El gran showman

En la industria del cine, el primer fin de semana de una pelen cartelera es totalmente determinante a la hora de catalogar una película como éxito o como fracaso, aunque después haya mercados o países que sigan una tendencia diferente. La verdad es que es una técnica bastante injusta para la mayoría de cintas, si quitamos de este paquete las obras de Disney (y todo su entramado de empresas como Marvel, Pixar, etc.) ya que, el primer fin de semana de su estreno puede coincidir con otros grandes estrenos.

Con todo, hay películas que, en su primer fin de semana en cartelera y pese a sus expectativas previas, pasan sin pena ni gloria y después acaban siendo grandes éxitos, como es el caso de la película que os reseñaremos a continuación en este rincón. Se estrenó en 2017 durante la campaña navideña de dicho año y coincidió con “Jumanji. Bienvenidos a la Jungla”, “Los últimos Jedi” y las principales candidatas a los Oscars de ese año, y no pudo con ellas en taquilla, aunque posteriormente obtuvo el éxito. Os hablamos de “El gran showman”.

“El gran showman” empieza presentándonos a un chiquillo llamado P.T. Barnum, el hijo del sastre de una adinerada familia, los Hallett. Durante una de sus estancias en la casa los Hallett, Barnum se enamora perdidamente de Charity, la hija de los Hallett. Con todo, esta relación entre los pequeños no es aceptada y Charity es enviada a un internado. Durante la época de estudios, Barnum queda huérfano y tiene que malvivir en la calle, aunque nunca pierde el contacto con Charity, con quien se cartea regularmente.

Años más tarde, y pese a la diferencia social entre Barnum y los Hallett, Barnum (a quien da vida de adulto a Hugh Jackman) acaba casándose con Charity y viviendo una vida más que humilde en Nueva York y teniendo dos hijas, Caroline y Helen. Después de un tiempo de tranquilidad P.T. pierde su trabajo de contador en una empresa de navíos.

Dispuesto a hacer algo diferente y a la vez dar una vida mejor a su familia, Barnum consigue un crédito bancario para comprar un viejo museo de cera con la intención de revivirlo. Con todo y cuando la idea está a punto de fracasar, una de sus hijas le da la clave, su museo necesita vida. Bajo esta premisa, Barnum se pone en marcha y busca a gente diferente, con peculiaridades físicas encontrando a un enano, una persona muy alta, un hombre totalmente tatuado, una mujer barbuda, etc.

Muy pronto el éxito en taquilla de los nuevos trabajadores del museo provoca que las primeras críticas duras lleguen y lo hagan con ánimo de hacer mella, incluso llega a llamarles que son “como un circo”. Llegados a este punto, Barnum decide hacer una nueva incorporación, la de un joven dramaturgo de éxito llamado Phillip Carlyle (a quien da vida Zack Efron) para generar números nuevos y nueva publicidad.

Carlyle se integra tanto en el equipo que, además de enamorarse de la trapecista (Zendaya) consigue una premier con la mismísima Reina Victoria. Pese al éxito del circo P.T.Barnum y del propio encuentro con la Reina Victoria, Barnum conoce a una famosa cantante sueca, Jenny Lind con quien inicia una larga gira por Estados Unidos mientras deja su circo en manos de Carlyle.

La familia de "El gran showman" al completo

Con Barnum consiguiendo el favor de las grandes fortunas con los conciertos de Lind, la vida del circo se tambalea en Nueva York, ya que, con un público empezando a dar muestras de agotamiento y fuertes corrientes en contra suyo por exhibir a personas diferentes, la familia que habían creado se tambalea.

Después de un movimiento amoroso de Lind con Barnum provoca que este la rechace y vuelva corriendo a Nueva York, justo en el momento en que los agitadores prenden fuego al circo provocando que todo, literalmente prenda en llamas (Barnum se arruina por dos lados, al perder el circo y cancelarse la gira de Lind, y a la vez, se separa temporalmente de Charity cuando esta descubre lo que pasó con Lind).

¿Podrá conseguir Barnum recuperar su circo y a su familia de las llamas? Nosotros evidentemente lo sabemos, pero ya os decimos que, no os lo vamos a contar por aquí, pues el “El gran showman” es una película que realmente merece la pena ver hasta el final.

Técnicamente os diremos que “El gran showman” es una mezcla entre biopic (se inspira, que no basa, en la vida de P.T. Barnum) y musical de gran formato con muchos toques del típico blanqueo o buenismo americano. Y todo, sin olvidar de reflejar en su metraje temas tan candentes como la explotación del diferente, la lucha por encontrar una salida a los problemas, la ambición y porque no decirlo, el amor. Seguramente tiene sus fallos, pero quedan bastante compensado por el excelente ritmo de la acción y su montaje.

Otro punto a resaltar, aunque se ha llevado algunos palos por parte de la crítica profesional, es su banda sonora, una herramienta que en esta ocasión sí es capaz de enfatizar lo que están viviendo sus personajes.

Interpretativamente os decimos que, nos quitamos el sombrero de copa ante el magistral trabajo de Hugh Jackman un hombre que lejos en encasillarse con un género, es capaz de casi todo en la industria del cine. Jackman se funde con su P.T. Barnum cantando, bailando y transfiriéndole ese carácter luchador que le lleva a superar muchas líneas rojas. Sin lugar a dudas uno de los grandes aciertos de “El gran showman”, sin olvidar a dos secundarios de lujo que, con su historia de amor consiguen robarle algo de protagonismo a Jackman, os hablamos de un acertadísimo Zack Efron y de una, por entonces recién llegada Zendaya.

Seguramente poca gente considerará “El gran showman” como una obra capital, pero la verdad es que es una película que engancha, entretiene y además, cuenta con grandes actuaciones y una buena BSO. ¿Qué más le podríamos pedir?

Por todo lo que os hemos contado, nuestra nota final para “El gran showman” es de un 8 sobre 10.

Título original: “The Greatest showman” – 2017 – USA

Duración: 105 minutos

Género: Musical, drama, biográfico

Jumanji: Bienvenidos a la Jungla

Por todos es conocido que, una de las grandes alternativas que tiene la industria del cine para llenar sus arcas, es aprovechar las historias originales que han tenido un gran éxito en nuestras salas para crear secuelas y más secuelas (o precuelas si les acaban las ideas) de las mismas. Tenemos grandísimos ejemplos en Disney Company (y por extensión, Marvel, LucasFilm, etc.) quienes raramente nos sorprenden con algún original.

Normalmente, las secuelas se cuentan por años (a raíz de una por año, o cada dos años en algunos casos). Con todo, hay casos raros en los que, de entrada, se descarta hacer una secuela y años después, se recupera esa idea. Uno de estos casos lo encontramos en “Jumanji” de 1995 con el malogrado Robin Williams como interprete principal.

Pues bien, cuando ya nadie lo esperaba, 22 años después del estreno de “Jumanji”, llegó a nuestras salas su secuela, “Jumanji: Bienvenidos a la Jungla” con un casting y una historia totalmente diferente a la original, y hoy nosotros os lo contamos en este pequeño rincón.

La historia de “Jumanji: Bienvenidos a la Jungla” empieza cronológicamente un año después del final de la original con un hombre encontrando, semienterrado en la playa, el juego de Jumanji. Este hombre se lo lleva a su hijo Alex, quien, de entrada, lo descarta ya que prefiere jugar a videojuegos. Por la noche Jumanji se convierte en un videojuego y acaba absorbiendo a Alex.

20 años después de la desaparición de Alex, cuatro alumnos del instituto son castigados a limpiar el sótano del mismo. Los alumnos son Spencer (el típico empollón), Fridge (un jugador de futbol americano), Martha (una chica tímida) y Bethany (una chica pija adicta al móvil) y aunque entre ellos poco tienen que ver, y muy a regañadientes, aceptan jugar con el extraño juego que acaban de encontrar entre las cajas del sótano. El juego es “Jumanji” y como no podía ser de otra manera, a los pocos minutos hace de las suyas y absorbe a los cuatro jóvenes.

Una vez dentro de juego, descubren que Jumanji les ha jugado alguna que otra mala pasada, la primera de ellas es que sus personajes en el juego no acaban de adaptarse a los suyos en la vida real ya que, tenemos: el empollón Spencer se convierte en el Dr. Bravestone (a quien da vida Dwayne Johnson), Fridge se convierte en el bajito zoólogo “Mouse” (Kevin Hart), la tímida Martha es en el juego Ruby (Karen Gilian) una experta en artes marciales y la pija Bethany es el profesor “Shelly” (Jack Black) un obeso cartógrafo. La segunda gran sorpresa, es que, tienen vidas limitadas y si las pierden todas, no volverán a su realidad.

Mouse, Ruby, Shelly y el Dr. Bravestone

Poco después de su llegada a la jungla, los cuatro se encuentran con Nigel, un jugador propio del juego que les cuenta todos los detalles de sus personajes y el objetivo que tienen en el juego, recuperar “El Ojo del Jaguar”, la joya que Van Pelt, el cazador de la primera parte de la película, ha robado. Solo así podrán ganar la partida y abandonar el juego.

A partir de este punto, y en base a un mapa que poco a poco les va mostrando el territorio, nuestros amigos inician su aventura, llevándoles en primera instancia a un mercado en el que tendrán el primer encuentro con Van Pelt y con su ejército, cosa que sucede justo después de encontrarse con el quinto jugador del juego, el piloto SeaPlane (Nick Jonas), quien resulta ser Álex, el jugador que 20 años atrás entró en el juego y del que todavía no ha podido salir.

Después de una más que accidentada visita al mercado, los cinco jugadores consiguen hacerse con el trozo de plano que les falta y, de pasada, con la joya que escondía Van Pelt lo cual les supone que tengan que iniciar una huida por la jungla con un ejército de sicarios persiguiéndoles.

Camino de su nueva aventura SeaPlane le cuenta al grupo como perdió sus dos vidas previas y que, siente un miedo atroz a enfrentarse de nuevo a la misma prueba. A partir de ahí, conseguir un helicóptero, huir de manadas de rinocerontes blancos, cambios de relaciones entre ellos y un sinfín de aventuras que, obviamente no os desglosaremos aquí. Lo que sí haremos es, contaros nuestra opinión sobre “Jumanji: Bienvenidos a la Jungla”.

Éramos muchos los que decíamos que la “Jumanji” original no necesitaba una secuela y mucho menos cuando su alma mater, Robin Williams nos abandonó, pero no os negaremos que esta secuela, “Bienvenidos a la Jungla” ha sido una auténtica sorpresa ya que ha conseguido algo realmente especial, rejuvenecer el clásico convirtiéndolo en una comedia de acción que, aunque ha perdido magia, ha dejado atrás los toques más oscuros de la original para convertirse en una película para todos los públicos.

Argumentalmente nos gustaría remarcar el buen ritmo narrativo de “Jumanji: Bienvenidos a la Jungla”, combinando toques de las típicas comedias juveniles con el ritmo de las roadmovie, sin olvidar los constantes gags que van desde la auto burla de los armarios de gimnasio (hechos por el propio Dwayne Johnson) hasta el toque gay, con erección incluida de Jack Black con Nick Jonas.

Desde el punto de vista interpretativo tenemos realmente muy poco a aportar ya que, aunque tanto Jack Black como sobre todo Dwayne Johnson están realmente bien, ninguno de los dos está memorable, están simplemente convincentes dando vida a unos personajes entretenidos, cosa que no consigue, por ejemplo, la estrellita Nick Jonas.

Con todo, no os engañaremos, “Jumanji: Bienvenidos a la Jungla” es una película muy entretenida con la que es casi imposible que las casi dos horas de metraje no os pasen en un abrir y cerrar de ojos. Por todo lo que os hemos contado, nuestra nota final para “Jumanji: Bienvenidos a la Jungla” es de un 7 sobre 10.

Título original: “Jumanji: Welcome to the Jungle” – 2017 – USA   

Dirigida por: Jake Kasdan

Duración: 119 minutos

Género: Acción, Aventuras, Comedia, Fantástico

The upside

Hay películas que, por el motivo que sea, cuesta decidir verlas. En ocasiones esto es debido a su actor/actriz protagonista, otras veces es por su temática y el resto, simplemente porque hay algo que nos frena injustificadamente. Dentro de este último grupo nos encontramos con el título que os queremos comentar hoy ya que, desde hacía varios meses, cada vez que entrabamos en la plataforma “Amazon Prime Video” nos encontrábamos con su recomendación destacada, aunque siempre, acabábamos escogiendo otra opción.

La película en cuestión se titula “The upside” y fue estrenada oficialmente en septiembre de 2017 en el Festival de Toronto deambulando después, durante casi un año y medio, por varios festivales de cine norteamericanos. No fue hasta comienzos de 2019 que llegó a nuestras carteleras con un éxito más que aceptable. Pocos meses después pasó a formar parte del catálogo de la plataforma de streaming “Amazon Prime Video”.

Finalmente, el pasado fin de semana llegó el momento de verla aprovechando una sobremesa con bastante frío en la calle. Así pues, hoy en este pequeño rincón os hablaremos de la comedia dramática “The upside”.

La historia empieza a toda velocidad por las calles de Nueva York, donde nos encontramos con los dos protagonistas principales de la historia, Dell Scott (Kevin Hart) y el tetrapléjico Philip Lacasse (Bryan Cranston) a bordo de un Ferrari mientras son perseguidos por la policía.

En la siguiente escena, la acción se sitúa 6 meses atrás, encontrándonos dentro de los pasillos y salas de la mansión del magnate Lacasse. Allí, el sr. Lacasse y su asistente personal, Yvonne Pendleton (Nicole Kidman) están entrevistando a los candidatos a ocupar el puesto de cuidador personal de Philip. En un momento dado, Dell irrumpe en la sala donde se realizan las entrevistas dejando a todos sin palabras, él no quiere el puesto, sólo necesita que le firmen un documento para no romper su libertad condicional.

Contra la voluntad de Yvonne y sorprendiendo al propio Dell, Philip le ofrece el trabajo, aunque este, de entrada, no lo acepta. Acepta el trabajo después de una visita a su exmujer y a su hijo y ser rechazado por ambos.

Yvonne, muy preocupada por la seguridad de Philip, le exige a Dell que deberá demostrar su implicación y su responsabilidad dándole únicamente la posibilidad de cometer tres errores, tras los cuales será fulminantemente despedido.

Como ya os podéis imaginar, cuidar a un tetrapléjico necesita además de dedicación, una formación específica, y lo único que dispone Dell es su voluntad y el deseo de hacer algo con su vida para su hijo y ex esposa, con lo que, muy pronto se ve al filo del despido.

Poco a poco la confianza entre Dell y Lacasse se va acrecentando, contándole a su cuidador el motivo por el que está tetrapléjico y la desgracia que asoló su vida, mientras que Dell descubre otro enfoque a la vida, y más cuando tiene que ayudar a su amigo a hacer física una relación por correspondencia que mantiene con una mujer.

Como ya os podéis imaginar, la historia se complica hasta su desenlace, pero como también os podéis imaginar, no seremos nosotros quien os lo contemos. Aunque lo que sí que os contaremos será nuestra opinión sobre “The upside”.

Lo primero que queremos destacar de “The upside” es el gran trabajo de sus tres actores principales, Kevin Hart, Bryan Cranston y Nicole Kidman. La química entre los tres es brutal y su implicación en sus papeles es simplemente, de admirar. El conflicto de Dell entre la vida que siempre ha tenido y la que le ofrece Lacasse pone los pelos de punta, el sufrimiento de este, postrado en su silla de ruedas nos ha dejado sin palabras y Kidman nos ha demostrado en “The upside” que, cuando tiene un papel que le llena, es capaz de lo mejor.

Argumentalmente, “The upside” es un poco más floja de lo que uno espera al leer su hilo argumental ya que, aunque tiene sus giros, cuando Dell irrumpe en la sala de selección casi se sabe lo que va a ir pasando, y eso sin haber visto la película original “Intouchables” (sí, no lo habíamos dicho hasta ahora, pero “The upside” es un remake de la cinta francesa de 2011, “Intouchables”). Con todo, pese a esta previsibilidad, el montaje, las gotas de comedia y el ritmo de la cinta son más que acertados, dándonos siempre la sensación de rapidez y adicción a la misma.

Por todo lo que os hemos contado, nuestra nota final para “The upside” es de un 7.5 sobre 10.

“The upside” – 2017 – USA

Dirigida por: Neil Burger

Duración: 126 minutos

Género: Comedia, Drama

El juego de Gerald

Para muchos, hablar de Stephen King es hablar de una especie de ogro que minusvalora la literatura con sus miles de páginas de escaso valor, para otros, no deja de ser un loco que crea cientos de historias bajo el influjo de sustancias poco legales. Desde el punto de vista del miembro de este equipo que os escribe hoy, y aun asumiendo que el tema de las sustancias es cierto (asumido por el propio King), os tengo que reconocer que le tengo un gran aprecio al maestro del terror ya que es gracias a él y a sus historias, que recuperé la sana y placentera costumbre de leer y sumergirse en mundos imaginarios.

Con un cariz ciertamente distinto a las obras más famosas de King, en 1992 llegó a nuestras librerías la claustrofóbica y agobiante “El juego de Gerald”. Su lectura me enganchó y me hizo sufrir tanto que, cuando 25 años después Netflix estrenó su adaptación al cine, me hice el firme propósito de verla. Me ha costado algunos meses encontrar el momento idóneo para ello, pero finalmente lo he conseguido y así, hoy os puedo traer mi reseña de “El juego de Gerald”.

“El juego de Gerald” empieza presentándonos a los dos personajes principales de la historia, Jessie Burlingame (Carla Gugino) y su marido Gerald (Bruce Greenwood) un exitoso abogado con una personalidad digamos que, agresiva. Como la pareja está pasando por graves problemas, ambos deciden darse una oportunidad regalándose un fin de semana romántico en una alejada y solitaria cabaña en los bosques de Maine.

Al poco de llegar a la cabaña, Gerald le propone a su esposa un cambio en sus juegos sexuales, un nuevo juego para incrementar sus sensaciones, le propone usar unas esposas para atarla en la cama y tener así sexo duro. De entrada, Jessie se resiste, pero después de unos minutos decide que no será ella la que sabotee el fin de semana, por tanto, opta por aceptar el juego.

Como en otras ocasiones, antes de empezar su juego Gerald se toma una Viagra, y poco después una segunda. Como no podía de ser de otra forma, pronto aparece la violencia de Gerald en el juego sexual lo cual incomoda mucho a Jessie quien, además, estando esposada en el cabecero de la cama, está totalmente indefensa ante todo lo que le rodea. Muy molesta y sin disfrutar nada del juego, Jessie exige a su marido parar, pero este no quiere. Así las cosas, y en medio de una discusión Gerald sufre un ataque al corazón y muere.

Jessie se da cuenta inmediatamente de la tremenda situación en la que está, sola, atada en la cama de una aislada cabaña en medio del bosque. Por mucho que grite, nadie la puede oír quedándole sólo dos opciones: esperar la aparición de alguien mientras que su cuerpo aguante o intentar a la desesperada soltarse las esposas.

Jessie Burlingame ataca a su cama

Para desesperación de Jessie, sólo dos extrañas criaturas hacen acto de presencia, un hambriento perro que da buena cuenta de Gerald y una extraña criatura que se queda siempre a la sombra. ¿Conseguirá Jessie escapar de sus ataduras y sobrevivir? Como ya os podéis imaginar, los miembros de este equipo lo sabemos, pero no os lo contaremos.

Técnicamente os diremos que, quizá es una de las mejores adaptaciones al cine de un libro que hemos visto hasta el momento (ojalá Daniel Calparsoro hubiese hecho lo mismo con su “El silencio de la Ciudad Blanca”), y sin lugar a dudas esta “El juego de Gerald” es una de las mejores adaptaciones al cine de una obra de Stephen King. La angustia de la situación y los miedos de Jessie en su desesperada lucha por su propia vida quedan perfectamente reflejados durante los casi 100 minutos de metraje los cuales, además, pasan a toda velocidad.

A parte de en su montaje y desarrollo, “El juego de Gerald” tiene otro gran pilar en el que se sustenta, su casting, donde una grandísima Carla Gugino hace una auténtica demostración de interpretación, con cambios de expresión y de personalidad con un personaje que va desde la vulnerabilidad hasta la extrema fuerza. También Bruce Greenwood está realmente bien, aunque esté con un papel bastante más corto que Gugino, pintándonos un personaje tan odioso que es, por momentos, hasta divertido.

Aunque “El juego de Gerald” no es una película, para nada, apta para todos los públicos, este que os escribe la ha disfrutado y sus imágenes continúan en mi mente como en su momento los hicieron los capítulos del libro. Por tanto, la nota final de los miembros de este equipo para “El juego de Gerald” es de un 7.5 sobre 10.

Título original: “Gerald’s Game” – 2017 – USA

Dirigida por: Mike Flanagan

Duración: 103 minutos

Género: Terror, Intriga

Un golpe con estilo

Hay momentos en los que a uno le apetece sentarse en sofá y disfrutar de una comedia sencilla y diferente, alejada al máximo de las típicas comedias de tópicos y risas enlatadas que hacemos en este país y de las comedias absurdas de adolescentes americanos. No os vamos a engañar, a veces cuestan de encontrar.

Por suerte, hace unos días y aprovechando una de esas veladas de bochorno en las que se está mejor en casa que en la calle, los del equipo nos encontramos, en el catálogo de Amazon Prime, con una cinta de 2017 que, pese a que pasó muy desapercibida cuando se estrenó, nos llamó poderosamente la atención: “Un golpe con estilo” y hoy os contaremos lo que nos pareció.

“Un golpe con estilo” empieza presentándonos a Joe (Michael Caine), un jubilado que entra en su banco de toda la vida para intentar solucionar el primer aviso de desahucio que pende sobre su casa. Durante la fría y distante charla de Joe con su gestor, el banco en atracado por tres hombres encapuchados que acaban llevándose más de millón y medio de dólares.

A la vuelta a su casa se lo cuenta a sus amigos y excompañeros de trabajo, Willie (Morgan Freeman) y Albert (Alan Arkin) quienes están en una situación económica más o menos parecida a la de Joe, pudiendo llegar justo a fin de mes ya que su pensión hace unos meses que no les llega con regularidad.

Días después, Joe, Willie y Albert son citados a una asamblea junto al resto de jubilados y trabajadores de su ex empresa. En dicha reunión les cuentan que debido a la grave situación que pasa la empresa, esta se ha vendido a otro grupo con lo que, todo el dinero de que disponen, incluidos los planes de pensiones pasarán a usarse para reestructurar la deuda de dicha empresa. Por mucho que protesten, nuestro trío protagonista de encuentra de la noche a la mañana sin ingresos.

A la vuelta a casa, dos noticias sacuden a Joe y a Willie respectivamente. Por un lado, Joe se encuentra la carta de desahucio definitivo, dándole un mes para solucionar el problema antes de verse él, su hija y su nieta en la indigencia, y por el otro, Willie descubre que está gravemente enfermo y que necesita un trasplante de riñón. Después de pensárselo mucho y de descubrir que es su propio banco quien ha comprado su ex empresa, los tres amigos deciden llevar a cabo un plan de lo más loco, robar su propio banco.

Después de un divertido pero a la vez intento fallido de robo en un supermercado, nuestros tres protagonistas deciden buscar ayuda y formación antes de lanzarse al gran robo. El día escogido, Joe, Willie y Albert, armados con pistolas de fogueo y disfrazados con caretas de goma llevan a cabo el gran robo, consiguiendo un botón de casi dos millones y medio de dólares.

Con todo, el FBI pronto les pone cerco y les detiene, aunque, como ya os podéis imaginar, no os contaremos como acaba “Un golpe con estilo”, por tanto si queréis saberlo, os tocará verla y disfrutarla. Con todo, lo que sí que os contaremos es nuestra visión más técnica sobre esta película.

En el apartado interpretativo es donde encontramos el principal as de “Un golpe con estilo” ya que con Michael Caine, Morgan Freeman y Alan Arkin dando vida al trio protagonista han acertado completamente. Los tres se hacen dueños y señores no solo de sus personajes sino que también de todo el peso de “Un golpe con estilo” y lo hacen además con solvencia y brillantez. En definitiva, bajo nuestro punto de vista, haberlos escogido fue todo un acierto.

Técnicamente “Un golpe con estilo” tiene algunas lagunas, la primera de ellas, es su ritmo narrativo ya que no es hasta bien entrada la segunda parte del metraje que uno se queda pillado ante la pantalla. Otra laguna está, sin ningún género de duda, en un guion que abusa en exceso de tópicos graciosos y de situaciones absurdamente cómicas que no encajan demasiado con la cinta ni con su temática.

Por todo lo que os hemos dicho, nuestra nota final para “Un golpe con estilo” es de un 6 sobre 10, aunque os la recomendamos totalmente para una tarde o velada de cine ligero y con sentido.

Título original: “Going in style” – USA – 2017

Dirigida por: Zach Braff

Duración: 96 minutos

Género: Comedia, Policiaca

Yo, Tonya

Si los últimos años hay un género que ha ganado terreno en el mundo del cine, obviando el de los superhéroes, este es el de los biopic (películas biográficas), y además lo ha hecho brillando tanto en calidad técnica como en aceptación de críticos y de público en general. Ejemplos de ello los tenemos, por ejemplo, en: “Bohemian Rhapsody”, “Vice”, “La reina Victoria y Abdul”, etc.

Aunque normalmente los biopic se centran en contarnos la vida de personas queridas o históricamente relevantes, en diciembre de 2017 llegó a nuestras pantallas “Yo, Tonya”, la cinta que nos cuenta la truculenta vida e historia de una de las deportistas más oscuras de Estados Unidos, la patinadora sobre hielo Tonya Harding.

“Yo, Tonya” empieza presentándonos a su protagonista, Tonya Harding (a quien da vida Margot Robbie) sentada frente a una modesta cocina y dispuesta a hablar de “su caso”. Para ello, Tonya empieza desde el principio, relatando sus inicios en el patinaje sobre hielo cuando era una niña de apenas 4 añitos.

A esa edad, la pequeña Tonya es llevada por primera vez a una pista de hielo de la mano de su madre, LaVona Golden (Allison Janney), una mujer dura, maltratadora y déspota que lleva con mano férrea a su desestructurada familia. Los insultos y agresiones de LaVona marcan los primeros años de la pequeña Harding en el mundo de patinaje, un mundo en el que, poco a poco va despuntando y en el cual LaVona empieza a ver una salida a su mediocre vida.

LaVona se vuelca en su hija, le diseña los trajes, se los fabrica, la acompaña a competiciones y, sobre todo, la presiona y agrede tanto física como psicológicamente llegando incluso a hacerle abandonar sus estudios para dedicarse en cuerpo y alma al patinaje donde, por otra parte, y debido a su complexión física, pronto empieza a experimentar algunas limitaciones.

En la adolescencia conoció a Jeff Gillooly (Sebastian Stan) un chico del que se enamoró y con quien a los 20 años se acabó casando y abandonando su casa materna. Desgraciadamente para Harding, la situación en su propia casa no mejoró mucho, ya que entre ambos se creó una relación totalmente enfermiza donde los malos tratos estuvieron en el orden del día durante los casi tres años que estuvieron casados.

En el punto máximo de su carrera profesional, Tonya logró convertirse en una de las únicas mujeres capaces de realizar el complicado salto triple Axel, lo cual le hizo ganar el campeonato de EE.UU., conseguir la plata en el Mundial y como no, el pasaporte a Albertville’92 donde pese a participar, no consiguió demasiado éxito empezando su declive personal y profesional.

Poco después, aparecía en escena una nueva rival, la joven Nancy Kerrigan quien cumplía con todos los requisitos de la Federación, de los anunciantes y disfrutaba del favor de los jueces. Misteriosamente al finalizar uno de los entrenos de los Nacionales, un desconocido relacionado con Jeff, el exmarido de Tonya, lesionó a Kerrigan impidiéndole la participación en el campeonato y su clasificación para Lillehammer’94.

¿Qué tenía que ver Tonya en la agresión?¿y Jeff? La película aclara algunos puntos, pero como la propia historia real, quedan muchos puntos en la oscuridad de esta turbia historia del deporte americano, y como no podía ser de otra forma, nosotros dejaremos aquí nuestro desglose argumental de la cinta.

Técnicamente “Yo, Tonya” es una película realmente remarcable, ya que, lejos de lo que sería habitual para un deportista, esta película biográfica se aleja totalmente de sus logros deportivos para centrarse en algo mucho más complicado, su auténtico relato psicológico para intentar explicar los motivos por los que Tonya Harding es como es, contándonos su sufrimiento por su situación personal en casa, por la actuación de los jueces contra ella, por la hipocresía de la sociedad, etc., y todo amenizado por una gotas de humor más que interesantes y necesarias en una historia tan dura.

En el apartado interpretativo, en “Yo, Tonya” nos encontramos con dos auténticas joyas, los trabajos de Margot Robbie dando vida a la atormentada Tonya Harding y el de Allison Janney dando vida a su madre, una mujer fracasada que no duda en maltratar a su hija para intentar que esta triunfe, un personaje odioso, aunque tan bien trabajado que uno acaba enganchándose a él. Sin lugar a duda, nuestro aplauso es para ellas dos.

Por todo lo que os hemos contado más por su banda sonora y su trepidante ritmo narrativo, os recomendamos totalmente ver “Yo, Tonya” a la cual le ponemos un 8/10 de nota final.

Título original: “I, Tonya” – 2017 – USA

Dirigida por: Craig Gillespie

Duración: 121 minutos

Género: Biográfica, Drama

Déjame salir (Get out)

Desde hace unos años, hablar de cine de terror es hablar de un terror que echa atrás a un gran número de espectadores, con zombis, mucha acción violenta y en la mayoría de ocasiones escenas sacadas directamente del cine gore. Por suerte, para este gran grupo de espectadores (entre el que nos incluimos), de vez en cuando llega a nuestras carteleras alguna apuesta de terror que vuelve a unir los elementos clásicos de este género, el suspense y el thriller.

En 2017 llegó a nuestras carteleras una película que sorprendió a muchos, cosechando además de buenos datos de recaudación, una muy buena aceptación tanto de crítica profesional como de espectadores, os estamos hablando de “Get out” (en España estrenada como “Déjame salir”).

“Déjame salir” empieza presentándonos a Chris (Daniel Kaluuya) un joven fotógrafo afroamericano y a su novia Rose Armitage (Allison Williams), quienes son invitados a pasar un fin de semana en el rancho familiar de los padres de Rose con la intención de conocer a su futuro yerno.

Pese a ser un paso adelante en su incipiente relación (Chris y Rose llevan apenas tres meses saliendo juntos), Chris, de entrada se muestra reticente ya que Rose no les ha dicho a sus padres que él es afroamericano. Rose le tranquiliza diciéndole que sus padres no son para nada racistas, con lo que, y pese a mantener algunas dudas, acaba aceptando la invitación.

El encuentro con Dean y Missy (los padres de Rose) no deja de sorprender a Chris, ya que ambos se muestran excesivamente complacientes con él, aunque lo acaba achacando a la situación de nerviosismo que comporta conocerse mutuamente. El primer choque real se produce con la llegada del alocado hermano de Rose, Jeremy (Caleb Landry Jones) quien no duda ni un momento en sacar a relucir sus comentarios más racistas.

Por si no fuera poco, y para sorpresa de la pareja, los Armitage han organizado para ese fin de semana, la reunión anual de amigos y conocidos en honor del abuelo de Rose, llenándose la casa de los más variopintos personajes, mientras los únicos negros de la casa a excepción de Chris, el jardinero y la criada, empiezan a comportarse de forma rara.

A partir de este momento la trama de “Déjame salir” entra en una dinámica claramente ascendente, con una mezcla de emocionantes y a la vez, aterradores descubrimientos que llevarán a Chris al borde de la locura en un sorprendente final el cual, y como bien os podéis imaginar, no os contaremos en esta crítica.

Pese a que con “Déjame salir” estamos ante la ópera prima de Jordan Peele, un hombre conocido, sobre todo, por su faceta cómica, os diremos que gracias a su trabajado desarrollo argumental con una mezcla cuidada de humor, denuncia social y buen thriller, consigue mantener al espectador totalmente pegado a la pantalla, sufriendo en cada descubrimiento de su protagonista hasta el sorprendente desenlace final. Sin lugar a duda, “Déjame salir” es un magnífico ejemplo de thriller psicológico.

Desde el punto de vista interpretativo os diremos que, a los miembros de este equipo nos ha encantado el trabajo de Daniel Kaluuya, un hombre que es capaz de transmitirnos la complejidad de su personaje, un hombre marcado por un trauma racista en su infancia que debe enfrentarse a una más que compleja situación en el presente, y hacerlo además, implicándonos en sus descubrimientos y haciéndonos sufrir con él. Sin lugar a dudas, un gran acierto. En cuanto al resto de casting, destacar también el trabajo de Allison Williams dando vida a una aparentemente novia perfecta capaz de hacer que la aplaudamos justo antes de querer matarla. Muy bien también para ella.

Para los miembros de este equipo, los cuales somos muy poco fans del cine de terror entendido como el cine de zombis o el gore puro, “Déjame salir” nos ha parecido una cinta que, no solo cumple con su objetivo de engancharnos y hacernos sufrir, sino que además nos ha hecho pensar por como fotografía el racismo en la sociedad norteamericana actual. Por todo esto, nuestra nota final para “Déjame salir” es de un 7.5 sobre 10.

Título original: “Get out” – 2017 – USA

Dirigida por: Jordan Peele

Duración: 103 minutos

Género: Thriller,Terror

Errementari: el herrero y el diablo

Hay ocasiones en que las carteleras de nuestros cines parecen vivir una época de sequía, con títulos excesivamente desconocidos, o excesivamente comerciales, o plagados de secuelas y precuelas ciertamente poco interesantes, en otras ocasiones sucede radicalmente al contrario, plagándose de tantos buenos estrenos que resulta imposible seguirlos todos. Durante una de estas épocas, se estrenó la película que hoy os queremos comentar en este rincón, la cinta española “Errementari: el herrero y el diablo”.

“Errementari: el herrero y el diablo”, aunque se estrenó en octubre del 2017, llegó a nuestras pantallas a comienzos de marzo de 2018, y está inspirada en el cuento popular vasco “Patxi Errementaria (Patxi el Herrero)”.

Como los miembros de este equipo no pudimos disfrutarla en pantalla grande, lo hemos hecho desde la comodidad de nuestro sofá y en formato digital, y hoy os vamos a contar nuestras sensaciones sobre ella.

“Errementari” empieza situándonos en uno de los envites de la Primera Guerra Carlista acontecido en un paraje de la llanura alavesa en 1833. Durante esa acción, un pelotón de fusilamiento ajusticia a tres lugareños, aunque algo sale mal, y el escuadrón Carlista acaba siendo el ajusticiado por un hombre con una fuerza descomunal.

Ocho años después y ya con la tranquilidad de la paz, se nos presenta a una de las protagonistas de la historia, Usue (Uma Bracaglia), una niña huérfana de unos 8 años y con una extraña quemadura en la cara. Usue vive marcada por sus diferencias y es el blanco de las bromas y agresiones del resto de niños del pueblo.

Un día, el pequeño pueblo se ve trastornado por la llegada de un extraño, un comisario del gobierno llamado Alfredo (interpretado por Ramón Aguirre) quien investiga un extraño suceso que apunta a un recóndito lugar cercano al pueblo, la vieja herrería del pueblo, un lugar extraño, inhóspito y habitado por un terrorífico y solitario herrero llamado Patxi (Kandido Uranga).

De entrada los lugareños no quieren saber nada del caso, ya que las historias de brutalidad, desapariciones y violencia relacionadas con el herrero están en el orden día, aunque claro, la noticia de que se está buscando una gran cantidad de oro desaparecida durante la guerra Carlista, hace cambiar la situación.

Paralelamente, y debido a una agresión de dos niños, Usue se ve obligada a entrar en la vieja herrería descubriendo el gran secreto que guarda el viejo y huraño Patxi y que está relacionado con Sartael (interpretado por Eneko Sadardoy), un demonio algo patoso que el viejo Patxi mantiene recluido, pero ¿por qué un herrero mantiene preso a un demonio? Nosotros evidentemente lo sabemos, pero como ya os podéis imaginar, no os lo contaremos aquí, ya que merece mucho la pena descubrirlo en “Errementari: el herrero y el diablo”.

Técnicamente “Errementari: el herrero y el diablo” nos ha parecido una película brillante, tanto estética como argumentalmente. No os vamos a engañar, estéticamente, Paul Urkijo (el director de la cinta) ha conseguido en este, su primer largometraje, superar incluso al maestro Tim Burton y claro, con muchísimos menos recursos, creando una ambientación tenebrosa, cargada de luces (con ese rojo diabólico apareciendo en algunas escenas), colores y sombras para crear la magia necesaria para hacernos disfrutar de esta aventura. Argumentalmente tampoco se queda muy atrás, ya que se consigue llevar un cuento sobre demonios a una auténtica cinta para adultos con acción y fábula incluida.

Interpretativamente hablando, aunque “Errementari: el herrero y el diablo” no tiene ningún personaje realmente brillante, sí que nos gustaría remarcar el camaleónico papel que desarrolla el joven Eneko Sadardoy, el del demonio Sartael, son su mezcla de maldad, inocencia, torpeza y a la vez crueldad. El resto de casting, sin lugar a dudas, acertado aunque no sobresaliente.

A los del equipo nos encantó la fábula de “Errementari” y su juego sobre el bien y el mal, y disfrutamos totalmente durante la casi hora y media de su metraje, por tanto, y por todo lo que os hemos contado, nuestra nota final para “Errementari: el herrero y el diablo” es de un 7 sobre 10.

Título original: “Errementari” – España – 2017

Dirigida por: Paul Urkijo

Duración: 96 minutos

Género: Fantástico

The Sinner - Temporada 1

El pasado 2017 llegó a nuestras pantallas una serie que, por su inicio y desarrollo, llamó y mucho la atención, “The Sinner”. Se trataba, inicialmente, de una serie de una única temporada y ocho capítulos de 45 minutos de duración que narraba la investigación de un curioso asesinado.

“The Sinner” empieza presentándonos a Cora Tannetti (interpretada por Jessica Biel) pasando un día en la playa de un lago con su marido, Mason Tanneti (Christopher Abbott) y su hijo. Todo parece desarrollarse con normalidad, hasta que en un arrebato, Cora se abalanza sobre un extraño que igual que ellos estaba en la playa del lago y lo apuñala con saña hasta matarlo.

Cora es detenida sin problemas en el mismo lugar del crimen, aunque pronto, el detective Harry Ambrose (Bill Pullman) ve algo que no le acaba de encajar: “¿por qué una madre sin problemas aparentes apuñala brutalmente a un desconocido ante su propia familia?”

Con este punto de partida, uno tiene claro que estamos ante una serie con un toque distinto, ya que, no puede ser tan fácil como parece, y aunque Cora Tannetti es, evidentemente la asesina, ¿qué móvil tenía?

Ya en los primeros pasos de la investigación, al detective Ambrose hay algo que no le cuadra, por tanto, y contradiciendo las pruebas más evidentes, intenta convencer al juez y sus compañeros para indagar en los motivos de Cora, descubriendo a cada paso, una pieza más de un complejo rompecabezas.

Entre estas piezas de dicho rompecabezas del asesinato se destapan múltiples mentiras, situaciones del pasado y sobre todo, un sorprendente mundo de subtramas argumentales ciertamente interesantes y que, en casi ningún caso, uno se puede esperar cuando empieza la primera temporada de “The Sinner”.

Técnicamente “The Sinner” es una serie sorprendente, tanto desde el punto de vista del montaje como del desarrollo argumental. “The Sinner” realmente es una serie difícil de catalogar, ya que ni es un thriller ni es un drama al uso, pero a la vez, tiene ambos géneros en sus genes. Bajo la premisa del thriller clásico, los creadores de “The Sinner” nos van induciendo el drama de sus protagonistas, tanto de Cora como de Ambrose y todo contado con un ritmo, por momentos, extremadamente lento y sin grandes escenas de acción.

Desde el punto de vista interpretativo “The Sinner” nos ha dejado bastante fríos, ya que, aunque entre Jessica Biel y Bill Pullman la química es total, los personajes de ambos son excesivamente fríos. Cora (Biel), es un personaje que desprende una extraña mezcla en la más profunda aversión y, por momentos, empatía, pero en ningún caso se llega a ese punto quererla u odiarla profundamente, y el detective Harry Ambrose es un personaje tan sumido en sus propios dramas que, por momentos, se hace insoportable. Sobre el resto de casting, poco a decir, ya que quedan totalmente difuminados.

Los ocho capítulos de esta primera temporada de “The Sinner” son más que suficientes para contarnos la historia que pretende, abriendo y cerrando todas sus tramas y subtramas, es decir, tiene todo lo que tiene que tener y le sobra más bien poco, dejando la serie totalmente cerrada, aunque este 2018, llegue una nueva temporada de la misma.

Por todo lo que os hemos contado y bajo nuestro punto de vista, nuestra nota final para “The Sinner” es de un 6 sobre 10.

“The Sinner” – USA

Género: Drama, Thriller

Año de creación: 2017

Capítulos: 8 (en una temporada)

13 Reasons Why - Temporada 1

Nadie en su sano juicio puede negar el poder comunicación, difusión (y desgraciadamente, en algunos a casos adoctrinamiento) de la televisión en el mundo actual. Aprovechándose de la comodidad y seguridad que transpiran nuestras respectivas casas, los temas más candentes de la actualidad nos llegan desde la pequeña pantalla como flechas.

Dentro de este ámbito de difusión de temas de máxima actualidad, el pasado marzo de 2017, Netflix, el gigante americano de streaming sorprendió a todo el mundo con una dura serie basada en la novela homónima de Jay Asher publicada en 2007, “13 Reasons Why” / “Por trece razones”, y hoy, desde este rincón os contaremos nuestra impresiones sobre la primera temporada de dicha serie.

La trama de “Por trece razones” nos desplaza a la ciudad imaginaria de Evergreen en el norte de California. Allí nos encontramos con Clay Jensen (Dylan Ninnette) un joven de 17 años quien, un día, al volver del instituto se encuentra en su jardín con una caja con 7 cintas de casete.

Sorprendido se pone a escucharlas y descubre que han sido grabadas por su amiga y recientemente fallecida Hannah Baker (Katherine Langford). Las cintas tienen un curioso contenido, cada cara de las mismas está dedica a una persona cercana a Hannah que, de alguna manera u otra tuvo un papel importante en la decisión de suicidarse de su amiga.

Cinta a cinta, y narrado por la propia Hannah, van pasando amigos y compañeros de clase: Justin Foley, el chico con el que se dio el primer beso, Jessica, una de las animadoras del equipo de baseball quien le otorgó el título de “Mejor culo del instituto”, Alex quien ayuda a incrementar su mala reputación, Tyler que le acosa para hacerle fotos, tanto en el instituto como en su casa, Courtney un chica lesbiana que está muy cómoda en su armario y no duda en mentir sobre ella, Marcus quien intenta propasarse dejándola de facilona, Zach el segundo estrella del instituto quien se molesta mucho cuando ella le rechaza, Ryan un alumno del taller de poesía que le roba un poema personal y además lo publica, el propio Clay quien no hizo nada en su contra pero le dedica una cinta en modo de disculpa, Bryce la estrella del equipo de baseball que abusa de ella y finalmente el Sr.Porter, el consejero del instituto a quien intenta pedir ayuda pero no la recibe.

Técnicamente, para los miembros de este equipo os diremos que “13 Reasons Why” es una de las series más brillantes que hemos visto los últimos años, mezclando unos bien organizados flash-back para contarnos cada motivo y personaje que indujo a Hannah al suicido mientras en la actualidad, las reacciones a las grabaciones y las propias tramas del día a día se van entrelazando como un traje a medida, haciéndolo además con un ritmo vivo y adictivo. Un trabajo, bajo nuestro punto de vista, sencillamente excelente.

Desde el punto de vista interpretativo, ninguna queja del casting escogido, ya que tanto Dylan Ninnette como Katherine Langford dando vida, respectivamente, a Clay Jensen y Hannah Baker, como el resto de actores (jóvenes y adultos) consiguen transmitirnos que son de carne y hueso, lejos de los típicos personajes de adolescentes americanos, honestos y a veces, incluso, demasiado reales.

No os vamos a engañar, si alguien aún pretende ver “13 Reasons Why” para ver problemas triviales de adolescentes, esta no es su serie, ya que aquí lo que uno se encuentra es una dura visión del bullying, realista, explícita (por momentos demasiado) y emocional. Con todo, “13 Reasons Why” (temporada 1) es una de esas series que todo el mundo debería ver, como mínimo una vez en la vida.

Nuestra nota final para “13 Reasons Why” (temporada 1)  es de un 8.5 sobre 10.

Título original:  "13 Reasons Why " – Estados Unidos

Género: Drama, Adolescente

Año de creación: 2017

Año de finalización: 2019 (tercera temporada)

Capítulos: 39 (en tres temporadas)

Girlboss

En los casi tres años que lleva el gigante de streaming en España, los cumplirá el 20 de octubre de 2018, hemos vivido una auténtica revolución en la forma de ver y entender la televisión, sobre todo para los amantes de las series.

Los miembros de este equipo, como amantes del séptimo arte en general y de las series en particular, acabamos sucumbiendo a Netflix y al placer de controlar nuestro propio ritmo de visualización de las series y obviamente, sin anuncios.

Como os comentamos en nuestra entrada sobre “The end of the f***ing world”, son tantas ya las series que hemos disfrutado desde que tenemos Netflix que, poco a poco, iremos alimentando nuestra, hasta el momento, austera sección de críticas de series.

Hoy os queremos hablar de “Girlboss”, una serie inspirada en la novela homónima (publicada en 2014) que narra la vida de Sophia Amoruso, la creadora de la firma “Nasty Gal”. Para esta adaptación, la protagonista de la historia, se llama Sophia Marlowe y es interpretada por Britt Robertson.

La historia de “Girlboss” nos desplaza a la California del año 2006. Por esa época Sophia era una joven de poco más de 20 años, audaz, impertinente y rebelde hasta límites insospechados. Durante los primeros compases de la trama, Sophia descubre que tiene una hernia en la ingle provocando que tenga que buscarse la vida para tener un buen tratamiento.

Como es de dominio público, en USA no hay Seguridad Social por lo que Sophia se ve en la obligación de encontrar un trabajo en el que no la despidan y que además le proporcione un buen seguro médico. Aún y no estando muy convencida, la protagonista de la historia acaba aceptando el trabajo de portera en la Academia de Arte de San Francisco.

Como buena emprendedora, Sophia pronto ve la posibilidad de poner en marcha un negocio bajo una premisa bien sencilla, comprar ropa vieja y con un pequeño arreglo convertirla en “vintage” antes de revenderla con el consiguiente beneficio.

Después de darle muchas vueltas, acaba creando en la plataforma eBay una tienda llamada “Nasty Gal Vintage”. Las primera subastas van viento en popa ganando grandes sumas de dinero, por lo que poco a poco se sumerge en la búsqueda y selección de las prendas adecuadas.

Evidentemente el trabajo es duro, y no siempre obtiene las recompensas que ella espera, pero con la ayuda de su fiel (y posiblemente única) amiga Annie (Ellie Reed) se va enfrentando a las pequeñas frustraciones que el negocio y la vida le deparan.

Durante el desarrollo de la trama, podremos ver desde el crecimiento de “Nasty Gal vintage”, hasta su enfrentamiento con eBay pasando por unas pinceladas de su vida personal para intentar mostrarnos el motivo de su peculiar carácter. Con todo, y aunque la historia de la dueña de “Nasty Gal vintage” sea de dominio público, nosotros dejaremos aquí nuestro desglose argumental de “Girlboss”.

Interpretativamente nos gustaría resaltar quizá el, para nosotros, aspecto más frío de “Girlboss” que no es otro que el trabajo de Britt Robertson dando vida al complejo personaje de Sophia Marlowe. Bajo nuestro punto de vista, Robertson lo consigue sólo en parte, ya que en ningún momento acaba de hacer creíble su interpretación, ni en los momentos más cómicos de su vida, ni en las situaciones más odiosas. En este sentido, bajo nuestro punto de vista, el trabajo de los segundarios, con Ellie Reed en cabeza es bastante mejor que el de la propia protagonista.

Técnicamente “Girlboss” intenta reflejar, al igual que hizo en su momento la gran película “El Diablo viste de Prada”, la selva que es el mundo de la moda, en esta ocasión mezclándolo con los inicios del comercio online. Con todo, y a diferencia de la historia que nos contaba la primera de Miranda Priestly, en esta “Girlboss”, quizá, se centra en exceso en la terquedad, la insolencia, la falta de empatía con todo el mundo de Sophia Marlowe,

No os vamos a engañar, “Girlboss” es una comedia biográfica complicada que no nos acabó de enganchar, aunque tampoco nos disgustó. Con todo, nos quedaremos sin saber si Sophia Marlowe continuaba luchando y pisando a gente hasta entrar en la lista de las 400 personas más ricas de USA (como consiguió Sophia Amoruso), ya que Netflix decidió cancelar la serie después de la primera temporada.

Por todo lo que os hemos contado, nuestra nota final para “Girlboss” es de un 5 sobre 10.

Título original:  " Girlboss " – USA

Género: Comedia, Drama, Biográfica

Año de creación: 2017

Año de finalización: 2017

Capítulos: 13