Perfectos desconocidos (2017): crítica, sinopsis

Hoy en día, en nuestra sociedad hiperconectada, es clave saber distinguir entre el “yo público” y el “yo privado”. El teléfono móvil se ha convertido en una extensión de nuestra identidad, dejando al descubierto pensamientos, deseos y hasta nuestras contradicciones. En este contexto, Perfectos desconocidos funciona como un auténtico experimento social sobre la identidad y las relaciones humanas.

La película también pone el foco en la fragilidad de la confianza y en qué ocurre cuando desaparece la barrera de los secretos. ¿Qué pasa cuando todo sale a la luz? Su mensaje gira en torno a cómo gestionamos la intimidad en una era donde lo privado cabe en una pantalla... y puede exponerse en cualquier momento.

Sinopsis de Perfectos desconocidos

En Perfectos desconocidos, un grupo de amigos de toda la vida se reúne para cenar, reírse y ponerse al día. Todo comienza con buen ambiente, bromas y esa confianza que solo da el paso del tiempo… hasta que surge un juego aparentemente inocente: dejar los móviles sobre la mesa y compartir todos los mensajes y llamadas.

A partir de ese momento, lo que parecía una idea divertida se convierte en una auténtica bomba de relojería. Notificaciones en voz alta, llamadas en altavoz y secretos que empiezan a salir sin control. Poco a poco, afloran verdades incómodas, mentiras bien guardadas y revelaciones inesperadas.

Las relaciones empiezan a tambalearse y las amistades a resquebrajarse. Al final, la gran pregunta no es quién tiene secretos, sino si es posible sobrevivir a ellos cuando dejan de ser privados.

Crítica de Perfectos desconocidos

Perfectos desconocidos es una de esas películas que empiezan con una situación cotidiana y acaban dejándote pensando… y revisando mentalmente tu propio móvil. Dirigida por Álex de la Iglesia, parte de una premisa tan sencilla como potente: hacer público todo lo que ocurre en el teléfono.

El resultado es un juego tan adictivo como incómodo. El ritmo es ágil, casi teatral, lo que hace que la tensión crezca de forma constante sin necesidad de grandes artificios.

Uno de sus grandes aciertos es la mezcla de humor y mala leche. Te ríes, sí, pero con esa risa incómoda de “esto podría pasarme a mí”. Aunque no reinventa la historia (es un remake de la italiana Perfetti sconosciuti), la ejecución es precisa y efectiva.

Más que una comedia, la película funciona como un pequeño experimento social disfrazado de entretenimiento.

Reparto y actuaciones

El reparto de Perfectos desconocidos es uno de sus puntos más fuertes. No hay un protagonista claro, sino un conjunto de personajes que funcionan como un engranaje perfectamente sincronizado.

Escena de Perfectos desconocidos: una cena entre amigos que se convierte en un caos de secretos.

Las interpretaciones destacan por su naturalidad y realismo. Cada actor aporta matices y consigue que los conflictos se sientan auténticos. Nadie intenta sobresalir por encima del resto; todos están al servicio de la historia.

Esa sensación de estar “espiando” una conversación real es precisamente lo que hace que la película enganche tanto. No parecen personajes de ficción, sino personas reales sentadas en una mesa cualquiera.

Opinión y nota final

En definitiva, Perfectos desconocidos es una comedia dramática ingeniosa, entretenida y, a la vez, incómoda. Aunque se trata de un remake de la película italiana, esta versión española consigue conectar muy bien con el espectador.

Es una opción muy recomendable si buscas una película que no solo entretenga, sino que también invite a reflexionar sobre la privacidad, las relaciones y el papel del móvil en nuestras vidas.

Nota final: 7/10

Ficha técnica de Perfectos desconocidos

Título original: Perfectos desconocidos

Año: 2017

Director: Álex de la Iglesia

Duración: 96 minutos

Género: Comedia, Amistad

Close (2022), un drama conmovedor sobre la amistad

Cada vez resulta más complicado encontrar directores capaces de apostar por historias humanas, sensibles y emocionalmente honestas. Películas que hablen de situaciones tan reales como dolorosas, invitándonos a reflexionar sin caer en el sensacionalismo ni en el drama fácil. En ese terreno, el cineasta belga Lukas Dhont ha demostrado tener una sensibilidad especial.

Tras sorprender al mundo con “Girl” (2018), una película centrada en la disforia de género durante la adolescencia, Dhont volvió en 2022 con Close, un drama intimista que explora la amistad masculina, la presión social, la identidad y el duelo emocional desde una mirada profundamente delicada.

¿De qué trata “Close”?

Close nos traslada a la campiña belga para presentarnos a Léo (Eden Dambrine) y Rémi (Gustav De Waele), dos chicos de trece años que mantienen una amistad extremadamente cercana. Pasan todo el tiempo juntos: juegan, ríen, duermen en casa el uno del otro y comparten una conexión emocional muy poco habitual a su edad.

Mientras Léo es más sociable y extrovertido, Rémi destaca por su sensibilidad y su pasión por la música y el oboe. La madre de Rémi, Sophie, trata a Léo como si fuera un hijo más, reforzando todavía más el vínculo entre ambos adolescentes.

Sin embargo, todo cambia con la llegada al instituto. Los comentarios y burlas de sus nuevos compañeros empiezan a incomodar a Léo, quien comienza a sentirse presionado por las normas sociales y los prejuicios relacionados con la masculinidad y la cercanía emocional entre chicos.

La presión social y la ruptura de una amistad

Para evitar rumores y encajar con el resto de compañeros, Léo empieza a distanciarse de Rémi. Evita el contacto físico, reduce el tiempo que pasan juntos e incluso se apunta al equipo de hockey sobre hielo intentando integrarse en otro grupo social.

Ese alejamiento termina destruyendo la relación entre ambos amigos. Poco después, Léo descubre que Rémi se ha suicidado, un acontecimiento devastador que cambia completamente el tono de la película.

A partir de ese momento, Close se convierte en un retrato emocional del duelo, la culpa y la incapacidad de expresar los sentimientos. Léo intenta continuar con su vida mientras carga con el peso emocional de haber rechazado a su mejor amigo.

Una película sobre la adolescencia, el duelo y la identidad

Una de las grandes virtudes de Close es la enorme sensibilidad con la que aborda temas complejos como:

• La amistad masculina en la adolescencia
• La presión social y los roles de género
• La identidad emocional
• El suicidio juvenil
• El sentimiento de culpa
• El duelo tras la pérdida de un ser querido

Todo ello sin recurrir al amarillismo ni manipular emocionalmente al espectador. Lukas Dhont apuesta por la sutileza, los silencios y las emociones contenidas, logrando que cada escena resulte profundamente humana.

Sophie con Léo y Rémi

Las interpretaciones: uno de los grandes puntos fuertes de “Close”

El trabajo de los jóvenes actores es sencillamente extraordinario. Eden Dambrine ofrece una interpretación muy madura y conmovedora como Léo, transmitiendo perfectamente la culpa, la tristeza y la confusión emocional del personaje.

Por su parte, Gustav De Waele consigue construir un Rémi sensible, vulnerable y lleno de ternura. La química entre ambos protagonistas es clave para que la película funcione emocionalmente desde el primer minuto.

También merece una mención especial Émilie Dequenne en el papel de Sophie, la madre de Rémi, quien aporta algunos de los momentos más dolorosos e intensos de la película. 

Opinión final de Close

Close es una de esas películas que dejan huella. Un drama intimista, doloroso y tremendamente humano que reflexiona sobre cómo la presión social puede afectar incluso a los vínculos más puros y sinceros.

Con una dirección elegante, actuaciones brillantes y una narrativa cargada de sensibilidad, Lukas Dhont confirma que es uno de los cineastas europeos más interesantes de su generación.

Si buscas una película emocional, profunda y con un mensaje poderoso sobre la adolescencia y la amistad, Close es una obra imprescindible.

Nota final: 9/10

Ficha técnica de Close

Título original: Close

Año: 2022

Director: Lukas Dhont

Duración: 104 minutos

Género: Adolescencia, Amistad, Drama

The kings of summer

Crecer, un acto que, por el mero hecho de que todos lo hacemos, habitualmente lo infravaloramos totalmente ya que, involuntariamente lo reducimos al mero hecho de incrementar el tamaño, de pasar días, o más vulgarmente acumular arrugas. Lejos de esta superficialidad, crecer es sumar y restar vivencias (y personas a nuestras vidas), aprender a equivocarse, a caer y a levantarse, a vivir el presente con un recuerdo del pasado y una ilusión para el futuro.

Plasmar este juego de cartas en una película de cine es algo realmente complicado, y aunque se ha intentado en varias ocasiones (“Boyhood”, “El señor de las moscas”, etc.), no es un camino muy explotado, y la verdad, no nos extraña.

Cuando escogimos “Los reyes del verano” / “The kings of summer”, lo hicimos sin demasiado convencimiento, pero, pese a todo, tomamos posesión de nuestro sofá y le dimos al play, y hoy, os lo contamos aquí.

“Los reyes del verano” empieza presentándonos a Joe Toy (a quien da vida Nick Robinson), un chico adolescente que vive bajo la presión de su padre, un hombre viudo que apenas le deja respirar sin corregirle, una situación totalmente insoportable para Joe, de la que únicamente escapa en la escuela donde nota una conexión con alguno de sus compañeros.

Uno de estos compañeros es Patrick (Gabriel Basso), un chico deportista de su misma edad, quien, aunque sin llegar a extremo de Joe, también se siente totalmente anulado por unos padres que intentan ser ‘enrollados’ pero no le dejan ser él, y que de tan sobreprotectores y cariñosos que, literalmente, le producen alergia al chico.

Después de un par de situaciones de lo más desastrosas, Joe convence a Patrick de iniciar una aventura lejos de sus respectivos padres, construyendo una cabaña en medio del bosque y viviendo allí según sus normas y según lo que puedan conseguir de la naturaleza.

Sin saber muy bien porque ni como, a la pareja se les junta un tercer adolescente, el excéntrico Biaggio (Moises Arias) quien les ayudará a construir su casa, aportará su grado de locura al grupo y se integrará con ellos cuando, entre todos, deciden que la casa ya cumple con unos mínimos. Ese día, los chicos se llevan algunas de sus pertenencias, algo de dinero y algo de comida para empezar su nueva vida.

En el bosque, los tres jóvenes se sienten libres, se reparten las tareas (recolección de frutas y bayas, caza, etc.), comparten juegos, se enfrentan a peligros y, en definitiva, viven y crecen. Crecen tanto que, a las pocas semanas de su aventura, y con sus padres buscándolos con la policía, Patrick y Joe ponen en común lo único que les falta para la plena felicidad, la presencia de una chica.

Joe, Patrick y Biaggio construyendo su cabaña

Sí, llegó el amor al grupo, y con ello, la escogida, Kelly, una chica con la que Joe tiene buena relación. Sin pensarlo mucho, y bajo la absoluta promesa de secreto, la llevan a la casa del bosque donde por unos días se integrará en el grupo, aunque no como espera Joe ya que Kelly, se siente atraída por Patrick y esté le corresponde.

Como ya os podéis imaginar, el drama se masca y finalmente se produce ya que, en un ataque de rabia Joe echa a Patrick sin miramientos y de rebote a Biaggio iniciando así, su vida en solitario. Una vida mucho más complicada que, nos permitiréis, nos guardaremos en el tintero igual como nos guardamos el desenlace de “Los reyes del verano”.

“Los reyes del verano” / “The kings of summer” es una película insospechadamente bien hecha la cual, consigue retratar más que correctamente ese momento vital que todos hemos tenido o tendremos en algún momento, el cual no es otro que, vivir nuestra propia vida. En este sentido, nuestra enhorabuena al equipo de guion ya que, consiguen reflejar a la perfección la compleja vida de los jóvenes adolescentes con sus contradicciones.

En el lado negativo de la balanza, nos encontramos en que en “Los reyes del verano” tenemos dos partes claramente diferenciadas, la primera va desde cuando los chicos deciden irse de casa hasta la llegada de Kelly al grupo, y la segunda, desde la disolución del mismo hasta el final de la cinta, y estas dos partes son diametralmente dispares ya que, mientras en la primera, la ilusión y la fuerza marcan el ritmo, en la segunda todo se viene abajo en una resolución rápida, previsible y plana. Tampoco nos ha gustado que todas las bromas recayeran sobre Biaggio, haciéndonos sentir que se le estereotipaba al diferente.

Interpretativamente, “The kings of summer” es una película con un gran acierto en el casting, donde brillan a partes iguales los tres protagonistas, tres adolescentes dando vida a adolescentes (algo complicado de ver en el mundo del cine) con unos trabajos soberbios, transmitiéndonos naturalidad, fuerza, y todo el abanico de emociones que acarrea la adolescencia. Simplemente genial.

Por todo lo que os hemos contado, nuestra nota final para “The kings of summer” es de un 6 sobre 10.

Título original: “The kings of summer” – USA – 2013

Dirigida por: Jordan Vogt-Roberts

Duración: 93 minutos

Género: drama, adolescencia

 

El niño del pijama de rayas

No os vamos a engañar, no somos para nada fans de ver una película y después leer el libro en el que se basa ya que, el libro siempre es mejor y es como tener un spoiler constante que te rompe la magia (y si no lo tienes, es que la adaptación es pésima), lo que sí hacemos, en alguna ocasión, es ver la adaptación cinematográfica cuando hemos leído el libro en el que se basa, aunque eso sí, debe de haber transcurrido mucho tiempo desde que lo hayamos hecho. Más que nada, porque las comparaciones entre ambos son más que odiosas.

Hoy en este rincón os comentaremos la adaptación de una novela del irlandés John Boyne publicada en 2006. La novela fue un auténtico éxito mundial, traduciéndose a más de treinta idiomas y vendiendo millones de ejemplares, os hablamos del drama sobre el holocausto nazi, “El niño con el pijama de rayas”.

Pues bien, en 2008 y en pleno éxito comercial del libro, llegó a nuestras carteleras su adaptación, y hoy, unos años después, os contaremos nuestro punto de vista sobre ella.

“El niño con el pijama de rayas” empieza presentándonos a Bruno (a quien da vida Asa Butterfield), un niño alemán de 8 años que, totalmente ajeno a lo que está viviendo su país durante de la Segunda Guerra Mundial, corretea por las calles de Berlín con sus amigos. Un día, sin esperárselo, Bruno y su hermana Gretel son reunidos por su padre, Ralf (David Thewlis), un estricto comandante del ejército alemán, para darles una noticia que cambiará su vida, toda la familia dejará Berlín para trasladarse a Polonia, su nuevo destino.

Después de un largo viaje, la familia llega a su destino, una casa aislada en una zona llamada Auschwitz. Al poco de estar en la casa, Bruno descubre que, desde su ventana puede ver un grupo de casas cercano, unas casas rodeadas por una alambrada y con mucha gente vestida con pijamas de rayas yendo de un lado a otro.

Cuando su madre lo descubre, se preocupa mucho ya que se siente engañada por Ralf, y le indica a Bruno que, bajo ningún concepto puede acercarse a dichas casas, las cuales el pequeño confunde con una granja.

Un día Bruno, decide explorar las cercanías de la casa llegando a escondidas de su madre hasta la alambrada, donde se encuentra con un niño de su edad, con el que, rápidamente entabla amistad, el pequeño se llama Shmuel (Jack Scanlon). Shmuel y Bruno se irán viendo y hablarán sobre lo que pasa en el campo, intentarán jugar y Bruno le llevará comida alguna que otra vez.

En casa de Bruno las cosas se complican también ya que, mientras Gretel cae a pies juntillas en las redes del nazismo impulsada por el tutor que les da clases a ambos, la madre de los pequeños descubre sorprendida el verdadero motivo por el que están viviendo tan cerca de Auschwitz, un lugar donde regularmente es asesinada e incinerada gente.

Bruno y Shmuel jugando en la alambrada

Presa del pánico y el engaño, convence a Ralf que ese no es lugar para educar a sus hijos, decidiendo que ella y sus dos hijos abundarían la casa dos días después. Cuando Bruno se entera de eso, corre donde Shmuel para contárselo, aunque se encuentra a su pequeño amigo preocupado por la desaparición de su padre. Sin tiempo de pensarlo mucho, Bruno le dice a Shmuel que cruzará la alambrada y le ayudará a buscar a su padre.

¿Conseguirá Bruno cruzar la alambrada antes de su partida? ¿Qué se encontrará dentro de lo que él considera “la granja” de Auschwitz? Como es más que evidente, nosotros sabemos la respuesta de estas y otras preguntas, pero nos las guardaremos celosamente.

Argumentalmente nos encontramos que, “El niño del pijama de rayas” es una obra que parte de una idea poco original ya que, son muchas las obras que relatan el drama del holocausto nazi (“La vida es Bella”, “La Lista de Schindler”, “El pianista”, etc.). En esta ocasión se adapta, muy fielmente, la obra homónima y best-seller del irlandés John Boyne y lo hace de muy buenas maneras demostrando que, es muy posible llevar un bestseller literario al cine de forma sencilla y efectiva.

Técnicamente, “El niño del pijama de rayas” es una película tan sencilla como perfecta, no hay grandes efectos especiales, no hay grandes ambientaciones, pero lo que si tiene es un acertadísimo ritmo narrativo que mantiene al espectador pegado a la pantalla durante los escasos 90 minutos que dura.

Desde el punto de vista interpretativo nos quitamos el sombrero ante las grandes actuaciones de sus dos pequeños protagonistas, Asa Butterfield dando vida al inocente Bruno y Jack Scanlon interpretando a Shumel, el pequeño niño judío que le ha tocado vivir el drama del campo de concentración. El resto de intérpretes, simplemente correctos, sin desentonar con la película.

Por todo lo que os hemos contado, nuestra nota final para “El niño del pijama de rayas” es de un 7.5 sobre 10.

Título original: “The boy in the stripped Pajamas”- 2008 - Reino Unido

Dirigida por: Mark Herman

Duración: 94 minutos

Género: Drama, holocausto, amistad

Los chicos de la banda

Si echamos la vista atrás, y con permiso de este 2020 que va camino de romper todos los récords, nos encontramos con un año que, por acumulación de sucesos podemos decir que cambió el ritmo y ruta de la sociedad, os estamos hablando de 1968, y de actos tan importantes como: las revoluciones estudiantiles del “Mayo francés”, la matanza estudiantil de México en octubre, los asesinatos de Martin Luther King y John Fitzgerald Kennedy, entre otros.

En ese mundo convulso que luchaba por los derechos de los estudiantes y de las minorías, faltaba todavía un año para que, después de unos nuevos disturbios, el movimiento LGTB se lanzara a la calle.

En esos momentos de incertidumbre y de ocultación social, Mart Crowley estrenaba en Broadway una obra de teatro que, pasados más de 50 años continua tan vigente como el primer día, y porque no decirlo, regularmente en cartelera. Hace un tiempo, y fruto de la alianza entre el creador televisivo Ryan Murphy y la plataforma de streaming Netflix, se anunció a bombo y platillo que, dicha obra teatral sería llevada al cine bajo su mismo título: “Los chicos de la banda”.

Después de una espera más o menos larga, la adaptación cinematográfica de “Los chicos de la banda” llegó a nuestras pequeñas pantallas y hoy, desde este rincón, os contaremos lo que nos ha parecido.

“Los chicos de la banda” empieza desplazándonos a la Nueva York de 1968 donde nos encontramos con Michael (a quien da vida Jim Parsons) en los días previos a una fiesta de cumpleaños que él organiza en su ático de la Gran Manzana. Sin tiempo de reaccionar recibe la llamada de su amigo y ex, Donald (Matt Bomer), quien le avisa que está de camino de su casa después de una sesión frustrada con su psiquiatra.

Finalmente, Donald se queda en el piso de Michael hasta el día del cumpleaños cuando, además, Michael recibe una nueva llamada, en esta ocasión de un amigo de la universidad Alan, quien no conoce nada de su vida. Sin poderlo evitar, Michael y Alan acaban acordando verse unos minutos antes de la fiesta.

Llegada la hora, van desfilando por el piso de Michael todos sus amigos e invitados, el entrañable, divertido y encantador Emory (Robin de Jesús), Bernard (Michael Benjamin Washington), y la pareja formada por Larry (Andrew Rannells) y Hank (Tuck Watkins), y como no, el cowboy (Charlie Carver) o regalo de Emory para el cumpleañero.

Poco después de que los seis amigos ultimen los detalles y empiecen a beber, hace irrupción el protagonista de noche, Harold (Zachary Quinto) un hombre superficial y muy desagradable quien poco a poco va minando en la autoestima del resto, en especial del anfitrión, Michael. Por si fuera poco, y sin que nadie se lo espere, hace acto de presencia en el piso Alan, por cierto, el único hetero de la fiesta.

A partir de este momento las tensiones entre todos se disparan, en un primer momento por la agresión homófoba de Alan a Emory por su pluma y su forma de ser. Cuando las aguas parecen calmarse, entre los amigos empiezan a marcarse las fisuras que hay entre ellos y sus relaciones, provocando que Michael explote con un cruel juego de introspección en los sentimientos de cada uno que, llegará a desbordar las emociones de más de uno.

Protagonistas de "Los chicos de la banda"

Como ya os podéis imaginar, y aunque esta “Los chicos de la banda” sea una segunda adaptación al cine de una obra teatral, ha llegado el momento de dejar su desarrollo argumental para centrarnos en su apartado más técnico.

Sin lugar a dudas, uno de los grandes éxitos de “Los chicos de la banda” es que, pese a que el texto original tiene más de 50 años, aún a día de hoy continua totalmente vigente, sobre todo gracias al brillante trabajo de guion que se ha realizado en esta adaptación. En este sentido, el equipo de guionistas ha conseguido, con notables diálogos (algunos cargados de muy mala leche) y abundantes juegos de palabras, dividir la acción en dos grandes bloques, el primero más ligero y divertido y el segundo, cargado como una bomba de relojería emocional y dramática. Y todo esto, sin olvidar el retrato de los dos temas principales de “Los chicos de la banda”, la homofobia y la aceptación social de la homosexualidad en todas sus facetas.

Otro de los grandes puntos de esta versión de “Los chicos de la banda” radica en su casting donde destacan especialmente cuatro nombres: Jim Parsons, Zachary Quinto, Matt Bomer y Charlie Carver. A Parsons, aunque no es santo de nuestra devoción, debemos reconocerle su gran trabajo dando vida al religioso y amargado vividor Michael (su explosión dramática es realmente espectacular), de Quinto decir que nos ha encantado su trabajo dando vida al odioso y viperino Harold. Ambos, sin lugar a dudas, las auténticas almas de “Los chicos de la banda”. De secundarios, nos quedamos con Matt Bomer en su papel de gran amigo buenorro con tantos problemas como buenos sentimientos y con Charlie Carver dando vida a un gigoló un tanto justito que aporta las bromas más frescas de la cinta.

Por todo lo que os hemos contado y porque esta versión de “Los chicos de la banda” funciona como un perfecto reloj suizo, nuestra nota para ella es de un 7.5 sobre 10.

 

Título original: “The boys in the band” – 2020 – USA

Dirigida por: Joe Mantello

Duración: 122 minutos

Género: Drama, LGTBI, Amistad

 

See you yesterday

Dentro del mundo de la ciencia ficción y siguiendo una inquietud real del ser humano, los viajes en el tiempo (tanto hacia delante como hacia atrás) han sido y son un tema realmente recurrente, sobre todo para explotar y explorar el término que se conoce como “paradoja temporal”.

Pero realmente ¿qué es una “paradoja temporal”? Bueno, lo explicaremos de forma muy sencilla: imaginaros que podéis viajar en el tiempo hacia el pasado y conocéis a vuestro abuelo antes incluso de que piense en casarse ¿cómo podría afectar eso a vuestra vida presente? 

Como ya veis nada nuevo en el cine, desde los maestros de “Star Trek” hasta “12 monos” pasando por “El efecto mariposa” podemos encontrar decenas de buenos ejemplos, como el que os queremos comentar hoy, “See you yesterday”, una de las últimas incorporaciones de Netflix a su catálogo.

“See you yesterday” empieza presentándonos a sus dos protagonistas principales, Claudette (Eden Duncan) y Sebastian (Dante Chichlow) dos adolescentes migrantes que viven en Brooklyn (Nueva York), ambos comparten una curiosa particularidad, son dos auténticos genios de la ciencia. Como sus familias no tienen muchos recursos, necesitan ganarse una beca para garantizarse el acceso a la universidad. Para conseguir esta beca, pasan largas horas en el garaje de uno de ellos construyendo sendas máquinas del tiempo lo suficientemente compactas como para llevarlas en su mochila.

Después de algunos intentos fallidos se produce un hecho que les hace dar el paso definitivo y conseguir su ansiada máquina del tiempo portátil. Una vez la tienen, Claudette y Sebastian deciden viajar al pasado para intentar que el suceso que ha marcado sus vidas no suceda, aunque pronto, muy pronto, van a descubrir que no es tan fácil, ya que cualquier cambio en el pasado provoca cambios en la vida que ambos conocen.

Después de un primer salto en el tiempo y con el problema inicial cambiado, la vuelta al presente resulta poco más que traumática y Claudette debe volver rápidamente al pasado, un pasado distinto al de la primera vez para intentar corregir los problemas causados y como ya os podéis imaginar, causando de nuevos, aunque claro, nosotros ya os decimos que no os contaremos nada más del argumento de “See you yesterday”.

Claudette (Eden Duncan) y Sebastian (Dante Chichlow) protagonistas de "See you yesterday"

Para los miembros de este equipo, “See you yesterday” tiene un gran punto negativo, y no es precisamente poco importante. Para nosotros “See you yesterday”, quiere tocar tantos puntos que acaba perdiéndose en ellos. Por un lado, la cinta nos presenta a unos personajes marcados totalmente por el clima racial que se vive en Estados Unidos, aunque eso sí, sin caer en los tópicos que estamos acostumbrados, por el otro intenta recuperar ese aire de los clásicos ochenteros (con claras referencias a “Regreso al futuro”) aunque sin llegar a plasmar la magia de estos, y todo enmarcado en un clima de ciencia ficción que en ningún momento nos quita ese “déjà vu” de nuestra mente. Para nosotros, todo esto por si solo constituye ya, una oportunidad desaprovechada.

En cuanto a las interpretaciones, sí que nos gustaría destacar el trabajo del tándem protagonista, los adolescentes y para nosotros desconocidos, Eden Duncan y Dante Chichlow quienes dan fuerza, personalidad y consistencia a unos personajes un poco desdibujados y haciéndolo además con una gran química entre ellos.

Por todo lo que os hemos dicho, nuestra nota final para “See you yesterday” es de un 4 sobre 10, recomendable sólo para aquellos que se quieren iniciar en la ciencia ficción o para aquellos que no saben lo que es la “paradoja temporal”, ya que de lo contrario, posiblemente os aburriréis en la casi hora y media de metraje de la cinta.

Título original: “See you yesterday” – USA – 2019

Dirigida por: Stefon Bristol

Duración: 86 minutos

Género: Ciencia ficción, Drama, Amistad

Handsome devil (2016), crítica y análisis

Para muchos, que una película hable de la adolescencia de un joven torturado por ser como es y sentir distinto que sus compañeros puede resultar un tema manido, y no os negaremos que sí, que se ha llevado muchas veces a la gran pantalla, pero en el equipo creemos que continúa siendo muy necesaria la concienciación de la sociedad en relación a temas como el “bullying”, la homosexualidad y la diferencia.

Quizá por esto que os acabamos de contar, cuando hace unos días andábamos buscando una película para ver después de cenar, huyendo eso sí, de culebrones, reality shows e islas repletas de pseudo famosos, y nos encontramos con la cinta independiente “Handsome Devil”, lo tuvimos claro de inmediato, la veríamos y hoy, en este rincón os contamos nuestras impresiones.

“Handsome Devil” nos lleva a la Irlanda de los pasados años 80, justo en el momento en que Ned Roche (Fionn O’Shea) es llevado por su padre y su madrastra a un internado de chicos. Ya a primeras de cambio Ned se da cuenta que no encajará en el internado ya que allí los chicos viven por y para el viril deporte del rugby, y a él, ni le gusta ni le importa ese deporte.

Los días en el internado son crueles para Ned, ya que además de tener que soportar la marginación por no gustarle el deporte de la institución, tiene que soportar que se burlen de él por ser homosexual. Por si fuera poco, al poco del inicio del curso, un nuevo alumno llega al internado, Conor Masters (Nicholas Galitzine), un brillante jugador de rugby que llega precedido por la fama de violento que se granjeó en su anterior escuela. Conor, ocupa la cama libre en la habitación de Ned, su único rincón seguro en la escuela.

Aunque entre ambos no hay ningún problema, Ned decide levantar barreras con Conor para así aislarse de lo que más detesta. Poco después, en el colegio llega Dan Sherry (a quien da vida Andrew Scott), el nuevo profesor de inglés quien intenta, contra la dinámica del centro, motivar a sus alumnos en pro del arte y para que piensen por ellos mismos generando así su propia opinión ante la vida.

Esta nueva filosofía cala entre Ned y Conor, provocando que poco a poco, vayan descubriendo que tienen bastantes cosas en común, tanto que bajo la batuta de Dan, empiezan a preparar un número musical aunque claro, esto choca directamente contra el homófobo profesor de gimnasia (y entrenador del equipo de rugby) y contra el equipo de entero de rugby provocando un cisma entre Ned y Conor.

Como ya os podéis imaginar, ha llegado el momento de dejar a un lado el desarrollo argumental de “Handsome Devil”, pues aunque muchos podáis imaginar el desenlace, nosotros no queremos desvelarlo desde este rincón.

Argumentalmente “Handsome Devil” nos trae una historia realmente simple y desgraciadamente vista y vivida ya demasiadas veces, una historia de “bullying”, de homofobia aceptada y tolerada por un centro educativo, de una amistad vapuleada por los prejuicios. Para este equipo el único problema que presenta en este sentido “Handsome Devil” es la extrema tibieza con que presenta el tema, dejando la sensación en muchas ocasiones que estamos ante un problema que no es tan grave y que como un resfriado, pronto mejorará.

En el apartado interpretativo es donde encontramos la principal baza de “Handsome Devil” ya que sus dos protagonistas principales, Fionn O’Shea (Ned) y Nicholas Galitzine (Conor) están realmente bien, dando vida y profundidad a sus personajes y demostrando además una química casi perfecta entre ellos. En cuanto a los secundarios destacar el trabajo de Andrew Scott dando vida a su atormentado profesor de inglés y sobre todo del homófobo entrenador del equipo de rugby (sí, dicen que es fácil hacer de malo, pero Pascal O’Keeffe lo borda).

Por todo lo que os hemos contado, y aunque esperábamos mucho más de esta película, nuestra nota final para “Handsome Devil” es de un 6 sobre 10, y os recomendamos que le busquéis un hueco para verla, aunque sea durante una sobremesa de domingo.

Ficha técnica de Handsome devil

Título original: Handsome devil

Año: 2016

Director: John Butler

Duración: 95 minutos

Género: Drama, amistad, LGTBI

Green Book (2018), crítica y análisis

Sin hacer apenas ruido, ha llegado a nuestras carteleras el drama con toques comedia “Green Book”, y lo ha hecho con nada más y nada menos que 5 nominaciones a los Oscar 2019, los de mejor película, mejor actor, mejor actor secundario, mejor guion original y mejor montaje.

Antes de entrar directamente en materia, os contaremos lo que es un “Green Book”, y ya os avanzamos que no tiene nada que ver con la ecología. En Estados Unidos, se llamaba “Green Book” a la guía que, de alguna forma, guiaba a los viajeros negros (afroamericanos) en sus viajes por el sur del país entre los años 30 y 60 del pasado siglo, indicando restaurantes, hoteles y negocios donde eran bien recibidos.

Partiendo de esta premisa, os diremos que “Green Book” nos lleva directamente al Broadway del año 1962. Allí, en el club “Copacabana” nos encontramos con Tony “Lip” Vallelonga (a quien da vida Viggo Mortensen), un italoamericano del Bronk, rudo y racista, quien trabaja de guardia de seguridad de la sala.

Después de una accidentada noche, Tony recibe la noticia de que se va a quedar sin trabajo durante, como mínimo dos meses, tiempo durante el cual el “Copacabana” estará cerrado por reformas. Sin recursos mantener a su esposa y a sus dos hijos, Tony se decide a buscar otro trabajo.

Más impulsado por la necesidad económica que por las ganas de llevarlo a cabo, Tony acaba aceptando el trabajo de convertirse en el chofer y guardaespaldas del virtuoso músico y compositor Doctor Don Shirley (interpretado por Mahershala Ali), quien debe emprender un viaje desde Manhattan al sur del país, siendo negro y en pleno auge del Ku Klux Klan.

A regañadientes, Tony acepta el trabajo y se compromete con la discográfica a que Don Shirley no solo llegará a tiempo a todos los conciertos sino que incluso los dará. Sin mucha pérdida de tiempo, y con sólo un ejemplar del “Green Book” y un coche de alquiler, Tony y Shirley emprenden el viaje hacia los conservadores estados el sur.

Muy pronto, las primeras diferencias entre ambos hombres saldrán a relucir dentro del reducido espacio del coche ya que, el carácter tosco, deslenguado y carente de la mínima delicadeza de Tony chocará frontalmente con los buenos modales y mejor educación de Don Shirley, aunque con quilómetros y largas conversaciones, la convivencia entre ambos se hará más fácil y llevadera.

Semanas después de haber iniciado el viaje, nuestros protagonistas se adentran en la América profunda, viviendo varios episodios de racismo, homofobia y violencia que, al revés de lo que se podría pensar acaban por unir más a la extraña pareja protagonista, obligándoles a dejar de lado sus diferencias y ayudarse para salir adelante en lo que a la postre, acabará siendo el viaje de su vida.

Tony y Don Shirley compartiendo su viaje

Como ya os podéis imaginar, ha llegado el momento de abandonar el despiece argumental de “Green Book”, aunque no lo dudéis un momento, si queréis saber cómo acaba, y que desenlace tiene, id a por vuestra entrada y disfrutaréis de 2 horas de buen cine.

Técnicamente os diremos que “Green Book” nos ha sorprendido, pero no en positivo, ya que esperábamos mucho más de una película nominada a 4 de los 5 premios mayores en la gala de Oscar 2019. ¡Ojo! No estamos diciendo que “Green Book” sea una película mala, porque no lo es, pero sí que nos ha dejado muy fríos. Creemos que Peter Farrelly (el director de la película) ha querido hacer una película que guste a todo el mundo mezclando varios ingredientes que acostumbran a gustar mucho a los miembros de la Academia de Hollywood: buena música, un buen ritmo narrativo, drama y protagonismo para un grupo minoritario –en este caso el afroamericano-, racismo, unas gotas LGTB y un final feliz. Para nosotros, el resultado final ha sido algo descafeinado ya que “Green Book” desaprovecha muchas oportunidades para indagar en los problemas y acaba convirtiéndose en una “road movie” que te deja con un buen sabor de boca, aunque eso sí, en todo momento acertarás lo que pasará en la siguiente escena.

Desde el punto de vista interpretativo os diremos que, en el casting es donde “Green Book” tiene su principal baza para triunfar, ya que muy merecidamente sus dos protagonistas, Viggo Mortensen y Mahershala Ali optan a sendos premios Oscar al mejor intérprete, principal y secundario respectivamente. Ambos hacen un trabajo realmente brillante, haciéndose suyos sus personajes, mostrando una química total entre ellos y en definitiva, elevando y mucho el nivel de la película.

Por todo lo que os hemos contado, nuestra nota final para “Green Book” es de un 7.5 sobre 10, recomendándoos eso sí, que si tenéis oportunidad, la veáis.

Título original: “Green Book” – 2018 – USA

Dirigida por: Peter Farrelly

Duración: 130 minutos

Género: Drama, Amistad, Racismo

Swiss Army Man

Aunque parezca lo contrario, los aficionados al cine lo tenemos realmente difícil para encontrar cintas originales o como mínimo que salgan de “lo mismo de siempre”. Nuestras carteleras más comerciales están plagadas de comedias de adolescentes, secuelas, precuelas y cintas de acción con superhéroes. Por suerte, aunque cuesten de encontrar, la industria del cine independiente continua intentando hacer obras distintas.

Uno de estos trabajos originales, y ciertamente poco comerciales, es la cinta estadounidense de 2016, “Swiss Army Man”, una comedia de supervivencia, amistad y autodescubrimiento protagonizada por Paul Dano y un sorprendente Daniel Radcliffe. En el equipo la hemos visto, y hoy en esta entrada, os lo contaremos.

El inicio de la trama de “Swiss Army Man” nos traslada directamente a una pequeña isla desierta del Pacífico. Allí nos encontramos con Hank (Paul Dano) un náufrago que está a punto de suicidarse cuando ve llegar un cuerpo misterioso a la orilla de la playa. Intrigado, Hank abandona su plan y corre a la orilla donde se encuentra con un cadáver (Daniel Radcliffe) que no para de echarse ventosidades. Después de intentar reanimarlo sin éxito, lo deja cerca del agua donde al poco la marea lo arrastra mar adentro.

Con el cadáver flotando en el mar, Hank observa como este se desplaza por el agua impulsado por sus propios gases lo cual, evidentemente, decide aprovechar para convertirlo en una especie de moto acuática para, sobre él, para cruzar el océano.

Ya en la costa, y aparentemente, lejos de la civilización, Hank se niega a abandonar el cadáver y se lo lleva tierra adentro donde descubre tantas cosas curiosas del difunto (entre otras, que puede guardar agua como si se tratara de un depósito, o que, sus erecciones le sirven de brújula) que acaba poniéndole el nombre de Manny y convirtiéndolo en su amigo.

Poco a poco, un nuevo cambio sacude a Manny, ya que, con la ayuda de Hank, empieza a recuperar el habla (aunque no la memoria). En su camino hacia la civilización, Hank crea escenarios y situaciones para explicarle a Manny lo que es la vida, y este poco a poco recupera una parte de su memoria que les empujará todavía más a su deseo de llegar a la situación, aunque, como ya os podéis imaginar, si llegan o no, no lo descubriréis en esta crítica.

Argumentalmente no os vamos a negar que “Swiss Army Man” es una cinta realmente extraña, ya que contada fríamente y a distancia, parece un alocado mejunje  totalmente surrealista que podría dar cuerpo a una comedia sin pies ni cabeza, pero nada más lejos de la realidad, ya que gracias a su poco convencional y acertado montaje, esta cinta se convierte en una divertida fábula.

Como os acabamos de contar, “Swiss Army Man” tiene un montaje tan poco convencional, que consigue darle una contundente y extraña lógica a la historia, combinando más que correctamente los gags más descerebrados con el humor negro y una potente fábula sobre la amistad. Gracias a todo esto, uno acaba de ver “Swiss Army Man” con ternura, recordándola con el paso de los días.

Quizá lo más remarcable de “Swiss Army Man”, a parte de su excelente trabajo de montaje, es el trabajo de sus dos actores principales, el acertadísimo Paul Dano dando vida al asocial Hank, y Daniel Radcliffe dando vida magistralmente a un cadáver y convirtiendo su trabajo en, para nosotros, el mejor papel de su vida. Sin lugar a dudas, la elección del casting es uno de los grandes aciertos de “Swiss Army Man”.

Por todo lo que os hemos contado, nuestra nota final para “Swiss Army Man” y su fábula sobre la amistad, el amor y el autodescubrimiento es de un 7 sobre 10.

Título original: “Swiss Army Man”  - USA – 2016

Dirigida por: Dan Kwan

Duración: 95 minutos

Género: Drama, Comedia, Amistad, Aventuras

Book Club

Después de haber disfrutado de lo lindo con la serie de Netflix “Grace y Frankie”, a los del equipo se nos abrieron los ojos de par en par cuando vimos el anuncio del estreno de la película “Book Club”.

De entrada, la premisa argumental de “Book Club” nos gustó por sus paralelismos con “Grace y Frankie”, ya que, además de compartir la visión de la sexualidad en la edad adulta, comparte también la actriz coprotagonista, la espléndida Jane Fonda. Como ya os podéis imaginar, el fin de semana de su estreno buscamos un hueco para verla en pantalla grande.

“Book Club” empieza presentándonos a sus protagonistas: Diane (Diane Keaton) una recientemente enviudada madre de dos hijas que pretenden a toda costa que se mude a vivir con ellas a Arizona, Vivian (Jane Fonda) la propietaria de un exitoso hotel a la que le encanta ligar pero teme comprometerse, Sharon (Candice Bergen) una juez federal divorciada y sin relaciones desde hace más de 15 años y Carol (Mary Steenburgen) con algunos problemas conyugales con su marido recientemente jubilado. Cuatro amigas de toda la vida que han triunfado en la misma pero que, cercanas a jubilación, tienen muchos problemas en su vida sexual y/o amorosa.

Las cuatro mujeres se reúnen cada mes en casa de una de ellas para comentar un libro escogido el mes anterior, y sí, de ahí viene el título de la cinta, “Book Club”. En la primera reunión que nos cuenta la película, tres de sus protagonistas se llevan una sorpresa al ver que el siguiente título a leer y comentar es el bestseller erótico “50 sombras de Grey”.

Este es el punto de partida para el desarrollo de trama argumental de “Book Club”. Una tras otra, la trama argumental nos va dando píldoras sobre la vida personal de cada una de las amigas, mientras a la vez, van descubriendo y asombrándose con las aventuras de Grey y Anastasia.

Al poco de empezar a leer el libro, las vidas de nuestras protagonistas empiezan a cambiar, Vivian se encuentra en el hall de su hotel con Arthur (Don Johnson) un antiguo amor con quien, años atrás, no se atrevió a dar el paso, Diane en uno de sus viajes a Arizona conoce a Mitchell (Andy García) un piloto de avión quien, poco a poco, le hace recuperar las ganas de vivir y la juez Sharon, se vuelca a ligar a través de una página de contactos, aunque como ya os podéis imaginar, hasta aquí os contaremos del desarrollo argumental de “Book Club” y de los cambios en la vida de sus protagonistas.

Para los miembros de este equipo, sin lugar a dudas, lo mejor de “Book Club” es el trabajo de su particular casting, la mayoría del cual tiene entre 65 y 80 años, y en especial el de Candice Bergen dando vida a la juez y el de Jane Fonda interpretando el papel, quizá, más complejo de las cuatro, aunque con todo, nuestro aplauso es para todos (García y Johnson incluidos), ya que los seis consiguen hacernos sentir sus papeles.

Técnicamente “Book Club” tiene bajo nuestro punto de vista demasiadas lagunas y aunque por un lado han salvado (o maquillado hasta la transparencia) muy bien el discurso feminista, por el otro “Book Club” combina gags demasiado manidos y poco sorprendentes con un ritmo narrativo tremendamente irregular e inconexo, abriendo muchos temas sin cerrarlos o cerrándolos más rápido de lo que se han abierto.

Los miembros de este equipo vemos a “Book Club” como a una opción agradable para el homenaje y lucimiento de sus protagonistas que, por desgracia, desaprovecha todas las oportunidades que tiene para convertirse en una comedia reivindicativa de la sexualidad en la madurez.

Por todo lo que os hemos contado, nuestra nota final para “Book Club” es de un 5 sobre 10.

Título original: “Book Club” – USA – 2018

Dirigida por: Bill Holderman

Duración: 104 minutos

Género: Comedia, Amistad

Las ventajas de ser un marginado (2012), análisis y crítica

Hay un sinfín de películas que, injustamente, desde el comienzo están predestinadas a pasar sin pena ni gloria por nuestras carteleras. A veces esto se debe simplemente al escaso interés de las distribuidoras, otras veces a su casting poco reconocido internacionalmente y otras, simplemente porque se trata de cintas enmarcadas dentro de lo que conocemos como cine independiente.

Dentro de este grupo de películas nos encontramos el título que os traemos hoy a este rincón, la cinta de 2012 “Las ventajas de ser un marginado” (“The Perks of Being a Wallflower”), basada la novela homónima de 1999 de Stephen Chbosky.

Sinopsis de "Las ventajas de ser un marginado"

“Las ventajas de ser un marginado” empieza presentándonos a Charlie (Logan Lerman) su protagonista. Charlie es un adolescente en su primer año de instituto, inteligente, introvertido, solitario, tímido y con escasas (o nulas) capacidades sociales.

Unos días después del inicio de clases, Charlie conoce a dos alumnos de último curso, Patrick (Ezra Miller) y a su hermanastra Sam (Emma Watson) de quien se enamora secretamente. Aunque mayores, Patrick y Sam invitan a Charlie a una fiesta con su grupo de amigos. En esa fiesta Charlie, después de un contacto involuntario con la marihuana, se acaba sincerando con Patrick, contándole el origen de su estado y situación: durante el curso anterior su mejor y único amigo se suicidó, y aún está tratando de superarlo.

A base de confidencias, Charlie es integrado en el grupo de amigos de Patrick y Sam y en grupo de teatro que entre todos conforman. En una de las representaciones del grupo, Charlie debe salir a escena y vivir la sensación de ver a Sam en ropa interior y tocar sus pechos. Poco después de este shock, Mary otra de sus nuevas amigas le invita a un baile, y de ahí a un beso y al consiguiente noviazgo no deseado.

Incapaz de herir los sentimientos de Mary, Charlie continua con ella hasta que un día, durante un juego de la verdad con el grupo todo sale a la luz. La verdad trae una cruel consecuencia para de él, ya que de nuevo se queda sin amigos y relegado a la soledad.

A partir de este momento, “Las ventajas de ser un marginado” toma nuevos derroteros, la homosexualidad de Patrick, la elección de universidad por parte de los amigos de Charlie, el fin de curso, la reconciliación, etc., aunque como ya os podéis imaginar, hasta aquí ha llegado nuestro análisis argumental.

Técnicamente, “Las ventajas de ser un marginado” es una película plagada de aciertos y errores ya que, si por un lado el debutante Chbosky es capaz de mezclar temas tan profundos como el autodescubrimiento, la aceptación personal, el primer amor, la homosexualidad, la dependencia en la adolescencia, haciéndolo además con gran acierto, también peca y exceso de lentitud en el desarrollo de varias situaciones.

 

Reparto y actuaciones

Desde el punto de vista interpretativo comentaros que la elección del trio protagonista merece un sincero y sonoro aplauso. En primer lugar para Logan Lerman dando vida al introvertido Charlie en su despertar adulto con un amor que no desea, una ambigüedad delicada con Patrick y su sufrimiento por lo que le ha tocado vivir, sencillamente brillante. También están geniales, tanto Emma Watson como sobre todo, Ezra Miller.

 

Opinión y nota final

“Las ventajas de ser un marginado” no es ni una Obra Maestra del cine, ni una maravilla, pero tiene un algo, tiene esa magia que está al alcance de pocas, que es dejar poso y hacernos pensar una vez finalizado su metraje. Así pues, por todo lo que os hemos contado, nuestra nota final para “Las ventajas de ser un marginado” es de un 6 sobre 10.

Ficha técnica de Las ventajas de ser un marginado

Título original: The Perks of Being a Wallflower

Año: 2012

Director: Stephen Chbosky

Duración: 103 minutos

Género: Drama, Amistad