Lilo & Stitch

Si una cosa nos enseñó Walt Disney es que, cuando a un creador se le agotan las ideas, siempre puede encontrar una chistera de la que sacar otro conejo -o mejor dicho-, otra historia capaz de sorprender al mundo y dejar huella en la cultura popular.

 

Más de cien años después, su heredera más brillante, “The Walt Disney Company”, continúa recorriendo el camino que él inició. Pero, sin el genio ni la capacidad creativa de su fundador, desde hace ya algunos años ha optado por otra estrategia: comprar a la competencia (20th Century Fox, Lucasfilm, Pixar, Marvel…), exprimir sus propias franquicias con secuelas y precuelas, y trasladar sus clásicos a formato live action.

 

Quizá alguno se pregunte: ¿qué es exactamente el live action? Se trata de una técnica cinematográfica que lleva a la pantalla historias filmadas con actores reales, en escenarios que pueden ser físicos o generados digitalmente (a menudo con un uso intensivo -cuando no abusivo- de CGI).

 

Disney ha recurrido al live action para adaptar, con recursos desiguales, varios de sus grandes clásicos: “Aladdin”, "Mulan", “Dumbo”, “Alicia en el país de las maravillas”, “El rey León”, “La sirenita” y, más recientemente, la película de la que os vamos a hablar a continuación: “Lilo & Stitch”.

 

“Lilo & Stitch” nos sitúa primero en el lejano planeta Turo, donde se celebra el juicio contra el Dr. Jumba por haber creado una criatura ilegal: el experimento 626, un ser extremadamente agresivo, con gran capacidad de aprendizaje y prácticamente indestructible. El veredicto es claro: el doctor será encarcelado y la criatura, exiliada.

 

Sin embargo, 626 logra escapar utilizando su instinto de supervivencia: roba una nave de patrulla y huye, precipitándose accidentalmente hacia la Tierra, donde termina estrellándose en la isla hawaiana de Kauai. Sin tiempo que perder, la Gran Consejera de Turo envía al doctor y un agente a la captura de la criatura.

 

Ya en Hawái, la historia nos presenta a la otra gran protagonista: Lilo Pelekai (interpretada por Maia Kealoha), una niña de seis años que vive con su hermana mayor, Nani, tras la muerte de sus padres. Lilo es imaginativa, impulsiva, y sus compañeras la consideran “rara”.

 

Tras un incidente, Lilo y Nani reciben la visita de su trabajadora social, quien advierte a Nani que, si en el plazo de una semana no consigue estabilizar su situación y cumplir con sus responsabilidades, su pequeña hermana será separada de ella.

 

Decididas a mejorar las cosas, lo primero que hacen es ir a la perrera para que Lilo adopte una mascota… pero en lugar de un perro, encuentra al mismísimo experimento 626. Ella lo rebautiza inmediatamente como Stitch y, sin pensarlo, se lo lleva a casa.

 

La convivencia entre Lilo y Stitch provoca una cadena de desastres que ponen a Nani al límite, hasta el punto de perder su trabajo por culpa de las travesuras del dúo. Con todo, consigue un nuevo empleo como monitora de surf.

 

Lilo y Stitch preparándose para una nueva trastada

Entre accidentes, caos y tensiones familiares, hay un punto de ruptura: durante su última noche juntas, Stitch comprende que es él quien está causando todo el sufrimiento. Decide marcharse por voluntad propia y regresa al refugio de animales, donde es capturado.

 

El Dr. Jumba lo sube a su nave para borrarle la memoria, pero Lilo aparece para rescatarlo. Ambos terminan cayendo al fondo del océano: Lilo es salvada a tiempo, mientras Stitch, incapaz de nadar, se hunde… hasta que Nani lo rescata montada en su tabla de surf.

 

¿El final? Bueno, mejor lo dejamos aquí. Hay cosas que siguen mereciendo ser descubiertas en la pantalla.

 

Técnicamente, esta versión en live action de la película animada de 2002 llega con una intención clara: actualizar ciertos elementos técnicos y narrativos, tratando al mismo tiempo de conservar el espíritu del original. El uso de CGI, aunque por momentos resulta algo excesivo, ofrece un resultado final más que aceptable y con un aire muy orientado al público familiar.

 

Visualmente, destaca la ambientación hawaiana y la integración entre actores reales y los efectos CGI, lo que da lugar a algunas escenas simpáticas y bien resueltas.

 

En cuanto a la trama, poco hay que añadir: si ya visteis la versión animada de “Lilo & Stitch”, esta nueva apenas os aportará novedades salvo quizá, algún gag o broma.

 

Interpretativamente os diremos que lo más destacable es el trabajo de la joven Maia Kealoha, que aporta frescura y credibilidad a su personaje, aunque en conjunto el reparto cumple sin llegar a brillar.

 

En resumen, podríamos decir que esta versión de “Lilo & Stitch” es una película agradable y familiar, pensada como un entretenimiento ligero que se deja ver con agrado pero sin sorpresas.

 

Por todo lo que os hemos contado, nuestra nota final para esta versión de “Lilo & Stitch” es de un 6 sobre 10.

 

 

Título original: “Lilo & Stitch” – USA – 2025

Duración: 105 minutos

Dirigida por: Dean Fleischer-Camp

Género: Secuela, ficción, comedia

 

   

El efecto mariposa

Muchas veces, cuando oímos una noticia del otro lado del mundo, pensamos que “eso a nosotros no nos afecta”. La verdad es que, en un mundo tan globalizado como el que vivimos, las distancia son tan cortas que podríamos decir que vivimos en un pañuelo y por lo tanto, sí nos afectan todas las cosas.

 

Dice un proverbio chico que “El leve aleteo de una mariposa puede sentirse al otro lado del mundo”, este proverbio, forma parte de lo que se conoce como “la teoría del Caos” y nos viene a decir que si en un sistema se le provoca una pequeña perturbación, con el paso del tiempo acabará generando un efecto considerablemente grande.

 

A medidos del pasado siglo XX, el novelista Ray Bradbury creó un relato, dentro del género de la ciencia ficción, en el que, durante un viaje al pasado, la muerte de una mariposa provocaba grandes cambios en su presente lo que acaba llevándonos a lo que conocemos como “paradojas del tiempo”.

 

Explorando este mundo, en 2004 se estrenó en el Festival de Cine de Sundance la cinta de ciencia ficción con toques de drama “El efecto mariposa”.

 

“El efecto mariposa” empieza desplazándonos unos 13 años atrás para presentarnos al preadolescente Evan Treborn, un chico que sufre de extrañas y repentinas perdidas de memoria, siempre cuando está sometido a momentos de tensión y/o traumáticos.

 

Evan está casi siempre con tres amigos, Kayleigh, una chica por la que siente una atracción especial, Tommy el violento hermano de Kayleigh y Lenny, un chico inseguro, callado y frágil.

 

Aunque parezca mentira, Evan, durante su infancia tiene que enfrentarse a los siguientes hechos traumáticos: un intento de estrangulamiento por parte de su padre (un enfermo mental encerrado en un psiquiátrico), un abuso sexual, cuando el padre de Kayleigh le obliga a tener relaciones sexuales con la pequeña, el asesinato de una madre y su bebé cuando los cuatro jugaban con dinamita y finalmente a presenciar la muerte de su perro, quemado vivo por Tommy.

 

En cada una de esta ocasiones, Evan sufre de un apagón de memoria preocupando tanto a su familia como a los médicos que lo tratan. Por recomendación de su médico Evan empieza a escribir un diario para documentar su vida y sus apagones.

 

Tras todos los eventos traumáticos que sufre Evan, él y su madre deciden mudarse a otra ciudad no sin antes prometerle a Kayleigh que volverá a por ella.

 

Años más tarde, con Evan (ahora ya interpretado por Ashton Kutcher) ya en la Universidad y con un prometedor futuro como médico, su pasado y promesa parece haber quedado en el olvido pese a que, lleva varios años sin ningún apagón.

Evan leyendo los diarios para volver al pasado

 

Un día, con una cita en la habitación, descubre que, cuando lee su diario puede viajar en el tiempo, justo hasta el momento del accidente lo que provoca que pueda vivirlo de nuevo, rehaciendo así su pasado. Como consecuencia, cuando vuelve al presente, debe someterse a un gran sufrimiento ya que, en pocos minutos toda su memoria se debe reescribir con la nueva realidad.

 

En uno de estos cambios descubre que Kayleigh se suicida, provocando que Evan vuelva al pasado para intentar que su padre no abuse de ella, y este preste más atención al violento de Tommy. A su regreso, en el nuevo presente él y Kayleigh son novios y Tommy está tan desquiciado que está en internamiento. Con todo, un día escapa y ataca a Evan provocando que este le mate en un ataque de ira.

 

Mientras está internado, vuelve al pasado, justo en el momento que Tommy quiere quemar vivo al perro de Evan, pero acaba provocando que Lenny mate a Tommy. En el nuevo presente, Lenny está internado en un psiquiátrico y Kayleigh es una prostituta drogadicta.

 

Un nuevo viaje al pasado, y un nuevo presente o incluso dos, le esperan a Evan, pero eso, nos lo guardaremos celosamente.

 

Técnicamente os diremos que “El efecto mariposa” nos ha sorprendido muy gratamente ya que, se aleja de una película de ciencia ficción para acercarse al thriller psicológico, lo cual consigue en base a una premisa original, los viajes al pasado no se realizan físicamente, solo a nivel de conciencia, pero pese a esos cambia el presente o mejor dicho, abre una nueva línea de realidad temporal.

 

El argumento de “El efecto mariposa” sigue un esquema totalmente clásico, con tres partes claramente diferenciadas, el planteamiento (con la presentación de los traumas infantiles), el desarrollo (con el descubrimiento de los saltos en el tiempo y sus consecuencias) y el clímax (cómo y qué decide Evan para el desenlace de la historia).

 

Con todo, la narración no lineal y los constantes saltos en el tiempo mostrándonos realidades alternativas con muy pequeños cambios en el pasado, convierte “El efecto mariposa” con una película que, casi podemos considerar como un clásico.

 

Interpretativamente os diremos que “El efecto mariposa” no cuenta con grandes interpretaciones, aunque a nosotros nos ha parecido muy significativa la de Ashton Kutcher, un actor que en esta película tenía su primer gran papel dramático y lo hace con una acertada mezcla en su personaje de desconcierto, contención emocional, angustia, dolor … Muy buena. Sobre el resto de los trabajos, muy poco a decir, ya que son meros secundarios sin demasiada definición.

 

 

Podemos entender “El efecto mariposa” como una parábola sobre el deseo del ser humano de controlar el tiempo y de dominar el destino. Pero al final, nos enseña muy gráficamente que cada cambio tiene un precio, y que aceptar nuestras limitaciones es la única forma de paz.

 

Por todo lo que os hemos contado, nuestra nota final para “El efecto mariposa” es de un 7.5 sobre 10.

 

 

 

 

 

Título original: “The butterfly effect” – USA – 2004

Duración: 113 minutos

Dirección: Eric Bress

Género: Drama, thriller, psicológico

Alice in Borderland - Temporada 1

Desde hace unos años, las películas y series distópicas se multiplican en todas y cada una de las plataformas de streaming. La mayoría de ellas presentándonos mundos postapocalípticos, repletos de extraterrestres o zombis que quieren acabar sí o sí con la humanidad.

 

Pero ¿Qué pasaría si a esta idea de un mundo distópico se le da un toque de crítica social, se eliminan los muertos vivientes y se convierte una gran ciudad en un tablero de juego donde los supervivientes luchan para conseguir visas o días de vida?

 

Adaptando el manga o novela gráfica homónima de Haro Aso, en diciembre de 2020 llegó al catálogo de Netflix la serie “Alice in Borderland” convirtiéndose muy pronto en todo un fenómeno global al mezclar grandes dosis de acción, emoción con el miedo a la muerte y la supervivencia.

 

Sí, en esta entrada os contaremos nuestra opción sobre la primera temporada de “Alice in Borderland”.

 

“Alice in Borderland” empieza desplazándonos a Tokio para presentarnos a Arisu (interpretado por Kento Yamazaki), un joven apático y obsesionado con los videojuegos, y dos amigos suyos Karube y Chota. Los tres, un tanto marginados socialmente por su forma de vivir la vida acaban escondidos en un baño escapando de la policía, en ese momento, los tres son trasladados a una versión desolada de Tokio.

 

Pronto descubren que, en este nuevo mundo paralelo deberán disputar juegos mortales en los que, si los superan, ganarán días de “visa”. Cada juego, se identifica con una carta de la baraja, el número de la cual representará el número de días de visa que tendrá el usuario superviviente.

 

Los palos de las cartas identifican el tipo de juego, siendo por ejemplo, juegos de inteligencia, de cooperación, físicos o psicológicos.

 

Ya desde el primer capítulo, “Alice in Borderland” nos sumerge en un tono intenso, misterioso y sobre todo, opresivo, donde la adrenalina se mezcla con una reflexión sobre el valor de la vida, la amistad y el sentimiento de culpa.

 

El grupo de Arisu, Karube y Chota se mantiene hasta el desenlace del tercer juego, donde tras un momento de gran tensión, los amigos de Arisu se alían para que este sobreviva sacrificándose en el juego de “el lobo”.

 

A partir de este punto, Arisu, psicológicamente muy tocado, se alía con Usagi (a quien da vida Tao Tsuchiya), una chica fuerte e independiente que se convierte en su otra cara de la moneda. Arisu y Usagi deciden ir a buscar lo que, en “Borderland” se conoce como “La playa”, una especie de remanso de paz en la que muchos jugadores viven entre juegos.

 

Con todo, al poco de llegar allí, se desencadena una lucha de poder y control en “la playa”, esta lucha de poder, además de un cambio de líder supone que se lance un nuevo juego de categoría “10 de corazones”, es decir, psicológico de gran dureza.

 

Arisu y Usagi enfrentándose a un juego mortal

Este juego desencadena una auténtica masacre, donde gran parte de los habitantes de la playa acaba en la hoguera (literalmente).

 

Al final, y en plena calma tras la masacre, Arisu y Usagi descubren que, los “game masters” son antiguos jugadores… aunque eso no es todo, ya que pronto se iniciarán nuevos juegos, una segunda fase con juegos que se identificarán con las figuras (J, Q, K) de la baraja.

 

Mucha gente compara “Alice in Borderland” con “El juego del Calamar”, aunque son series un tanto diferentes, aunque ambas usen juegos mortales para poner a prueba a sus protagonistas.

 

Narrativamente os diremos que “Alice in Borderland” combina perfectamente la sucesión de juegos con el desarrollo emocional y psicológico de sus protagonistas (los secundarios quedan mucho más difuminados). El ritmo vibrante de las tramas consigue que uno empatice con sus protagonistas, sus traumas y sus decisiones.

 

Más allá de las pruebas de supervivencia, “Alice in Borderland” explora y se sumerge en temas tan diferentes, y por momentos, tan poco habituales en la sociedad actual como: el vacío existencial de nuestra juventud, el valor del sacrificio frente a la competitividad y sobre todo, lo hace usando la metáfora del videojuego como reflejo de la vida moderna (un juega y juega sin parar a pensar y entender las reglas).

 

A nivel interpretativo os diremos que, pese a no conocerlos previamente, nos ha gustado bastante el trabajo de sus dos protagonistas, Kento Yamazaki y Tao Tsuchiya dando vida a Arisu y Usagi respectivamente. Yamazaki nos has encantado transmitiendo todo un conjunto de emociones, desde la frustración hasta el sentimiento de culpa sin olvidar nunca la justicia y la lucha.

 

Sin lugar a duda “Alice in Borderland” nos ha parecido una gran serie, un thriller adictivo, visualmente impactante y con una historia más profunda de lo que uno imagina, y todo esto manteniendo una tensión incremental hasta el clímax final.

 

Por todo lo que os hemos contado, nuestra nota final para esta primera temporada de “Alice in Borderland” es de un 8 sobre 10.

 

 

 

 

Título original: “Alice in Borderland” – 2020 – Japón

Año de creación: 2020

Año de finalización: 2020 (primera temporada)

Duración: 8 capítulos (de 45 a 55 minutos)

 

 

 

 

 

 

  

Wolfs

Si hay un trabajo en casa y fuera de ella que es, por norma general poco agradecido y a veces incluso desagradable es el de la limpieza. Sí, tenemos que asumirlo, aunque a una inmensa mayoría nos encante vivir en un casa o una ciudad limpia, limpiar carece de valoración y para colmo de los colmos, dura limpio entre poco y nada.

 

En el mundo del cine, los limpiadores han tenido muy poca presencia (más allá del mundo de las criadas), de hecho, ahora mismo sólo nos acordamos de Elisa (en “La forma del agua”).

 

Hoy en este rincón nos queremos adentrar en el mundo de unos limpiadores un poco diferentes, los “fixers”, unos profesionales que se dedican tanto a solucionar problemas como a limpiar la escena de un crimen. Y para ello nos centraremos en una película de 2024 dirigida por Jon Watts, “Wolfs”.

 

“Wolfs” empieza desplazándonos a una lujosa habitación hotel, donde nos encontramos con Margaret, una política presa del pánico ya que, el joven con que subió de incógnito a la habitación yace muerto al lado de la cama.

 

Tras una llamada de la mujer, aparece en la habitación un hombre (George Clooney) quien se dispone a iniciar la limpieza cuando, un nuevo hombre entra en la habitación (Brad Pitt), también “fixer” o limpiador, en esta ocasión enviado por el propio hotel.

 

El choque entre ambos es total ya que, para nada quieren trabajar conjuntamente (son como dos gallos en un corral, con dos estilos diferentes, dos formas de trabajar diferentes y sobre todo, dos actitudes diferentes) aunque algo les hace cambiar de idea, que están grabados en las cámaras de seguridad y que el joven tenía una buena cantidad de drogas en su bolso.

 

Mientras trasladan el cuerpo del joven para deshacerse de él, descubren que no está muerto, únicamente tiene una sobredosis de drogas. Aunque quieren recuperarlo para dejarlo libre, el joven acaba escapando en calzoncillos provocando que, los “fixer” tengan que perseguirlo por media ciudad.

 

Cuando consiguen dar con él y “limpiarlo” de drogas, este les cuenta que iba a entregar la droga para ayudar a un amigo, aunque acabó probándola. Visto que el joven es un novato, los “fixer” deciden acompañarlo en la entrega aunque para ello deberán infiltrase en el pub donde trabaja Diego, propiedad de un viejo conocido de ambos, un mafioso croata.

 

Clooney y Pitt convenciendo al chico de colaborar

Todo parece complicarse por momentos ya que, todo parece indicar que el chico ha caído en una trampa para incriminarlo con la devolución de la droga a sus propietarios, una peligrosa banda de albaneses a quien la droga les fue robada inicialmente.

 

Aunque los “fixer” creen que el chico morirá, deciden que sea él quien realice la entrega y aunque al final, hay un baile de disparos entre bandas de albaneses, croatas y los propios “fixer”, la historia acaba teniendo un desenlace de lo más inesperado y que, obviamente, no os contaremos en esta crítica.

 

Técnicamente os diremos que “Wolfs” tiene tantas de cal como de arena, pecando en exceso de un guion que abusa de los giros y abriendo tanto melones o líneas argumentales que, ni todas tienen la misma coherencia ni se acaban cerrando, dejando al espectador una sensación de falta total de solidez.

 

En el lado positivo, os diremos que “Wolfs” tiene una estética cuidada, sobre todo, teniendo en cuenta que busca un entretenimiento ligero, con mucha acción, humor y, por momentos, buenas dosis de tensión.

 

Interpretativamente os diremos que, “Wolfs” tiene una de sus bazas más importantes, la presencia de dos actores con mucha química, mucho carisma y que juntos, funcionan como un reloj suizo, os hablamos de Brad Pitt y George Clooney. Por desgracia, no podemos decir lo mismo del resto de personajes ya que, la mayoría carecen de definición suficiente.

 

Sí que nos ha gustado bastante es la reflexión, aunque sea en base a chistes, sobre la soledad ya la edad adulta. Ambos “fixer” son dos lobos solitarios que, aunque a regañadientes tienen que colaborar para salir exitosos de los embrollos en que se meten, sin olvidarse de los chistes sobre la edad, la experiencia vital y el orgullo.

 

Por todo lo que os hemos contado, nuestra nota final para “Wolfs” es de un 6 sobre 10.

 

 

Título original: “Wolfs” – USA – 2024

Dirigida por: Jon Watts

Duración: 102 minutos

Género: Acción, Thriller, Comedia

Los Rose

Hay películas que te llevan a la sala de cine por sus potentes campañas publicitarias, otras que no te llevarían a él ni que te pagaran mientras que otras, uno decide ir por la fuerza o trayectoria de, como mínimo, uno de sus protagonistas. Hoy, en este rincón os reseñaremos una película incluida en el último grupo, la vimos por su actriz protagonista, Olivia Colman.

 

Adaptando la novela “La guerra de los Rose” de Warren Adier, a finales de agosto de 2025 llegó a nuestras carteleras una comedia negra protagonizada por Benedict Cumberbatch y la británica Olivia Colman. Cuando lo descubrimos, nos faltó tiempo para disfrutar en pantalla grande de la gran Olivia. Os hablamos de la cinta británico-estadounidense, “Los Rose”.

 

“Los Rose” empieza presentándonos a sus dos protagonistas, Theo Rose (interpretado por Benedict Cumberbatch), un famoso arquitecto y su esposa, Ivy Rose (a quien da vida Olivia Colman), una buena repostera y chef que dedica sus días a cuidar a sus hijos y hacer pasteles como una posesa.

 

La situación de la pareja es casi idílica, con sus dos gemelos, su bonita casa y la carrera de Theo en ascenso, tanto que le asignan un proyecto que le puede llevar al estrellato. Para compensar, Theo le propone a Ivy que coja un viejo restaurante ubicado en primera línea de la costa para que, en él, pueda desarrollar su talento en la repostería y ofrecerlo a todos.

 

Tras pensarlo, Ivy acepta y pone en marcha el proyecto de pequeño restaurante, abriendo inicialmente solo dos o tres días a la semana.

 

El edificio de Theo es un auténtico éxito de diseño, llevándole a codearse con los mejores. Con todo, meses después de su inauguración, una potente tormenta azota la zona, derrumbándolo sin remedio e iniciando así aún desprestigio profesional que le lleva su despido.

 

Para ayudar a la economía familiar, Ivy decide abrir el restaurante todos los días. Al poco de hacerlo, una prestigiosa crítica gastronómica acude de sorpresa quedando prendada de la cocina de Ivy, lo que le supone una gran crítica y que, como consecuencia, el restaurante se convierta en todo un éxito.

 

Las carreras de ambos van absolutamente en sentido contrario, mientras Theo está vetado en casi todas las empresas de arquitectura y se encierra en casa para convertirse en padre y amo de casa, Ivy se convierte en una afamada cocinera que asiste a eventos, gana premios y en definitiva, entra en una fase de realización profesional que no había tenido nunca.

 

Este cambio de roles en la vida profesional y personal de Ivy y Theo provoca una tensión creciente entre la pareja. A media que Ivy incrementa visiblemente su éxito profesional, Theo experimenta resentimientos, frustración y sobre todo, celos.

 

Ivy al frente de su pequeño restaurante

 

Los roces cotidianos van en aumento como las discusiones, la falta de reconocimiento y autoridad, etc. Para intentar solucionar todo esto, y mientras Ivy no deja de abrir restaurante a lo largo y ancho de la geografía, le propone a Theo que cree su casa nueva, a su gusto y sin ninguna limitación.

 

Obviamente, lo hace y crea una mansión a todo lujo que se acabará convirtiendo en un símbolo de todo lo que había en juego en la pareja, para uno, una obra arquitectónica, para la otra, el sacrificio personal y económico que supuso.

 

Al final, y en pleno camino al divorcio, la pareja y la propia película llega a su clímax con la casa de fondo, aunque, como bien os podéis imaginar, nos guardaremos el desenlace bajo llave.

 

Técnicamente os diremos que “Los Rose” es una película bastante bien hecha aunque no sobresale ni en innovaciones técnicas ni en estética y tiene varios puntos donde podría mejorar. La dirección consigue mantener muy equilibrado durante todo el metraje el drama con el humor, funcionando a bien gran parte de la película, sin caer nunca en lo emocional ni el dramatismo extremo. Desafortunadamente, “Los Rose” pierde fuelle hacia el final, volviéndose excesivamente predecible.

 

En cuanto al guion, también tenemos parte de cal y parte de arena ya que, aunque “Los Rose” cuenta con diálogos muy bien escritos, irónicos y con sarcasmo, además de una fresca inversión de roles en la pareja, son muchas las ocasiones en que el ritmo narrativo se atasca repitiendo una y otra vez los mismos recursos humorísticos.

 

Hablando del montaje de “Los Rose”, este funciona bien en los intercambios verbales y los momentos de tensión aunque a medida que avanza la película, las escenas de choque o confrontación empiezan a hacerse repetitivas.

 

Interpretativamente hablando, nos quitamos el sombrero ante el trabajo de Olivia Colman y Benedict Cumberbatch dando vida a los protagonistas, ambos transmiten orgullo, enfado, ambición y porqué no, vulnerabilidad. Brillantes, sin lugar a duda, de lo mejor de “Los Rose”. Del resto de secundarios, poco a decir ya que, carecen de profundidad y no aportan casi nada a la historia.

 

En resumen, os diremos que “Los Rose” cumple sin ser una maravilla, entretiene aunque no es para nada memorable. Por todo lo que os hemos contado nuestra nota final para “Los Rose” es de un 6 sobre 10.

 

 

 

 

Título original: “The Roses” – Reino Unido – 2025

Dirigida por: Jay Roach

Duración: 105 minutos

Género: Comedia, Comedia negra.

 

 

 

El cautivo

Crear una película enmarcada dentro del género de cine histórico es, en la mayoría de las ocasiones, como meterse en un berenjenal ya que, casi siempre, es completamente imposible hacer un reflejo fiel de la época o los actos que se quieren contar, más que nada, porque cada uno tiene su visión e interpretación de los hechos.

 

Con todo, son muchos los directores que lo han intentado con más o menos éxito y sobre todo, con más o menos polémica, ahí tenemos, por ejemplo a Ridley Scott y sus “Gladiator” o incluso al hispano-chileno Alejandro Amenábar con su “Ágora” o más recientemente con “El Cautivo”.

 

Y es precisamente esta última, “El cautivo” de Alejandro Amenábar, la película que os queremos comentar hoy, sobre todo porque ha llegado a nuestros cines rodeada de una gran polémica provocada por aquellos a los que, un beso entre dos hombres duele más que cualquier guerra.

 

“El cautivo” es la, hasta el momento, última apuesta de Alejandro Amenábar en el cine después de seis años sin ningún estreno y nos cuenta el cautiverio vivido por el célebre escritor español Miguel de Cervantes en Argel.

 

“El cautivo” empieza situándonos en el Argel de 1575, justo en el momento en que un grupo de corsarios llega a la ciudad con un grupo de presos, durante la subasta de estos, descubrimos que entre ellos está un joven con un brazo dañado, Miguel de Cervantes (a quien da vida Julio Peña), cuando van a matarlo por ‘inútil’ para la venta, este saca un documento en el que indica que se trata de un “principal” lo cual hace que el gobernador, Hasán Bajá (interpretado por Alessandro Borghi) lo mantenga en cautiverio junto al cura inquisidor Blanco de Paz (interpretado por Fernando Tejero) y los soldados Diego de Castañeda y Beltrán.

 

Desde el primer momento, Cervantes descubre la extrema la dureza de la presión, donde los castigos físicos, psicológicos y mutilaciones están en el orden del día, y todo, mientras espera su único camino de salida, que alguien pague su rescate.

 

La única liberación que tiene Cervantes es la lectura, lectura que le proporciona otro preso, el clérigo Antonio de Sosa (interpretado por Miguel Rellán) quien pasa sus horas escribiendo. Viendo que él le sirve para evadirse de sus problemas, Cervantes decide empezar a contar las historias que lee y algunas que se inventa a sus compañeros de prisión.

 

Una de estas historias llama la atención de Hasán Bajá provocando que este le lleva sus dependencias, donde debe conseguir, con la continuación de la historia, sorprender al gobernante. Cuando lo consigue, recibe como premio, un día de libertad para estar en la ciudad.

 

En su paseo por Argel, Cervantes descubre la vida de la ciudad, donde la libertad se respira en cada esquina y alguna barberías, son punto de encuentro entre hombres jóvenes.

 

Poco a poco, la relación en Bajá y Miguel de Cervantes va tomando una extraña afinidad, entre confesiones de uno y otro, lecturas de libros, baños y momentos íntimos en el Hammam privado del gobernante.

Cervantes contando historias a los presos

Todo esto sin dejar de urdir planes de fuga en los que, el fracaso y las traiciones se combinan en número y forma.

 

Os preguntaréis, ¿consigue Miguel de Cervantes salir de la prisión? Es obvio que sí, pues en su cautiverio en Argel aún no había escrito “Don Quijote de la Mancha”, pero no os contaremos ni como lo hace ni cuándo.

 

Técnicamente os diremos que, en el equipo aplaudimos la iniciativa argumental de Amenábar, arriesgando al contarnos una parte muy desconocida de la vida de Miguel de Cervantes, su cautiverio en Argel y lo hace proponiéndonos la idea de una relación personal (bastante homoerótica) con su captor. Para muchos, un ultraje, pero bien visto, no seria descabellado teniendo en cuenta, tanto la forma de vida en la sociedad de Argel como los deseos de libertad y lucha por la vida del propio Cervantes.

 

Con todo, y pese a la provocación que busca Amenábar, el resultado final acaba siendo demasiado cojo ya que, si bien es verdad que la reflexión sobre la libertad, el reflejo del sufrimiento físico, los dilemas morales y el poder de la palabra se tratan con maestría, “El cautivo” peca y mucho, de un ritmo irregular en su narración y de una falta de profundidad y definición de varios de sus personajes.

 

Uno de los puntos fuertes de “El Cautivo” es, sin lugar a duda, el aspecto visual resultando una película perfectamente cuidad, tanto en relación con el vestuario, a la atmósfera que se respira en el Argel del S.XVI, sus palacios, patios, etc.

 

Por otro lado, uno de sus grandes hándicap o puntos débiles de “El cautivo” es para nosotros, que en ella se han querido tocar demasiados temas (la homosexualidad, el poder, la traición, el fanatismo, la resiliencia, etc.) y desgraciadamente, no todos son tratados ni con la misma fuerza ni destreza.

 

Interpretativamente hablando, “El cautivo” os diremos que nos ha gustado mucho el trabajo de un secundario, Miguel Rellán dando vida al padre Sosa, por el contrario, Julio Peña dando vida al gran protagonista, Miguel de Cervantes, pese a gustarnos, nos ha dejado bastante más fríos quizá, porque su personaje merecía más definición o más profundidad.

 

Para nosotros, “El cautivo” es una película con grandes momentos, con una buena reflexión pero que, desgraciadamente se queda muy corta con lo que hubiese podido ser. Sin lugar a duda, no es de lo mejor de Amenábar.

 

Por todo lo que os hemos contado, nuestra nota final para “El cautivo” es de un 6 sobre 10.  

 

 

 

 

Título original: “El cautivo” – España – 2025

Dirigida por: Alejandro Amenábar

Duración: 133 minutos

Género: Drama, histórico

 

 

Cónclave

Casi todo el mundo, con independencia de su religión, sabe lo que es un cónclave, bueno, o debería saberlo (ya, actualmente con tanto influencer y tanto creador de contenido, quizá es algo que a algunos se les escapa). Aunque durante el último medio siglo ha habido cinco, no se puede negar que es un proceso que despierta el interés y la atención de todo el mundo.

 

Pero ¿qué es un cónclave? El cónclave es el proceso que se inicia tras la muerte de un Papa (el líder espiritual de la Iglesia católica en todo el mundo) y que tiene como objetivo, la elección a puerta cerrada, de un nuevo Papa. Con todo, cada uno tiene su percepción sobre lo que este evento histórico es, yendo desde un momento solemne hasta una encubierta lucha de poder pasando por un evento mundial que se resuelve con la esperada “fumata blanca”.

 

En 2025 hemos podido vivir el, por el momento, último conclave, lo cual mantuvo en el candelero la cinta británico-estadounidense “Cónclave” de 2024.

 

“Cónclave” empieza situándonos en los pasillos del Vaticano, pocos minutos después de la muerte del Papa tras sufrir un ataque cardíaco. Con nervios, el cardenal decano Thomas Lawrence (interpretado por Ralph Fiennes), un hombre que ha perdido la fe, se hace cargo de la situación y pone en marcha el mecanismo del cónclave para escoger el sucesor del sumo pontífice.

 

Muy poco antes de encerrarse en el cónclave, Lawrence recibe la noticia que Tremblay (John Lithgow) uno de los cardenales mejor posicionados en la elección, recibió la orden de presentar su dimisión como cardenal pocas horas antes de la muerte del papa. Tremblay lo niega enérgicamente viendo que eso, podría apartarle de la carrera por el papado.

 

Casi coincidiendo con el inicio del cónclave, Lawrence recibe un cardenal inesperado, el cardenal Benítez, ordenado en secreto durante el último año y cardenal de Kabul.

 

Ya en la primera votación del cónclave, se aprecia una gran división entre los cardenales, dejando al frente a los conservadores Adeyemi (nigeriano) y Tremblay (canadiense), al tradicionalista extremista Tedesco (italiano) y a los progresistas Bellini y Lawrence.

 

Dos votaciones más tarde, una monja nigeriana causa un revuelo en el comedor al enfrentarse a Adeyemi. Cuando Lawrence investiga, conoce en secreto de confesión que Adeyemi y la monja tuvieron una relación sexual de la que nació un hijo dado en adopción. Adeyemi lo niega, y se mantiene el secreto hasta que, la jefa de las monjas explota ante todos los cardenales, apartando así al nigeriano de las votaciones.

 

Mientras, Bellini pide a sus seguidores que no le voten y cede su voto a Tremblay para intentar frenar a Tedesco. Con el Vaticano lleno de rumores, Lawrence, tras una nueva votación decide entrar en las dependencias papales donde, escondidos, encuentra documentos en los que se demuestra que Tremblay sobornó a varios cardenales para obtener su voto.

 

Lawrence intentado investigar a los papables

Cuando este se lo cuenta a Bellini este le insta a destruir la documentación alegando que a la iglesia no le interesa un escándalo de corrupción lo que demuestra que, Bellini también recibió dinero por su voto.

 

Tras una acalorada discusión la candidatura de Tremblay cae por corrupción dejando en la carrera a Lawrence, Tedesco y Benítez quien ha ido ganando votos poco a poco. Al empezar la sexta votación, el vaticano sufre un atentado integrista matando a varias personas y causando destrozos en la Capilla Sixtina.

 

Este atentado saca a relucir el carácter y vocación de Tedesco (un extremista y radical que considera a los musulmanes animales sedientes de sangre) lo que provoca que Benítez tome la palabra en un emotivo discurso que remueve la conciencia de los cardenales.

 

Al final, el cardenal Benítez es elegido nuevo Papa, aunque esconda algo en su vida que, puede desestabilizar al Vaticano, aunque, como ya os podéis imaginar, lo que esconde nos lo reservaremos para nosotros.

 

Técnicamente os diremos que “Cónclave” es un thriller que mantiene completamente la tensión, de comienzo a fin, apoyándose en un perfecto control estético y contrastando a la perfección la tradición del Vaticano con la modernidad (todos los cardenales van con su Iphone...) y todo, con una cercanía emocional que salva, por momentos, la lentitud en su desarrollo.

 

En cuanto al guion os diremos que, “Cónclave” adapta la novela de Rober Harris, dotándolo de una narrativa que combina la intriga, el drama político y como no, la religión, aunque deja muy en segundo plano a la mayoría de los personajes secundarios.

 

Interpretativamente hablando os diremos que nos quitamos el sombrero ante la gran interpretación de un Ralph Fiennes dando vida al cardenal Lawrence con un despliegue interpretativo al alcance de pocos y transmitiéndonos la investigación y la lucha por su propio conflicto interno sin agobios. Del resto, poco a decir, salvo que nos ha gustado mucho el trabajo de Stanley Tucci dando vida al cardenal Bellini, aunque la poca profundidad de este, le ha quitado puntos al final.

 

Por todo lo que os hemos contado, nuestra nota final para “Cónclave” es de un 7.5 sobre 10.

 

 

 

Título original: “Conclave” - Reino Unido – 2024

Dirección: Edward Berger

Duración: 115 minutos

Género: Drama, Thriller