2025), crítica y análisis

Crear una película enmarcada dentro del género de cine histórico es, en la mayoría de las ocasiones, como meterse en un berenjenal ya que, casi siempre, es completamente imposible hacer un reflejo fiel de la época o los actos que se quieren contar, más que nada, porque cada uno tiene su visión e interpretación de los hechos.

Con todo, son muchos los directores que lo han intentado con más o menos éxito y sobre todo, con más o menos polémica, ahí tenemos, por ejemplo a Ridley Scott y sus “Gladiator” o incluso al hispano-chileno Alejandro Amenábar con su “Ágora” o más recientemente con “El Cautivo”.

Y es precisamente esta última, “El cautivo” de Alejandro Amenábar, la película que os queremos comentar hoy, sobre todo porque ha llegado a nuestros cines rodeada de una gran polémica provocada por aquellos a los que, un beso entre dos hombres duele más que cualquier guerra.

“El cautivo” es la, hasta el momento, última apuesta de Alejandro Amenábar en el cine después de seis años sin ningún estreno y nos cuenta el cautiverio vivido por el célebre escritor español Miguel de Cervantes en Argel.

“El cautivo” empieza situándonos en el Argel de 1575, justo en el momento en que un grupo de corsarios llega a la ciudad con un grupo de presos, durante la subasta de estos, descubrimos que entre ellos está un joven con un brazo dañado, Miguel de Cervantes (a quien da vida Julio Peña), cuando van a matarlo por ‘inútil’ para la venta, este saca un documento en el que indica que se trata de un “principal” lo cual hace que el gobernador, Hasán Bajá (interpretado por Alessandro Borghi) lo mantenga en cautiverio junto al cura inquisidor Blanco de Paz (interpretado por Fernando Tejero) y los soldados Diego de Castañeda y Beltrán.

Desde el primer momento, Cervantes descubre la extrema la dureza de la presión, donde los castigos físicos, psicológicos y mutilaciones están en el orden del día, y todo, mientras espera su único camino de salida, que alguien pague su rescate.

La única liberación que tiene Cervantes es la lectura, lectura que le proporciona otro preso, el clérigo Antonio de Sosa (interpretado por Miguel Rellán) quien pasa sus horas escribiendo. Viendo que él le sirve para evadirse de sus problemas, Cervantes decide empezar a contar las historias que lee y algunas que se inventa a sus compañeros de prisión.

Una de estas historias llama la atención de Hasán Bajá provocando que este le lleva sus dependencias, donde debe conseguir, con la continuación de la historia, sorprender al gobernante. Cuando lo consigue, recibe como premio, un día de libertad para estar en la ciudad.

En su paseo por Argel, Cervantes descubre la vida de la ciudad, donde la libertad se respira en cada esquina y alguna barberías, son punto de encuentro entre hombres jóvenes.

Poco a poco, la relación en Bajá y Miguel de Cervantes va tomando una extraña afinidad, entre confesiones de uno y otro, lecturas de libros, baños y momentos íntimos en el Hammam privado del gobernante.

Miguel de Cervantes relatando historias a los presos durante su cautiverio en Argel

Todo esto sin dejar de urdir planes de fuga en los que, el fracaso y las traiciones se combinan en número y forma.

Os preguntaréis, ¿consigue Miguel de Cervantes salir de la prisión? Es obvio que sí, pues en su cautiverio en Argel aún no había escrito “Don Quijote de la Mancha”, pero no os contaremos ni como lo hace ni cuándo.

Técnicamente os diremos que, en el equipo aplaudimos la iniciativa argumental de Amenábar, arriesgando al contarnos una parte muy desconocida de la vida de Miguel de Cervantes, su cautiverio en Argel y lo hace proponiéndonos la idea de una relación personal (bastante homoerótica) con su captor. Para muchos, un ultraje, pero bien visto, no seria descabellado teniendo en cuenta, tanto la forma de vida en la sociedad de Argel como los deseos de libertad y lucha por la vida del propio Cervantes.

Con todo, y pese a la provocación que busca Amenábar, el resultado final acaba siendo demasiado cojo ya que, si bien es verdad que la reflexión sobre la libertad, el reflejo del sufrimiento físico, los dilemas morales y el poder de la palabra se tratan con maestría, “El cautivo” peca y mucho, de un ritmo irregular en su narración y de una falta de profundidad y definición de varios de sus personajes.

Uno de los puntos fuertes de “El Cautivo” es, sin lugar a duda, el aspecto visual resultando una película perfectamente cuidad, tanto en relación con el vestuario, a la atmósfera que se respira en el Argel del S.XVI, sus palacios, patios, etc.

Por otro lado, uno de sus grandes hándicap o puntos débiles de “El cautivo” es para nosotros, que en ella se han querido tocar demasiados temas (la homosexualidad, el poder, la traición, el fanatismo, la resiliencia, etc.) y desgraciadamente, no todos son tratados ni con la misma fuerza ni destreza.

Interpretativamente hablando, “El cautivo” os diremos que nos ha gustado mucho el trabajo de un secundario, Miguel Rellán dando vida al padre Sosa, por el contrario, Julio Peña dando vida al gran protagonista, Miguel de Cervantes, pese a gustarnos, nos ha dejado bastante más fríos quizá, porque su personaje merecía más definición o más profundidad.

Para nosotros, “El cautivo” es una película con grandes momentos, con una buena reflexión pero que, desgraciadamente se queda muy corta con lo que hubiese podido ser. Sin lugar a duda, no es de lo mejor de Amenábar.

Por todo lo que os hemos contado, nuestra nota final para “El cautivo” es de un 6 sobre 10.

Título original: “El cautivo” – España – 2025

Dirigida por: Alejandro Amenábar

Duración: 133 minutos

Género: Drama, histórico

La habitación de al lado (2024), crítica y análisis

Hablar de Almodóvar es hablar, casi de un universo propio donde las madres, la muerte, las mujeres, el sexo, la homosexualidad y el amor tienen un papel más que protagonista en sus películas.

 

Después de hablarnos de sus orígenes en “Dolor y Gloria” (2019), el director manchego exploró la maternidad y las relaciones personales a través de la historia de dos mujeres que se convierten en madres en el mismo momento, os hablamos de “Madres paralelas” (2021).

 

Tres años después llegó a nuestras pantallas la vigesimocuarta película de Almodóvar que, como curiosidad, fue la primera que se grabó íntegramente en inglés y llegó para contarnos el dolor más íntimo de dos amigas. Os hablamos de “La habitación de al lado”.

 

“La habitación de al lado” empieza presentándonos a Ingrid (a quien da vida Julianne Moore), una escritora que está firmando su último libro en una librería de Nueva York. En la cola, aparece una amiga que le dice que, su amiga común Martha está grave en el hospital, enferma de cáncer.

 

Aunque hace mucho tiempo que no se ven, Ingrid lo deja todo y se va al hospital, donde se encuentra con una Martha (interpretada por Tilda Swinton) resignada por el diagnóstico, un cáncer de cérvix en estado 3, sin más solución que esperar el desenlace.

 

Aunque entre ambas parece que no ha pasado el tiempo desde que se conocieran, Ingrid trabajando en una revista y Martha de corresponsal de guerra, han pasado años desde su último encuentro. Ambas mujeres llevan consigo grandes traumas en su vida, el de Martha, es haber sido una madre ausente y no ver a su hija desde hace muchos, muchos años.

 

Cuando Martha asume su próximo final, decide morir dignamente y le pide a su amiga que le acompañe a una casa en medio del bosque a pasar sus últimos días. Aunque al comienzo se niega, al descubrir que ella es la última opción para su amiga, acepta.

 

Justo al llegar a la casa, Martha se pone muy nerviosa porque se ha olvidado de algo importante para ella, una pastilla que compró en el “Deep web” para ejecutar su eutanasia. Sin pensarlo vuelven a buscarla.

 

Los primeros días en la casa, las mujeres hablan de su pasado, de las cosas que han pasado en sus vidas los últimos años y sobre todo, Martha le explica a su amiga lo que pasó con su hija. Resulta que, Martha fue madre adolescente tras volver el padre de la pequeña, muy trastornado, de la guerra. Tiempo después, el hombre fallece en un incendio lo que acabó traumatizando tanto a la joven que empezó a ignorar a su hija.  

 

Marta e Ingrid en una de sus conversaciones

En la casa los días pasan, entre películas, paseos por el bosque y con un declive cada vez más evidente de Martha hasta que, al final, la mujer decide tomarse la plantilla, abriendo dos nuevos rumbos a la película, la reacción de la policía ante un caso de eutanasia y la aparición de la hija de Martha en la casa, aunque todo esto, nos lo guardaremos celosamente.

 

Técnicamente os diremos que “La habitación de al lado” dista un poco de lo que nos tiene acostumbrados el director manchego Pedro Almodóvar ya que, es su primera película filmada íntegramente en inglés adaptando la novela de Sigrid Nunez “What are you going through”.

 

“La habitación de al lado” aborda de forma sobria y sin amarillismos ni estridencias, temas tan complicados como la amistad, la mortalidad y la eutanasia.

 

La película se desarrolla mayoritariamente a través de planos cercanos, buscando la intimidad para contarnos la relación de dos amigas, Martha e Ingrid, en un momento tan importante para ellas.

 

En el lado negativo de la cinta, quiero deciros que, abusa demasiado de los flashbacks entorpeciendo a veces el desarrollo dramáticos y narrativo de la misma.

 

Interpretativamente hablando os diremos que, tanto Tilda Swinton como Julianne Moore realizan unos trabajos profundos e interesantes dando una imagen que oscila entre la fragilidad y la férrea determinación por parte de Tilda, mientras que Julianne nos da una imagen de delicadeza y a la vez, de ansiedad. Sin lugar a duda, todo un acierto.  

 

Quizá “La habitación de al lado” es la obra más depurada de Almodóvar, con un buen trabajo técnico, visual e interpretativo aunque por momentos, las conversaciones y el tecnicismo alejan al espectador y le privan de cierta empatía.

 

“La habitación de al lado” no es una película fácil ni amable, pero es profundamente humana. Una obra que sigue resonando después de los créditos, que no busca convencer ni consolar, solo compartir una herida.

 

Por todo lo que os hemos contado, nuestra nota final para “La habitación de al lado” es de un 6.5 sobre 10.

 

 

 

 

 

Título original: “La habitación de al lado” – España – 2024

Dirigida por: Pedro Almodóvar

Duración: 106 minutos

Género:  Drama, amistad

 

Dolor y gloria (2019), Almodóvar en estado puro

No os vamos a engañar, cuando vimos anunciada la, por el momento, última película del director manchego Pedro Almodóvar, nos llamó la atención entre poco y nada, pues le consideramos un director excesivamente sobrevalorado, un tanto engreído en sus declaraciones y por si fuera poco, muy encasillado en sus temas de siempre.

Al final han tenido que pasar cuatro meses para que nos decidiéramos a darle una oportunidad a “Dolor y gloria”, y lo hemos hecho después de leer, en su mayoría, unas críticas excelentes sobre ella. Así pues, una de estas últimas y sofocantes veladas de este caluroso verano tomamos asiento en nuestro sofá y le dimos al play.

“Dolor y gloria” empieza presentándonos a Salvador Mallo (a quien da vida Antonio Banderas), un director de cine español de mucho éxito en el pasado, pero viviendo un acelerado y precipitado ocaso profesional y personal. Salvador vive aquejado por un sinfín de dolencias físicas (migrañas, pitidos, problemas de espalda, etc.) y anímicas que le dejan, la mayor parte de su tiempo al borde de la depresión.

Un día, la Filmoteca de Madrid, después de restaurar “Sabor”, uno de los primeros éxitos que tuvo hace nada más y nada menos que 32 años, le invita al coloquio de presentación de dicha restauración. Para ello, Salvador se pone en contacto con Alberto Crespo (interpretado por Asier Etxeandia), el intérprete protagonista de “Sabor” y a quien tampoco ve desde el rodaje de dicha cinta.

Volverse a encontrar con el pasado lleva a Salvador, a modo de flashback en “Dolor y gloria”, a recordar su infancia cuando él y Jacinta (Penélope Cruz), su madre, llegan durante los años 60 a Paterna (Valencia) para instalarse en una casa cueva junto a su padre. Salvador recordará de esa época su paso por el colegio, la adecuación de su casa cueva, sus clases de lectura y escritura con Alberto, un albañil analfabeto del pueblo, el descubrimiento de su primer deseo, etc…

En la actualidad, su reencuentro con Alberto Crespo le supone a Salvador un duro choque, ya que, además de reencontrarse con las diferencias que había entre ambos desde la época de “Sabor”, descubre también un remedio alternativo al combinado de medicamentos que toma para aliviar sus dolencias: la heroína, a la cual casi se engancha.

Después de su fallido coloquio de presentación de la restaurada “Sabor”, Salvador se siente totalmente en deuda con Alberto y para compensarle, le cede una obra que este ha encontrado en casa de Salvador, “La adicción”.

“La adicción” narra la historia de un director de cine durante los años de la movida madrileña, un hombre que se enamora de otro hombre con quien acaba conviviendo más de tres años, y de una adicción de este último que, a la postre, acabará separando a la pareja. Casualidades de la vida, durante una de las primeras representaciones, en la sala está Federico (Leonardo Sbaraglia) el hombre del que se enamoró el autor de “La adicción”.

Como os podéis imaginar, Federico contactará con Salvador, aflorando nuevos recuerdos y viejas enseñanzas que, como también os podéis imaginar, no encontraréis en esta crítica, aunque lo que sí que encontraréis es nuestra particular valoración de “Dolor y gloria”.

Técnicamente, “Dolor y gloria” nos ha sorprendido y mucho, pues para nada imaginábamos una película tan personal y emotiva de un director que, como os hemos contado al comienzo de esta crítica, para nada teníamos entre nuestros favoritos. Es más que evidente que “Dolor y gloria” es una ficción, pero con unos vínculos casi biográficos con su director, quien ha puesto, creemos, mucho más en esta cinta que en anteriores. El drama, la emoción y una ambientación fantásticamente trabajada se mezclan durante todo el metraje de la cinta, provocando que poco a poco, nos vayamos implicando en los dolores, el pasado y los deseos de Salvador.

De todas formas, hay otro apartado donde “Dolor y gloria” sobresale y mucho, y este es el interpretativo, donde nos encontramos con dos brillantes interpretaciones de dos monstruos consagrados del cine español, Antonio Banderas y Penélope Cruz. El primero hace, quizá, el mejor papel de su carrera dando vida a Salvador, y la madrileña, aunque no es santo de nuestra devoción, vuelve a hacer un grandísimo papel. En cuanto al resto, nos encontramos con un Asier Etxeandia brutal (su escena del monólogo de “La adicción” es para quitarse el sombrero), un más que solvente Sbaraglia dando vida al ex de Salvador (ojo al apasionante beso que se dan ambos), y a dos novatos que han llegado pisando muy fuerte, César Vicente y el pequeño Asier Flores. Nuestro aplauso a todo el elenco.

Por todo lo que os hemos contado, nuestra nota final para “Dolor y gloria” es de un 8 sobre 10, y os la recomendamos, sobre todo si os gusta Almodóvar, Cruz o Banderas.

Título original: “Dolor y gloria” – España – 2019

Dirigida por: Pedro Almodóvar

Duración: 108 minutos

Género: Drama, Drogas, Homosexualidad

El secreto de Marrowbone (2017), crítica y análisis

Hablar de grandes éxitos comerciales del cine español reciente conlleva necesariamente a hacerlo también de J.A. Bayona (evidentemente, con el permiso del equipo de “Tadeo Jones 2”), ya que desde que lanzó con su opera prima “El Orfanato”, sus apariciones en la cartelera se han contado por éxitos (“Lo Imposible”, “Un monstruo viene a verme”).

En esta ocasión, aunque su nombre brilla con luz propia en el cartel, el barcelonés únicamente es el productor ejecutivo, dejando la dirección de la misma a su guionista principal, Sergio G. Sánchez. Os estamos hablando de “El secreto de Marrowbone”.

Os tenemos que reconocer que en el equipo somos más partidarios de ver los grandes estrenos de cartelera en sus primeros días, evitando así algunos spoilers o que alguien muy emocionado nos pise una buena sorpresa, con todo, en este caso nuestras condiciones nos ha llevado a cambiar esta rutina para ver “El secreto de Marrowbone” cuando ya casi está en sus últimos coletazos de cartelera. Con todo, hoy contaremos nuestra opinión.

“El secreto de Marrowbone” nos lleva directamente a un ya lejano 1969 con una familia compuesta por una madre y sus cuatro hijos llegan al viejo caserón de la familia materna, una destartalada mansión perdida en el interior de América después de un largo viaje transoceánico.

El objetivo de la madre, Rose (Nicola Harrison) es escapar de Inglaterra dejando atrás al violento, maltratador y padre de sus cuatro hijos. El viaje y abandonado caserón familiar será el punto de partida para la nueva vida de Rose y sus hijos: Jack (interpretado por George MacKay), Billy (Charlie Heaton), Jane (Mia Goth) y el benjamín Sam (Matthew Stagg).

Todo parece ir viento en popa a toda vela, incluso los hermanos hacen amistad con una joven vecina suya llamada Allie (Anya Taylor-Joy), aunque como bien os podéis imaginar, muy pronto las cosas se tuercen para la familia, ya que Rose fallece después de una grave enfermedad. Antes de fallecer, Rose pide a Jack que se haga cargo de sus hermanos y que los proteja del exterior, como mínimo hasta que él cumpla los 21 años y pueda tutelarlos legalmente.

A partir de este momento, los cuatro hermanos vivirán casi permanentemente recluidos en el viejo caserón evitando entrar en contacto con nadie y conviviendo con una extraña presencia (a la que llaman ‘fantasma’) que ronda también el por el tapiado desván de la casa.

Como ya os podéis imaginar, ha llegado ya el momento de parar nuestro relato argumental pues, al tratarse de una cinta que busca su éxito en el giro argumental sorpresa, cualquier otro detalle argumental podría romper totalmente la magia de “El secreto de Marrowbone”.

Interpretativamente hablando, y bajo nuestro punto de vista, el casting elegido para  “El secreto de Marrowbone” conforma uno de los puntos más débiles de la misma, y no es porque lo hagan mal, sino que todos (a excepción quizá de Nicola Harrison), están para nuestro gusto excesivamente fríos, basándose en muchas ocasiones en un exceso de gestos y expresiones faciales para mostrar sus miedos o sentimientos y dejando de lado ese vínculo que deberían haber creado con el espectador. Con todo, no hacen mal trabajo, simplemente creemos que podría ser mejor.

Técnicamente, “El secreto de Marrowbone” nos ha parecido que parte de una magnífica idea para desarrollar un buen thriller psicológico que, ya os avanzamos, va mucho más allá de la típica película de sustos mezclando con solvencia temas tan complejos como: la relación entre hermanos, el liderazgo, los miedos hacia el fracaso y como parece evidente los monstruos personales de cada uno. Todo esto, con la idea de sorprender al espectador con el desenlace de la misma. No os diremos que Sergio G. Sánchez ha fallado en el intento, ni mucho menos, aunque sí os diremos que “El secreto de Marrowbone” podría haber ido mucho más allá de lo que al final llega.

Por todo lo que os hemos contado, nuestra valoración final a “El secreto de Marrowbone”, la opera prima de  Sergio G. Sánchez es de un 6.5 sobre 10.

Título original: “Marrowbone” – 2017 – España

Dirigida por: Sergio G. Sánchez

Duración: 109 minutos

Género: Drama, Thriller

Handia (2017), crítica y análisis

Alejarse de las grandes producciones de la industria del cine comercial conlleva ciertos riesgos. El principal es acudir a la sala sin saber muy bien qué se va a encontrar el espectador, ya que este tipo de películas suelen carecer de una amplia cobertura mediática y de críticas previas. Sin embargo, esa misma incertidumbre es también una de sus mayores virtudes: en muchas ocasiones, el cine menos comercial esconde auténticas joyas en la gran pantalla.

Algo muy parecido fue lo que nos ocurrió con la película española "Handia". Antes de que se apagaran las luces de la sala, apenas sabíamos nada de ella, más allá de que estaba dirigida por el dúo responsable de dos de las películas vascas más destacadas de los últimos años: "Loreak" y “80 egunean”.

Desde su primera escena, "Handia" nos transporta a un caserío del municipio guipuzcoano de Altzo durante la primera mitad del siglo XIX, en plena época del levantamiento de las tropas en la Primera Guerra Carlista. En este entorno rural vive la familia Eleizegi, cuyos dos hijos (protagonistas de la historia) representan dos formas radicalmente opuestas de entender la vida y afrontar su destino.

El mayor, Martín (interpretado por Joseba Usabiaga) siente la necesidad de salir del caserío, ver mundo y crecer cambiando de vida, mientras que el menor, Joaquín (interpretado por Eneko Sagardoy) desea continuar en sus raíces, quedándose en su Altzo natal y cuidar, junto a su hermano, el caserío familiar.

En los primeros compases de la trama, las tropas carlistas pasan por el viejo caserón llevándose a Martín al frente, mientras que el pequeño Joaquín y su padre se quedan en Altzo cuidando de la casa y las tierras. Tres años después de la finalización de la guerra y con un brazo inutilizado, Martín vuelve a casa con la intención de obtener la parte de su futura herencia para irse a hacer las américas.

Sus planes se van al traste cuando su padre le comunica que no puede avanzarle el dinero y Joaquín, que ha crecido mucho más de lo esperado, se enfada con él al ver que quiere romper el pacto que tenían de llevar juntos las tierras del viejo caserío.

Ante la difícil situación que se vive en la casa, con un padre mayor, un joven casi gigante y él con un brazo inútil, Martín decide aparcar sus planes de vida y enrolarse con Arzadun, un amigo de la familia, en una ruta por España y después por Europa exhibiendo a Joaquín como un auténtico fenómeno de feria.

Joaquín, un chico normal aquejado de gigantismo, una enfermedad por la que no deja de crecer, no acaba de entender la situación que vive aunque, como su hermano, se deja llevar por la necesidad de conseguir dinero fácil. Así pues, pasan unos años viajando de ciudad en ciudad, exhibiéndose ante las élites de la época y sintiéndose, eso sí, cada vez más desubicados, tanto por la enfermedad de Joaquí, como por la sociedad.

Al final, como en toda historia, en "Handia" tenemos también la fase de declive del gigante de Altzo, aunque eso como comprenderéis, nos lo guardaremos para nosotros. Lo que no guardaremos serán nuestras impresiones sobre “Handia”

Técnicamente “Handia” nos ha sorprendido gratamente, ya que, pese a tratarse de una auténtica leyenda de nuestra tierra (Euskadi), esta ha sido tratada por el equipo técnico de una forma totalmente convincente y sin ningún tipo de complejo, consiguiendo una cinta que, realizada en otro país y con más soporte, habría conseguido mucha más repercusión.

A nivel técnico nos encantaría remarcar el excelente trabajo de ambientación, tanto en cuanto a la recreación histórica de los escenarios, como a la excelente fotografía, marcando claramente desde el inicio: los ambientes de lujo de la alta sociedad, la miseria del caserío, la intimidad, la decadencia, el miedo, etc. Para este equipo, un auténtico lujo de trabajo.

Interpretativamente también nos ha gustado mucho el trabajo de los dos protagonistas de la historia, ya que, tanto Eneko Sagardoy en su complicado papel del gigante Joaquín como Joseba Usabiaga, dando vida al torturado Martín consiguen transmitirnos sus sentimientos, sus miedos, sus dolores físicos, sus luchas personales, etc. Un aplauso para ellos de nuestra parte.

Por todo lo que os hemos contado, los miembros de este equipo le ponemos a "Handia" un 7.5 sobre 10, y recomendamos a todo el mundo que la busque en los pocos cines que se han lanzado a proyectarla, porque merece, y mucho, la pena.

Título original: “Handia” – España – 2017

Dirigida por: Jon Garaño, Aitor Arregi

Duración: 114 minutos

Género: Drama, Biográfica