Wicked: el musical

La obra musical "Wicked" nació como una reinvención del universo de Oz enfocado, eso sí, desde la perspectiva de sus "villanas". Inspirada en la novela "Wicked: Memorias de una bruja mala" de Gregory Maguire, la historia replantea la amistad y el conflicto entre Elphaba y Glinda antes de los acontecimientos narrados en "El mago de Oz".

El musical que cuenta con música de Stephen Schwartz, transforma rápidamente el imaginario clásico en un relato contemporáneo sobre la diferencia, el poder y la construcción de la identidad, y todo en base a su fuerza visual y su humor inteligente.

Su estreno en Broadway en 2003 marcó un antes y un después en el teatro musical del siglo XXI. Lejos de ser solo una precuela, la obra cuestiona cómo se crean los mitos colectivos, todo envuelto en una producción escénica de gran escala y una partitura que alterna épica y emoción íntima. Con el tiempo, se convirtió en uno de los musicales más longevos y taquilleros del mundo, traducido a múltiples idiomas y culturas.

Décadas después de su debut, el fenómeno aterrizó finalmente en Madrid con una ambiciosa producción en el Nuevo Teatro Alcalá. Esta llegada no solo acerca el espectáculo al público hispanohablante, sino que confirma la vigencia universal de su mensaje: que incluso en los cuentos más conocidos aún quedan voces por escuchar y verdades por descubrir.

"Wicked: el musical" nos sitúa tiempo antes de la llegada de Dorothy (la protagonista de El mago de Oz) al mundo de Oz, justo en el momento en que se anuncia que la Bruja Mala del Oeste, Elphaba, ha muerto, noticia confirmada por Glinda, la adorada Bruja Buena del Norte. Desde este punto, el argumento de Wicked retrocede al pasado para mostrar cómo ambas brujas se conocieron al ingresar en la Universidad de Shiz, donde chocan desde el primer instante: Elphaba, de piel verde, es brillante y sensible; Glinda, en cambio, es popular, ambiciosa y aparentemente superficial.

Con el paso del tiempo, los enfrentamientos iniciales entre Glinda y Elphaba dan lugar a una profunda amistad que acabará marcando su destino y la percepción que el mundo tendrá de ellas. Durante su formación, Elphaba descubre la corrupción del gobierno del Mago de Oz, que ha iniciado una campaña de opresión contra los Animales parlantes del reino. Dotada de poderes mágicos extraordinarios y guiada por un fuerte sentido de justicia, decide enfrentarse al sistema, mientras Glinda opta por adaptarse a él para conservar su estatus y ayudar “desde dentro”. Esta elección provoca que Elphaba sea declarada enemiga del Estado y pase a ser conocida oficialmente como la Bruja Mala del Oeste.

La segunda parte de "Wicked: el musical" muestra con claridad cómo los caminos de las dos amigas divergen por completo. Glinda se convierte en símbolo de bondad ante el pueblo, mientras Elphaba vive perseguida y clandestina, tratando de proteger a quienes ama y desmontar las mentiras del régimen. Si logrará cambiar su destino es algo que el espectáculo revela en escena (aunque muchos espectadores ya conocen parte de la historia gracias a su reciente adaptación cinematográfica).

A nivel técnico, podemos decir que el montaje madrileño de "Wicked: el musical" cumple con creces: su mensaje sobre la identidad, los prejuicios y la manipulación social (tan vigente en los tiempos actuales) queda perfectamente reflejado, además de transmitirse con humor y una banda sonora realmente memorable y bien trabajada. La propuesta conecta con el espectador desde lo emocional y confirma la fuerza temática que ha convertido a Wicked en un fenómeno internacional.

Platea del Nuevo Teatro Alcalá – Wicked: el musical en Madrid

Si algo se le puede señalar a Wicked: el musical en Madrid, y rizando un poco el rizo, es su escenografía, basada en constantes juegos de tramoya e iluminación. Este planteamiento puede restarle algo de espectacularidad frente a otras producciones internacionales, aunque también tiene su lado positivo: el escenario del Nuevo Teatro Alcalá se aprovecha de extremo a extremo, generando dinamismo escénico y continuidad visual.

En el apartado interpretativo, nos quitamos totalmente el sombrero ante el elenco escogido, del que sobresalen especialmente Cristina Picos como Elphaba y Cristina Llorente como Glinda. Ambas están sencillamente maravillosas, con voces potentes y una química escénica que sostiene el corazón emocional del espectáculo.

No vamos a engañaros:"Wicked: el musical"es uno de los grandes títulos que pueden disfrutarse actualmente en Madrid, tan potente en mensaje como en interpretaciones, logrando una conexión muy fuerte con el público. Para nosotros, Wicked es una obra que hay que ver y disfrutar en el teatro. La recomendamos totalmente.

¡No os quedéis sin vuestra entrada!

El juego del Calamar - Temporada 2

En septiembre de 2021 se estrenó, en la plataforma de streaming Netflix, una serie que revolucionó el mundo entero, venía de Corea con un canto a lo enfermizo que puede llegar a ser el mundo del capitalismo. Con más de 250 millones de visualizaciones, pronto se convirtió en uno de los grandes éxitos de la plataforma. Os estamos hablando de “El juego del Calamar”.

 

La verdad, la primera temporada de “El juego del Calamar” no dejó indiferente a nadie con sus coloristas escenarios, sus guardias enmascarados con trajes rosados y máscaras con símbolos, sus concursantes vestidos con chándales verdes y, sobre todo, como estos morían en las carnicerías que se convertían sus seis, en origen, inocentes juegos.

 

Tras el éxito, Netflix y el creador de la serie, Hwang Dong-hyuk, pronto llegaron a un acuerdo para tener dos temporadas más de “El juego del Calamar”.

 

En diciembre de 2024, tres años después de la primera entrega, se estrenó la segunda temporada, con muchos personajes nuevos (como es lógico, ya que casi todos murieron en la primera), y la recuperación del ganador, Seong Gi-hun (interpretado por Jung-jae), del líder o responsable del juego (Lee Byung-hun) y de Jun-ho quien se salvó al caerse por un acantilado.

 

Esta segunda temporada del “Juego de Calamar” empieza donde acabó la primera, en el aeropuerto con Gi-hun descartando subirse a un avión. Al poco tiempo, nos lo encontramos en un baño público, arrancándose los rastreadores que le habían implantado bajo su piel.

 

Dos años más tarde, Gi-hun está viviendo medio a escondidas mientras busca, con unos conocidos al reclutados de los juegos en Seúl, mientras por otro lado, Jun-ho trabaja policía de calle. Gin-hun y los suyos encuentran al reclutador, pero tras dos macabros juegos acaba muerto.

 

Tras esto, Jun-ho y Gin-hun unen sus fuerzas y trazan un plan para infiltrarse en el "Juego del Calamar" y desarticularlo, aunque algo sale mal, y de nuevo, Gin-hun acaba enfundándose el chándal verde con el número 456 en una isla desconocida, mientras Jun-ho, busca por tierra, mar y aire, la isla. El uno con la intención de deshacer el juego desde dentro y el otro, para ayudarle con un equipo de sicarios, si lo encuentra.

 

En el juego, Gin-hun acaba enfrentándose a un variopinto grupo de jugadores, cada uno, más endeudado y con más problemas, hay una madre y su hijo adicto al juego, quienes quedan sorprendidos al descubrir que el otro está ahí. Mujeres jóvenes vulnerables, exmilitares, un influencer de criptomonedas y un rapero que toma pastillas y que ha perdido todo su dinero después de comprar criptomonedas recomendadas por el influencer antes mencionado.

 

Como novedades, tenemos la mayoría de los juegos nuevos (continua la muñeca de luz roja-luz verde) y otra novedad, tras cada juego, los participantes supervivientes deberán votar para saber si continúan o no, si sale que no, se reparte el bote entre todos los supervivientes, si sale que se continúa, a la mañana siguiente hay un nuevo juego. 

 

Uno de los nuevos juegos de "El juego del Calamar"

 

Esta votación, provoca graves fricciones en los jugadores que, tras varios juegos acaba desembocando en una lucha a muerte entre ellos y en la insurrección de Gin-hun y un grupo de jugadores fieles quienes, armados con las armas de los guardianes rosas, tienen la intención de llegar al centro de mando.

 

¿Conseguirá Gin-hun y los suyos llegar? ¿Habrá alguna traición en su grupo? Estas y más preguntas las podréis contestar viendo la temporada 2 de “El juego del Calamar”.

 

Técnicamente os diremos que esta temporada 2 de “El juego del Calamar” se le nota un crecimiento respecto a la primera, manteniendo eso sí, un equilibro entre lo absurdo y lo siniestro compartiendo escenarios más próximos a los cuentos que a las pesadillas. Con bastantes menos planos frenéticos que en la primera, nos crean una atmósfera más tensa aunque bastante menos explosiva.

 

En cuanto al guion os diremos que, bajo nuestro modesto punto de vista, esta segunda temporada se ha querido meter más en el trasfondo que los juegos que en la propia ejecución lo cual ralentiza mucho el ritmo. Tampoco nos ha gustado que haya bajado el nivel de la crítica social aunque haya actualizado los conflictos (criptomonedas, personajes transgénero, etc.).

 

A nosotros nos ha parecido que, esta segunda temporada de “El juego del Calamar” adolece de un ritmo narrativo constante ya que se pasa de momento frenéticos a largos ratos donde la intensidad e interés desaparecen.

 

En conclusión, os diremos que, esta segunda temporada de “El juego del Calamar” es un intento de evolucionar la frenética y original primera temporada y, aunque valiente, quizá no consigue un resultado del todo equilibrado.

 

Ahora, nos tocará esperar al desenlace de la serie en su tercera temporada ya que, esta segunda ha quedado tan abierta como nos ha dejado frustrados.

 

Por todo lo que os hemos contado, nuestra nota final para esta segunda temporada de “El juego del Calamar” es de un 6 sobre 10.

 

 

 

Título original: “Squid Game” - 2021 – Corea

Año de creación: 2021

Año de finalización: 2024 (segunda temporada)

Duración: 16 capítulos (de unos 60 minutos cada uno)

Género: Thriller, Supervivencia

Nonnas (2025), críticas y análisis

Sin duda alguna, si hay, o ha habido una persona vital y trascendental en nuestra vida ha sido, nuestra madre, sí, esa persona que no ha dado la vida y nos ha dado su vida en base a pequeños y grandes gestos.

 

Todos recordamos a nuestra madre en esos pequeños gestos que nos daban seguridad, como ese beso al hacernos un rasguño, esa comida tan especial de la que aún años después aún recordamos su aroma irrepetible, pero también ha estado en momentos más duros, como esas riñas, o esas conversaciones de crecimiento, o por que no, esas noches de hospital dándonos siempre su soporte incondicional.

 

Porque las madres no solo nos crían: nos enseñan a amar, a resistir y, en muchos casos, a narrar. Nos cuentan historias mientras cocinan, nos enseñan palabras, nos muestran el valor de lo cotidiano. ¡Cuánto que aprender y que poco tiempo!

 

En el mundo del cine, las madres han sido, muchas veces el soporte emocional o el refugio de personajes que vuelven cuando el mundo se vuelve ruidoso o doloroso, como por ejemplo en “Lady Bird” o en “Roma”, donde hemos visto que detrás de cada persona hay, siempre, una figura materna escondida entre sombras.

 

En mayo de 2025, y sin hacer mucho ruido, llegó al catálogo de Netflix una película basada en hechos reales que, en base a toques de comedia dramática, nos presenta un viaje que se adentra en las emociones y la gastronomía para recuperar la figura de esa madre o abuela, que todos hemos tenido. Os hablamos de “Nonnas”.

 

“Nonnas” empieza con un flashback cuarenta años atrás, para presentarnos a Joe, un adolescente que acompaña a su madre y a su abuela (la nonna) en la cocina donde estas, preparan lo que será una comida familiar.

 

Ya en la actualidad, Joe (interpretado por Vince Vaughn) está de duelo por la muerte de su madre. En una visita a una amiga de su madre, Roberta, esta le entrega una carta escrita que la difunta le dio para que se la hiciera llegar a su hijo. Más adelante, el mejor amigo de Joe y su novia le incitan a usar la indemnización del seguro de vida de su madre para emprender un proyecto vital.

 

Poco después, Joe se traslada hasta Staten Island para visitar un mercado al que acudía con su abuela. Allí descubre un viejo restaurante abandonado que, tras pensarlo decide comprar para iniciar su proyecto vital, un restaurante donde mujeres mayores de origen italiano, nonnas, se encargarían de cocinar platos tradicionales, entre los que habría, si consigue recordar la receta, la salsa marinara de su abuela. El restaurante se llamará, en honor a su madre, “Enoteca Maria”

 

Al proyecto se incorporan las amigas de su madre, Roberta (Lorraine Bracco), Gia (Susan Sarandon) como repostera, Antonella (Linda Cardellini) y Teresa (Talia Shire), una exmonja y cocinera.

 

Joe con su equipo de nonnas

Con todo, el inicio del proyecto se presenta complicado ya que, deben luchar contra la falta de presupuesto y contra la voluntad de un inspector de incendios que no da su brazo a torcer. Por suerte para todos, todo acaba saliendo adelante, aunque la fiesta de inauguración resulta un nuevo fiasco, tanto por una increíble tormenta como por la publicidad negativa de un comerciante del barrio al descubrir que Joe, no es originario de Staten Island.

 

Tras unas semanas buscando apoyo bajo las piedras (entre críticos gastronómicos, medios especializados, etc.), y ante la falta de clientes, Joe toma la decisión de cerrar.

 

Tras el cierre del local en una gran y emotiva fiesta, Joe abre la carta de su madre y se lleva una gran sorpresa, como días después lo hace al ver la fantástica crítica del mejor crítico gastronómico.

 

Con todo, ¿qué pasará con el “Enoteca Maria”? ¿Y con sus cocineras? Como ya os podéis imaginar, nosotros lo sabemos y aunque, esta película está basada en hechos reales, nos lo guardaremos celosamente.

 

Técnicamente os diremos que, se nota la mano de Chbosky en la dirección ya que consigue que en “Nonnas” la sensibilidad prima totalmente sobre el espectáculo del cine, centrándose en mostrarnos la calidez de las relaciones humanas. También es muy destacable la ambientación por la que, sin lugar a duda, nos traslada a un auténtico restaurante italiano. Y como todo puede resultar positivo, también os diremos que, tanto realismo y tanta calidez, por momentos “Nonnas” cruza la línea hacia lo empalagoso.

 

Argumentalmente, es remarcable el trabajo por el equipo de montaje, haciendo que toda la historia fluya con naturalidad, respetando los tiempos y las emociones de los personajes. Con todo, esta naturalidad, por momentos resulta excesivamente previsible y plano (personalmente le echamos de menos, como mínimo un giro argumental o sorpresa).

 

Interpretativamente hablando nos parece destacable el trabajo de Vince Vaughn dando con su trabajo, una profundidad emotiva a un personaje marcado por la pérdida. En cuanto al alma de “Nonnas”, las propias nonnas, interpretadas por mujeres mayores, todas ellas logran unos personajes genuinos, sin artificios, aunque desgraciadamente demasiado superficiales.

 

Ver “Nonnas” es mirar, con ojos agradecidos, a esa generación de mujeres que supieron hacer del cuidado un arte y del silencio una forma de expresión. Y es imposible no pensar en nuestras propias madres mientras la ves: en sus platos, en sus abrazos, en sus historias nunca del todo contadas.

 

Por todo lo que os hemos contado, nuestra nota final para “Nonnas” es de un 6.5 sobre 10.

 

 

 

 

 

Título original: “Nonnas” – USA – 2025

Dirigida por: Stephen Chbosky

Duración: 111 minutos

Género: Comedia, Drama

 

Cobra Kai - Temporada 6

Hay series que, por los motivos que sean, tienen un desarrollo comercial de lo más curioso. Una de las últimas en que lo hemos visto, ha sido la secuela de la saga de películas de los 80 del pasado siglo, “Karate Kid”, os hablamos de “Cobra Kai”.  “Cobra Kai” estrenó su primera temporada en 2018 en la plataforma “Youtube Red” con cierto éxito, la serie retomaba la historia de Daniel LaRusso y Johnny Lawrence, 33 años después de la célebre victoria de Daniel en el torneo de Karate de “All Valley” de 1984.

 

En 2020, el gigante Netflix se hizo con los derechos de “Cobra Kai” y durante dos años estrenó, con éxito tres temporadas de esta en la que nos narraba tanto la historia de encuentros y desencuentros de Lawrence y LaRusso como sus andanzas con los alumnos de sus respectivos Dojos.

 

En 2023, Netflix anunció la temporada final de “Cobra Kai” aunque, a causa de la huelga de guionistas de Estados Unidos esta temporada final, la sexta, se ha estrenad en tres partes de cinco capítulos cada una, en julio y noviembre del 24 y en febrero del 25.

 

La sexta temporada de “Cobra Kai” empieza justo donde acabó la quinta, con Lawrence (William Zabka) y LaRusso (Ralph Macchio) entrenando conjuntamente en el “Miyagi Do” tras la unificación de los dojos de ambos con el objetivo de conseguir un equipo equilibrado que pueda luchar en el “Sekai Taikai”, el campeonato mundial de Karate que se va a llevar a cabo en Barcelona.

 

Mientras esto ocurre, LaRusso descubre algunas cosas de su maestro, el Sr. Miyagi que le llevan a replantearse su filosofía haciendo que, por momentos se olvide de sus propios alumnos.

 

Después de una varias pruebas de selección, los seis integrantes del equipo del Miyagi Do para el Sekai Taikai son Sam, Tory, Miguel, Robby, Demetri y Devon, aunque en la lucha final por determinar los capitanes, Tory muy agresiva por la muerte de su madre, abandona el equipo dejando su puesto en el equipo a Hawk quedando de capitanes Robby y Sam.

 

Ya en Barcelona, la historia se complica cuando el equipo del Miyagi Do descubre al resto de equipos, entre los que destacan, por un lado y por su agresividad, los “Iron Dragons” del sensei Wolf y un “Cobra Kai” recuperado desde Corea del Sur con los sensei Kreese y Da-eun y Tory en su equipo femenino.

 

Los primeros combates en la ciudad condal dejan al Miyagi Do al borde de la eliminación por sus constantes despistes, las heridas mal cerradas y el gran nivel que muestran los rivales. Lawrence y LaRusso tienen muchos problemas para motivas a los suyos, tanto como para superar sus propios problemas (Daniel por los descubrimientos que hace de Miyagi y Johnny por su retorno a USA por el parto de su mujer).

 

Ya a la vuelta de sus menesteres y con un Daniel reforzado al descubrir parte de la historia del Sr. Miyagi y que, detrás del dojo de los “Iron Dragons” hay un viejo enemigo, Terry Silver, las capitanes de los cuatro mejores dojo del campeonato debe enfrentarse en el Torneo de Campeones aunque al final acaba pasando algo que obliga a la organización a dar por finalizado el Sekai Taikai.

 

Lawrence y LaRusso en el Sekai Taikai

Tiempo después, y con los chicos aceptando lo sucedido en Barcelona mientras enfocan su futuro en sus respectivas universidades, aunque la historia no puede acabar así y en un acto imprevisto de Silver, todos los sensei que quedan aceptan finalizar el Sekai Taikai en el Valle.

 

Al final, se reanuda el torneo, con Cobra Kai participando solo para la final femenina con Tory y con unos “Iron Dragons” claramente superiores a los Miyagi Do, aunque, tras una contundente sorpresa, los Miyagi se retiran uniéndose a los Cobra Kai quienes cuentan con un nuevo sensei, Johnny Lawrence.

 

¿Quién gana el Sekai Taikai? Pues aunque no os los diremos, lo que os diremos que, al final se hace justicia y todos, tienen lo que se merecen, unos una derrota y otros, una más que merecida victoria.

 

De esta sexta y última temporada de “Cobra Kai” lo que más nos ha sorprendido y gustado ha sido el conjunto de enseñanzas sobre el crecimiento personal, el perdón, la reconciliación y sobre todo, la evolución de sus personajes principales.

 

La temporada y por ende, la serie acaba con más de tres décadas de rivalidad entre Daniel LaRusso y Johnny Lawrence con ambos colaborando y remando juntos como senseis. Una unión que demuestra la importancia de superar diferencias y trabajar conjuntamente por un objetivo común. Como decimos muchas veces, las diferencias suman.

 

Otra de las grandes cosas que nos enseñan en “Cobra Kai” es la importancia de buscar un equilibro entre la empatía, la defensa y la agresividad, muy importante tanto para un dojo, como para enfrentarse a la vida cotidiana.

 

Interpretativamente hablando, en esta ocasión no vamos a resaltar el trabajo de ninguno de los interpretes ya que, lo más remarcable de su trabajo cómo nos muestran el cambio que sufren ambos protagonistas, dejando de estar aferrados al pasado, madurando y creciendo como personas y como maestros. En cuanto a los jóvenes, aunque a veces parece que van a seguir los errores de sus mentores, nos demuestran que se puede luchar, pero también curar mientras se superan las inseguridades y se confía en los demás.

 

No os vamos a engañar, vamos a echar de menos a “Cobra Kai”, aunque tampoco creemos que sea necesario estirar más el chicle.

 

Por todo lo que os hemos contado, nuestra nota final para esta sexta temporada de “Cobra Kai” es de un 8 sobre 10.

 

 

 

 

Título original: “Cobra Kai” – 2021 – USA

Año de creación: 2018

Año de finalización: 2025 (sexta temporada)

Duración: 65 capítulos (de unos 30 minutos cada uno)

Adolescencia

En un mundo donde las producciones audiovisuales sobre la juventud y la adolescencia suelen caer en clichés o estereotipos superficiales y previsibles, encontrar una serie auténtica y realista que desafía las tendencias de mercado es realmente difícil, aunque no imposible.

Aunque para muchos, la adolescencia es solo la etapa del paso de la niñez a la edad adulta, los adolescentes actuales deben enfrentarse a una gran variedad de problemas que, sin duda alguna, afectan a su desarrollo emocional, social y psicológico. Os hablamos sobre todo de problemas de salud mental (ansiedad, estrés, depresión y sus estigmas sociales) a veces provocados por el bullying, por el ciberacoso, por la falta de autoestima, por la falta de comunicación o comunicación deficiente en casa, por aislamiento social e incluso por problemas con la propia imagen o identidad.

Si lo pensamos bien, es una época mucho más complicada de lo que, los ya la hemos pasado recordamos y en la que es muy difícil prever sus consecuencias de la vida y salud mental de los y las jóvenes.

Como os hemos comentado antes, en el mundo de la televisión las series sobre los adolescentes abundan, pero muy pocas abordan directamente el tema de la salud mental y menos lo hacen aún, con un enfoque realista y sin sensacionalismos abordando temas incómodos como el ciberacoso, la soledad y el rechazo.

Por suerte, de vez en cuando, aparece una serie que sorprende a todos, y consigue lo impensable. Consigue engancharnos ante la pantalla y hacernos reflexionar mucho, os hablamos de la serie británica “Adolescencia”.

“Adolescencia” nos desplaza a un barrio obrero de una ciudad media inglesa, allí, a primera hora de la mañana nos encontramos en medio de una operación policial en la que un grupo de policías irrumpe en la casa familiar de los Miller cuando estos aún están durmiendo. El objetivo de la operación es arrestar al pequeño de la familia, Jamie Miller (interpretado por el debutante Owen Cooper) un niño de 13 años.

Jamie es llevado a la comisaría por el inspector Bascombe, donde se le comunica a él, y a su familia, que es acusado de haber asesinado a su compañera de clase, acto que además, ha sido grabado por cámaras de seguridad. Pese a todo, Jamie jura y perjura que él es inocente y que no ha cometido dicho crimen.

Más adelante, Bascombe y su compañera Misha Frank van al instituto donde estudia Jamie para profundizar en la investigación y sobre todo, localizar el arma homicida aunque, lo que se encuentran en el instituto no deja de ser sorprendente con profesores completamente desbordados por unos alumnos con mucho poder que dan al centro, un ambiente tenso y casi violento.

Al final, un alumno con el que nadie cuenta, el hijo del inspector les da una pista importante, Katie (la asesinada) había acusado a través de redes sociales a Jamie de ser un “incel” (o sea, un célibe involuntario).

Tiempo después, y ya con Jamie internado en un centro psiquiátrico especializado, la investigación continúa adelante con su evaluación psicológica a cargo de la psicóloga Briony Ariston. Durante la sesión, Jamie muestra a Briony toda su gama de emociones, a veces incontroladas, es decir, se muestra desde amable a casi rozando la agresión y demostrándole a Briony la extrema complejidad de su estado mental.

Jamie enfrentándose a Briony en su evaluación

Una vez hecho, y previo al juicio, la historia de “Adolescencia” nos lleva directamente a explorar las consecuencias que el acto de Jamie tiene en su familia, quienes tienen que lidiar con la hostilidad de la comunidad además de con sus propias dudas sobre sus papel en la formación de Jamie, y todo, intentando aparentar normalidad.

Y como os decimos habitualmente, hasta aquí lo que os podemos contar del desarrollo argumental de “Adolescencia”.

Argumentalmente, “Adolescencia” no has parecido una serie más que notable, ya que explora desde la honestidad y la naturalidad, las luchas internas que lidian, a diario y en silencio, muchos jóvenes adolescentes que intentan encajar en una sociedad y un entorno que, a menudo les menosprecia e ignora. En este caso, además de buscar entretenimiento, “Adolescencia” consigue hacer reflexionar al espectador sobre la salud mental y los pequeños actos que, consciente o inconscientemente la minan.

Técnicamente os diremos que “Adolescencia” nos ha sorprendido, sobre todo por la técnica usa en su grabación, llamada plano secuencia, ya que le dota de un efecto de realidad sorprendente dejándonos, como espectadores pegados a la realidad que nos cuenta en cada uno de los cuatro, brillantemente estructurados, capítulos.

Desde el punto de vista interpretativo, nos queremos quitar el sobrero ante el excelente trabajo del joven debutante, Owen Cooper quien con apenas 15 años nos regala una actuación conmovedora que desde su vulnerabilidad a la confusión pasando por brotes de violencia. También nos ha gustado mucho el trabajo de Stephen Graham dando vida al padre de Jamie, un hombre torturado por el dolor y la desesperación de enfrentarse a lo que le toca en la vida. Tampoco nos gustaría olvidarnos del gran trabajo de Erin Doherty dando vida a su Briony, una mujer que sabe mantener la calma mientras desgrana la compleja mente de Jamie. Sin duda, un acierto haberles escogido.

Por todo lo que os hemos contado y por la reflexión que nos ha provocado, nuestra nota final para “Adolescencia” es de un 8 sobre 10.

 

 

 

Título original: “Adolescence” – Reino Unido

Género: Drama

Año de creación: 2025

Año de finalización: 2025 (temporada única)

Capítulos: 4 de unos 55 minutos.

 

 

 

Bridget Jones: Loca por él (2025), crítica y análisis

El personaje creado por Helen Fielding regresa a la gran pantalla con Bridget Jones: Loca por él, la cuarta entrega de una de las comedias románticas más populares de las últimas décadas.

Interpretada de nuevo por Renée Zellweger, la película nos muestra una versión más madura del icónico personaje que durante más de veinte años ha conquistado al público con su torpeza, su humor y su forma tan particular de enfrentarse al amor.

En esta ocasión, Bridget afronta una etapa completamente distinta de su vida, marcada por la maternidad, la pérdida y la necesidad de volver a creer en el amor.

Sinopsis de Bridget Jones: Loca por él

La historia nos sitúa varios años después de los acontecimientos anteriores. Bridget Jones se ha quedado viuda tras la muerte de Mark Darcy y ahora vive centrada en sus dos hijos mientras intenta reconstruir su vida personal.

Entre el trabajo, la crianza y la presión de su entorno, Bridget se encuentra en un momento de transición emocional. Sus amigos y familiares la animan a volver a abrirse al amor, lo que la llevará a explorar nuevas formas de conocer gente, incluyendo aplicaciones de citas.

En este nuevo capítulo de la saga, Bridget tendrá que equilibrar su vida como madre con la posibilidad de volver a enamorarse, enfrentándose además a las inseguridades y expectativas que llegan con la madurez.

Una Bridget Jones más madura

Una de las principales diferencias respecto a las películas anteriores es el tono. Aunque la película mantiene el humor característico de la saga, también introduce una mirada más reflexiva sobre el paso del tiempo y las segundas oportunidades.

Bridget y Roxster

La protagonista ya no es la treintañera que contaba calorías y cigarrillos en su famoso diario. Ahora es una mujer que ha vivido experiencias duras y que intenta encontrar su lugar en una nueva etapa vital.

Este cambio aporta una dimensión más emocional a la historia, sin perder la esencia de la comedia romántica.

Reparto principal

Además de Renée Zellweger en el papel protagonista, la película cuenta con un reparto que combina caras conocidas y nuevas incorporaciones:

• Hugh Grant

• Emma Thompson

• Chiwetel Ejiofor

• Leo Woodall

La mezcla de personajes clásicos con nuevas figuras ayuda a mantener el espíritu de la saga mientras se abre a nuevas dinámicas románticas y narrativas.

Una comedia romántica sobre segundas oportunidades

Más allá de las situaciones cómicas habituales, Bridget Jones: Loca por él trata temas como:

• el duelo

• la maternidad

• la presión social

• el amor en la madurez

La película nos recuerda que, incluso después de momentos difíciles, siempre existe la posibilidad de empezar de nuevo.

Valoración final

El regreso de Bridget Jones apuesta por una mezcla de nostalgia y evolución del personaje. Aunque mantiene los elementos clásicos de la saga, también intenta adaptarse a una etapa diferente de la vida de su protagonista.

Para los fans de la saga, esta nueva entrega ofrece la oportunidad de reencontrarse con uno de los personajes más queridos de la comedia romántica contemporánea.

Por todo lo que os hemos contado, nuestra nota final para “Bridget Jones. Loca por él” es de un 7.5 sobre 10.

Ficha técnica de Bridget Jones: Loca por él

Título original: Bridget Jones: Mad about the Boy

Año: 2025

Director: Michael Morris

Duración: 126 minutos

Género: Secuela, Comedia, Drama romántico

Otras partes de la saga:

"El diario de Bridget Jones"

"Bridget Jones. Sobreviviré"

"Bridget Jones's baby"