Hitchcock

Hablar de Alfred Hitchcock es hablar de uno de los grandes directores, productores y guionistas de la historia del cine. Es difícil encontrar a alguien que le guste el cine (más allá de las películas de superhéroes que tanto proliferan últimamente en nuestras salas) y que no haya visto ninguna película de Hitchcock o desconozca su importancia en el cine actual.

A lo largo de nada más y nada menos que 53 largometrajes, Alfred Hitchcock se caracterizó, además de por su oronda silueta, por su innata capacidad para aplicar innovadores recursos narrativos que elevaron hasta límites insospechados el género del suspense (o thriller). Conocido como “El mago del suspense”, Hitchcock usaba su absoluto dominio de la técnica para mantener en constante tensión al espectador usando potentes tramas e impactantes imágenes.

¿Quién no recuerda Janet Leigh siendo acuchillada en “Psicosis”? o la bandada de pájaros atacando a toda persona que se encontraba en su camino en “Los Pájaros”, o incluso a Cary Grant siendo perseguido por una avioneta en “Con la muerte en los talones”. Sin lugar a duda, escenas míticas que forman ya parte de la historia del cine.

En plena época de biopics, donde han tenido su película personajes más bien poco relevantes, hubiese sido realmente desafortunado que nadie se hubiese atrevido a homenajear al ilustre Alfred Hitchcock. No fue así, y en 2012 bajo la dirección de Sacha Gervasi se estrenó “Hitchcock”, un biopic que se aleja de la estructura convencional del género para centrarse en un momento crucial de la vida del creador, su lucha por conseguir llevar a cabo una de sus obras más icónicas.

“Hitchcock” nos lleva directamente al Hollywood de 1959, justo tras el estreno de la célebre “Con la muerte en los talones” donde nos encontramos con un satisfecho Alfred Hitchcock (interpretado, bajo capas de maquillaje, por Sir Anthony Hopkins) aunque muy pronto los periodistas lo sacan de su felicidad con la pregunta de “¿no plantea retirarse?”.

Pese a que por esa época Alfred cuenta ya con 60 años, la pregunta le entristece y se pone inmediatamente a trabajar en su nueva película cuya idea encuentra en una novela de Robert Bloch, “Psicosis”.

Alfred está completamente emocionado con el proyecto, pero la Paramount no le hace gracia por la forma como muere la protagonista. Con todo, Hitchcock presiona a diestro y siniestro para conseguir el proyecto, finalmente decide financiarla él (en base a hipotecar todo lo que tiene) consiguiendo a la vez que la Paramount la distribuya.

Alma (Helen Mirren) su mujer, le propone a Alfred la protagonista perfecta para la película, Janet Leigh (interpretada por Scarlett Johansson). Cuando Alfred la conoce, se siente atraído por su belleza volcándose en ella y levantando suspicacias tanto del resto del casting como a la propia Alma.

Paralelamente a esto, y no sin tropiezos ni rencillas del pasado, el guion avanza y con ello los principales trabajos de grabación y montaje (incluidos metros de cortes para salvar la posible censura).

Alfred y Alma en el proceso de producción de "Psicosis"

Finalmente, como ya os podéis imaginar, "Psicosis" sale adelante y se convierte en uno de los éxitos más grandes de Alfred Hitchcock, aunque también como ya os podéis imaginar, hasta aquí lo que os podemos contar de “Hitchcock”.

Técnicamente, no os negaremos que “Hitchcock” nos ha decepcionado un poco ya que, esperábamos tener un biopic sobre la vida del genio, y la verdad, nos hemos encontrado con sólo una parte de su vida, la época en la que creó “Psicosis” aunque curiosamente, dando más importancia a cómo lo vivía y como lo sufría Alma, su esposa, que él mismo.

Sinceramente, para los miembros de este equipo, esta “Hitchcock” se ha quedado muy corta en relación con lo que se merecía el maestro del suspense ya que, por no profundizar, no lo hace ni en la personalidad de Alfred, ni siquiera en el trabajo de los censores de la época o las inquietudes de propia productora, pasando de puntillas por encima de todo.

Tampoco la definición de los personajes sobresale ya que únicamente están perfilados, como buscando que no fueran ellos los que sobresalieran ¿pensaron en que “Hitchcock” era un biopic?

Interpretativamente hablando os diremos que, como no podía ser de otra manera, tanto Anthony Hopkins dando vida a Alfred como Helen Mirren interpretando a Alma, están correctos e intentan sobresalir aunque, sinceramente, apenas lo consiguen lastrados por la escasa definición de sus personajes.

Por todo lo que os hemos contado, nuestra nota final para “Hitchcock” se asemeja a lo que transmite, una medianía, por tanto, le ponemos un 5.5 sobre 10.

 

 

 

Título original: “Hitchcock” – USA – 2012

Duración: 98 minutos

Dirigida por: Sacha Gervasi

Género: Drama, Biográfico.

Adolescencia

En un mundo donde las producciones audiovisuales sobre la juventud y la adolescencia suelen caer en clichés o estereotipos superficiales y previsibles, encontrar una serie auténtica y realista que desafía las tendencias de mercado es realmente difícil, aunque no imposible.

Aunque para muchos, la adolescencia es solo la etapa del paso de la niñez a la edad adulta, los adolescentes actuales deben enfrentarse a una gran variedad de problemas que, sin duda alguna, afectan a su desarrollo emocional, social y psicológico. Os hablamos sobre todo de problemas de salud mental (ansiedad, estrés, depresión y sus estigmas sociales) a veces provocados por el bullying, por el ciberacoso, por la falta de autoestima, por la falta de comunicación o comunicación deficiente en casa, por aislamiento social e incluso por problemas con la propia imagen o identidad.

Si lo pensamos bien, es una época mucho más complicada de lo que, los ya la hemos pasado recordamos y en la que es muy difícil prever sus consecuencias de la vida y salud mental de los y las jóvenes.

Como os hemos comentado antes, en el mundo de la televisión las series sobre los adolescentes abundan, pero muy pocas abordan directamente el tema de la salud mental y menos lo hacen aún, con un enfoque realista y sin sensacionalismos abordando temas incómodos como el ciberacoso, la soledad y el rechazo.

Por suerte, de vez en cuando, aparece una serie que sorprende a todos, y consigue lo impensable. Consigue engancharnos ante la pantalla y hacernos reflexionar mucho, os hablamos de la serie británica “Adolescencia”.

“Adolescencia” nos desplaza a un barrio obrero de una ciudad media inglesa, allí, a primera hora de la mañana nos encontramos en medio de una operación policial en la que un grupo de policías irrumpe en la casa familiar de los Miller cuando estos aún están durmiendo. El objetivo de la operación es arrestar al pequeño de la familia, Jamie Miller (interpretado por el debutante Owen Cooper) un niño de 13 años.

Jamie es llevado a la comisaría por el inspector Bascombe, donde se le comunica a él, y a su familia, que es acusado de haber asesinado a su compañera de clase, acto que además, ha sido grabado por cámaras de seguridad. Pese a todo, Jamie jura y perjura que él es inocente y que no ha cometido dicho crimen.

Más adelante, Bascombe y su compañera Misha Frank van al instituto donde estudia Jamie para profundizar en la investigación y sobre todo, localizar el arma homicida aunque, lo que se encuentran en el instituto no deja de ser sorprendente con profesores completamente desbordados por unos alumnos con mucho poder que dan al centro, un ambiente tenso y casi violento.

Al final, un alumno con el que nadie cuenta, el hijo del inspector les da una pista importante, Katie (la asesinada) había acusado a través de redes sociales a Jamie de ser un “incel” (o sea, un célibe involuntario).

Tiempo después, y ya con Jamie internado en un centro psiquiátrico especializado, la investigación continúa adelante con su evaluación psicológica a cargo de la psicóloga Briony Ariston. Durante la sesión, Jamie muestra a Briony toda su gama de emociones, a veces incontroladas, es decir, se muestra desde amable a casi rozando la agresión y demostrándole a Briony la extrema complejidad de su estado mental.

Jamie enfrentándose a Briony en su evaluación

Una vez hecho, y previo al juicio, la historia de “Adolescencia” nos lleva directamente a explorar las consecuencias que el acto de Jamie tiene en su familia, quienes tienen que lidiar con la hostilidad de la comunidad además de con sus propias dudas sobre sus papel en la formación de Jamie, y todo, intentando aparentar normalidad.

Y como os decimos habitualmente, hasta aquí lo que os podemos contar del desarrollo argumental de “Adolescencia”.

Argumentalmente, “Adolescencia” no has parecido una serie más que notable, ya que explora desde la honestidad y la naturalidad, las luchas internas que lidian, a diario y en silencio, muchos jóvenes adolescentes que intentan encajar en una sociedad y un entorno que, a menudo les menosprecia e ignora. En este caso, además de buscar entretenimiento, “Adolescencia” consigue hacer reflexionar al espectador sobre la salud mental y los pequeños actos que, consciente o inconscientemente la minan.

Técnicamente os diremos que “Adolescencia” nos ha sorprendido, sobre todo por la técnica usa en su grabación, llamada plano secuencia, ya que le dota de un efecto de realidad sorprendente dejándonos, como espectadores pegados a la realidad que nos cuenta en cada uno de los cuatro, brillantemente estructurados, capítulos.

Desde el punto de vista interpretativo, nos queremos quitar el sobrero ante el excelente trabajo del joven debutante, Owen Cooper quien con apenas 15 años nos regala una actuación conmovedora que desde su vulnerabilidad a la confusión pasando por brotes de violencia. También nos ha gustado mucho el trabajo de Stephen Graham dando vida al padre de Jamie, un hombre torturado por el dolor y la desesperación de enfrentarse a lo que le toca en la vida. Tampoco nos gustaría olvidarnos del gran trabajo de Erin Doherty dando vida a su Briony, una mujer que sabe mantener la calma mientras desgrana la compleja mente de Jamie. Sin duda, un acierto haberles escogido.

Por todo lo que os hemos contado y por la reflexión que nos ha provocado, nuestra nota final para “Adolescencia” es de un 8 sobre 10.

 

 

 

Título original: “Adolescence” – Reino Unido

Género: Drama

Año de creación: 2025

Año de finalización: 2025 (temporada única)

Capítulos: 4 de unos 55 minutos.

 

 

 

Rojo, blanco y sangre azul

La historia del cine LGTBI, y más particularmente de las películas románticas dentro de esta categoría, son algo así como una historia de resistencia, de visibilidad y de evolución. Aunque el cine es cine desde hace más de 125 años, durante una gran parte de estos años las representaciones de las relaciones entre personas del mismo sexo fueron invisibilizadas, o distorsionadas hasta límites insospechados.

No fue hasta mediados de los años ochenta cuando irrumpieron directores como Pedro Almodóvar o James Ivory (con su maravillosa “Maurice”) que el amor entre personas del mismo sexo no empezó a tener cierto peso en las carteleras, aunque, eso sí, un peso muy marcado por el sufrimiento y la represión.

No fue hasta hace pocos años, con la llegada de títulos como “Call me by your name” o “Love, Simon” que la representación de las relaciones amorosas con total naturalidad y toda su complejidad, entre personas del mismo sexo o diferentes identidades de género, llegaron a nuestros cines.

Hoy en este rincón os queremos hablar de una película dirigida por el debutante estadounidense Matthew López. Corría 2023 y adaptaba la novela homónima de Case McQuiston de 2019. Os hablamos de “Rojo, blanco y sangre azul”.

“Rojo, blanco y sangre azul” empieza presentándonos a Alex Claremont-Díaz (a quien da vida Taylor Zakhar Perez), el hijo de la primera presidenta de los Estados Unidos de América. Alex se dirige a Londres donde debe asistir en representación de su madre a la fiesta de compromiso del príncipe heredero.

Durante la fiesta, y después de beber bastante, tiene un altercado físico con el príncipe Henry (a quien da vida Nicholas Galitzine), el tercero en la línea sucesoria del trono británico. Por dicho altercado ambos jóvenes acaban en el suelo cubiertos de tarta. Esa imagen, rápidamente circula por todo el mundo y en todos los medios.

A su vuelta a Estados Unidos, Ellen Claremont (Uma Thurman), la presidenta, interroga a Alex sobre el incidente y viendo que este puede interferir en su campaña electoral de su reelección, envía de nuevo a Alex a Londres donde deberá fingir amistad con Henry de la forma más pública posible.

Aunque al comienzo todo es frío y distante entre los jóvenes, poco a poco se van sincerando, Alex le cuenta Henry que no puede verle por un comentario que le hizo tres años atrás cuando se conocieron en otro acto, y Henry le cuenta el motivo de dicho comentario.

A partir de aquí, los encuentros se hacen más frecuentes y el contacto a través de email, de WhatsApp y teléfono se hace casi diario creando así una bella relación de amistad que acaba desembocando en un beso y de ahí, a un amor que tienen que explotar a escondidas.

Con todo, y a media campaña electoral para la reelección avanza, tras un viaje sorpresa de Henry para estar con Alex, este tiene que salir del armario con sus padres, los cuales lo aceptan y le aconsejan que piense sobre su futuro en la relación, por ser quienes son ambos.

Poco después, durante unas vacaciones en Texas, Alex le confiesa su amor a Henry y este, abrumado y temiendo no poder mantener su relación amorosa por su condición de heredero al trono, huye a Inglaterra.

Alex y el príncipe Henry durante sus vacaciones

Después de unos días separados, Alex se presenta en palacio y después de hablar con Henry le convence para continuar su relación, aunque pronto se deberán enfrentar a un nuevo problema, la filtración a la prensa de todos sus emails privados y, por tanto, su relación.

¿Se enfrentará Henry a su familia y, por tanto, a la familia real británica? ¿Saldrá a flote su relación? O pesará más el poder de las instituciones que el del amor. Como ya os podéis imaginar, para tener la respuesta de estas y otras preguntas, os tocará ver “Rojo, blanco y sangre azul”.

Técnicamente os diremos que “Rojo, blanco y sangre azul” nos ha sorprendido muy positivamente ya que, con su estética moderna y un buen trabajo de cámara que ayuda a enfatizar la carga romántica entre ambos jóvenes y sus problemas, logra transmitirnos de primera mano los sentimientos de estos en cada momento de la trama.

También nos ha gustado mucho la escenografía, tanto cuando la historia se ha desarrollado en Washington como cuando se ha desarrollado en los palacios británicos, los cuales ayudan a escenificar la grandiosidad de la familia real.

Desde el punto de vista interpretativo, nos ha gustado mucho el trabajo de Taylor Zakhar Perez dando calidez, energía y una gran capacidad de lucha a su Alex Claremon-Díaz. También nos ha gustado el trabajo de Nicholas Galitzine con su sutil y a la vez poderosa interpretación de Henry, un personaje más vulnerable que Alex por su condición. Además, nos ha encantado la química que destilaban ambos.

“Rojo, blanco y sangre azul” aborda temas tan complejos como el amor, la identidad, la familia y la lucha por la aceptación lidiando tanto con la sexualidad de cada uno de sus personajes como con el impacto que esta tiene en su vida pública.

"Rojo, blanco y sangre azul" no es solo una historia de amor entre un príncipe y el hijo de la presidenta de los Estados Unidos; es un cóctel explosivo de romance, poder, y las altas expectativas de las élites que, a menudo, se sienten como una jaula dorada.

Por todo lo que os hemos contado, nuestra nota final para “Rojo, blanco y sangre azul” es de un 7.5 sobre 10.

 

 

 

Título original: “Red, White and Royal Blue” – 2023 – USA

Duración: 118 minutos

Dirigida por: Matthew López

Género: Drama, romántico, LGTBI

Mientras dormías

Desde la lejana navidad de 1895 cuando, podríamos decir que se inauguró oficialmente la historia del cine hasta hoy en día, el cine ha cambiado en casi todos los sentidos, desde tecnológicamente hasta en la forma como se han usado las secuencias y los planos visuales, y todo, de la mano de la constante evolución de la sociedad.

Desde casi los primeros días, con los 18 segundos de “The Kiss” en 1896, el cine romántico ha estado presente de forma constante en la historia del cine con, eso sí, hitos importantes, como en la década de los 30 y 40 del pasado siglo (en la época dorada de Hollywood), actualmente con la proliferación de historias LGTBI o en los 90, con la explosión de las comedias románticas.

Hoy, en este rincón nos centraremos en, precisamente esa época, la década de los 90 y lo haremos con una película que logró despuntar entre el aluvión de comedias románticas de esos años logrando capturar con calidez y sencillez el encanto de los encuentros más improbables.

Dirigida por el estadounidense Jon Turteltaub en 1995 y protagonizada por Sandra Bullock y Bill Pullman, la cinta “Mientras dormías” nos invita a sumergirnos en una historia de amor que, aunque empieza con un malentendido, acaba desplegando todo un abanico de emociones.

Sí, hoy en este rincón y esta crítica intentaremos explorar porque “Mientras dormías” se ha convertido en un clásico entrañable del género.

“Mientras dormías” empieza presentándonos a Lucy (a quien da vida Sandra Bullock), una solitaria vendedora de billetes de metro en una estación de Chicago. Lucy, sin más familia que su gato, vive sumida en una absoluta monotonía vital ya que, su única alegría o ilusión es ver cada día, al para ella, hombre más guapo cuando este se dirige trajeado a su trabajo, se trata de Peter Callaghan (interpretado por Peter Gallagher).

Lucy sueña cada día con conocerle un día, pero este, jamás se ha fijado en ella. Un día, hay un accidente en la estación y Peter cae a la vía tras ser empujado por unos ladrones siendo salvado de una muerte segura por Lucy.

Poco después, Lucy va al hospital donde Peter está ingresado y en coma. Aunque al no ser familia no le dan información, un malentendido con la familia del accidentado hace que estos crean que es la prometida de Peter invitándola a su casa a pasar las fiestas de Navidad.

Lo que empieza como una pequeña mentira piadosa para no herir a la familia de Peter, acaba evolucionando en un vínculo auténtico con cada uno de los miembros de la familia, especialmente con Jack (Bill Pullman), el hermano de Peter.

Jack y Lucy ante Peter en "Mientras dormías"

Poco a poco, Jack y Lucy se van conociendo y fortaleciendo su relación, tanto que acaban enamorándose aunque entre ellos hay una barrera casi insalvable, una mentira piadosa que hace que ambos se resignen a dejar pasar su amor ¿o quizá esto no sea así finalmente? Como ya os podéis imaginar, esto nos lo guardaremos celosamente.

Técnicamente os diremos que Turteltaub consigue en “Mientras dormías” crear un ambiente acogedor, intimista y a la vez optimista sin que caiga en ningún momento en lo empalagoso. Ciertamente nos parece remarcable el hecho de conseguir, mediante la sencillez de la historia un desarrollo de sus personajes con total naturalidad.

También nos ha gustado mucho de “Mientras dormías” la forma como consigue equilibrar totalmente la comedia con el drama explorando con delicadeza temas tan diversos y profundos como la soledad, el deseo de pertenecer, la importancia de la familia, etc.

Como lado más negativo, podríamos destacar que, la sencillez con la que se desarrolla “Mientras dormías” afecta por momentos en su predictibilidad, restándole así originalidad e innovación.

Interpretativamente hablando, queremos remarcar el buen trabajo de Sandra Bullock dando vida a Lucy, una mujer vulnerable, divertida y a la vez carismática con la que es muy fácil empatizar. También, para nosotros, es remarcable el trabajo de Bill Pullman con su Jack, y sobre todo, con la química que muestran entre ellos en cada secuencia.

“Mientras dormías” es una comedia romántica que, pese a sus clichés, destaca por su ternura, las interpretaciones de su elenco y su enfoque optimista sobre el amor y las relaciones humanas.

Por tanto, y por todo lo que os hemos contado, nuestra nota para “Mientras dormías” es de un 7 sobre 10.

 

 

 

Título original: “While you were sleeping” – 1995 – USA

Duración: 100 minutos

Dirigida por: Jon Turteltaub

Género: Comedia, romántica

Mi policía

Nadie en su sano juicio puede negar que el tiempo avanza inexorable, y a veces con él, la sociedad también avanza, aunque esto resulta más cuestionable cuando uno se informa en los noticiarios serios o incluso, está al caso de los comentarios que abundan, y mucho, en las principales redes sociales.

A veces pensamos que, como sociedad, somos mucho más abiertos y respetuosos que antaño pero si estamos más atentos a lo que sucede a nuestro alrededor sin creernos el ombligo del mundo o poseedores de la verdad absoluta, podremos observar que aunque hemos avanzado, la violencia contra el más débil, el machismo y la homofobia latente continúa entre nosotros.

Con todo, no nos engañaremos, estamos mucho mejor en la mayoría de los casos de lo que estaban nuestros padres y abuelos a mediados del pasado siglo XX., cuando se ambienta la película que os vamos a comentar en este pequeño rincón.

Basada en la novela homónima de la escritora británica Bethan Roberts publicada en 2021, la película que os traemos hoy en este rincón explora el dolor de la represión, el deseo y las decisiones difíciles en un mundo donde ser auténtico es un riesgo. Os hablamos de : “Mi policía”.

“Mi policía” empieza situándonos a finales de la pasada década de los 90, donde nos encontramos con Tom Burgess postrado en una silla de ruedas dialogando con Marion, su esposa. El tema de conversación es Patrick, un viejo conocido de ambos al que parece que Tom no quiere ver y al parecer, no quiere ni oír hablar, aunque poco podrá hacer porque Marion le ha invitado a su casa.

Una vez presentados, la historia realiza un flashback hasta el Brighton de la década de 1950, allí nos encontramos con una joven y tímida maestra, Marion (interpretada por Emma Corrin) conociendo al hermano de su mejor amiga, el joven policía Tom (a quien da vida Harry Styles). Sin apenas darse cuenta, Marion cae irremediablemente enamorada de Tom.

Poco a poco, Tom y Marion van compartiendo más y más tiempo, aficiones y lecturas. Unos años más tarde, y durante una visita al Museo de Arte de la ciudad, Tom conoce a Patrick (interpretado por David Dawson), el conservador del museo, con quien entablará una relación de amistad mostrándole este el gusto por el arte.

Patrick, Tom y Marion juntos, en el museo

Los tres realizan una infinidad de actos juntos, desde visitar exposiciones, ir a cenas e incluso disfrutar de la ópera lo cual no tardará en levantar las primeras sospechas en la retrógrada y conservador sociedad británica de la época.

De buenas a primeras Marion no entiende los rumores, aunque cuando Patrick invita a Tom a un viaje a Venecia para acompañarle en calidad de ayudante en sus tareas de conservador de museo, empieza a sospechar la verdad, que no es otra que Tom y Patrick mantienen una relación sentimental paralela a la suya.

A la vuelta del viaje, ambos hombres son detenidos y acusados de desorden público por homosexualidad. En el juicio que son sometidos y al que Marion acude en defensa de Tom y de su también a amigo Patrick, tiene que escuchar lo escrito en el diario del conservador en el que este se refiere a Tom como “Mi policía”.

¿Qué es de su relación a partir de ese momento? ¿Volverán a hablarse o a verse en los 90 ambos hombres? Como es evidente, nosotros sabemos la respuesta estas y a otras preguntas pero, obviamente nos las guardaremos.

Técnicamente, “Mi policía” tiene uno de sus puntos fuertes en la ambientación y en el ritmo narrativo de la historia que nos cuenta, un ritmo lento, constante y sin precipitaciones, ideal para desarrollar plenamente las relaciones que unen a Tom, Patrick y Marion, mostrándonos sus caracteres y los puntos principales de su personalidad, lo cual nos permite entender en todo momento cómo y porqué actúan como lo hacen.

Desde el punto de vista argumental, nos gustaría remarcar como una historia ya vista en varias ocasiones en el cine o en televisión, continúa enganchándonos en “Mi policía”. Esto lo consigue con el más que acertado retrato de la conservadora sociedad británica frente conductas personales de parte de sus miembros (pertenecientes al colectivo LGTBI) al considerarlos aberrantes o enfermizos.

El punto, quizá, más débil de “Mi policía” es la falta de sorpresas en el desarrollo de la historia ya que, cuando se confirma la relación amorosa entre Tom y Patrick, uno ya sabe, aunque intentan camuflarlo, el lazo con la historia de finales de los 90 y el desenlace final.

Interpretativamente hablando queremos aplaudir y mucho, el trabajo del trío protagonista, Emma Corrin, Harry Styles y David Dawson ya que todos ellos consiguen transmitirnos totalmente su lucha contra los prejuicios, la homofobia y en favor del amor.

Por todo lo que os hemos contado, nuestra nota final para “Mi policía” es de un 7 sobre 10.

 

 

 

Título original: “My Policeman” – 2022 – Reino Unido

Dirigida por: Michael Grandage

Duración: 113 minutos

Género: Drama, romántica, LGTBI

Generación 56k

Desde hace ya muchos años, la sociología se ha sacado de la manga un conjunto de etiquetas para catalogar a la gente en base a su fecha de nacimiento y a un conjunto de características que, de una forma u otra, les une y les caracteriza. 

 

Siguiendo estas premisas, estamos completamente seguros de que todos, en algún momento habréis oído hablar de la “Generación del Baby Boom” (marcados por su ambición), o la “Generación X” (marcada por la crisis del 73 y su obsesión por el éxito), o incluso de la “Generación Y / Millennials” (marcada por la frustración por todo lo que han tenido que superar), ¿verdad?

Siguiendo esta tónica de la agrupación o etiquetado de la gente, a nivel más personal tendemos a incluirnos en grupos que, ya sea por razón de tener una afición, o una formación o simplemente, aunque no se han oficializado a gran escala: “los de determinado juego”, al “lanzamiento de alguna tecnología”, una crisis, etc.

En este ámbito, en 2021, una producción italiana se aprovechó de uno de dos hitos en la vida de mucha gente para hacer girar a su entorno toda una serie. ¿Os acordáis de los módems de 56k y sus chirridos al conectarse a la red? Y de esas típicas “¡Desconéctate que tengo que llamar a fulanito de tal!” Si habéis respondido sí, a estas dos preguntas, posiblemente formáis parte de la “Generación 56k” la cual se caracteriza por ser la primera que empezó a conectarse a internet entre finales de los 80 y los 90 del pasado siglo. Igual que los protagonistas de la serie que os traemos hoy: “Generación 56k”.

“Generación 56k” empieza presentándonos a Daniel (interpretado por Ángelo Spagnoletti), un joven en la treintena que intenta ligar siempre que puede a través de una aplicación de su Smartphone lo cual ocurre a menudo, casi tan a menudo como que, uno de sus amigos le llama, en el momento justo para salvarle de una cita sin futuro.

Una noche, después de una cita fabulosa con una chica y despedirse de ella sin más contacto que la aplicación, Daniel descubre que no sabe con quién ha tenido la cita, pues no es la chica con la que había contactado. Con la ayuda de sus dos amigos de la infancia, Luca y Sandro, con quienes, además, trabaja en el mismo equipo de desarrollo de aplicaciones informáticas de una empresa de Nápoles, busca desesperadamente reencontrarse con la chica de su cita.

A partir de este momento, “Generación 56K” nos va desplazando a modo de flashback a un ya lejano 1998 cuando nuestros protagonistas, con sus hormonas totalmente alborotadas estaban en el colegio de la pequeña isla de Procida, donde además de estudiar empezaban a tener el primer interés por el sexo, buscándolo sobe todo en cintas de VHS que llegaban al colegio “de contrabando”.

Daniel, Luca y Sandro descubriendo Internet

Ya en el presente, Matilda (Cristina Cappelli), la chica que tuvo la cita con Daniel le cuenta a su amiga Inés con quien tuvo la cita ya que, todos, se conocían del colegio, aunque por esa época no es que se llevaran muy bien. Con todo, Matilda asume que no se presentó ya que, aunque se atraían, no se atrevió al estar ella planificando su boda.

Por su lado, los chicos son presionados por su jefe para que tengan la idea de una nueva aplicación para el móvil. En el pasado, el mismo trío descubrió un invento que cambió sus vidas, un chisme ruidoso que, te enseñaba todo lo que quisieras ver de un lugar llamado internet, el módem.

Como es obvio, Matilda y Daniel se reencontrarán y recordarán lo que vivieron de pequeños, aunque uno y otro deberán ser francos y claros para llegar a buen puerto, aunque eso, como ya os podéis imaginar no os lo contaremos en este rincón.

Técnicamente, en “Generación 56k” nos encontramos ante una serie que es claramente una comedia romántica con un potente aroma nostálgico que centra su magia en el reencuentro de dos conocidos del colegio muchos años después de haberse perdido la pista y que, aunque a primera vista se enamoran, ambos están en momentos vitales muy diferentes.

El montaje de “Generación 56k” entremezclando las dos líneas temporales y relacionándolas estrechamente es uno de los grandes aciertos de la serie ya que, consigue darle ese toque de enganche que hace que, cuando ves un capítulo es casi imposible dejar la serie, convirtiéndola además en una serie ideal para una maratón de tarde domingo.

Otro de los grandes aciertos es la definición de los personajes, tanto los adolescentes como los treintañeros ya que, con toda seguridad podemos decir que es imposible, si estás o has pasado por ambas fases, no empatizar con ellos, con sus acciones o con sus errores.

Interpretativamente nos quedamos con la naturalidad de elenco infantil, encabezado por un fresco Alfredo Cerrone quien deberá moverse para descubrir cómo funciona un módem y su potencial para obtener lo que desea en una época más complicada que la actual. En cuanto a los mayores, están correctos dando cuerpo a una serie más que aceptable.

Por todo lo que os hemos contado, nuestra nota para “Generación 56k” es de un 6.5 sobre 10.

 

 

 

Título original: “Generation 56k” - Italia

Género: Drama, Comedia

Año de creación: 2021

Año de finalización: 2021 (primera temporada)

Capítulos: 8 de unos 30 minutos.

Beautiful thing

Para muchos, el paso de la adolescencia a la edad adulta es un paso más que traumático ya que, a desprenderse de la dependencia de los padres y la lucha por cumplir las ilusiones propias se les suma la aceptación de la propia sexualidad y la lucha por definir una personalidad, a veces, que escapa de los clichés de esta sociedad tan supuestamente moderna.

Y como ya os podéis imaginar, el mundo del cine no se ha quedado al margen de esta situación y ha relatado un número indeterminado de historias de amor que suelen seguir los mismos caminos predecibles explotando esta controversia. En este sentido, la película que os contaremos a continuación, “Beautiful Thing” destaca como una obra profundamente conmovedora que aborda la realidad de los jóvenes LGBTI en un contexto de prejuicios y descubrimiento personal.

Ambientada en un barrio obrero de Londres, esta película de 1996 dirigida por Hettie MacDonald captura de manera sensible las emociones y luchas internas de Jamie y Ste, dos adolescentes que empiezan a explorar su sexualidad en un entorno donde el amor entre personas del mismo sexo es visto con escepticismo y rechazo.

A través de sus personajes vulnerables, “Beautiful Thing” no solo celebra el amor en su forma más pura, sino que también pone en evidencia los desafíos emocionales, sociales y familiares que enfrentan muchos jóvenes LGBT al salir del armario, mostrándonos que, a pesar de las dificultades, siempre hay espacio para la esperanza y la aceptación.

“Beautiful Thing” empieza desplazándonos a un barrio obrero de Londres a comienzos de la década de los 90 del pasado siglo, y lo hace para presentarnos a Jamie (a quien da vida Glen Berry), un joven de unos 16 años quien vive permanentemente sometido al bullying de sus compañeros de instituto ya que, no le gusta el futbol, ni correr y, además, aunque no lo haya aceptado aún, tiene claras inclinaciones homosexuales.

Un día, tras escaparse de la clase de gimnasia donde estaba siendo sometido a burlas y vejaciones, vuelve a su casa antes de tiempo y tras enfrentarse a Sandra (Linda Henry), su madre, por esto, sale al rellano y se encuentra con Ste (interpretado por Scott Neal), su vecino y compañero de instituto.

Ste es un joven también de 16 años que vive en el apartamento de al lado de Jamie y va al mismo instituto, pero al revés que este, Ste es deportista, aunque muy introvertido. En casa Ste vive una situación muy dura con un padre borracho y agresivo y un hermano mayor igualmente dominante y agresivo.

Un día, Ste es brutalmente golpeado por su hermano. Cuando lo descubre Sandra le ofrece pasar la noche en su casa, aunque, por el tamaño de esta, deberá compartir cama con Jamie. Ambos jóvenes aceptan hacerlo, pero durmiendo cabeza con pies.

Jamie poniendo crema y ayudando a Ste

La segunda vez que Ste recibe una paliza y es aceptado en casa de Jamie, ambos tienen una conversación más seria sobre sentimientos mientras Jamie pone crema en la golpeada espalda de Ste. Al final, ambos aceptan dormir de lado y Jamie besa a Ste por primera vez.

A partir de este momento, Ste se aleja de Jamie mientras este empieza a aceptar su homosexualidad. En una fiesta, Jamie va a buscar a Ste para hablar de sentimientos, aunque la noche acaba fatal por la intromisión de Leah, una vecina de los chicos que amenaza con hacer público la relación de estos.

Poco a poco Ste acepta el amor de Jamie hasta el punto de iniciar una relación tras visitar un pub de ambiente al otro lado de la ciudad, aunque tras esto, deberán enfrentarse a un nuevo reto ya que Sandra les ha descubierto, aunque esto, nos lo guardaremos celosamente para no desvelar el desenlace de “Beautiful Thing”.

Técnicamente os diremos que, “Beautiful Thing” es una película que, bajo la sutil y empática dirección de Hettie MacDonald, se centra en una historia de amor adolescente, aunque eso sí, sin caer en las etiquetas (o clichés) y sentimentalismos innecesarios. Esta naturalidad se ve reforzada por el eficaz uso del espacio, centrando casi totalmente la acción en los alrededores y dentro de los pequeños apartamentos donde viven los protagonistas, reforzando así el encierro y la propia limitación de los personajes.

En esta ocasión nos gustaría remarcar el guion como uno de los puntos más fuertes de “Beautiful thing” ya que, como adaptación de la obra teatral homónima, se consigue manejar casi a la perfección y con gran delicadeza la sexualidad adolescente, enfocándose, sobre todo, en el propio autodescubrimiento en un entorno realmente hostil.

Desde el punto de vista interpretativo os diremos que, “Beautiful thing” cuenta con dos grandes interpretaciones, las de sus jóvenes protagonistas, Glen Berry (Jamie) y Scott Neal (Ste) quien gracias a profundidad de sus personajes e interpretaciones logran transmitirnos sus conflictos internos, su inseguridad, su confusión y al mismo tiempo que transmiten ternura y una conexión genuina y especial. La química entre ambos es total.

"Beautiful Thing" es una película conmovedora y técnicamente sólida. Por tanto, y por todo lo que os hemos contado, nuestra nota final para ella es de un 8 sobre 10.

 

 

 

Título original: “Beautiful thing” – Reino Unido – 1996

Dirigida por: Hettie MacDonald

Duración: 89 minutos

Género: Drama, Adolescente, LGTBI

Bridget Jones: Loca por él

Querido diario:

No sé muy bien como irá esto, pero después de nueve años vuelvo a abrir tus páginas para un nueva aventura, posiblemente la última, aunque eso, nunca se sabe cuándo uno la empieza.

Día 1 de mi relación con “Bridget Jones: Loca por él”.

Expectativas: Altas, no os voy a engañar.

Nivel de vino en la copa: Lleno y fresco, como buen blanco.

Posibilidades de que esta innecesaria secuela arruine de por vida mi amor por Bridge: Alarmantemente elevadas.

Dos horas después… una serie de preguntas deambulan por mi cabeza ¿Por qué siento que he sido víctima de un hechizo de empatía totalmente orientado? ¿Por qué Hugh Grant continúa brillando incluso como un papel tan secundario? Y, sobre todo, ¿Por qué sigo cayendo en las redes de Bridget aunque he podido comprobar que esta vez no es lo mismo de siempre?

No os voy a engañar, los miembros de este equipo hicimos todo lo posible para hacer un hueco en nuestra agenda para disfrutar de la última parte de las aventuras de Bridget Jones el fin de semana de su estreno y, obviamente, lo conseguimos.

Adaptando el último tomo de la trilogía de Helen Fielding, el día después de San Valentín de 2025 llegó a nuestras pantallas la cuarta entrega de la saga protagonizada por Renée Zellweger con el título “Bridget Jones: Loca por él”.

La historia de “Bridget Jones: Loca por él” se sitúa más o menos ocho años después de “Bridget Jones’s baby” y nos presenta a una Bridget sola, en su casa y a cargo de dos pequeños, Billy de nueve años y Mabel de cuatro, no so vamos a engañar, un poco desbordada por la situación y más teniendo en cuenta que tiene que ir a casa de la familia de Mark Darcy donde descubrimos que lleva cuatro años viuda, desde que Mark muriera en Sudán mientras hacía una misión humanitaria.

Bridget se siente sola y superada, su único objetivo es cuidar de sus hijos a los cuales lleva cada día al colegio donde se cruza con el profesor Wallaker (Chiwetel Ejiofor), encargado del acceso de los pequeños al centro y de enseñar ciencias, con quien entabla una extraña relación.

Bridget siente el peso de la soledad y el duelo por la pérdida de Mark aunque tiene el soporte de sus amigos de toda la vida y de su antiguo amante, Daniel Cleaver (Hugh Grant) quien se ha convertido en su amigo más confiable.

Entre todos, consiguen que Bridget reaccione y retome las riendas de su vida, volviendo a su trabajo e intentando restablecer su vida amorosa, esto último a través de una aplicación online. Un día, estando en un parque con los niños, estos se suben a un árbol y no pueden bajar, ni Bridget tampoco hasta que aparecen por allí el Sr. Wallaker y un joven bien parecido llamado Roxster (Leo Woodall).

Poco después de esto, y a través de la aplicación online entra en contacto con ella Roxster, abriéndosele un nuevo mundo el del amor y la energía de una persona mucho más joven y soñadora que ella proporcionándole un verano de amor. Sus hijos no lo ven exactamente igual ya que, mientras Mabel lo acepta totalmente Billy todavía tiene muy presente a su padre, a Mark.

Bridget y Roxster

Con todo, poco después, Roxster desaparece y no le contesta los mensajes ni las llamadas.

Días después, recibe una llamada de Daniel, quien está ingresado en el hospital por una afección cardíaca lo que provoca entre los amigos una profunda reflexión sobre la soledad de ambos.

Aunque pasados unos días sin noticias, Roxster aparece en la televisión para declarar su amor a Bridget esta no acepta, y acaban rompiendo su relación.

Dentro de su nueva vida, Bridget se va de fin de excursión con los niños del colegio y el Sr. Wallaker. Aunque inicialmente hay distancia entre ambos, una sincera conversación y posteriormente la apertura de Billy a Wallaker contándole que tiene miedo a olvidar a Mark, cambia la relación entre los tres.

¿En qué sentido? Pues, en el que nos cuentan en el desenlace de “Bridget Jones. Loca por él” y que, obviamente, nosotros nos reservaremos celosamente.

Argumentalmente, “Bridget Jones. Loca por él” es una película un tanto extraña ya que, aunque la comedia romántica continúa siendo un hilo argumental fundamental en su trama (como por otra parte, en toda la saga), aunque hay un segundo hilo que ha aparecido aquí con tanta fuerza como la edad de sus protagonistas, el drama. Sí, Bridget Jones ha crecido, y lo ha hecho disimulando todas sus características (ni es tan patosa, ni tan fogosa en el amor, ni su vida tan desastrosa como cuando la conocimos).

Sí que, nos ha gustado la forma como se cuenta la historia de “Bridget Jones. Loca por él”, separando muy bien, el progreso de Bridget desde el duelo tras la muerte de Mark, pasando por su lucha por retomar el control de su vida y el desenlace de esta, aunque dentro de cada una de estas partes cambia mucho el tono que le dan yendo desde el drama al inicio, al positivismo al final, pasando por una mezcla ciertamente inconcreta (con algunas frases dramática, momentos cómicos y otros más redundantes) en la parte central de la misma.

Una de las cosas que más nos ha sorprendido de “Bridget Jones. Loca por él” ha sido el cambio de tono, pasando de la comedia romántica de los inicios de la saga al drama romántico de esta parte, manteniendo eso sí, algunos tics de su protagonista y algunas divertidas bromas consiguiendo con esto algo insospechado, la empatía con ella, sus problemas y sus vivencias.

A nosotros, os lo asumimos, nos removió algo y pasamos horas pensando y debatiendo en lo que nos cuenta. Así que, ya os decimos que en “Bridget Jones. Loca por él” no es otra estúpida comedia romántica.

Interpretativamente hablando, nos quitamos el sombrero ante el gran trabajo de la tejana Renée Zellweger dando vida a su personaje y consiguiendo con él que todos nos veamos reflejados en Bridget y queramos saber más y más. También nos gustó, como secundario, Hugh Grant en su Daniel Clever, esta vez poniéndose en la piel del mejor amigo de Bridget. ¿El resto? Pues tanto Leo Woodall dando vida al sexy Roxster como Chiwetel Ejiofor interpretando a Wallaker, el antagonista y al final media naranja de Bridget, nos han gustado también.

Por todo lo que os hemos contado, nuestra nota final para “Bridget Jones. Loca por él” es de un 7.5 sobre 10.

 

 

 

Título original: “Bridget Jones: Mad about the Boy” – Reino Unido – 2025

Dirigida por: Michael Morris

Duración: 126 minutos

Género: Secuela, Comedia, Drama, Romántico

 

 

 

 

Otras partes de la saga:

"El diario de Bridget Jones"
"Bridget Jones. Sobreviviré"

"Bridget Jones's baby"