Wicked: Parte 1

No es muy habitual que una novela se adapte primero al teatro para, muchos años después y tras conseguir un gran éxito en una de las plazas más difíciles, Broadway, salte al cine arrasando además en taquilla.

Una de las últimas ocasiones que ha sucedido esto, ha sido con la novela de 1995 “Memorias de una bruja mala”, una ampliación del clásico de la literatura de L. Frank Baum “El maravilloso Mago de Oz”, adaptación de la cual se estrenó en 2003 en Broadway y está desde entonces cosechando grandes éxitos.

Este 2024 y tras varios retrasos ha llegado a nuestras carteleras con gran éxito, la adaptación de esta obra de teatro y lo ha hecho bajo el título de “Wicked: Parte 1”.

“Wicked: Parte 1” empieza desplazándonos a una pequeña aldea de la Tierra de Oz donde nos encontramos a sus habitantes celebrando la muerte de la “Bruja mala del Oeste”. A dicha celebración se suma Glinda la “Bruja buena del Sur” quien explica a los habitantes del lugar, el origen de la bruja mala y porqué, ambas, eran amigas.

La historia de la “bruja mala del Oeste” se remonta mucho años atrás, justo en su concepción, ya que, aunque es la hija oficial de Melena y del gobernador Frexspar Thropp, realmente es la hija de Melena y un vendedor ambulante. De recién nacida, la pequeña Elphaba Thropp, que así se llama, es rechazada por su padre por el color de su piel ya que esta, es verde.

La infancia de Elphaba trascurre con la contante ridiculización del resto de niños, la ayuda a su hermana menor, Nessarose la cual es tetrapléjica y el absoluto rechazo de su padre.

Años más tarde, Elphaba Thropp (interpretada por Cynthia Erivo) llega a la prestigiosa Universidad de Shiz acompañando a su hermana pequeña Nessarose. Allí, entre burlas del resto de compañeros, se encuentra con Glinda (interpretada por Ariana Grande) y acaba provocando que Elphaba muestre sus poderes mágicos. Este hecho provoca que, la prestigiosa profesora de hechicería Morrible la tome como pupila.

Aunque no se llevan bien, y sus enfrentamientos son constantes, Elphaba y Glinda acaban compartiendo habitación y muchas clases. Un tiempo más adelante, hace aparición un nuevo alumno, el rebelde Fiyero Tigelaar, de quien se enamora Glinda y despierta la atención de Elphaba.

Como buen juerguista, al poco de llegar a Shiz, Fiyero organiza una fiesta en la que todos están invitados. En dicha fiesta, Glinda quiere reírse de Elphaba ante todos, y para ello le regala un viejo y feo sombrero. Con todo, la situación no le acaba de salir del todo bien ya que, aunque consigue que todos los asistentes se rían de Elphaba, esta además de simular que no le importa, le da a Glinda lo que más quiere, una invitación de Morrible a asistir a sus seminarios y cursos. Esto hace que, Glinda se dé cuenta de le que está haciendo y se hace amiga de Elphaba.

Al día siguiente, el profesor Dillamond (un macho cabrío parlante) es jubilado a la fuerza y desposeído de sus derechos siendo sustituido por un profesor sin escrúpulos quien intenta hacer un ejercicio con un cachorro de león. y provocando que Elphaba intervenga juntamente con Fiyero.

 

Glinda y Elphaba, dos brujas, dos historias

Días más tarde, la señora Morrible comunica a Elphaba que el gran Mago de Oz quiere conocerla en persona en su palacio de Ciudad Esmeralda. Sin apenas dudarlo, y con todas las ganas de ayudar a los animales parlantes, Elphaba se monta en el tren junto, a última hora, con Glinda.

Ya en Ciudad Esmeralda, Glinda y Elphaba conocen al gran Mago de Oz, aunque muy pronto se dan cuenta de que el mago tiene unas intenciones muy diferentes a las que ellas esperan ya que, juntamente con Morrible, quien aparece en la reunión de encuentro, tiene el objetivo que Elphaba (la única bruja que puede hacerlo) lea el libro sagrado de hechizos, el Grimmerie, aunque al hacerlo acabe sacando a la luz los auténticos planes del mago y Morrible y condenándola a ella a ser “la bruja mala”.

Y hasta aquí, lo que os podemos contar del argumento de esta “Wicked: parte 1”.

No os vamos a engañar, casi no sabíamos nada de lo que nos encontraríamos en “Wicked: parte 1” salvo que, al tener de protagonista a Ariana Grande, seguramente sería un musical. Os admitimos también que, desgraciadamente no hemos visto la obra teatral que adapta y desconocíamos que había un libro detrás de esta, por tanto no entraremos para nada en valorar la fidelidad de esta.

Técnicamente sí que os diremos que, en “Wicked: parte 1” nos hemos encontrado con una de cal y una de arena. Por un lado tenemos grandes números musicales y una grandísima escenografía llena de color y de magia, aunque por otro lado, tenemos un metraje totalmente excesivo del cual nos damos cuenta al finalizar la película y quedarnos con la sensación de “¿y porqué se ha dedicado tanto tiempo a lo que pasa en la Universidad si no aporta nada al desenlace?”, y es no es para menos ya que, la película dura más de dos horas y cuarenta minutos.

Donde no nos ha gustado nada “Wicked: parte 1", pese a ser un musical, es en la ejecución de su Banda Sonora aunque que reconocemos que es, estrictamente por un tema de traducción ya que, aunque los temas nos gustan no nos ha encajado para nada la traducción al español de todas las canciones, sin lugar a duda, hubiese dado mucho más empuje y fuerza la versión original con las voces de las propias Ariana Grande y Cynthia Erivo.

Interpretativamente os diremos que nos ha encantado el trabajo de su protagonista Cynthia Erivo dando vida a la bruja Elphaba, una mujer despreciada y señalada desde pequeña por ser diferente, por ser verde, pero con todo una mujer luchadora como pocas. En cuanto a los secundarios, pues remarcamos el trabajo de Ariana Grande dando vida a Glinda, una chica engreída, superficial y aprovechada, vaya que, por momentos, no sabíamos si veíamos a Ariana a o Glinda.

Por todo lo que os hemos contado, y a la espera de ver la segunda parte, nuestra nota para “Wicked: parte 1” es de un 6 sobre 10.

 

 

 

Título original: “Wicked: Part One” – USA – 2024

Dirigida por: Jon M. Chu

Duración: 160 minutos

Género: Musical, Fantástico, Aventuras

Gladiator 2 (2024), crítica y análisis

El nacimiento, expansión, apogeo y posterior caída del Imperio Romano ha sido una fuente inagotable de historias, tramas para varias líneas argumentales en la industria del cine (ahí tenemos a los clásicos: “Quo Vadis”, “Ben-Hur”, “Espartaco”, etc. o las más modernas: “Gladiator”, “Spartacus”, etc. ).

La mayoría de estas historias han llegado a nuestras pantallas y han triunfado, ya sea por la espectacularidad de sus imágenes o por el morbo imperante en la antigua roma donde el sexo, la sangre y las bacanales estaban al orden del día. Y, además, la mayoría de ellas, han levantado ampollas entre los círculos de historiadores de la época y los críticos más contrarios a estas producciones por sus invenciones, mentiras y licencias cinematográficas.

En esta estrada nos centraremos en una de estas películas, la segunda parte de la aclamada y criticada cinta dirigida por Ridley Scott, "Gladiator” porque sí, 24 años después de su estreno, y bajo la dirección del mismo Ridley Scott, a finales de 2024 se ha estrenado su secuela, “Gladiator 2”.

“Gladiator 2” nos desplaza a casi 20 años después de los hechos acontecidos en la película original, y lo hace concretamente desplazándonos a un reino bereber del norte de África, Numidia.

En Numidia nos encontramos con Hanno (interpretado por Paul Mescal), la mano derecha del líder la región. Ambos se preparan para entrar en guerra con las tropas de Roma. Durante el enfrentamiento, Numidia cae y con ella, por orden del general Acacius (a quien da vida Pedro Pascal), muere la esposa de Hanno. Numidia cae y Hanno y el resto de los hombres que han sobrevivido, son convertidos en esclavos y llevados a Roma.

A puertas de Roma, Hanno es comprado por Macrinus (interpretado por Denzel Washington) un mercader de esclavos que, con extrema crueldad escoge los mejores para convertirlos en gladiadores a cambio de una vaga promesa de libertad.

Después de las primeras peleas Macrinus ve que la ira controla a Hanno y lo convierte en una máquina de matar y todo por su ambición de vengar a su esposa en un enfrentamiento contra el general Acacius.

Tras algunos combates, la fama de Hanno va subiendo y con ello su cotización, tanto que, pronto es retado a un duelo en palacio ante los emperadores Geta (Joseph Quinn) y Caracalla (Fred Hechinger), dos auténticos desequilibrados que llevan a Roma camino de la depravación y destrucción.

Los emperadores Geta y Caracalla con el general Acacius

Mientras, no muy lejos de palacio, varios miembros del antiguo senado se reúnen con el general Acacius y la esposa de este, Lucilla para intentar tramar un plan para derrocar a los emperadores y devolver el poder al senado.

En una de sus primera luchas en el Coliseo, Lucilla descubre que el joven gladiador Hanno no es otro que su hijo Lucius, a quien no ve desde hace 16 años, cuando tras la muerte de Maximus fue enviado lejos de Roma para salvarlo de una muerte segura en Roma.

Al final Lucilla y el general Acacius son denunciados ante los emperadores y estos, por influencia de Macrinus, condenan al general a una lucha a muerte en el Coliseo contra su gladiador de moda, Hanno/Lucius. El resultado de esta lucha acaba provocando el desenlace de la historia.

Por un lado, y aprovechando de la debilidad mental de Carcalla, Macrinus le provoca para que mate a su hermano Geta, obteniendo así para él el poder sobre los ejércitos y sobre el propio emperador quien tras un ajuste de cuentas final a Lucilla, acaba siendo asesinado, aunque eso y el desenlace de “Gladiator II”, nos lo guardaremos celosamente.

Acacius y Lucius luchando en el Coliseo

Técnicamente esta “Gladiator II” podríamos decir que es una gran película. Ridley Scott ha puesto toda la maquinaria y todo el poder de su presupuesto para crear una película técnicamente gigante con un relato lleno de grandilocuencia y repleto de acción que dejan al espectador pegado a la pantalla durante casi dos horas y media.

Argumentalmente es donde “Gladiator II” tiene uno de sus talones de Aquiles ya que, aunque se ha conseguido una historia llena de tramas donde los sentimientos de sus personajes están por encima de la época y del trasfondo, la línea argumental carece de sorpresas reseñables por lo que a veces, es demasiado previsible.

Por otro lado “Gladiator II” ha recibido muchos palos, y merecidamente, por tergiversar o manipular a su antojo la historia real de Roma, de los personajes y la línea de tiempo en la que estos vivieron. Entendemos que todo, para dar grandilocuencia y espectacularidad pero a veces chirria (la escena de los monos luchando es abominable y, la de los tiburones en el Coliseo, una auténtica fantasmada).

Sí que nos gustaría remarcar la buena ambientación y sobre todo, la adictiva música de Hans Zimmer que acompaña totalmente la acción colaborando en sumergir al espectador en ella.

Interpretativamente os diremos que, nos quitamos el sombrero ante el gran trabajo realizado por Denzel Washington dando vida al corrupto tratante de esclavos Macrinus. También nos ha gustado el trabajo, quizá demasiado corto, de Pedro Pascal interpretando al leal general Acacius. El resto, aunque no hacen malos trabajos, tampoco destacan especialmente

Para nosotros, “Gladiator 2” es una gran segunda parte, al nivel, técnicamente de la primera, todo un espectáculo a ver en una pantalla grande y en una sala de cine. Puro entretenimiento bien hecho.

Por todo lo que os hemos contado, nuestra nota final para “Gladiator 2” es de un 8 sobre 10.

Título original: “Gladiator II” – USA – 2024

Duración: 148 minutos

Dirigida por: Ridley Scott

Acción, Aventuras, Secuela

Robot Salvaje

Hacía mucho, mucho tiempo que no encontrábamos una película de animación que nos hiciera vibrar, sentir e incluso emocionar, y además consiguiera hacerlo sin haberlo previsto porque, la verdad, no sabíamos nada de la película que íbamos a ver y eso, nos gustó, quizá, todavía más.

Poco después de su estreno, un amigo del equipo nos dijo: “ya que os gustan las películas de dibujos animados, tenéis que ir a verla, porque, a mí, que no me gustan demasiado, me ha arrancado más de una lagrimilla” y, sin pensarlo mucho más, nos  convenció para hacernos con nuestras entradas y disfrutar de la película en pantalla grande.

Hoy en este rincón os queremos hablar de la última producción de los estudios Dreamworks, la adaptación de la novela gráfica que, en 2016 publicó Peter Brown alcanzando un gran éxito entre el público juvenil. Os estamos hablando de “Robot Salvaje”.

“Robot Salvaje” empieza desplazándonos a un futuro más o menos lejano en una pequeña playa de una isla  no habitada por humanos. Hasta allí han llegado, tras una gran tormenta, varias cajas de Universal Dynamics. De una de ellas, accidentalmente se activa un avanzado robot de la compañía, un “Rozzum 7134”, una unidad preparada para ayudar en cualquier cosa que le pida.

Sin mucho éxito, pero con muchas ganas, la robot “Rozzum 7134”, Roz para abreviar, ofrece su ayuda a todos los animales que va encontrando a su paso, aunque solo consigue asustarlos granjeándose así el sobrenombre de "El monstruo". En su intención de ayudar incluso aprende el idioma de los animales, pero ni así consigue a nadie que requiera su ayuda.

Cuando decide hacer una llamada a Universal Dynamics para que la recojan, un oso la persigue y acaba aplastando, accidentalmente, un nido de gansos, dejando únicamente sano un huevo, el cual decide cuidar y defender ante todos, sobre todo ante Fink, un insistente zorro hambriento.

Cuando el huevo eclosiona, no sabe hacer con él, pero una zarigüeya, madre de 7 pequeños le da su primera tarea, cuidar al pequeño ganso recién nacido para que aprenda a comer, nadar y volar antes de la migración del próximo otoño.

Sin mucha idea, pero con la interesada ayuda de Fink, Roz empieza a cuidar el pequeño polluelo al que bautiza como PicoBrillo. Cuando este crece, Fink y Roz, ya amigos, se disponen a ayudarle para que aprenda a nadar pero PicoBrillo conoce al resto de gansos de la isla, los cuales se burlan de él por su tamaño y por compartir vida con "el monstruo" que mató a su familia, Roz

Cuando Roz está a punto de abandonar su misión, el líder de la manada de gansos la convence de continuar para que PicoBrillo pueda ir con ellos en la migración para lo que, deberá pedir ayuda a un halcón, el cual, justo a tiempo para la migración, conseguirá que PicoBrillo domine todas las técnicas de vuelo.

Roz y Picobrillo aprendiendo a volar

Cuando el pequeño ganso migra, Roz activa la llamada de recuperación, pero pronto la desactiva preocupada por PicoBrillo. Durante el duro invierno, Roz descubre que muchos de los animales podrían morir y uno a uno los va recogiendo y llevando a su refugio. Justo antes de quedarse sin baterías, insta a Fink y al resto de animales (algunos de ellos presas y otros depredadores) a que dejen de pelear hasta la siguiente primavera.

La vuelta de los gansos de su migración coincide con la siguiente primavera y con la llegada de una nave de recuperación de Universal Dynamics que ha llegado a la isla para llevarse a Roz aunque esta se arrepiente y quiere quedarse lo que acaba provocando que todos los animales de la isla se enfrenten al grupo de recuperación en una lucha titánica.

Finalmente, Roz consigue quedarse, pero se da cuenta que su presencia en la isla sería perjudicial para todos hace una nueva llamada a Universal Dynamics para que vayan a recogerla, aunque no sin antes prometerle a PicoBrillo que jamás le olvidará y que, buscará la forma de regresar. Y hasta aquí, lo que os podemos contar del argumento de “Robot Salvaje”.

Técnicamente os diremos que “Robot Salvaje” es un auténtico portento de técnica y desarrollo ya que, por momentos parece de un realismo absoluto, como si la naturaleza y acción quisieran salirse de la pantalla. Realmente espectacular.

Argumentalmente, “Robot Salvaje” cuenta con un potente guion repleto de fábulas y con muchos temas que hacen que se escape de su catalogación como película infantil ya que, tenemos mensajes sobre la familia y su significado (amor, confianza, lealtad), el aislamiento, el estar vivo (¿Qué es vivir? Respirar o tener emociones, aprender de la naturaleza, tener espíritu de supervivencia, etc.), la aceptación, la cooperación, etc.

No os vamos a engañar, aunque por momento lo podría parecer, “Robot salvaje”, no es una película perfecta ya que, aunque emociona, divierte y es adictiva, tiene dos grandes hándicaps, el primero de ellos es que, aunque al comienzo es inteligentemente divertida, pronto se olvidan de esta faceta desapareciendo el humor del resto de metraje y eso, la verdad, se echa de menos, el segundo de los hándicaps tiene que ver con la gran diferencia de tonos usados en cada una de las tres fases de la película, introducción, nudo y desenlace, en el equipo hubiésemos agradecido una transición más suave entre ellas.

Con todo, en el equipo nos quedamos con las emociones que nos ha transmitido “Robot salvaje”, todo un descubrimiento que merece y mucho la pena ser visto en pantalla grande y con muy buen sonido. Para nosotros, y sin lugar a duda, nos ha parecido una de las mejores películas de animación de este 2024.

Por todo lo que os hemos contado, nuestra nota final para “Robot salvaje” es de un 8.5 sobre 10.

Título original: “The wild robot” – USA – 2024

Dirigida por: Chris Sanders

Duración: 102 minutos

Género: Animación, ficción, aventuras

Zathura

Si os hablamos de que un niño encuentra un juego misterioso y que, como es obvio se lanza a iniciar una partida que se convierte, inexplicablemente en un peligroso juego donde la supervivencia de sus participantes está en el orden del día, seguramente la mayoría de vosotros pensará en el clásico de 1995 protagonizado por el malogrado Robin Williams (o los más jóvenes en su secuela protagonizada por Dwayne Johnson), “Jumanji”.

Sin lugar a duda estáis en lo cierto, pero si os decimos que el juego no se lleva a cabo en la jungla y con animales, sino en el espacio con astronautas, alienígenas sanguinarios y múltiples peligros más, seguramente andaréis más perdidos ya que, en su momento la película que os comentaremos hoy no tuvo mucha aceptación por parte del público.

Veinte años después de que Chris Van Allsburg lanzara el libro “Jumanji”, en 2002 él mismo lanzó lo que sería un spin-off del mismo, un nuevo libro de aventuras que, partiendo de la misma idea, llevaría a sus protagonistas a un peligroso viaje espacial, y se tituló “Zathura”, el cual, fue llevado al cine poco tiempo después y hoy, os comentaremos en este rincón.

“Zathura” empieza presentándonos a dos hermanos, Danny (interpretado por Jonah Bobo) de 6 años y Walter (a quien da vida Josh Hutcherson) de 10, entre ambos, tienen una relación de lo más típica, Walter se cree mayor y su hermano es demasiado pequeño para él, y a la vez, está celoso porque tiene que compartir el escaso tiempo que tienen con su padre con él.

Un día, después de varias riñas, su padre tiene que dejarlos en casa para ir a la oficina quedando ambos a cargo de su hermana mayor, una chica que, como adolescente está recuperándose de la última fiesta y preparándose, durmiendo para la siguiente. Durante la ausencia de su padre, los hermanos continúan discutiendo hasta el momento que Walter encierra a Danny en el sótano, donde descubre un viejo juego metálico de temática espacial llamado “Zathura”.

Como Walter no quiere jugar, Danny empieza la partida él solo provocando, en el salón, una sorprendente lluvia de meteoritos en el salón de casa. Una vez visto, Danny y Walter descubre dos cosas, la primera que una vez iniciado el juego deberán continuarlo hasta llegar al final y la segunda, que su caja está volando por el espacio.

Cada tirada, que tiene que hacer cada uno, una nueva carta sale de la máquina, y un nuevo problema tienen que ir solucionando los hermanos. En uno de ellos, su hermana es criogenizada, en otro, un robot se vuelve loco y les ataca por toda la casa, en otra, la casa se dirige hacia un planeta pintando un futuro más que negro.

Preso del miedo, en una de las tiradas el pequeño Danny, rescatan de la deriva un solitario astronauta y poco después son asediados por una nave de sanguinarios Zorgons (una especie alienígena parecida a los lagartos), por suerte para los pequeños, el astronauta rescatado les ayudará desde ese momento en adelante.

Walter y Danny, los pequeños protagonistas de "Zathura"

Parte de la ayuda que les da el astronauta va orientada en que los pequeños colaboren para superar las pruebas y la vez refuercen la relación que les une, aunque claro, lo hace con un objetivo claro, aunque no os lo contaremos aquí, como tampoco os contaremos el desenlace.

Técnicamente vemos a “Zathura” como a ese globo que compramos en la feria llenos de ilusión y que, sin haber salido del recinto ferial vemos que no sube tanto como cuando estaba con el vendedor y minutos después, y sin llegar al coche (o a la bici) ya ni tan siquiera flota. La verdad es que “Zathura” empieza fantásticamente bien, presentándonos a los protagonistas y definiéndolos en muy pocas frases, y en contadas secuencias tenemos ya definida su personalidad.

Al poco de empezar, y pasado el efecto sorpresa de tener una casa volando por el espacio cual nave espacial, “Zathura” entra en una dinámica de previsibilidad y de falta de sorpresas que se mantendrá, como un mantra hasta el final de esta, ofreciéndonos una prueba tras otra sin la más mínima originalidad o emoción. Aunque estéticamente se le puede parecer, está muy lejos de aquellas películas de los 80’s llenas de magia y encanto.

Interpretativamente hablando en “Zathura” nos encontramos ante dos trabajos notables, los de los pequeños Josh Hutcherson y Jonah Bobo, dos chavales que dan credibilidad a sus personajes manteniendo entre ellos la única magia de la cinta. En cuanto a los secundarios, poco hay que decir, salvo que nos parece excesivo, por corto su papel, la presencia fugaz del bueno de Tim Robbins haciendo del padre de los hermanos.

Por todo lo que hemos contado, nuestra valoración para esta “Zathura” familiar y realmente floja es de un aprobado justo, un 5 sobre 10.

Título original: “Zathura” – 2005 – USA

Dirigida por: John Favreu

Duración: 101 minutos

Género: Ciencia ficción, aventuras.

 

La sociedad de la nieve

El mundo del cine es un mundo que, en ocasiones, parece tremendamente sencillo (sobreexplotando, por ejemplo, las secuelas, precuelas y sucesivas partes indicando así una falta total de imaginación acompañada de una necesidad de llenar las arcas de productoras y distribuidoras) mientras que, en otras ocasiones, las que menos, aparecen cintas que son auténticas obras de arte, originales, potentes y porque no decirlo, inolvidables.

Con todo, hay un punto que ayuda a que una película pase del bloque de películas del montón al de buenas películas sin necesidad de tener una idea realmente original, el guion. Un buen guion es, para nosotros, el punto de partida necesario para conseguir un buen producto cinematográfico, obviamente ayudado por la visión del equipo de dirección con capacidad suficiente para transmitir emociones e implicar al espectador en la historia

Dentro de este grupo de directores, nos encontramos con el barcelonés Juan Antonio Bayona, un hombre que, desde sus inicios como director ha demostrado que es capaz de conectar con el espectador, implicarle y hacerle vibrar, y todo con 5 películas (y 5 éxitos de crítica y de cartelera) en su carrera: “El Orfanato”, “Lo imposible”, “Un monstruo viene a verme”, “Jurassic World: el reino caído” y estreno del pasado 2023, “La sociedad de la nieve”.

Hoy en este rincón queremos hablaros de su, por el momento, última película, “La sociedad de la nieve”, que, aunque para mucho es una actualización de “¡Viven!” de 1993, realmente es la adaptación de la novela homónima de Pablo Vierci sobre el trágico accidente de aviación en los Andes de 1972.

“La sociedad de la nieve” empieza situándonos a comienzos de octubre de 1972 en la capital de Uruguay, Montevideo, donde nos encontramos con los jóvenes integrantes de un equipo de rugby, el “Old Christians Club” quienes en un ambiente de diversión y positivismo tienen la oportunidad de realizar un viaje lleno de expectativas, ir a Santiago de Chile. Llenos de emoción, los 19 integrantes del equipo y 20 de sus familiares y amigos, el 13 de octubre de 1972 se montan en un pequeño avión e inician el viaje.

A las pocas horas de vuelo y mientras los viajeros se divierten en el avión, este entra en una zona de altas turbulencias provocadas por una potente tormenta cruzando la cordillera de los Andes. Cuando parece que la tripulación ha sido capaz de salir de la tormenta, el avión sufre un espectacular accidente debido a la baja altura que lleva y la altitud de las montañas.

Sin apenas darse cuenta, el avión se parte en dos provocando la muerte instantánea de muchos de sus ocupantes y dejando al resto en medio de un cono de montañas con, lo que queda del fuselaje del avión, medio cubierto de nieve.

Cuando los supervivientes consiguen salir del fuselaje muy pronto se dan cuenta de la magnitud de la tragedia, están completamente aislados del mundo, en la cima de los Andes, rodeados de nieve, de hielo y sin posibilidad de poder comunicarse con el mundo.

Tras las primeras horas en la nieve, el grupo decide prepararse para pasar la noche a temperaturas gélidas, sacan los cadáveres y todas las piezas (sillas, hierros, maletas, etc.) del fuselaje del avión que pueden generar problemas, se hacen con las piezas de ropa que pueden de los equipajes y juntan, para racionar, la poca comida que encuentran.

Al segundo día, ven un avión de rescate, pero pese a sus intentos desesperados, no los ven. Al tercer día, la comida se les acaba y empiezan las cábalas de cuánto tiempo podrán durar solos, en medio de la nieve y sin comida.

Días después y tras alguna tormenta de nieve, parte del grupo empieza a plantear la posibilidad de comer carne humana, sí, caer en el canibalismo para tener alguna opción más de sobrevivir haciendo saltar las alarmas de varios de los integrantes del grupo. Al final, y tras un largo debate, la mayoría de los supervivientes aceptan ceder su cuerpo al resto cuando mueran dando así carta blanca a una opción más de supervivencia.

Luchadores y supervivientes de "La sociedad de la nieve"

Los siguientes días, varios miembros de la expedición mueren, ya sea por el frío, por lesiones o por enfermedades dando así la opción al resto a poder comer sus cuerpos, cosa que la mayoría hacen. Esta situación provoca que, un grupo de jóvenes decida hacer una expedición para buscar el fuselaje de la cola del avión, pero no lo encuentran a la primera y cuando lo hacen, comprueban que los viajeros que estaban en la cola han muerto, por tanto, deciden llevarse de allí la batería del avión y la radio.

Nuevas ventiscas, tormentas y accidentes merman rápidamente, y el paso del tiempo, no ayuda en nada. Cuando llevan ya casi dos meses perdidos en la montaña, un grupo de tres supervivientes deciden abandonar el grupo y cruzar las montañas en busca de ayuda ¿tendrán éxito en su misión? Como es obvio, nosotros sabemos la respuesta, y quien conozca la historia, también, pero no os lo contaremos por aquí.

“La sociedad de la nieve” supone varios retos importantes para su equipo de desarrollo, el primero crear una obra que en todo momento será comparada con un clásico de la supervivencia “¡Viven!”, una película ambientada en el mismo accidente de los Andes. El segundo, replicar el enfoque que da el autor de libro resaltando, por encima de la crueldad del accidente, los actos de coraje, de solidaridad y reflexión vital a los que los accidentados deben enfrentarse. Tercero, conseguir una escenografía y una fotografía que nos lleven a la alta montaña, haciéndonos sentir que estamos pasando frío en los Andes (aunque se haya grabado, parcialmente, en Sierra Nevada).

Uno de los grandes aciertos de “La sociedad de la nieve” es la forma como Bayona y su equipo transmite al espectador el estado de ánimo (cómo pasan de la alegría al miedo, o de este a la profunda desesperación por su supervivencia) de los accidentados con unas transiciones que nos ponen los pelos de punta con la ayuda de las imágenes, la música, etc. Sin lugar a duda, realismo casi en estado puro.

Muchos pensarán en el amarillismo para conseguir el realismo, como se ha visto en muchas películas, pero nada más lejos de la realidad, Bayona y su equipo se centran en transmitir las emociones, los dilemas a los que se enfrentan los accidentados, su agonía y todo, sin caer en imágenes truculentas o sangre e higadillos.

Otro de los grandes aciertos de “La sociedad de la nieve” es la elección de su reparto consiguiendo, todos ellos, conmovernos con su realismo, se nota y mucho que todos han estado en contacto con los supervivientes del accidente, sobre todo por la forma que nos transmiten el drama y el espíritu de resiliencia que tuvieron que crear para sobrevivir o luchar por ello. Sin lugar a duda, un acierto total.

Por todo lo que os hemos contado, nuestra nota final para “La sociedad de la nieve” es de un 8.5 sobre 10.

Título original: “La sociedad de la nieve” – España – 2023

Dirigida por: Juan Antonio Bayona

Duración: 144 minutos

Género: Drama, Supervivencia, Aventuras

El renacido (2015): supervivencia, venganza y cine extremo

El renacido (The Revenant, 2015), dirigida por Alejandro González Iñárritu, es una película de supervivencia protagonizada por Leonardo DiCaprio que narra una historia extrema de resistencia y venganza en la América del siglo XIX.

Ganadora de varios premios Óscar (incluido mejor actor para DiCaprio) la película destaca por su realismo, su dureza y una puesta en escena muy exigente.

En esta crítica analizamos qué funciona, qué falla y por qué sigue siendo una de las películas más impactantes del cine reciente.

Sinopsis de El renacido 

“El renacido” empieza desplazándonos a un ya lejano 1823, en unos aún no definidos estados de Montana y Dakota del Sur. Allí nos encontramos con Hugh Glass (a quien da vida Leonardo DiCaprio), el guía de un nutrido grupo de tramperos que se dedican a la caza de grandes mamíferos para recuperar sus pieles entre las tierras de varias tribus indias.

Un día, el campamento donde está el equipo de Glass capitaneado por el Capitán Andrew Henry es atacado por un grupo de indios haciendo una gran masacre y provocando que un reducido grupo de tramperos y el capitán salgan huyendo con algunos fardos de pieles río abajo. Con todo, pronto deciden abandonar el barco, pues el río es un territorio controlado por los indios.

Una vez abandonado el barco y enterrada parte de las pieles, el grupo inicia una dura travesía por la montaña, aunque a las primeras de cambio, Glass es brutalmente atacado por un inmenso oso grizzly y aunque el animal muere, él resulta gravemente herido. Desde el primer momento, el capitán Henry hace lo posible por llevarse con ellos al moribundo guía, pero la dureza del camino y del invierno hace que tenga que replantearse esta opción.

A pesar de sus heridas, sobrevive y emprende un viaje extremo para vengarse de quienes lo traicionaron. 

Opinión: lo mejor y lo peor de El renacido  

Lo mejor

• La fotografía de Emmanuel Lubezki, absolutamente espectacular
• La intensidad física y emocional de DiCaprio
• La sensación constante de peligro y realismo

Lo peor

• Ritmo lento en varios tramos
• Historia simple que puede sentirse repetitiva
• Duración exigente para algunos espectadores

Aquí no hay una trama compleja: todo gira alrededor de sobrevivir y avanzar. Eso funciona… pero también limita.

 

Escena del ataque del oso en El renacido (The Revenant), protagonizada por Leonardo DiCaprio

Reparto de El renacido

En el equipo tenemos que quitarnos el sombrero ante el asombroso y genial trabajo de Leonardo DiCaprio dando vida al explorador y guía de tramperos Hugh Glass y mostrándonos un gran instinto de supervivencia y su necesidad de venganza. DiCaprio tiene todo el espacio del mundo para lucirse y lo hace, y eso que, en esta ocasión, el guion que tiene no podemos decir que apueste por su lucimiento (gran parte de la película no puede hablar, solo hacer sonidos guturales). En cuanto al resto de reparto, bien Hardy dando vida a Fitzgerald, y normales, tirando a más flojos el resto.

¿Merece la pena ver El renacido?

Sí, pero con matices.

Es una película:

• impresionante a nivel técnico
• dura de ver
• poco convencional narrativamente

No es para todo el mundo, pero si entras en su ritmo, te atrapa.

Nota final

Nota final: 8.5/10

Ficha técnica de El renacido

Título original: The revenant

Año: 2015

Director: Alejandro González Iñárritu

Duración: 156 minutos

Género: Aventuras, Western, Drama, Supervivencia

Nowhere

Vivimos en un mundo donde para muchos, la única alternativa para tener una oportunidad en la vida pasa por jugársela y empezar de cero en otro país, solos y sin conocer ni la lengua ni la cultura (tenemos ejemplos clarísimos en las costas de Canarias, Miami o incluso Grecia o Italia).

Desgraciadamente y aunque muchos no quieran valorarlo, son seres humanos los que huyen de sus orígenes y de sus familias convirtiéndose en contrabando humano, sin más derechos que el de sobrevivir por sus propios medios.

Basándose en esta premisa, tras el verano de 2023 se estrenó en la plataforma de streaming Netflix una película de suspense y terror dirigida por el español Albert Pintó y protagonizada por Anna Castillo y Tamar Novas. Os estamos hablando de “Nowhere”.

La historia se “Nowhere” nos sitúa en España, en un futuro distópico, con un gobierno autoritario intentando gestionar una grave crisis de escasez de recursos, tanto económicos como de elementos básicos para vivir. Es tan grave la situación que el propio gobierno ha dejado sin ayudas a los más marginados mientras hace redadas para quitar de las calles a niños y mujeres embarazadas.

De lo poco que pueden plantearse los pocos habitantes que conservan algunos recursos es huir de España con el fin de llegar a Irlanda, uno de los pocos países del mundo donde la crisis no ha azotado tanto, aunque eso sí, para ello tendrán que convertirse en contrabando humano escondidos en grandes contenedores de carga marítimos.

En estas condiciones nos encontramos con una joven pareja formada por Mía (interpretada por Anna Castillo) y su marido Nico (a quien da vida Tamar Novas), quienes, tras perder a su hija al comienzo de la crisis, vuelven a estar embarazados y viendo que se serán un objetivo fácil para que el gobierno les elimine (a ellos o a su futura hija), deciden abandonar el país.

Tras entrar en contacto con los contrabandistas y pagar un alto precio que les deja sin absolutamente nada, ambos son guiados entre grandes contenedores hasta un punto donde son metidos en uno de ellos y cargados en un camión junto a otro grupo de personas.

En el desplazamiento a una nueva escala, Mía y Nico son, accidentalmente, separados cayendo uno en un contenedor distinto al otro lo cual les forzará a, una vez llegados a su destino buscarse para reencontrarse.

A su llegada al puerto, y durante un control de la policía aduanera, el contenedor donde viaja Mía es disparado, revisado y la mayoría del pasaje masacrado a balazos por la policía… igual suerte corre el contenedor donde viaja Nico. Tras esto, ambos contenedores son cargados con grandes grúas en un barco carguero.

Al poco tiempo de estar en alta mar y viendo Mía que únicamente tiene media botella de agua y un trozo de bocadillo para comer, decide racionarse para aguantar el viaje sin problemas. Con lo que no cuenta Mía es con lo que le espera, una dura y potente tormenta que provoca que una gran cantidad de contenedores caigan del barco, entre los cuales el suyo.

Mía, sola en medio del mar dentro de un contenedor

Con su contenedor flotando en alta mar, Mía solo tiene el recurso de mirar por los agujeros de bala de su contenedor, aunque por allí solo ve el inmenso mar y como el resto de contenedores se van hundiendo, entre ellos, uno muy parecido al que viaja Nico.

A partir de este punto, Mía empieza una auténtica carrera de supervivencia, intentado taponar los agujeros para que no entre agua al contenedor, inventando sistema para achicarla y como no podía ser de otra manera, enfrentándose al parto de su hija y a la supervivencia de ambas hasta su hipotético rescate.

Mía se las tendrá que ingeniar para conseguir hacer una puerta para subir encima del contenedor, conseguir comida para ella y para que pueda amamantar a su pequeña, y todo con únicamente una caja llena de televisores, y dos más llenas de tuppers vacíos.

¿Conseguirá Mía su objetivo de llevar a su hija sana y salva a tierra firme? Y si lo consigue, ¿podrá reunirse con Nico? Como es evidente, nosotros conocemos la respuesta a estas y otras preguntas, pero nos las guardaremos celosamente.

“Nowhere” nos presenta una historia bastante original y repleta de sorpresas que, por momentos nos recuerda la gran “Naufrago” aunque sea vagamente. Como gran punto positivo, el argumento y su desarrollo el cual consigue, aunque en el primero momento arranca un poco titubeante, mantenernos en tensión durante todo el metraje. En el punto negativo, algunos pequeños giros o sorpresas quizá demasiado buenistas dentro de un entorno totalmente inhóspito y casi imposible.

Interpretativamente os diremos que, sin lugar a dudas, Anna Castillo hace una de las mejores interpretaciones de su vida interpretando a la luchadora y a la vez sufridora Mía, una mujer abandonada en solitario en medio de Océano en busca de una oportunidad para su familia y teniéndose que enfrentar a mil peligros (hambre, frío, deshidratación, un parto, el cuidado de su hija, etc.). Sin lugar a dudas, está fantástica en la transmisión de sus penurias.

No queremos cerrar esta crítica sin remarcar el buen y claro mensaje que podemos sacar de “Nowhere” y que no es otro que el valor de la esperanza y que esta, por muy pequeña que parezca, siempre estará como mínimo un paso por delante de la raza humana.

Por todo lo que os hemos contado, nuestra nota final para “Nowhere” es de un 7 sobre 10.

Título original: “Nowhere” – España – 2023

Dirigida por: Albert Pintó

Duración: 109 minutos

Género: Drama, Aventuras, Supervivencia

 

 

Un puente hacia Terabithia (2007), crítica y análisis

¿Cuántas veces el ritmo del día a día nos consume sin que apenas nos demos cuenta? Muchas personas pasan gran parte de su tiempo enfrentándose a problemas, resolviendo conflictos o lidiando con situaciones difíciles, olvidando algo esencial: vivir y valorar su propia vida.

Este fenómeno no afecta únicamente a los adultos. Muchos adolescentes también atraviesan dificultades como el acoso escolar, la exclusión social o la sensación de soledad. Aunque el cine ha abordado estos temas en numerosas ocasiones, pocas películas lo hacen con la sensibilidad y profundidad que encontramos en Un puente hacia Terabithia.

En esta reseña analizamos esta emotiva película de 2007 basada en la novela de Katherine Paterson, una historia que mezcla fantasía y realidad para hablarnos de amistad, imaginación y resiliencia.

Sinopsis de Un puente hacia Terabithia

La película comienza presentándonos a Jesse Aarons, interpretado por Josh Hutcherson, un chico de 12 años que vive en una familia humilde en una zona rural de Estados Unidos. Su situación económica y el hecho de tener que usar ropa heredada de sus hermanas mayores lo convierten en el objetivo de las burlas de algunos compañeros de escuela.

La llegada de una nueva estudiante cambiará su vida. Leslie Burke, interpretada por AnnaSophia Robb, es una chica creativa, segura de sí misma y con una imaginación extraordinaria. En su primer día en el colegio sorprende a todos al ganar una carrera contra los chicos, incluido Jesse, lo que inicialmente provoca cierto rechazo por parte de él.

Esa misma tarde descubren que además son vecinos, algo que marcará el inicio de una amistad inesperada.

Un puente hacia Terabithia: imaginación frente a la realidad

Con el paso de los días, Jesse y Leslie descubren que comparten talentos complementarios. Ella posee una imaginación desbordante, mientras que él tiene un gran talento para el dibujo.

Un día, explorando el bosque cercano a sus casas, encuentran una cuerda colgada sobre un riachuelo. Tras cruzarlo, descubren una vieja casa del árbol abandonada. Allí comienzan a imaginar un mundo fantástico al que llaman Terabithia.

A partir de ese momento, cada tarde después de clase se reúnen en ese lugar secreto donde dan vida a criaturas mitológicas, monstruos y personajes que representan simbólicamente los problemas de su vida real, especialmente los conflictos del colegio.

Jesse y Leslie cruzando hacia Terabithia

Durante esta etapa de su amistad, Jesse decide regalarle a Leslie un cachorro adoptado al que llaman Príncipe Terrien, reforzando aún más el vínculo entre ambos.

Un giro inesperado

La vida de Jesse cambia cuando su profesora de música le invita a una excursión al museo tras descubrir su talento artístico. Aunque en un primer momento piensa en invitar a Leslie, finalmente decide aprovechar la oportunidad para pasar tiempo a solas con su profesora.

Al regresar a casa recibe una noticia devastadora: Leslie ha fallecido intentando cruzar el río hacia Terabithia.

Este acontecimiento marca un punto de inflexión en la historia. Jesse se derrumba emocionalmente y comienza a culpar a quienes le rodean, incluida su profesora y su hermana pequeña May Belle. Sin embargo, con el tiempo deberá afrontar el duelo y descubrir qué significa realmente Terabithia para él.

Análisis de la película 

Técnicamente no os diremos que “Un puente hacia Terabithia” sea una gran película, aunque sí que os diremos que nos ha sorprendido muy positivamente. Os asumimos que, no teníamos ni idea que estaba basada en un libro (obviamente, no lo habíamos leído) ni conocíamos su argumento, así pues, haciendo un acto de fe, nos pusimos a ver una película que suponíamos familiar o tirando a infantil, y la verdad, nada más lejos de la realidad, “Un puente hacia Terabithia” nos brinda un conjunto de puntos de vista inesperados e insólitos en el cine comercial más juvenil haciéndonos pensar, mientras la disfrutamos.

Durante sus aproximadamente 95 minutos de duración, la película utiliza la fantasía como una herramienta narrativa para hablar de temas muy reales:

• la amistad

• el crecimiento personal

• el duelo

• la lucha contra el acoso escolar

• la importancia de la imaginación 

El mundo de Terabithia funciona como una metáfora del refugio emocional que los protagonistas crean para enfrentarse a sus propios miedos y problemas.

Actuaciones y reparto

Un puente hacia Terabithia es una película que sorprende por su profundidad emocional y por la forma en que mezcla fantasía con temas muy reales de la adolescencia.

Lejos de ser simplemente una película infantil, ofrece una reflexión sobre la pérdida, la amistad y la importancia de la imaginación como herramienta para afrontar la vida.

Nuestra puntuación para Un puente hacia Terabithia es de 7,5 sobre 10.

Ficha técnica de Un puente hacia Terabithia

Título original: Bridge to Terabithia

Año: 2007

Director: Gábor Csupó

Duración: 95 minutos

Género: Drama, Aventuras, fantástico

Jumanji: Siguiente nivel

Hay películas que, cuando uno las ve, enseguida piensa que “acaban de dar con un filón inagotable para hacer secuelas y más secuelas”. Una de las veces que nos pasó fue la primera vez que disfrutamos del genial clásico “Jumanji” con el inolvidable y malogrado Robin Williams.

La verdad es que, estuvimos a punto de fallar en nuestras predicciones ya que, una secuela con poquísimo éxito comercial (“Zathura”) y la muerte del gran Robin Williams dieron por aparcada la franquicia hasta 2017 cuando con un elenco protagonista totalmente nuevo y encabezado por Dwayne “La Roca” Johnson, llegó a nuestras pantallas una nueva y exitosa parte de la saga: “Jumanji: Bienvenidos a la jungla”.

Como el éxito comercial fue total, enseguida se puso en marcha la siguiente entrega de la saga, en esta ocasión repitiendo el casting de su predecesora e incorporando un par o tres de rostros conocidos más. La película que os contaremos hoy, llegó a nuestras carteleras en 2019 y llevó por título: “Jumanji: Siguiente nivel”.

“Jumanji: Siguiente nivel” empieza tres años después de los hechos ocurridos en “Bienvenidos a la jungla” con los cuatro protagonistas de la misma bastante distanciados y sin contacto. Pese a todo, entre el grupo planean una quedada en un bar de la ciudad. En único reticente es Spencer por lo aburrida que es actualmente su vida.

Justo el día antes del encuentro, Spencer recupera “Jumanji” de su trastero y empieza repararlo con la idea de meterse de nuevo en el juego y tener como mínimo un objetivo vital. Cuando sus compañeros ven que no aparece a la cita se dirigen a su casa, donde se encuentran a Eddie (Danny DeVito) el abuelo de Spencer, y a Milo (Danny Glover) un antiguo amigo de Eddie, pero ni rastro de Spender. Cuando bajan al sótano se dan cuenta que su amigo ha vuelto al juego y no sin discusiones, deciden volver también para ayudarlo a salir.

Como bien os podéis imaginar, algo no va como toca y aunque llegan 4 participantes al juego, Bethanie se queda fuera y Spencer ya está dentro, sí, el abuelo Eddie y su amigo Milo son los nuevos participantes y, por si fuera poco, ocupan los importantes avatares de Dr. Xander (Dwayne Johnson) y de “Mouse” (Karen Gilian).

Una vez instruidos y re instruidos (y no lo negaremos, después de perder alguna que otra vida) se encuentran con el guía del juego que les revela que, para poder abandonar el juego y a la vez solucionar el grave problema de sequía que sufre Jumanji, deberán recuperar el “Corazón de Halcón” que ha sido robado por el señor de la guerra.

Las primeras aventuras no pueden ser más peligrosas, ya que, hasta llegar al Seño de la guerra, deberán enfrentarse a manadas de avestruces en pleno desierto y nuevos desafíos del juego (como recuperar una fruta llamada Jumanji Berry) en medio de un charco que intercambia avatares. Cuando encuentran al Sr. De la guerra encuentran también a un nuevo jugador, una ladrona llamada Ming que resulta ser Spencer.

Los protagonistas de "Jumanji: Siguiente Nivel"

En su huida, Jumanji les ofrece nuevas aventuras como el ataque de peligrosos mandriles mientras tienen que cruzar una red de puentes móviles, etc. y todo hasta encontrar a dos nuevos jugadores, un caballo negro llamado Ciclone quien resulta ser Bethanie que ha llegado al juego después de avisar a Alex el aviador (Nick Jonas).

Todos se deberán enfrentar varias veces a la muerte y descubrir varias cosas de su vida personal, aunque, como ya os podéis imaginar, ha llegado el momento de decir que, hasta aquí el desglose argumental de “Jumanji: Siguiente nivel”.

Argumentalmente, “Jumanji: Siguiente nivel” empieza con uno de sus puntos más débiles, la introducción que se supone sirve de justificación para el regreso de cuarteto protagonista a Jumanji, realmente nos ha parecido excesivamente largo y carente, hasta cierto punto, de sentido. En cuanto a su desarrollo os diremos que, bajo nuestro punto de vista, “Jumanji: Siguiente nivel” aunque no repite ninguna prueba (o en el símil de video juego, ninguna pantalla), no hemos conseguido quitarnos ni un momento de encima cierto nivel de “déjà vu” o de previsibilidad.

Lo que sí que funciona como un reloj en “Jumanji: Siguiente nivel” es su nivel de comedia, con un humor sencillo, pero tremendamente efectivo, llevándose la palma los momentos en los que Dwayne Johnson actúa de avatar de Danny DeVito.

Interpretativamente, “Jumanji: Siguiente nivel” repite la situación que ya os contamos para “Bienvenidos a la Jungla” con unos Dwayne Johnson y Jack Black más que correctos (en esta parte incluiríamos en el dúo a Danny DeVito), mientras el resto están, simplemente, convincentes y acertados.

Con todo esto, os diremos que “Jumanji: Siguiente nivel” es una película que cumple con su objetivo: entretener, y poco más, por tanto, nuestra nota final para ella, es de un 6 sobre 10.

Título original: “Jumanji: The next level” – 2019 – USA

Dirigida por: Jake Kasdan

Duración: 123 minutos

Género: Aventuras, secuela, comedia