Palmer (2021), crítica y análisis

Hay personas que aprenden demasiado jovencitos que ser uno mismo, a veces, puede doler mucho. Que mostrar lo que sienten, lo que les gusta o cómo se reconocen ante el mundo y su propio círculo despierta miradas incómodas, burlas o silencios que duelen más que cualquier palabra. La identidad de género, especialmente en la infancia, no suele vivirse como una opción libre, sino como un territorio vigilado donde cualquier gesto fuera de “lo normal” parece necesitar una explicación.

El derecho a ser uno mismo no debería implicar en ningún caso valor, y sin embargo muchas veces lo exige. Vestirse, jugar o expresarse de una manera auténtica puede convertirse en un acto de desafío cuando el entorno responde con rechazo o miedo. La inclusión, entonces, deja de ser algo abstracto para convertirse en algo urgente y profundamente humano: la necesidad de no ser juzgado y de ser acompañado en vez de corregido.

La película “Palmer” (2021) parte de esa herida silenciosa. No nos habla sólo de identidad, nos habla también de la soledad que provoca no encajar y del alivio que supone encontrar a alguien dispuesto a proteger tu derecho a existir tal y como eres. La película no nos brinda grandes discursos, pero sí algo muy poderoso: la certeza de que a veces basta una sola persona que escuche y cuide para que el mundo deje de ser un lugar hostil.

"Palmer" comienza presentándonos a su protagonista, Eddie Palmer (Justin Timberlake), una antigua estrella del fútbol americano universitario que acaba de salir de prisión tras cumplir una condena de doce años por robo e intento de asesinato. De vuelta a su pueblo natal, intenta rehacer su vida en casa de su abuela Vivian, quien cuida ocasionalmente de Sam (Ryder Allen), el hijo de su vecina Shelly, una mujer con graves problemas de adicción. Sam es un niño tan extrovertido como singular: le gustan los vestidos, las princesas y las fiestas de té.

Tras varios intentos fallidos de encontrar trabajo, Palmer consigue empleo en la escuela local como ayudante del conserje. Poco después, el abandono de Shelly y la repentina muerte de Vivian lo obligan a asumir, a regañadientes, la tutela legal y temporal del pequeño Sam.

Aunque al principio la relación entre ambos es distante, poco a poco se va estrechando, especialmente cuando Palmer inicia una relación con Maggie, la profesora de Sam. Sin embargo, la aparente calma se quiebra cuando el niño regresa un día de casa de un amigo llorando, con el rostro manchado de maquillaje, dejando entrever la hostilidad del entorno hacia su forma de ser.

Al comienzo, Palmer piensa que ha sido un amigo de Sam, pero al final descubre que, quien se lo ha hecho ha sido un adulto, Daryl, un antiguo amigo suyo. Preso de la cólera, Palmer busca a Daryl y lo golpea lo cual, junto con el regreso de Shelly, acaba provocado que Sam acabe en custodia de los Servicios de Protección Infantil.

Sin tiempo que perder y con la ayuda de Maggie, Palmer intenta recuperar la tutela del niño. No obstante, Sam acaba regresando con su madre y con la pareja de esta, un hombre violento y con graves problemas de adicción. Cuando la situación degenera en un nuevo episodio de violencia, Palmer interviene y se lleva al pequeño, empujando la historia hacia su punto de no retorno.

Palmer y Sam fortalecen su relación en una escena clave de la película Palmer

Como es de esperar, este gesto precipita el desenlace de la película, un tramo final que preferimos no desvelar.

Una de las cosas que más nos han gustado de “Palmer” es el enfoque que le ha dado su director, Fisher Stevens. Sin estridencias ni alardes técnicos, consigue un trabajo sobrio y respetuoso con unos intérpretes que logran que el espectador centre su atención en las relaciones humanas. Por momentos, la película se percibe más cercana al cine independiente que al comercial. Con todo, en este apartado se echa en falta una exploración más profunda de la psicología de los personajes, especialmente la del protagonista.

En cuanto al guion, “Palmer” nos ha parecido sólido en el tratamiento de temas tan sensibles como el género, la paternidad no convencional o los prejuicios, abordados con empatía y honestidad, sin caer en el amarillismo. Sin embargo, peca de una excesiva previsibilidad y de la ausencia de giros narrativos más profundos, especialmente en el desarrollo de la relación entre Palmer y el niño.

El montaje mantiene un ritmo correcto y fluido, aunque por momentos resulta pausado y reflexivo. Aun así, la coherencia se sostiene durante todo el metraje, incluso en aquellos pasajes en los que el clímax emocional alcanza sus momentos más intensos.

En el apartado interpretativo, destaca el trabajo de Justin Timberlake, que da vida a Palmer con un registro contenido y creíble, sin perder nunca la humanidad del personaje. Del mismo modo, el joven Ryder Allen sobresale en el papel de Sam, sosteniendo gran parte del peso emocional de la película con una naturalidad y soltura superiores a lo esperado.

Por todo lo que os hemos contado, nuestra nota final para "Palmer" es de un 7 sobre 10.

“Palmer” – USA – 2021

Dirigida por: Fisher Stevens

Duración: 110 minutos

Género: Drama

El poder del perro (2021), crítica y análisis

Hay géneros cinematográficos explotados hasta la extenuación, los musicales, los westerns, las comedias de adolescentes, los superhéroes, etc., en la mayoría de ellos, parece que, a veces, desaparecen durante un tiempo de las carteleras y después, reaparecen con fuerza y nuevas ideas.

Pasó con los musicales clásicos (recordemos que la llegada de “La la land” resultó ser todo un revulsivo y renacimiento del género), pasó con los superhéroes (donde cuando apretó Marvel, llegó a saturar las salas de cine) y puede pasar ahora con el western, un género que, no nos engañemos, parecía que ya nos lo había contado todo llenando tardes de sábado con sus típicas “vaqueradas”, pero no, resulta que aún es posible conmovernos y hacernos pensar con un western.

Cuando uno piensa en un western, enseguida le vienen a la cabeza imágenes de hombre rudos, ganado por todas partes, disparos y mucho polvo, pero ¿por qué no puede haber mucho más? Como, por ejemplo, lo que intentó contarnos “Brokeback mountain”.

A finales de 2021 y después de pasar, con éxito, por festivales de cine tan importantes como los de Venecia, Donostia o Toronto, llegó al catálogo de la plataforma de streaming Netflix la cinta: “El poder del perro”.

“El poder del perro” empieza desplazándonos al lejano oeste durante el primer cuarto del pasado siglo donde nos encontramos a dos hermanos, Phil y George Burbank (interpretados por Benedict Cumberbatch y Jesse Plemons respectivamente), dos vaqueros que guían el ganado para volver a su casa.

En el camino, los hermanos Burbank y su equipo pasan por la posada que regenta la viuda Rose (Kirsten Dunst) ayudada por su hijo Peter (Kodi Smit-McPhee), un chico de apariencia frágil y muy poco varonil. Durante la comida, Phil es tremendamente cruel con Peter haciendo que su madre, una mujer de buenos modales acabe llorando. Avergonzado por la situación, George apoya a Rose ayudándola en el local.

Con el paso de los días, y contra la voluntad de Phil, George y Rose se enamoran y se casan, mudándose al rancho familiar de los Burbank. Sintiéndose rechazado por su hermano, Phil se enfrenta cada vez que puede a Rose haciendo que esta, poco a poco se dé a la bebida.

Un día de verano, después de la vuelta de Peter de la escuela, donde pretende estudiar para médico, encuentra un escondrijo de Phil y en él, una caja con revistas con hombres desnudos. A escasos metros el chico descubre a Phil bañándose desnudo en el río con el pañuelo del que fue su mentor “Bronco Henry”.

Poco después del encontronazo en el río, Phil entabla una especie de amistad con Peter enseñándole a montar y prometiéndole que le regalará la cuerda trenzada de cuero crudo que está haciendo.

Phil, acercándose y conversando con Peter

Durante uno de sus paseos a caballo descubre algunas reses muertas lo cual, despierta la curiosidad del joven. Como le indica Phil, a veces es por los lobos y otras por una extraña enfermedad en la piel del animal.

La vida en el rancho continúa, con una Rose cada vez más borracha (incluso llega a intercambiar con unos indios todas las pieles de Phil por un par de guantes) y un Phil cada vez más cercano a Peter, aunque como ya os podéis imaginar, ha llegado el momento de deciros que, “hasta aquí lo que os podemos contar del argumento de ‘El poder del perro’”.

No os vamos a engañar, técnicamente “El poder del perro” nos ha sorprendido y mucho, tanto por temática como por el sorprendente desenlace que tiene ya que, si bien hasta la casi medio hora final la película discurre tranquila contándonos toda la historia, durante la recta final, “El poder del perro” coge ritmo y da un giro total a lo que uno esperaba.

En este sentido remarcar que, el montaje de “El poder del perro” es realmente acertado ya que, sin apenas darnos cuenta, nos va soltando pequeñas pistas que, al final nos encajarán todas a la perfección dando sentido a una película que, sin lugar a dudas puede ser una de las grandes de este 2021.

Otro de los grandes aciertos de “El poder del perro” está en la forma como, de una forma deliberadamente sensible, nos cuenta la exploración de la propia identidad, el abuso de la virilidad, la angustia de varios personajes sometidos a sus propios problemas y, sobre todo, nos cuenta que la mayor violencia no tiene porqué ir asociada a un arma de fuego. Sin lugar a dudas, excepcional.

Interpretativamente hablando, en “El poder del perro” nos tenemos que quitar el sobrero ante el trabajo de dos de sus protagonistas, Benedict Cumberbatch dando vida a un Phil que esconde más de lo que cuenta transmitiendo perfectamente esa pinta de tipo duro y de macho alfa, y Kodi Smit-McPhee interpretando al delicado, pero a la vez, metódico y frío Peter. Ambos sin lugar a dudas, de lo mejor de la película, aunque no nos olvidamos de Kirsten Dunst en su papel de educada, atormentada y alcohólica madre.

Por todo lo que os hemos contado, y sin lugar a dudas, os recomendamos que le deis una oportunidad a “El poder del perro” que, bajo nuestro punto de vista será, una de las películas de este 2021.

Así pues, nuestra nota final para “El poder del perro” es de un 8 sobre 10.

“The Power of the dog” – 2021 – Australia

Dirigida por: Jane Campion

Duración: 128 minutos

Género: western, drama

Sin tiempo para morir (2021), crítica y análisis

Poca gente podía imaginar el fenómeno cinematográfico que estaba a punto de nacer cuando en 1962 llegó a la gran pantalla “Dr. No”, la primera película de James Bond. El irreverente y descarado personaje creado por Sir Ian Fleming no solo presentó al mundo al agente 007, sino también a uno de los mejores Bond de la historia del cine: Sean Connery. A partir de ese momento, la saga no ha hecho más que crecer hasta sumar, a día de hoy, 25 películas.

En más de 60 años de historia, la franquicia James Bond ha sobrevivido a cambios de formato, tecnología y tendencias: del cine en 35 mm al VHS, del uso práctico de efectos especiales al CGI y al constante reinicio de la saga. Todo ello manteniendo intactos sus señas de identidad: licencia para matar, el mundo siempre al borde del colapso y, por supuesto, el esmoquin impecable del agente 007.

Hoy ponemos el foco en la que es, hasta ahora, la última película de James Bond protagonizada por Daniel Craig. Hablamos de “Sin tiempo para morir”, una cinta que no adapta ninguna de las novelas de Ian Fleming, pero que sí se atreve a cerrar una etapa clave dentro de la saga, poniendo punto final a la era de uno de los James Bond más complejos y humanos del cine moderno.

“Sin tiempo para morir” arranca con un flashback ambientado años atrás, en el que encontramos a James Bond (interpretado por Daniel Craig) disfrutando de una vida retirada junto a Madeleine Swann (a quien da vida Léa Seydoux) en Italia. Sin embargo, durante su estancia el pasado irrumpe de forma brutal cuando ambos sufren un atentado perpetrado por agentes de SPECTRE, liderados por el implacable Cíclope.

En plena huida, Madeline recibe una llamada que despierta las sospechas de Bond. La desconfianza vuelve a abrir viejas heridas y acaba provocando la ruptura definitiva entre ambos, separando sus caminos.

Cinco años después, encontramos a un Bond retirado del servicio secreto, viviendo en Jamaica. La calma aparente en la que vive se rompe cuando un viejo amigo, Felix Leiter, agente de la CIA, le pide ayuda para localizar a un científico ruso responsable del desarrollo de una poderosa arma biológica.

La misión resulta un auténtico desastre y Felix muere en ella, un golpe que empuja a Bond a regresar al MI6, aunque lo hace cargado de desconfianza, tanto hacia M como hacia su sustituta como 007, Nomi.

Poco después, Bond descubre que tanto el arma como el científico han caído en manos de Safin (Rami Malek), un enigmático personaje con vínculos directos con Madeleine. A partir de ahí, la película vira hacia un tono más íntimo y emocional, sin renunciar al espectáculo y la acción que definen a la saga.

Ese giro emocional convierte la misión en algo más que una simple operación de espionaje. Bond, tras perder a Madeleine y a la hija de esta en una persecución, acaba llegando a la isla donde ambas están retenidas. Allí, además de ellas, están Safin y el científico ruso quien ha conseguido, nada más y nada menos que una factoría donde producir a gran escala el arma biotecnológica.

Bond (Daniel Craig) buscando una salida

Para Bond, el conflicto deja de ser solo una amenaza global y pasa a ser profundamente personal, obligándolo a enfrentarse no solo a Safin, sino también a las decisiones que lo alejaron de Madeleine y a las consecuencias de su pasado.

A partir de este momento, “Sin tiempo para morir” empieza entonces a funcionar como un cierre de ciclo, donde la acción, el sacrificio y la introspección caminan de la mano, llevando al personaje a un desenlace tan inesperado como coherente con el Bond de Daniel Craig.

Y como os decimos siempre, hasta aquí, lo que os podemos contar del argumento de “Sin tiempo para morir”.

Desde el punto de vista técnico, “Sin tiempo para morir” nos demuestra que, tras 25 películas, la saga Bond sigue sabiendo jugar en primera división. Su dirección, apuesta en esta ocasión por un tono elegante, con mucha acción pero también con pausas para mostrarnos el momento vital de su protagonista. Es decir, no todo explota, a veces la trama pesa y pasa sin explosiones.

Hay dos puntos que, a menudo no le prestamos mucha atención pero que, en esta ocasión, funcionan a la perfección y además aportan, nos referimos a la BSO (Banda Sonora Original) de Hans Zimmer y, sobre todo, a la fotografía donde nos muestra de manera impecable los escenarios, tanto interiores como exteriores con una luz realmente maravillosa.

En cuanto al montaje, en el equipo aplaudimos su agilidad y que, a la vez, nos haga sentir que a veces, no es necesario andar corriendo ya que, cada paso cuenta y a veces, duele.

Interpretativamente hablando, nos ha convencido mucho el trabajo de Daniel Craig, que da vida a un James Bond más contenido, más humano y menos fanfarrón. Aun así, sigue siendo el auténtico eje de la película y quien se la echa a la espalda sin discusión.

El resto del reparto queda algo más desdibujado: Léa Seydoux cumple en su papel, aunque sin terminar de destacar, mientras que Rami Malek, como villano, resulta claramente desaprovechado pese a su potencial interpretativo.

En resumen, “Sin tiempo para morir” es una película técnicamente sólida, elegante y consciente de su peso en la saga. Puede que no sea la más ligera ni la más espectacular, ni tan siquiera la más divertida de la saga, pero sí es una de las más cuidadas.

Aquí tenemos a un Bond que dispara menos chistes, más balas emocionales y que, por una vez, parece saber exactamente cuándo ha llegado el momento de levantar el pie del acelerador.

Por todo lo que os hemos contado, nuestra nota final para “Sin tiempo para morir” es de un 7.5 sobre 10.

“No Time to Die” – 2021 – Reino Unido

Dirigida por: Cary Joji Fukunaga

Duración: 163 minutos

Género: Thriller, Acción, Secuela

Tiempo (2021), crítica y análisis

Desde que le descubriéramos en su tercera película, “El Sexto Sentido” por allá a un lejano 1999, la carrera del hindú afincado en Wisconsin, M. Night Shyamalan ha estado marcada por grandes aciertos y, por digamos, obras más mediocres consiguiendo eso sí, no dejar a nadie indiferente: o lo amas o lo criticas.

El estilo de Shyamalan está marcado por su gran habilidad para construir atmósferas inquietantes y realizar giros argumentales completamente inesperados. Siguiendo estas premisas, en 2021 se estrenó una de sus obras basada en la novela gráfica “Castillo de arena” de Pierre Oscar Levy, un thriller psicológico que intenta explorar una premisa tan simple como angustiante: “¿qué pasaría si el tiempo pasara demasiado rápido y no pudiéramos hacer nada para detenerlo?”

Sí, hoy en esta entrada vamos a hablaros de la película “Tiempo” (o “Old” en su versión original).

“Tiempo” empieza presentándonos al matrimonio formado por Prisca Cappa (a quien da vida Vicky Krieps) y Guy Cappa (interpretado por Gael García Bernal) quienes, con sus dos hijos pequeños, Trent y Maddox se dirigen a un resort a pasar las, posiblemente, última vacaciones en familia ya que, todo a punta a que Prisca y Guy se van a divorciar.

Al poco de llegar al resort y siguiendo las instrucciones del responsable del hotel, la familia se va de excursión a una apartada playa con otra pareja, el cirujano Charles, su esposa Chrystal, la pequeña Kara y Agnes, la madre de Charles y abuela de Kara. Sin apenas tiempo a aposentarse, llegan a la playa Jarin y Patricia, también del hotel.

En la playa, se encuentran arrinconado bajo las rocas, con un rapero. Al poco de estar en la playa aparece flotando el cuerpo sin vida de una joven, la pareja del rapero.

Mientras discuten que hacer ante la aparición del cadáver, Agnes, la madre de Charles muere repentinamente. Agobiados, intentan salir por donde han llegado, pero les resulta imposible ya que algo les repele y les deja inconscientes en la arena.

Gracias a que Prisca comprueba que los niños se han convertido en adolescentes, el grupo se da cuenta que la playa les está envejeciendo rápidamente. Además de esto, el grupo confirma que les une otra característica, como mínimo un miembro de cada familia sufre de alguna enfermedad grave.

En un descuido, los adolescentes Trent y Kara se hacen amigos, tanto que, Kara queda embarazada y minutos después da a luz a un pequeño bebé que, por las condiciones de la playa, no sobrevive más de un minuto.

Los protagonistas de "Tiempo" entre las costillas de uno de ellos

Poco a poco, todos van muriendo, ya sea por sus intentos de salir de la playa, por sus enfermedades o, como Guy y Prisca por ancianos. Al final solo quedan dos adultos, los hermanos Trent y Maddox quienes encuentran una posible vía de salida a través de un pasaje en la barrera de coral que rodea la playa.

¿Qué pasa en la playa? ¿Llegan Trent y Maddox al hotel? ¿Está implicado el hotel en lo que pasa en la playa? Como es evidente, nosotros tenemos las respuestas estas y otras preguntas, pero nos las guardaremos celosamente.

Técnicamente “Tiempo” es un largometraje que intenta explotar el género de thriller psicológico con toques de ciencia ficción, centrándose en la metáfora del inexorable paso del tiempo en un grupo de personas encerradas en una playa. Par ello, se apoya en el uso intensivo de planos secuencia con encuadres descentrados para enfatizar el caos que viven sus protagonistas.

Argumentalmente os diremos que “Tiempo” ejecuta bastante bien la máxima de enseñarnos como el tiempo puede ser nuestro enemigo, junto con la dificultad de enfrentarse al envejecimiento prematuro y, como no, a la muerte. Sin lugar a duda, una buena idea como experimento social mezclado con terror psicológico.

Con todo, y pese a la buena premisa de entrada, “Tiempo” sufre de un gran hándicap, forzar mucho la máquina en el apartado técnico y dejar de lado el auténtico drama que viven sus protagonistas. Tampoco acaba de funcionar otra de las marcas de la casa de Shyamalan, el giro sorpresa final ya que, en esta ocasión, queda desconectado, precipitado y porque no decirlo, forzado.

Interpretativamente hablando os diremos que nos ha gustado el trabajo de los niños, con sus miedos ante su crecimiento descontrolado, la paternidad, la pérdida, etc. Con todo, los personajes de “Tiempo” son excesivamente planos, con diálogos muy forzados y sin demasiada posibilidad de empatizar con ellos. Una auténtica pena.

A modo de resumen os asumimos que, “Tiempo” es una película entretenida que parte de una gran idea y un interesante planteamiento visual pero, su ejecución lastra totalmente la experiencia y es una pena porque Shyamalan era muy capaz de hacerlo mejor.

Por todo lo que os hemos contado, nuestra nota final para “Tiempo” es de un 6 sobre 10.

 

 

 

Título: “Old” – USA – 2021

Dirigida por: M. Night Shyamalan

Duración: 108 minutos

Género: Thriller, Drama, Terror psicológico

The tender bar (2021), crítica y análisis

Todos sin excepción, en esta vida, necesitamos el apoyo de familiares y amigos próximos, de una forma u otra necesitamos sentir esa mano que, en ese momento único es capaz de auparnos ese peldaño que tanto daño nos ha hecho bajarlo. Hay veces que, es complicado encontrar este apoyo y debemos buscarlo escondido baja una capa de baja autoestima, eso es lo que los expertos llaman superación personal.

Películas que hayan tratado de la superación personal tenemos decenas en las videotecas (“En busca de la felicidad”, “El indomable Will Hunting”, “El discurso del rey” o “Forrest Gump”). Normalmente son películas que, pese a tener una trama y desarrollo sencillo, son tan reconfortantes para el espectador que las devoramos sin pestañear.

Quizá por eso cuando uno escucha que uno de sus actores favoritos, George Clooney va a dirigir la adaptación al cine de una obra del autor J.R. Moehringer titulada “The tender bar” y que esta versa sobre temas del apoyo y la superación personal, enseguida piensa en verla pero, si cuando en su estreno, en 2021, las críticas fueron dispares, la película se quedó en nuestra recámara.

Hace unos días, decidimos verla, así que, nos acomodamos en nuestro sofá y le dimos el play para ver “The tender bar” (en España, “El bar de las grandes esperanzas”).

“The tender bar” empieza desplazándonos en el Long Island de la década de los 70 del pasado siglo, allí nos encontramos con el pequeño JR Maguire (interpretado por Daniel Ranieri), un niño de 9 años quien con su madre Dorothy se muda a casa de los abuelos del pequeño.

En la casa, el pequeño y su madre se encuentran con un poco receptivo abuelo (a quien da vida Christopher Lloyd), quien les acepta a regañadientes. Con ellos vive también su tío Charlie (a quien da vida Ben Affleck), el dueño de un bar local.

Como quien no quiere la cosa, y vistos los problemillas del pequeño JR Maguire, su tío Charlie acaba ejerciendo de padre sustituto para el pequeño quien, de ninguna manera puede quitarse de la cabeza su auténtico padre, un locutor de radio de poca monta.

Para evitar que la figura ausente de su padre acabe haciendo mella dañina en el pequeño, Charlie intenta por todos medios animarle a que, como le gusta, escriba y se convierta en un escritor famoso, para ello el pequeño pasará muchas horas en el escuchando los consejos de su tío, leyendo los libros y textos que este le aconseja.

Con el paso de los años, JR Maguire (quien ahora interpreta Tye Sheridan), es un joven que acaba de conseguir su plaza en la universidad de Yale, donde irá con una beca ya que su madre, empleada esporádica no tiene capacidad para pagarle la matricula.

Escena de The Tender Bar (2021) con Ben Affleck y Tye Sheridan.

Ya en la universidad, donde su madre quiere que se convierta en abogado, JR descubrirá su auténtica vocación, la escritura planeando escribir un libro con sus memorias, aunque para ello tenga que pasar por una etapa en el mundo del periodismo, haciendo de becario en el New York Times.

Como no puede ser de otra manera, JR descubrirá el amor, el desamor y la frustración laboral antes de llegar a su verdadera eclosión, aunque esto, como ya os podéis imaginar nos lo guardaremos celosamente.

Técnicamente os diremos que, “The tender bar” es una cinta realmente controvertida, ya que, no se puede decir en ningún caso que sea una mala película, ni por montaje, ni por fotografía aunque tampoco os podemos decir que despunte en nada.

“The tender bar” está divida en dos partes y mientras en la primera, con JR pequeño, la historia funciona con aparente normalidad y fluidez, en la segunda, esto no es así, convirtiéndose en una historia totalmente plana e insípida.

Si hablamos de la construcción de los personajes, algo realmente importante en cintas al estilo de “The tender bar”, os diremos que en este caso los personajes se crean desde el apoyo, la ternura y la ayuda que le brindan todos los personajes al protagonista para que este alcance su máximo desarrollo, y lo hacen aportando ideas, contrastes y enseñanzas, eso sí, de una forma sencilla y natural, sin aspavientos.

Interpretativamente hablando nos quedamos con el trabajo de un personaje secundario, el de Ben Affleck dando vida a Charlie, ese tío bonachón que se implica y eleva el nivel en cada una de sus escenas. Del resto de intérpretes, la verdad, como la cinta, sin más, insípidos como un pan sin sal.

Por todo lo que os hemos contado, nuestra nota final para “The tender bar” es de un 5.5 sobre 10.

Ficha técnica de The tender bar

Título original: The tender bar

Año: 2021

Director: George Clooney

Duración: 104 minutos

Género: Drama

Licorice Pizza (2021): una historia sobre el primer amor

Licorice Pizza (2021), dirigida por Paul Thomas Anderson, es una comedia dramática ambientada en el Valle de San Fernando en los años 70 que explora el primer amor, la juventud y el crecimiento personal. La película, protagonizada por Alana Haim y Cooper Hoffman, fue nominada a varios premios Óscar y ha sido ampliamente reconocida por la crítica.

En esta crítica analizamos su historia, personajes y lo que realmente funciona (y lo que no) en una de las películas más comentadas de los últimos años.

Sinopsis de Licorice Pizza

“Licorice Pizza” empieza presentándonos a sus dos protagonistas, Gary Valentine (interpretado por el novel, Cooper Hoffman) un joven adolescente que está en los últimos cursos de secundaria que es donde conocer a una chica mayor que él, Alana Kane (a quien da vida Alana Haim), la ayudante de un fotógrafo.

Ya desde el primer momento, Gary se siente terriblemente atraído y embrujado por Alana y, sin ni siquiera pensárselo, se lanza a desplegar toda su labia y poder de convicción para conseguir una cita con ella. De buenas a primeras, Gary se aprovecha de que ha hecho un par o tres de pequeños papeles para el cine y la televisión para convencer a Alana, cosa que, acaba consiguiendo.

A lo largo de la película, viven distintas aventuras en un contexto marcado por la crisis del petróleo y la cultura de los años 70, lo que añade una capa nostálgica y social al relato.

Reparto y dirección

Dirigida por Paul Thomas Anderson, uno de los cineastas más reconocidos del cine contemporáneo.

Gary y Alana en un pasaje de "Licorice Pizza"

Interpretativamente os diremos que nos ha encantado el trabajo de sus dos protagonistas, Cooper Hoffman (el hijo del malogrado Philip Seymour Hoffman) y Alana Haim, dos debutantes que han aguantado y levantado el nivel de “Licorice Pizza” cuando han estado juntos demostrando una química inigualable. Sin lugar a duda, su elección, todo un acierto, y esperamos verlos pronto en más producciones.

Opinión: lo mejor y lo peor de Licorice Pizza

Lo mejor

• La química entre los protagonistas, que sostiene gran parte de la película
• La ambientación en los años 70, muy cuidada y creíble
• El tono positivo y el mensaje sobre crecimiento personal

Lo peor

• Ritmo irregular en la segunda mitad
• Algunas tramas que pierden fuerza con el desarrollo

La película comienza con mucha fuerza, pero en ciertos momentos pierde parte de su magia, especialmente cuando los protagonistas toman caminos separados, algo que afecta al impacto emocional de la historia.

Temas principales de Licorice Pizza

Licorice Pizza trata principalmente sobre:

• El primer amor
• La diferencia de edad en las relaciones
• La búsqueda de identidad
• El espíritu emprendedor juvenil

Se trata de una historia con un enfoque nostálgico que mezcla humor, drama y momentos cotidianos.

Opinión y nota final

Una película interesante, con grandes actuaciones, aunque algo irregular en su desarrollo.

Nota final: 7/10

Ficha técnica de Licorice Pizza

Título original: Licorice Pizza

Año: 2021

Director: Paul Thomas Anderson

Duración: 133 minutos

Género: Drama, comedia

Instintos ocultos (2021) crítica y análisis

Desde que a mediados del pasado siglo XX el escritor británico William Golding lanzara su novela más exitosa, y por la que se le recuerda, “El Señor de las Moscas” (“Lord of the flies”), son decenas las varias las adaptaciones al cine e incontables las influencias que ha tenido tanto en el séptimo arte como en series de televisión, y no es para menos ya que, ha sido leída por millones de personas, transmitiendo así, su potente moraleja.

Sí, siguiendo sus propias vivencias en la Marina, Golding plasmó en su obra como un grupo de niños tenías que sobrevivir en solitario en una isla desierta, enfrentarse en solitario a peligros, crecer y hacerse adultos y sobre todo, organizarse como sociedad adaptando roles y responsabilidades.

Hoy, en este rincón, os hablaremos de una película estrenada con muy poco éxito en 2021 que, pese a no tener nada que ver con “El Señor de las moscas”, muy pronto le sacareis paralelismos, os hablamos de la cinta de ciencia ficción “Instintos ocultos” (“Voyagers”).

Sinopsis de Instintos ocultos

“Instintos ocultos” empieza desplazándonos a un futuro relativamente cercano, 2063, con una Tierra devastada por el cambio climático y con la apremiante necesidad de encontrar un nuevo lugar donde vivir. Dicho lugar fue encontrado años atrás, pero tiene un gran problema, con la tecnología del momento, el viaje duraría 86 años, una duración inasumible para cualquier humano.

Con el fin de solucionar este pequeño problema, son llevados a la vida 30 niños gestados con tecnología in-vitro y mezclando sus genes con grandes genios. Los pequeños son criados en un complejo sin contacto con el resto de unidad, con el único objetivo de, cuando tengan una edad mínimo emprenderán el viaje al nuevo mundo con la vida programada para que, sus nietos lleguen a destino.

Cuando la misión está a punto de lanzarse, el educador y comandante Richard (Colin Farrell) decide apuntarse a la misión dejando todo lo que tiene en la Tierra para acompañar y ayudar a los pequeños los primeros años.

Con el fin de optimizar recursos, se estipula que los niños se reproducirán “in-vitro” cuando tengan 24 años y sus hijos también, a la misma edad.

Diez años más tarde con los niños que ya han dejado la adolescencia, dos chicos, Christopher (Tye Sheridan) y Zac (Fion Whitehead) descubren que “la misión” les está controlando con una extraña sustancia química que, una vez analizada, descubren que les inhibe sexualmente y les mantiene tranquilos y dóciles. Obviamente abandonan su toma.

Poco después, Christopher y Richard deben salir al exterior de la nave para reparar la comunicación con la Tierra. Durante dicha misión, Richard muere, aparentemente atacado por un extraño ente que además provoca un incendio que daña varios sistemas de la nave.

Todo esto provoca que, siguiendo las instrucciones de la misión, los jóvenes escojan un nuevo líder, que resulta ser Christopher provocando la furia de Zac quien insta al resto a dejar de tomar la sustancia que les controla. Todo esto provoca que, a los pocos días, toda la tripulación saque a relucir su lado más salvaje, o por decirlo de otra forma, más primitivo.

Zac y Christopher protagonizan uno de los momentos más tensos de Instintos ocultos.

Separados en dos grupos antagónicos, los de Zac se dedican a vivir la vida en todo su esplendor, sembrando el miedo sobre lo que mató a Richard, mientras que el grupo de Christopher, mucho más tranquilo, se dedica a intentar reparar la nave mientras descubre que es lo que realmente acabó con la vida de Richard, algo que nadie en la nave puede sospechar, pero que, nosotros nos guardaremos celosamente.

Crítica de Instintos ocultos

Técnicamente os diremos que, “Instintos ocultos” (o “Voyagers”) nos ha dejado muy fríos ya que, aunque creemos que no acaba de funcionar en casi ninguno de sus apartados. Para empezar, estamos antes una cinta de ciencia ficción pero a la vez, carece de varias de las características que la podrían definir, no tiene despliegues técnicos (en todo momento vemos que estamos en un estudio de cartón-piedra), no tiene giros argumentales que nos sorprendan y para colmo, no tiene ni la suficiente acción, ni drama ni suficiente comedia para enganchar al espectador.

Argumentalmente nos encontramos con una cinta que, pese a que empieza fuerte presentándonos un experimento tan espeluznante como sorprendente, este empuje pierde fuelle a medida que pasan los minutos y acaba con la muerte de Richard. A partir de este momento “Instintos ocultos” pierde el norte, centrándose exclusivamente, en los instintos ocultos (la violencia, el poder, el sexo, etc.) de los jóvenes.

Reparto y actuaciones

En el apartado interpretativo, pues un poco más de lo mismo, no son malas interpretaciones, pero ninguna de ellas tiene ni una pizca de magia, parece que se han mimetizado con el entorno, tan frio y aséptico que podría estar grabada en un hospital.

Opinión y nota final

En definitiva, en el equipo creemos que “Instintos ocultos” es una oportunidad perdida de centrarse en las cosas interesantes que nos proponía, la organización social, las dudas existenciales, la vida en el espacio, etc., para buscar un drama centrado en la acción que para nada funciona ni era necesaria

Por todo lo que os hemos contado, nuestra nota final para “Instintos ocultos” es de un 4.5 sobre 10.

Ficha técnica de Instintos ocultos

Título original: Voyagers

Año: 2021

Director: Neil Burger

Duración: 108 minutos

Género: Ciencia Ficción, thriller

Luca (2021), una bella amistad

Hasta que en 1995 llegara a nuestras carteleras una película de animación digital titulada “Toy Story”, hubo un único rey en el mundo del cine de animación, el gigante Disney. A partir de ese momento, los creadores de “Toy Story”, Pixar, no solo se hicieron un hueco en ese mundo, si no que se convirtieron en todo un referente.

Bajo el inconfundible sello de Pixar, basado principalmente en el uso de tecnología punta para dar realismo a sus obras y en tratar temas que se alejan del cine infantil (la amistad, la diferencia, los sentimientos, la muerte, etc.), ha conseguido que, cada una de sus películas sea una obra esperada y deseada para una inmensa mayoría, contándose sus obras (salvo alguna excepción como el caso de la saga Cars) por auténticos éxitos.

Durante los años de la pandemia de COVID (el 2020 y 2021) y pese a que solo se le permitió estrenar en el cine y fugazmente una de sus obras, “Onward”, ha continuado deleitándonos con sus originales. Hoy en este rincón os queremos comentar el único lanzamiento de Pixar del pasado 2021, “Luca”.

“Luca” llegó a nuestras carteleras a mediados de junio de 2021 y lo hizo rodeada de cierta polémica, a nuestro entender, bastante forzada, y es que mucha gente le quiso ver un trasfondo como la primera historia homosexual de firma, no sé, cosas del márquetin o de determinadas mentes con poder de influencia.

“Luca” empieza desplazándonos cerca de la costa italiana en un lejano e imaginario 1954, allí, en la profundidad de sus aguas nos encontramos al protagonista de la historia, un joven monstruo marino llamado Luca que vive con su familia cuidando un rebaño de peces cabra.

Luca vive feliz, aunque deseando una cosa que su familia le prohíbe por el peligro que suponen los que allí viven, acercarse a la superficie. Con todo, un día, y mientras cuida a su rebaño conoce a Alberto, otro joven monstruo marino que, al revés que él, vive en la superficie y de vez en cuando se acerca a las profundidades.

Como no podía ser de otra forma, Alberto acaba animando a Luca a salir del océano. Entre temeroso y animado a la vez, Luca descubre un nuevo mundo y que, una vez secos, los de su especie se convierten en humanos.

Ya en “casa” de Alberto, una especie de museo de cosas perdidas por los humanos en el mar, ambos chicos inician una buena amistad y un deseo común, tener una Vespa. Ni cortos ni perezosos, y sin mirar el tiempo, ambos chicos se ponen a montar una Vespa improvisada con la única referencia de una vieja placa.

Después de una de sus tardías vueltas a las profundidades, los padres de Luca descubren que el pequeño ha estado en la superficie y deciden que quizá sería bueno para el pequeño que lo enviaran con su tío a las profundidades del mar. Obviamente Luca no acepta y se fuga con Alberto a la superficie.

Luca, Alberto y Giulia en una Vespa

Ya en la superficie, Luca y Alberto tienen una idea feliz, ir a la villa cercana de Portorosso (uno de los pueblos imaginarios que constituirían la real CinqueTerre) y comprarse una Vespa real para irse después a recorrer el mundo. Ya en el pueblo, los chicos se encuentran con Ercole, el típico chulo local y múltiple ganador de la “Carrera de Portorosso” una especie de triatlón con un premio que les permitiría poderse comprar su ansiada Vespa.

La única forma que ven para conseguir su objetivo es unirse con una chica del pueblo, Giulia, la hija de Massimo el pescador. Como la “Carrera de Portorosso” se compone de tres pruebas, y la de natación Luca y Alberto no pueden hacerla por motivos obvios, dejan esta para Giulia, repartiéndose entre ellos las otras dos pruebas, una comilona de pasta y una carrera en bicicleta.

Ya os podéis imaginar, la rivalidad y el juego sucio de Ercole, sus problemas para mantener su secreto, la relación de amistad y quizá algo más con Giulia, etc. marcarán el desenlace de “Luca”, aunque como bien sabéis, nosotros nos lo guardaremos celosamente.

No os vamos a engañar, mucha gente ha criticado y destrozado a “Luca” catalogándola desde “oda gay” hasta película menor de Pixar. Nosotros, sinceramente, no vemos ni una cosa ni la otra, lo que vemos es que, por esta vez, Pixar se ha lanzado a la profundidad del mar para sacar una historia que no es nada profunda (para eso ya tenemos “Soul”, “Coco”, etc.), es más bien una historia sencilla sobre la amistad y la lucha por conseguir sus objetivos, eso sí, sin abandonar una cuidadísima técnica.

“Luca” tiene en su contra la previsibilidad ya que, una vez jugada la carta de monstruo marino que se convierte en humano cuando se seca, el resto de trama y por consiguiente del metraje, carece de toda sorpresa, manteniendo siempre un toque a drama mientras nos cuenta su lucha por ganar y por reivindicar la diferencia y el valor de esta.

Técnicamente, pues os podemos decir muy poco, simplemente que continua con el excelente nivel técnico que nos tienen acostumbrados los californianos de Pixar. Sin lugar a dudas, un auténtico espectáculo de color y realidad que te hace sentir totalmente integrado en la pantalla.

Como ya os hemos comentado de entrada, para nosotros “Luca” no es para nada una película menor de Pixar, aunque sí quizá, es una película más infantil de lo que nos tenían acostumbrados, con todo, es una cinta ideal para ver tanto en pareja tumbados en el sofá, como con niños o en una velada tranquila.

Por todo lo que os hemos contado, nuestra nota final para “Luca” es de un 7 sobre 10.

Título original: “Luca” – USA – 2021

Dirigida por: Enrico Casarosa

Duración: 95 minutos

Género: Animación