El hombre menguante: un remake que se atreve a crecer a su manera

El hombre menguante regresa a la gran pantalla en forma de remake, demostrando que Hollywood y el cine europeo siguen encontrando inspiración en los grandes clásicos. Entre secuelas, precuelas y nuevas versiones, Jan Kounen recupera la mítica película de 1957 para ofrecer una reinterpretación más íntima y contemporánea.

Después de ver El hombre menguante, no pudimos evitar hacernos una pregunta: ¿tiene sentido rehacer un clásico cuando lo que realmente cambia no es la historia, sino la forma en que miramos a su protagonista?

Es una cuestión que acompaña a casi cualquier remake, aunque no siempre encuentra una respuesta convincente. En este caso, creemos que sí. Jan Kounen no se limita a trasladar la película de 1957 a la actualidad con mejores efectos visuales, sino que apuesta por una mirada más íntima, emocional y contemporánea. El resultado es una obra que respeta el espíritu del clásico mientras aporta nuevos matices a una historia que, casi setenta años después, sigue teniendo mucho que decir.

Sinopsis de “El hombre menguante”

Scott lleva una vida completamente normal hasta que un extraño fenómeno mientras nada en el mar cambia su existencia para siempre. Sin previo aviso, su cuerpo comienza a encogerse de manera imparable y, por mucho que la ciencia intente encontrar una explicación, cada día se despierta siendo un poco más pequeño. Lo que al principio parece una simple anomalía acaba convirtiéndose en una lucha desesperada por sobrevivir.

A medida que pierde tamaño, El hombre menguante transforma los objetos más cotidianos en auténticos desafíos. Una escalera se convierte en una montaña, una mascota deja de ser inofensiva y cualquier rincón de la casa puede esconder un peligro mortal. Jan Kounen aprovecha esta premisa para construir una aventura de ciencia ficción tan espectacular como angustiosa, donde la supervivencia depende tanto del ingenio como del valor.

Pero esta nueva versión va más allá del espectáculo visual y los efectos especiales. Bajo su historia de ciencia ficción se esconde una reflexión sobre la identidad, la fragilidad humana y el miedo a desaparecer en un mundo que sigue creciendo mientras su protagonista se hace cada vez más pequeño. Una propuesta que combina tensión, emoción y un inevitable homenaje al clásico de 1957.

Crítica de “El hombre menguante”

Con una premisa tan conocida como la de El hombre menguante, el mayor riesgo era quedarse en un simple ejercicio de nostalgia. Afortunadamente, Jan Kounen entiende que un remake no debería limitarse a repetir lo que ya funcionó hace casi setenta años.

En lugar de competir con el clásico de 1957, el director opta por recorrer un camino diferente. Su propuesta es más íntima, más emocional y menos preocupada por el espectáculo puro, una decisión arriesgada que puede no convencer a todo el mundo, pero que dota a El hombre menguante de una personalidad propia en lugar de convertirla en una copia del clásico.

Uno de los grandes aciertos de la película es su capacidad para transformar lo cotidiano en una amenaza constante. Una habitación deja de ser un refugio, una mascota puede convertirse en un depredador y cualquier objeto acaba representando un desafío de supervivencia. Y es ahí donde la película demuestra todo su ingenio.

En El hombre menguante, hasta un gato doméstico puede convertirse en una amenaza mortal.

Y para que esa propuesta funcione hacía falta un protagonista capaz de sostenerla. Jean Dujardin asume ese reto con naturalidad, dando vida a un Scott vulnerable, cercano y creíble.

Personajes e interpretaciones

Si hay alguien sobre quien recae el peso de El hombre menguante, ese es Jean Dujardin. El actor francés ofrece una interpretación contenida, pero cargada de matices, transmitiendo con enorme naturalidad la angustia, la incertidumbre y la soledad de un hombre que ve cómo el mundo se hace cada vez más grande mientras él desaparece poco a poco.

No era un papel sencillo. Gran parte del metraje depende de su capacidad para conectar con el espectador sin recurrir a grandes discursos ni excesos dramáticos, y Dujardin supera el reto con nota. Consigue que empaticemos con Scott desde el primer momento y convierte un personaje extraordinario en alguien sorprendentemente cercano y humano.

Opinión

Una de las cosas que más nos ha gustado de esta nueva versión de El hombre menguante es que Jan Kounen nunca intenta competir con el clásico de 1957. En lugar de copiar sus escenas más icónicas o apoyarse únicamente en la nostalgia, el director decide contar la misma historia desde una perspectiva más íntima, más humana y mucho más emocional.

Esta vez, hacerse pequeño no es solo una cuestión física. Es una forma de hablar de la fragilidad, del miedo a quedarse atrás y de la sensación de perder el lugar que uno ocupa en el mundo. Los efectos visuales están al servicio de esa idea y no al revés, permitiendo que el verdadero protagonista sea el viaje emocional de Scott.

Quizá no tenga el espíritu aventurero de la película original, y eso puede decepcionar a quienes esperaban un remake más fiel. Sin embargo, precisamente ahí encontramos su mayor acierto: El hombre menguante no pretende sustituir al clásico, sino demostrar que una buena historia también puede crecer cuando se atreve a cambiar de enfoque. Y eso, en una época en la que tantos remakes viven de mirar al retrovisor, nos parece una decisión tan valiente como acertada.

¿Merece la pena ver El hombre menguante?

Después de todo lo que hemos contado, la respuesta es sencilla: sí, merece la pena ver El hombre menguante, siempre que no esperes una copia del clásico de 1957. Jan Kounen entiende que un remake no tiene por qué competir con el original, sino ofrecer una nueva forma de acercarse a la historia.

Su propuesta apuesta por la emoción antes que por el espectáculo, convirtiendo el proceso de hacerse pequeño en una reflexión sobre la fragilidad, el aislamiento y el miedo a dejar de importar. Puede que su ritmo pausado no convenza a todo el mundo, pero precisamente esa personalidad propia es la que consigue que esta nueva versión justifique su existencia.

Quizá no sea más grande que el clásico, pero sí lo bastante valiente como para no vivir a su sombra.

Nota final: 7 /10.

Ficha técnica de El hombre menguante

Título original: L’homme qui rétrécit

Año: 2025

Director: Jan Kounen

Duración: 99 minutos

Género: Ciencia ficción, Drama, Fantástico

Hijos de los hombres (2006) crítica y análisis

La destrucción del mundo ha sido una preocupación constante en la historia del pensamiento humano, y el cine no se ha quedado al margen. Películas como Hijos de los hombres reflejan nuestros miedos más profundos sobre el futuro, el colapso social y la fragilidad de la civilización.

En el contexto actual, donde las crisis climáticas, los conflictos globales y la deshumanización parecen intensificarse, la idea del fin de la humanidad deja de ser solo ficción para convertirse en una posibilidad inquietante. Este escenario no solo plantea la desaparición física del mundo, sino también la pérdida de valores, empatía y propósito colectivo.

Todo esto fue llevado al cine de forma brillante por Alfonso Cuarón en 2006, creando una de las mejores películas distópicas modernas: una poderosa metáfora sobre la decadencia humana y la desesperanza global.

Sinopsis de Hijos de los hombres

Hijos de los hombres es una historia distópica ambientada en 2027, en un mundo donde la humanidad enfrenta una crisis sin precedentes: la infertilidad global. Han pasado casi dos décadas desde el nacimiento del último niño, y la sociedad se ha sumido en el caos, la desesperanza y el colapso de las estructuras políticas.

En medio de este panorama, el Reino Unido se presenta como uno de los últimos estados funcionales, aunque profundamente autoritario, donde los inmigrantes son perseguidos y tratados de forma brutal.

El protagonista, Theo Faron, es un exactivista que vive atrapado en la apatía tras la muerte de su hijo años atrás. Su vida cambia cuando su exesposa Julian, ahora líder de un grupo rebelde, le pide ayuda para conseguir documentos de tránsito para una joven inmigrante llamada Kee. A lo largo del viaje, Theo descubre que Kee está milagrosamente embarazada.

Tras 20 años sin embarazos, la misión de Theo con Kee se convierte en algo crucial para la humanidad ya que, además de protegerla debe llevarla a “Proyecto humano” un lugar seguro para que su hijo, pueda nacer. Esta situación hace que Theo poco a poco empiece a recuperar la esperanza, la empatía y el sentido del propósito.

Crítica de Hijos de los hombres

Alfonso Cuarón consigue construir en Hijos de los hombres un futuro tan creíble como inquietante. La película destaca por su realismo, su atmósfera opresiva y una narrativa llena de detalles que hacen que el colapso social se sienta cercano.

Theo y Kee en una escena de El hijo de los hombres

Más que una simple película de ciencia ficción, estamos ante una crítica social muy directa. Temas como la inmigración, el autoritarismo o la pérdida de esperanza colectiva se desarrollan con una crudeza que incomoda, pero que también invita a reflexionar.

Eso sí, su ritmo pausado y su tono oscuro pueden no ser para todo el mundo. No es una película ligera, pero precisamente ahí está su fuerza.

Reparto y actuaciones

En el apartado interpretativo, la película apuesta por actuaciones sobrias y realistas, alejadas del dramatismo exagerado.

Destaca especialmente Clive Owen como Theo Faron, construyendo un personaje creíble que evoluciona de forma natural a lo largo de la historia. Su interpretación encaja perfectamente con el tono íntimo y humano de la película.

También merece mención Julianne Moore, quien aporta fuerza y carisma al personaje de Julian, dejando una huella notable pese a su limitada presencia en pantalla.

Opinión y nota final

Hijos de los hombres es de esas películas que te dejan pensando mucho después de verla. Va mucho más allá de la ciencia ficción convencional: no busca impresionar con efectos, sino hacerte reflexionar sobre la humanidad, el miedo y la esperanza.

La dirección de Alfonso Cuarón, junto a su uso del plano secuencia, consigue una inmersión total que te mantiene en tensión constante. Todo se siente real, cercano y, en muchos momentos, incómodamente posible.

En definitiva, es una película imprescindible si te gusta el cine que te hace pensar y sentir. Puede que no sea para todos, pero si conectas con su propuesta, te deja huella.

Nota final: 8.5/10

Ficha técnica de Hijos de los hombres

Título original: Children of Men

Año: 2006

Director: Alfonso Cuarón

Duración: 105 minutos

Género: Thriller, Ciencia ficción

Tiempo (2021), crítica y análisis

Desde que le descubriéramos en su tercera película, “El Sexto Sentido” por allá a un lejano 1999, la carrera del hindú afincado en Wisconsin, M. Night Shyamalan ha estado marcada por grandes aciertos y, por digamos, obras más mediocres consiguiendo eso sí, no dejar a nadie indiferente: o lo amas o lo criticas.

El estilo de Shyamalan está marcado por su gran habilidad para construir atmósferas inquietantes y realizar giros argumentales completamente inesperados. Siguiendo estas premisas, en 2021 se estrenó una de sus obras basada en la novela gráfica “Castillo de arena” de Pierre Oscar Levy, un thriller psicológico que intenta explorar una premisa tan simple como angustiante: “¿qué pasaría si el tiempo pasara demasiado rápido y no pudiéramos hacer nada para detenerlo?”

Sí, hoy en esta entrada vamos a hablaros de la película “Tiempo” (o “Old” en su versión original).

“Tiempo” empieza presentándonos al matrimonio formado por Prisca Cappa (a quien da vida Vicky Krieps) y Guy Cappa (interpretado por Gael García Bernal) quienes, con sus dos hijos pequeños, Trent y Maddox se dirigen a un resort a pasar las, posiblemente, última vacaciones en familia ya que, todo a punta a que Prisca y Guy se van a divorciar.

Al poco de llegar al resort y siguiendo las instrucciones del responsable del hotel, la familia se va de excursión a una apartada playa con otra pareja, el cirujano Charles, su esposa Chrystal, la pequeña Kara y Agnes, la madre de Charles y abuela de Kara. Sin apenas tiempo a aposentarse, llegan a la playa Jarin y Patricia, también del hotel.

En la playa, se encuentran arrinconado bajo las rocas, con un rapero. Al poco de estar en la playa aparece flotando el cuerpo sin vida de una joven, la pareja del rapero.

Mientras discuten que hacer ante la aparición del cadáver, Agnes, la madre de Charles muere repentinamente. Agobiados, intentan salir por donde han llegado, pero les resulta imposible ya que algo les repele y les deja inconscientes en la arena.

Gracias a que Prisca comprueba que los niños se han convertido en adolescentes, el grupo se da cuenta que la playa les está envejeciendo rápidamente. Además de esto, el grupo confirma que les une otra característica, como mínimo un miembro de cada familia sufre de alguna enfermedad grave.

En un descuido, los adolescentes Trent y Kara se hacen amigos, tanto que, Kara queda embarazada y minutos después da a luz a un pequeño bebé que, por las condiciones de la playa, no sobrevive más de un minuto.

Los protagonistas de "Tiempo" entre las costillas de uno de ellos

Poco a poco, todos van muriendo, ya sea por sus intentos de salir de la playa, por sus enfermedades o, como Guy y Prisca por ancianos. Al final solo quedan dos adultos, los hermanos Trent y Maddox quienes encuentran una posible vía de salida a través de un pasaje en la barrera de coral que rodea la playa.

¿Qué pasa en la playa? ¿Llegan Trent y Maddox al hotel? ¿Está implicado el hotel en lo que pasa en la playa? Como es evidente, nosotros tenemos las respuestas estas y otras preguntas, pero nos las guardaremos celosamente.

Técnicamente “Tiempo” es un largometraje que intenta explotar el género de thriller psicológico con toques de ciencia ficción, centrándose en la metáfora del inexorable paso del tiempo en un grupo de personas encerradas en una playa. Par ello, se apoya en el uso intensivo de planos secuencia con encuadres descentrados para enfatizar el caos que viven sus protagonistas.

Argumentalmente os diremos que “Tiempo” ejecuta bastante bien la máxima de enseñarnos como el tiempo puede ser nuestro enemigo, junto con la dificultad de enfrentarse al envejecimiento prematuro y, como no, a la muerte. Sin lugar a duda, una buena idea como experimento social mezclado con terror psicológico.

Con todo, y pese a la buena premisa de entrada, “Tiempo” sufre de un gran hándicap, forzar mucho la máquina en el apartado técnico y dejar de lado el auténtico drama que viven sus protagonistas. Tampoco acaba de funcionar otra de las marcas de la casa de Shyamalan, el giro sorpresa final ya que, en esta ocasión, queda desconectado, precipitado y porque no decirlo, forzado.

Interpretativamente hablando os diremos que nos ha gustado el trabajo de los niños, con sus miedos ante su crecimiento descontrolado, la paternidad, la pérdida, etc. Con todo, los personajes de “Tiempo” son excesivamente planos, con diálogos muy forzados y sin demasiada posibilidad de empatizar con ellos. Una auténtica pena.

A modo de resumen os asumimos que, “Tiempo” es una película entretenida que parte de una gran idea y un interesante planteamiento visual pero, su ejecución lastra totalmente la experiencia y es una pena porque Shyamalan era muy capaz de hacerlo mejor.

Por todo lo que os hemos contado, nuestra nota final para “Tiempo” es de un 6 sobre 10.

 

 

 

Título: “Old” – USA – 2021

Dirigida por: M. Night Shyamalan

Duración: 108 minutos

Género: Thriller, Drama, Terror psicológico

Dejar el mundo atrás (2023) una ficción descafeinada

A veces creo que la humanidad ya da por descontado que nos hemos cargado el mundo y que este tiene los días más que contados. Quizá lo único que nos falta saber es la respuesta a dos preguntas relacionadas con ello, ¿Cuándo será el fin del mundo? Y ¿Cómo será el fin del mundo?

Es más que evidente que no lo sabremos nunca de antemano, como mínimo yo espero no saberlo antes de que ocurra, con todo, esta incertidumbre ha supuesto una fuente inagotable de inspiración en el mundo de la literatura y de rebote, en del séptimo arte con títulos como: “Hijos de los hombres”, “28 días después”, “Soy leyenda”, “El día de mañana” o un sinfín de películas de zombis.

La gran fábrica de películas que ha cambiado, o colaborado a cambiar, el mundo de cine, Netflix, no ha querido ser menos lanzando para el pasado final de 2023, una película para la que se hizo con una buena idea, una novela de Rumaan Alam, un buen elenco de actores, Julia Roberts, Ethan Hawke, Kevin Bacon y Mahershala Ali y un buen equipo publicitario, obviamente os estamos hablando de “Dejar el mundo atrás”.

Sinopsis de "Dejar el mundo atrás"

“Dejar el mundo atrás” está dirigida, producida y guionizada por un muy poco prolífico Sam Esmail adaptando la novela homónima de Rumaan Alam.

“Dejar el mundo atrás” empieza presentándonos a Amanda Sandford (a quien da vida Julia Roberts), una mujer de mediana edad que asqueada con la sociedad y la gente que le rodea, de un día para otro decide irse de vacaciones no planificada y de inmediato a Long Island. Para ello, alquila una lujosa casa a través de una plataforma y se lleva su marido Clay (Ethan Hawke) y a sus dos hijos adolescentes, dos adictos a la tecnología.

La llegada a la casa es tranquila, aunque muy pronto empiezan a ver cosas que les preocupan, pierden la conectividad a internet, la cobertura del móvil y, sobre todo, observan cuando están descansando en la playa, como un petrolero sin control encalla en la playa, justo donde ellos tenían sus toallas tendidas.

Esa misma noche, y mientras piensan en lo que han visto ese día, dos desconocidos llaman a la puerta, son George H. Scott (interpretado por Mahershala Ali) y su hija Ruth, los propietarios de casa. Ambos estaban en Nueva York esperando el regreso de un largo viaje de la esposa de Scott cuando el caos por la falta de comunicaciones se ha apoderado de la ciudad.

Después de una negociación Amanda deja que los propietarios se queden en casa en una habitación de sobras. A la mañana siguiente, las sorpresas continúan para todos, Clay intenta ir a la ciudad, pero debe regresar ya que, sin GPS no encuentra el camino, de mientras Amanda descubre extraños mensajes en su móvil y Scott se lleva la peor parte, descubre que sus vecinos han muerto justo cuando a su lado ve estrellarse varios aviones.

En medio de suposiciones conspiranoicas, los Sandford deciden volver a la gran manzana, aunque de camino descubren que lo tendrán muy difícil, por no decir imposible ya que, la carretera está colapsada de coches autónomos (Teslas) chocando unos contra otros. Como consecuencia, regresan a la casa.

Los coches autónomos de Tesla generan dudas sobre seguridad y control en carretera.

¿Se puede complicar más la cosa? Pues la verdad, un poco más sí, aunque eso, como el final de “Dejar el mundo atrás”, nos lo guardaremos para nosotros.

Crítica de Dejar el mundo atrás

“Dejar el mundo atrás” lo podríamos definir como a un thriller conspiranoico en un mundo post apocalíptico o en ciernes de serlo. Parte de una idea realmente buena, un apagón tecnológico en plena era de internet, de los smartphones y de la conectividad total, aunque pronto, muy pronto, la película empieza a hacer aguas ayudada por unos movimientos de cámara excesivos y cansinos acompañados de una música ciertamente machacona que nos acompañara mientras se abren puertas y más puertas argumentales en una historia que a veces, parece no avanzar.

Argumentalmente, “Dejar el mundo atrás” intenta crear un thriller y enganchar al espectador con dos únicos recursos: mostrarnos cada dos secuencias un ejemplo catastrofista de que la tecnología ha dejado de funcionar (petroleros que encallan en la playa, aviones cayendo sin remedio, cientos de coche chocando sin control, etc.) y plantearnos alguna que otra reflexión sobre la situación política mundial con toques de racismo entre los miembros de la casa. Desgraciadamente, bajo nuestro punto de vista, nada funciona.

Reparto, actuaciones y nota final

Desde el punto de vista interpretativo, queremos resaltar el gran trabajo de Julia Roberts dando vida a la misántropa Amanda Sandford, una mujer dura quien tras una huida luchará como pocos para salvar a su familia y descubrir lo que está pasando. También nos ha gustado mucho Mahershala Ali dando vida al misterioso George H. Scott. Sin lugar a duda, lo mejor de “Dejar el mundo atrás” es el trabajo de sus dos protagonistas.

Por todo lo que os hemos contado, nuestra nota final para “Dejar el mundo atrás” es de un 5 sobre 10.

Ficha técnica de Dejar el mundo atrás

Titulo original: “Leave the world behind”

Año: 2023

Director: Sam Esmail

Duración: 134 minutos

Género: Ciencia ficción, Thriller

Soy leyenda (2007), análisis y crítica

Desde hace unos años, la producción de cintas de ciencia ficción que mezclan un futuro post-apocalíptico con el terror, el drama y a veces incluso el amor, proliferan a muy buen ritmo, tanto en plataformas de streaming (“The last of us”, “A ciegas”, “Sweet Tooth”, etc.) como en producciones para la gran pantalla (“Contagio”, “Mad max”, “Hijos de los hombres”, etc.).

No os vamos a engañar, la idea que algún día, como humanidad, nos cargaremos el mundo, parece cada vez más clara, ya sea después de una pandemia, tras una explosión nuclear o simplemente por eso que algunos se empeñan en negar, el agotamiento o cambio climáticos.

Hoy en este rincón os comentaremos una película estrenada en 2007 que adaptaba una novela homónima que Richard Matheson publicó en 1954, os estamos hablando de “Soy leyenda”.

“Soy leyenda” empieza desplazándonos a la ciudad de Nueva York un día de 2009, cuando entre noticias de índole deportivo, el noticiario de hace eco de que, tras el éxito de la doctora Krippin creando una cura para el cáncer modificando el virus del sarampión, resulta que, en algunos casos, este virus ha mutado provocando una pandemia.

Al poco de este anuncio, el ejército toma el control de la ciudad de Nueva York para aislarla del resto del país dejando en ella a los infectados. Justo en el momento de llevar a cabo el aislamiento conocemos al virólogo y teniente coronel Robert Neville (a quien da vida Will Smith) quien saca de la isla a su esposa y su pequeña hija.

Tres años después de esto, nos encontramos con Neville en una ciudad desolada y desértica. El virus que provocó la pandemia infectó a la mayoría de los humanos y animales del mundo provocando que se conviertan en una especie de vampiro o zombi extremadamente violento y altamente vulnerable a los rayos del sol.

Neville, inmune al virus que ha causado el desastre y su perra Samantha, una bella pastora alemana que solo puede contagiarse por mordida tienen una vida de lo más rutinaria, cada día es igual al anterior, Neville destina su tiempo a investigar curas del virus y tras ello, sale de casa con Sam a buscar suministros vitales (cazar, encontrar conservas, etc.) antes de volverse a encerrar en su casa al anochecer cuando la ciudad es invadida por monstruosos ruidos y gritos.

También, cada mediodía, mientras está en el puerto jugando al golf, emite por radio varios mensajes grabados ofreciendo su ayuda a cualquier otro posible superviviente.

Mientras vemos sus tímidos avances en la cura del virus, vamos descubriendo a modo de flashback lo que sucedió con su familia, el dramático avance de los contagiados, los descubrimientos sobre los mismos, etc.

Un día, Neville consigue una cura que parece funcionar en ratones, por tanto, el siguiente paso sería inocularlo a un contagiado por lo que, debe salir a la caza de uno lo cual consigue enfadando y mucho al líder de la colmena de donde lo caza.

Sam y Neville en "Soy leyenda"

Preso de la emoción, prueba la cura con el contagiado y aunque no lo mata tampoco parece curarlo. A los pocos días, Neville cae en una de sus trampas lo cual provoca el ataque de tres perros infectados enviados por el líder de la colmena que parece perseguirle. El ataque se salda con profundas heridas a Sam la cual, pese a los esfuerzos de Neville y la inoculación de la cura, acaba muriendo.

Desesperado por su soledad, Neville lanza un ataque desesperado contra la colmena y cuando está a punto de morir, es rescatado por Anna y su hijo Ethan quienes al igual que él, son inmunes al virus. Los tres se dirigen a casa del doctor donde este es curado antes del furibundo ataque de los miembros de la colmena, aunque eso, como ya os podéis imaginar, no os lo contaremos aquí.

Argumentalmente, como ya habéis visto, “Soy leyenda” parte de una gran premisa, la supervivencia de la humanidad cuando sobre la tierra casi se ha extinguido y para conseguirlo, hay que encontrar la cura de un extraño virus que años atrás se creó en un laboratorio. Pese a esto, “Soy leyenda” flaquea un poco en su guion cuando este, es incapaz de hacernos empatizar con su gran protagonista, el doctor Neville, quien casi nunca sabemos lo que piensa o como se siente (solo cuando pierde a Sam), provocando esto que, por momentos la película pierda interés y llegue a aburrir.

Técnicamente, en “Soy leyenda” nos encontramos con una de cal y otra de arena, mientras la recreación de la isla de Manhattan arrasada, sin vida y desértica es realmente espectacular, la parte referente a los infectados deja bastante que desear ya que se pintan en todo momento como personajes grises y sin definición, es decir que, por momentos parece que estamos viendo imágenes digitales sin demasiada definición, ni en el movimiento, ni en las luchas.

Interpretativamente hablando os diremos que, Will Smith (el encargado de dar vida al doctor Neville) realiza un gran trabajo dando vida a su personaje, de hecho, bajo nuestro punto de vista es él quien, con su trabajo da el punto extra a “Soy leyenda” para que no sea una película más, aunque, la falta de definición del mismo, por momentos, le pesa en su contra.

No os diremos que “Soy leyenda” sea una película mala, porque no lo es, lo que os diremos es que, con la historia que tiene entre manos podría haberse hecho algo mucho mejor. Nosotros, la vemos un poco, como una oportunidad perdida para darle una vuelta al tema de la modificación genética y sus consecuencias.

Por todo lo que os hemos contado, nuestra nota final para “Soy leyenda” es de un 7 sobre 10.

Título original: “I am legend” – 2007 – USA

Dirigida por: Francis Lawrence

Duración: 100 minutos

Género: Ciencia ficción, Terror, Acción.

 

Instintos ocultos (2021) crítica y análisis

Desde que a mediados del pasado siglo XX el escritor británico William Golding lanzara su novela más exitosa, y por la que se le recuerda, “El Señor de las Moscas” (“Lord of the flies”), son decenas las varias las adaptaciones al cine e incontables las influencias que ha tenido tanto en el séptimo arte como en series de televisión, y no es para menos ya que, ha sido leída por millones de personas, transmitiendo así, su potente moraleja.

Sí, siguiendo sus propias vivencias en la Marina, Golding plasmó en su obra como un grupo de niños tenías que sobrevivir en solitario en una isla desierta, enfrentarse en solitario a peligros, crecer y hacerse adultos y sobre todo, organizarse como sociedad adaptando roles y responsabilidades.

Hoy, en este rincón, os hablaremos de una película estrenada con muy poco éxito en 2021 que, pese a no tener nada que ver con “El Señor de las moscas”, muy pronto le sacareis paralelismos, os hablamos de la cinta de ciencia ficción “Instintos ocultos” (“Voyagers”).

Sinopsis de Instintos ocultos

“Instintos ocultos” empieza desplazándonos a un futuro relativamente cercano, 2063, con una Tierra devastada por el cambio climático y con la apremiante necesidad de encontrar un nuevo lugar donde vivir. Dicho lugar fue encontrado años atrás, pero tiene un gran problema, con la tecnología del momento, el viaje duraría 86 años, una duración inasumible para cualquier humano.

Con el fin de solucionar este pequeño problema, son llevados a la vida 30 niños gestados con tecnología in-vitro y mezclando sus genes con grandes genios. Los pequeños son criados en un complejo sin contacto con el resto de unidad, con el único objetivo de, cuando tengan una edad mínimo emprenderán el viaje al nuevo mundo con la vida programada para que, sus nietos lleguen a destino.

Cuando la misión está a punto de lanzarse, el educador y comandante Richard (Colin Farrell) decide apuntarse a la misión dejando todo lo que tiene en la Tierra para acompañar y ayudar a los pequeños los primeros años.

Con el fin de optimizar recursos, se estipula que los niños se reproducirán “in-vitro” cuando tengan 24 años y sus hijos también, a la misma edad.

Diez años más tarde con los niños que ya han dejado la adolescencia, dos chicos, Christopher (Tye Sheridan) y Zac (Fion Whitehead) descubren que “la misión” les está controlando con una extraña sustancia química que, una vez analizada, descubren que les inhibe sexualmente y les mantiene tranquilos y dóciles. Obviamente abandonan su toma.

Poco después, Christopher y Richard deben salir al exterior de la nave para reparar la comunicación con la Tierra. Durante dicha misión, Richard muere, aparentemente atacado por un extraño ente que además provoca un incendio que daña varios sistemas de la nave.

Todo esto provoca que, siguiendo las instrucciones de la misión, los jóvenes escojan un nuevo líder, que resulta ser Christopher provocando la furia de Zac quien insta al resto a dejar de tomar la sustancia que les controla. Todo esto provoca que, a los pocos días, toda la tripulación saque a relucir su lado más salvaje, o por decirlo de otra forma, más primitivo.

Zac y Christopher protagonizan uno de los momentos más tensos de Instintos ocultos.

Separados en dos grupos antagónicos, los de Zac se dedican a vivir la vida en todo su esplendor, sembrando el miedo sobre lo que mató a Richard, mientras que el grupo de Christopher, mucho más tranquilo, se dedica a intentar reparar la nave mientras descubre que es lo que realmente acabó con la vida de Richard, algo que nadie en la nave puede sospechar, pero que, nosotros nos guardaremos celosamente.

Crítica de Instintos ocultos

Técnicamente os diremos que, “Instintos ocultos” (o “Voyagers”) nos ha dejado muy fríos ya que, aunque creemos que no acaba de funcionar en casi ninguno de sus apartados. Para empezar, estamos antes una cinta de ciencia ficción pero a la vez, carece de varias de las características que la podrían definir, no tiene despliegues técnicos (en todo momento vemos que estamos en un estudio de cartón-piedra), no tiene giros argumentales que nos sorprendan y para colmo, no tiene ni la suficiente acción, ni drama ni suficiente comedia para enganchar al espectador.

Argumentalmente nos encontramos con una cinta que, pese a que empieza fuerte presentándonos un experimento tan espeluznante como sorprendente, este empuje pierde fuelle a medida que pasan los minutos y acaba con la muerte de Richard. A partir de este momento “Instintos ocultos” pierde el norte, centrándose exclusivamente, en los instintos ocultos (la violencia, el poder, el sexo, etc.) de los jóvenes.

Reparto y actuaciones

En el apartado interpretativo, pues un poco más de lo mismo, no son malas interpretaciones, pero ninguna de ellas tiene ni una pizca de magia, parece que se han mimetizado con el entorno, tan frio y aséptico que podría estar grabada en un hospital.

Opinión y nota final

En definitiva, en el equipo creemos que “Instintos ocultos” es una oportunidad perdida de centrarse en las cosas interesantes que nos proponía, la organización social, las dudas existenciales, la vida en el espacio, etc., para buscar un drama centrado en la acción que para nada funciona ni era necesaria

Por todo lo que os hemos contado, nuestra nota final para “Instintos ocultos” es de un 4.5 sobre 10.

Ficha técnica de Instintos ocultos

Título original: Voyagers

Año: 2021

Director: Neil Burger

Duración: 108 minutos

Género: Ciencia Ficción, thriller

Gremlins (1984), una película de culto

Cinematográficamente hablando, la pasada década de los 80 del pasado siglo XX fue, una década dorada para la industria del cine. Esos años, Hollywood dispuso de toda una cantera de genios (fogueados durante década anterior): Steven Spielberg, George Lucas, Coppola, Scorsese...

Los 80’s fueron unos años donde el cine de aventuras, de magia y de fantasía tuvieron su esplendor, marcando la infancia de muchísimos de sus espectadores o si no, pensad ¿quién no se acuerda de E.T., de los ”cazafantasmas”, de los “Gremlins” o incluso del intrépido Indiana Jones?

Son personajes que sí o sí, forman parte de nuestras vidas y para muchos de aquellos que han venido atrás, consiguiendo por sus historias (gráficamente sufren bastante más) mantenerse más que sólidas, aunque la mayoría tengan más de 30 años.

Hoy en este pequeño rincón os hablaremos de una de esas películas, producida por el equipo de un Spielberg en estado de gracia, en 1984 llegó a nuestras pantallas una cinta con un personaje entrañable, “Gremlins”.

“Gremlins” empieza presentándonos a Randall Peltzer, un inventor con una gran imaginación, aunque con escaso éxito (y talento con las manos). Randall, intentando vender uno de sus productos acaba sumergiéndose en lo más profundo del Chinatown neoyorquino.

En la tienda del Sr. Wing, Randall descubre una criatura curiosa, un pequeño y adorable ser peludo que canta. Preso de la emoción, intenta comprar la criatura por una buena cantidad de dinero. Pese al rechazo inicial, finalmente consigue comprar a Mogwai (así se llama el pequeño ser), no sin antes, eso sí, escuchar tres normas que deberá cumplir:

• No mojar ni dar nunca agua a Mogwai.
• Nunca debe exponer a Mogwai a la luz del sol o luces brillantes.
• Y nunca, nunca, Mogwai debe comer pasada la medianoche.

Mogwai se convierte en el regalo de navidad para su hijo Billy quien lo bautiza como Gizmo. A las primeras de cambio Billy descubre que Gizmo es un ser con una gran inteligencia. Todo va como la seda hasta que Pete, un amigo de Billy, le echa accidentalmente agua al pequeño, saliendo de él cinco bolas peludas que, a los pocos segundos se convierten en Mogwai.

Gizmo viendo en que se convierten los Gremlins

A diferencia de Gizmo, las nuevas criaturas muestran enseguida agresividad, tanta que, capitaneados por un Mogwai con un mechón de pelo blanco (al que Billy bautiza como Stripe), rompen el reloj a Billy y le convencen para comer pasada la medianoche. El resultado resulta ser una conversión de los Mogwai en una especie de monstruos que arrasan con todo, los Gremlins (criaturas de naturaleza maligna).

Por suerte, entre Billy y su madre matan a todos los Mogwai convertidos menos a Stripe, el cual escapa para refugiarse en un polideportivo donde, sin planteárselo dos veces, se lanza la piscina creando un auténtico ejercito de Gremlins.

¿Conseguirá Billy deshacerse del ejército de Gremlins antes de que acaben con la ciudad? Como ya sabéis, aunque lo sabemos, nos quedaremos la respuesta a esta pregunta y algunas más.

Para empezar con nuestra visión más técnica, nos gustaría remarcar el gran trabajo realizado tanto por el equipo de guionistas como del propio director (Joe Dante) ya que, entre todos consiguieron con esta película que, lo que hubiese podido ser una película de terror bastante gamberra, se convirtiera en una película familiar que gusta tanto a los que buscar elementos achuchables como a los más salvajes.

También cometeríamos una injusticia si no remarcáramos el gran trabajo del equipo de efectos especiales de “Gremlins” ya que, sin los recursos de animación actuales se consiguió dar vida a cientos de asquerosos (aunque ciertamente graciosos) bichos con un alto poder destructivo. Lo consiguieron con una tecnología muy común en la época (Spielberg era un auténtico maestro en ella) llamada animatrónica (una mezcla entre robótica y marionetas para dar sensación de realidad). Es evidente que, vista ahora, el tiempo no ha pasado en balde, pero el esfuerzo está allí.

En cuanto al apartado interpretativo os diremos que, pese a no disponer de un casting malo, tampoco es lo que más luce en “Gremlins”, aunque no dejaremos esta crítica sin destacar el buen trabajo de diseño de los personajes ya que, acabamos la cinta conociendo y queriendo tanto al inventor fallido Randall Peltzer como a su sufrido hijo Billy que lucha, codo con codo, con su novia contra los Gremlins así como también el conspiranoico señor Futterman.

No nos vamos a extender mucho más, “Gremlins” es casi una película de culto, una de esas cintas que, tarde o temprano hay que ver y porque no decirlo, disfrutar, como mínimo una vez en la vida.

Por todo lo que os hemos contado, nuestra nota final para “Gremlins” es de un 7.5 sobre 10.

Título poriginal: “Gremlins” – USA – 1984

Dirigida por: Joe Dante

Duración: 111 minutos

Género: Fantástico, Comedia, Terror

El Hoyo (2019), crítica y análisis

Hay películas que llegan a tu vida por sorpresa y por sorpresa se quedan en ella casi sin pedir permiso. La película que os contaremos hoy en este pequeño rincón pertenece a este grupo ya que, pese a haber conseguido varias nominaciones en los “premios Feroz”, en los “premios Goya” y llevarse el premio a la mejor película (y tres premios más) en el “Festival de Sitges 2019”, no ha llegado ni a la distribución en salas de cine ni ha tenido grandes campañas de  publicidad.

Por suerte, la plataforma de streaming Netflix se hizo con sus derechos de emisión y el pasado viernes 20 de marzo, en medio de la cuarentena y aislamiento por el Covid-19 se estrenó y nosotros, siguiendo la campaña #MeQuedoEnCasa nos dispusimos a verla, os estamos hablando de la cinta española “El Hoyo”.

“El Hoyo” empieza presentándonos a su protagonista, Goreng (a quien da vida Iván Massagué) quien despierta en un camastro en una habitación presidida por un gran agujero en el centro. Confundido y medio aturdido observa que al otro lado de la habitación hay un señor sentado en otro camastro, se trata de Trimagasi (interpretado por Zorion Eguileor).

Los primeros minutos del metraje son esenciales para entender dónde están Goreng y Trimagasi, una especie de prisión futurista donde además de haber algunos criminales cumpliendo su condena, hay también ciudadanos que buscan algún favor de las instituciones.

La prisión donde están se llama “El Hoyo” y es una curiosa construcción organizada en vertical donde, en cada nivel hay dos presos con sus camastros, un agujero y un pequeño grifo. Trimagasi, un poco a desgana, le cuenta a Goreng cuál es el funcionamiento de “El Hoyo”, en el que, según le cuenta hay tres tipos de personas, las de arriba, las de abajo y las que se tiran por el agujero.

Los presos no tienen nada más que hacer en su nivel que pensar, luchar por su vida y esperar a que baje por el agujero central de la sala, una plataforma con todo tipo de manjares de donde podrán comer mientras la plataforma esté en su nivel.

A Goreng la comida que llega a su nivel le da asco ya que, está totalmente manoseada y destrozada por los presos que tiene en niveles superiores. Sí, la comida que baja por la plataforma es para todos los presos, por lo que, cuando más abajo estés, menos comida recibirás.

Trimagasi, un experto en “el Hoyo” le recomienda que coma, aunque le de asco, pues, aunque puede estar un tiempo sin comer, no sabe en qué nivel aparecerá el próximo mes (el primer mes está en un buen nivel, sobre el 40 aproximadamente).

El siguiente mes la situación se complica ya que, aparecen por debajo del nivel 100 y Goreng aparece atado en la cama. Le ha atado Trimagasi por que pretende comérselo (sin llegar a matarlo) unos días más adelante. Goreng descubre el por qué de esta decisión al observar que la plataforma les llega totalmente vacía. Por suerte, algo sucede y aunque herido, quien acaba el mes es Goreng.

Los protagonistas comiendo, en los niveles donde pueden

El siguiente mes vuelve a subir niveles y se encuentra con un nuevo compañero, Imoguiri (a quien da vida Antonia San Juan). Con ella, un nuevo mundo se le abre a Goreng, el de la concienciación ¿por qué no intentar convencer a los presos de los niveles inferiores que coman lo mínimo para que la comida llegue a los de más abajo? Como ya os podéis imaginar, el egoísmo de la gente lo impide sin remedio.

Un mes más tarde, Goreng despierta en un nivel tan bajo que Imoguri se ha suicidado para que uno de ellos sobreviva. El siguiente mes todo cambia de nuevo ya que, Goreng aparece en el glorioso nivel 6 y se encuentra con Baharat (Emilio Buale), un hombre dispuesto a intentar llegar a toda costa al nivel 5 aunque al final, acaba aceptando una curiosa propuesta de Goreng... Bajar repartiendo la comida por todos los niveles y volver a subir después en la plataforma, ¿lo conseguirán? Como es obvio, ya sabéis nuestra respuesta: nosotros lo sabemos, pero no os lo contaremos aquí.

Lo que sí os contaremos es nuestra visión de “El Hoyo” y lo haremos empezando por su apartado más técnico. En este sentido nos gustaría resaltar el enfoque social que le da Galder Gaztelu-Urrutia, el director de “El Hoyo”, organizando la prisión en un sistema de niveles, igual que la sociedad, donde las castas superiores se ríen de las inferiores y todas demuestran algo innato en el ser humano, su egoísmo, su afán por comer hasta reventar sin pensar que más abajo puede haber gente muriéndose de hambre, aunque todos en algún momento han estado abajo sin poder comer.

“El Hoyo” con su magnífica fotografía, su más que acertado metraje (poco más de una hora y media) combina sabiamente la violencia desmedida (matar o morir, en algunos niveles no hay más remedio) con la reflexión social o incluso política. Sin lugar a dudas todo un acierto de Gaztelu-Urrutia en esta, su Opera Prima.

Desde el punto de vista interpretativo nos gustaría remarcar el trabajo de casi todos sus intérpretes ya que, todos están brillantes provocándonos esos dos sentimientos tan contrapuestos como son el sufrimiento y el odio por sus acciones para sobrevivir. Con todo, nuestro aplauso especial de esta crítica va en especial, para Iván Massagué y Zorion Eguileor. Perfecta su elección para protagonizar “El Hoyo”.

Por todo lo que os hemos contado, nuestra nota final para “El Hoyo” es de un 8 sobre 10 y os la recomendamos, aunque como es obvio, no es para todos los públicos.

Titulo original: “El Hoyo” - 2019 - España

Dirigida por: Galder Gaztelu-Urrutia

Duración: 94 minutos

Género: Ciencia Ficción, Thriller 

Ex Machina (2015), crítica y análisis

Desde que a mediados del pasado siglo XX empezaran publicarse y a tener cierta popularidad las obras Isaac Asimov, el maestro de ciencia ficción, la industria del cine descubrió un auténtico filón para llenar sus arcas a la par que divulgaba al gran público las cavilaciones y teorías del escritor y profesor de bioquímica.

Aunque en numerosas ocasiones se ha aprovechado el campo de la ciencia ficción para dar rienda suelta a los efectos especiales, los cromas imposibles y a espectáculos difíciles de justificar, de vez en cuando aparece en nuestras carteleras un título que vuelve a poner este maltratado género donde realmente le corresponde.

Uno de estos títulos llegó a nuestras carteleras en 2015, y no lo hizo desde la meca del cine, sino que lo hizo desde el Reino Unido. Sí, hoy en este pequeño rincón os hablaremos de la película: “Ex Machina”.

“Ex Machina” empieza situándonos en un entorno totalmente tecnológico, en una de las salas de programación de la empresa Bluebook, propietaria del motor de búsqueda más popular del mundo. En esa sala nos encontramos con el joven programador Caleb (a quien da vida Domhnall Gleeson), quien para su sorpresa es agraciado con el premio gordo de un sorteo que organiza la empresa, como recompensa pasará una semana a solas con Nathan (Oscar Isaac) el excéntrico presidente de la compañía en su centro de investigación particular en las montañas de Alaska.

La llegada de Caleb a la mansión de Nathan no puede ser más sorprendente, ya que la mansión parece un bunker, con férreos controles biométricos de seguridad y en el que únicamente vive el multimillonario magnate, un hombre solitario y controlador obsesionado en su último gran proyecto, en el que pretende implicar a su invitado, del que espera que le ayude a determinar si una máquina de su invención tiene o no inteligencia.

Cuando Caleb acepta, Nathan le presenta al robot en cuestión, se trata de Ava (a quien da vida Alicia Vikander), un androide con bellísimos rasgos femeninos. En su primer encuentro, Caleb y Ava quedan encerrados en la acristalada habitación (convenientemente video-vigilada por Nathan), como si se trataran de los originales Adán y Eva.

Con el paso de las sesiones, Ava y Caleb van cogiendo confianza, Ava le hace dibujos, le pregunta por el exterior, por los sentimientos (le pregunta si considera Nathan su amigo, reprochándole a Caleb su afirmativa respuesta), por sus ilusiones, etc. Caleb pronto empieza a sentirse atraído por ella.

Como es evidente, la historia entre Caleb, Ava y Nathan se complica, aunque como también es evidente, en este rincón no os lo contaremos, pues dicha complicación forma parte del sorprendente desenlace de “Ex Machina”.

Ava y Caleb, los protagonistas de "Ex Machina"

Técnicamente os diremos que “Ex Machina” nos ha sorprendido y mucho, pues ha conseguido, en base a una historia de ciencia ficción, crear un auténtico rompecabezas argumental donde cada uno de los tres personajes de la historia tiene tanto sus momentos de protagonismo, como sus momentos de secundario. También nos gustaría destacar de “Ex Machina” dos puntos más donde fallan muchas otras películas, el primero de estos puntos son los constantes giros argumentales (necesarios, bien montados y bien resueltos) y el otro punto, los diálogos entre los protagonistas, los cuales provocan la reflexión del espectador sobre los derechos, las libertades, los límites de la experimentación y haciéndole plantear las diferencias entre humanos y máquinas. Sin lugar a dudas, un cúmulo de grandes aciertos para el debutante Alex Garland.

Otro de los grandísimos aciertos de “Ex Machina” es su casting, tan corto en cantidad como brillante en calidad. Los tres protagonistas principales están realmente espléndidos, aunque para los miembros de este equipo destacan: Domhnall Gleeson dando vida al genio-ingenuo Caleb y la maravillosa Alicia Vikander quien consigue superar la frialdad de su personaje, Ava, para hacer que consigamos empatizar con ella en la búsqueda de su propia vida u existencia.

“Ex Machina” es una de esas películas que supera el límite de los géneros cinematográficos mezclando varios géneros con el objetivo hacernos pensar, consiguiendo además que permanezca en nuestro cerebro. Por todo ello, nuestra nota final para “Ex Machina” es de un 8 sobre 10.

Título original: “Ex Machina” – Reino Unido – 2015

Dirigida por:  Alex Garland

Duración: 108 minutos

Género: Ciencia Ficción, Thriller, Drama

Interestelar (2014), crítica y análisis

Hablar de Christopher Nolan es hablar de cine en mayúsculas, es hablar de un cine que no deja indiferente a nadie, o lo amas o lo odias ya que en todas sus películas las reflexiones sobre la identidad, el honor y otras preocupaciones humanas se mezclan en complejas estructuras con la ciencia ficción, los sueños y las múltiples dimensiones para crear un cine estimulante y adictivo a partes iguales.

Hoy, en este rincón os queremos hablar de una cinta de Christopher Nolan de 2014, la aclamada tanto por crítica como por público: “Interestelar”.

“Interestelar” empieza situándonos en un futuro relativamente próximo, a mitades del siglo XXI, en una maltratada Tierra la cual, después de múltiples epidemias sólo puede producir maíz, por tanto la supervivencia de la humanidad está en claro riesgo. En una vieja granja nos encontramos a Joseph Cooper (Matthew McConaughey) un expiloto de la NASA e ingeniero que dirige su plantación de maíz con el padre de su difunta esposa, y sus dos hijos, Tom y Murph.

Un día, después de uno de las constantes tormentas de arena, Murph, quien cree que en su habitación hay un poltergeist, encuentra en el suelo unas extrañas marcas que pronto Cooper las interpreta y descubre que se trata de un sistema de coordenadas. Esa misma noche, Cooper y Murph siguen esas coordenadas y encuentran una instalación secreta de la NASA dirigida por un exprofesor de Cooper, el Dr. Brand (Michael Caine).

Después de explicarles los proyectos en los que están, el Dr. Brand acaba reclutando a Cooper para una misión especial en el espacio, guiar la nave Endurance a través de un agujero de gusano descubierto años atrás cerca de Saturno, con el objetivo de investigar la idoneidad de tres planetas descubiertos en misiones previas, para albergar un nuevo destino para la humanidad.

En la Endurance viajarán además de Cooper, los científicos Morilly, Doyle y Amelia (Anne Hathaway) la hija de Brand. Dos años después de su partida llegan a Saturno desde donde, Cooper al mando, la Endurance cruza el agujero de gusano para encontrarse de inmediato con el primer planeta de su lista, el cual han bautizado con el nombre de su descubridor, Miller.

Miller tiene dos particularidades, es un planeta oceánico y se encuentra tan cerca de un agujero negro supermasivo (al que llaman Gargantúa) que tiene una anomalía temporal: cada hora en superficie son siete años terrestres. Doyle, Amelia y Cooper bajan a la superficie, y pronto se dan cuenta que sólo hay restos de la primera expedición. Después de un accidentado regreso, se dan cuenta que han tardado más de tres horas… 27 años terrestres.

Murph ha dejado de ser una niña y trabaja con el Dr. Brand. De hecho, es quien le notifica a Amelia que su padre ha fallecido. En la nave tienen que tomar una decisión, ya que no tienen suficiente combustible para llegar a los tres planetas. Contra la opinión de Amelia, la tripulación escoge visitar el planeta de Mann ya que de allí continúan recibiendo la señal del primer equipo.

Cooper observando el planeta de Mann en Interstellar

Mann es un planeta congelado aunque al contrario de lo que piensan, según Mann (Matt Damon) a quien despiertan, es habitable en una zona del mismo donde no hay amoníaco en el aire. De mala manera, descubren que Mann les miente cuando intenta dejarles en el planeta y robarles la Endurance. En una complicada maniobra, Romilly es asesinado y una bastante deteriorada Endurance queda de nuevo, en manos de Cooper y Amelia.

Sin tiempo que perder, Cooper y Amelia deben decidir qué hacer, o intentan un regreso a la tierra, o se propulsan sin regreso hacia el tercer planeta, llamado planeta de Edmunds. Como es evidente, nosotros sabemos que deciden, pero como también es evidente, no os lo contaremos aquí, más bien al contrario, os animamos a que busquéis y veáis “Interestelar”.

Técnicamente “Interestelar” es una cinta brillante, con un argumento perfectamente trabajado que entrelaza como pocos una cantidad ingente de teoría científica con una potente historia de amor y un deseo de encontrar un nuevo planeta donde la humanidad pueda vivir, y todo acompañado por una banda sonora (llevada a cabo por Hans Zimmer) que encaja a la perfección en cada una de las escenas. Simplemente brillante.

Desde el punto de vista interpretativo, nos encontramos con un excelente trabajo de sus dos actores principales, Matthew McConaughey y Anne Hathaway quienes son capaces de hacernos vibrar en las secuencias de acción y enternecer con sus historias de amor hacia quienes han dejado en la tierra. Sin lugar a dudas, sin sus trabajos “Interestelar” no hubiese sido lo mismo. En cuanto al resto de casting, simplemente os diremos que realizan unos trabajos más que convincentes ayudando así al brillante resultado final.

Para los miembros de este equipo, “Interestelar” es sin lugar dudas una de las mejores películas que hemos visto los últimos años, y sentimos una gran pena por no haber podido disfrutarla en un cine, con todo, os la recomendamos totalmente. Por todo lo que os hemos contado, nuestra nota final para “Interestelar” es de un 9 sobre 10.

Título original: “Interstelar” – USA – 2014

Duración: 169 minutos

Dirigida por: Christopher Nolan

Género: Ciencia ficción, Drama, Aventuras.