La sustancia (2024), crítica y análisis

Vivimos en una época en la que el consumo ha dejado de representar una necesitad para convertirse de forma desmesurada en una seña de identidad. En la sociedad que estamos construyendo entre todos, parece cada día más importante el poder de la imagen sobre lo que realmente se es, para comprobarlo solo es necesario echar un viste a las redes sociales o a los programas de televisión: valemos en medida de lo que somos visibles y deseables.

Con todo, ¿hasta que punto estamos dispuestos a ser visibles y deseables? Si lo pensáis bien, la presión para ser guapos y atractivos es constante, parece que la superficialidad tiene más valor que la inteligencia y eso, genera además de ansiedad, una gran desconexión emocional.

Hoy en este rincón os queremos hablar de una película de 2024 que aborda, con crudeza, esta situación, exponiendo una realidad pasmosa, la de una sociedad, la nuestra, que ha convertido la imagen en una marca de identidad y el consumo desmesurado en una creencia. Todo esto lo hace mediante un relato de ciencia ficción que, por su contenido, nos ha parecido dura y dolorosamente cercano. Os estamos hablando de “La sustancia”.

“La sustancia” empieza presentándonos a Elisabeth Sparkle (interpretada por Demi Moore), una mujer que, en su momento tuvo su éxito en el cine (con estrella en el Hollywood Boulevard incluida) aunque en la actualidad tiene un programa de ejercicios aeróbicos en televisión.

El día de su cincuenta aniversario Elisabeth recibe de su productor un curioso regalo, es despedida fulminantemente por su “avanzada edad”. Trastornada, mientras vuelve a casa sufre un aparatoso accidente de tráfico que, aún sin consecuencias para su salud, la lleva directamente al hospital donde se cruza con un enfermero quien al despedirse le da un pendrive con un nombre grabado, “La sustancia”.

Aunque de entrada no le hace mucha gracia, lo pone en el televisor y ve lo que es, la propuesta de un suero que le generará una versión más avanzada de ella misma, más joven, más guapa y más “perfecta”. Aunque de entrada descarta la opción, tras pensarlo y ver como su imagen es eliminada de su mundo (televisión, carteles, etc.) acaba pidiendo “La Sustancia”.

Al revés de lo que pasaría con algo oficial Elisabeth tiene que ir a buscarla en un polígono industrial medio abandonado donde encuentra un kit y una escuetas instrucciones, tiene un activador, comida en inyectable y las herramientas necesarias para extraer e inyectarse las dosis de estabilizador.

Al ponerse el activador, empieza una extraña reacción en su cuerpo, con convulsiones que acaban desembocando en la aparición a través de su espalda de un nuevo cuerpo, una mujer joven, su versión mejorada, Sue (interpretada por Margaret Qualley).

Las instrucciones son claras, los dos cuerpos son uno, y cada siete días, sin excepción, deben transferirse la conciencia dejando al otro cuerpo inconsciente. Durante su inconsciencia, Elisabeth genera el liquido estabilizador que Sue se quita mediante punción lumbar y se inyecta diariamente.

Al poco de aparecer Sue en el mundo, se presenta al casting para el nuevo programa de aerobic y es automáticamente contratada llegando en un santiamén al estrellato y a la fama gracias a su cuerpo y sus movimientos.

Dos vidas y dos formas de vivir totalmente diferentes ya que, mientras la consciente es Elisabeth esta vive recluida en su casa, pero cuando la consciente es Sue, esta disfruta de una vida a todo lujo, confiada y creída.

Sue extrayendo el estabilizador del cuerpo de Elisabeth en La Sustancia.

Una semana, tras una noche de excesos Sue extrae una dosis adicional de líquido estabilizador, lo cual tiene como consecuencia que Elisabeth despierta con un dedo necrosado, envejecido.

A partir de este momento, aunque sean dos cuerpos con una misma conciencia, Sue y Elisabeth inician una sensación de desprecio mutuo por los celos que siente Elisabeth por su imagen mejorada y Sue cada vez necesita más tiempo consciente para crecer y crecer. Al final, a ambas mujeres su desprecio las lleva a un camino sin retorno ya que, Sue se niega a volver a intercambiar el cuerpo y le roba todo el líquido estabilizador que puede.

Tras tres meses con Elisabeth inconsciente, el líquido estabilizador se acaba y Sue debe transferirse a lo que queda de Elisabeth, una deforme y jorobada anciana quien pide a la organización el remedio para acabar con el experimento aunque finalmente no se atreve provocando que ambas mujeres queden conscientes a la vez, lo que provoca que Sue mate a su matriz.

Sin Elisabeth, la vida de Sue no tiene sentido, aunque el desenlace, nos lo guardaremos celosamente.

No os engañaremos, cuando se estrenó “La sustancia” los miembros de este equipo no teníamos claro que quisiéramos verla ya que intuíamos que la película derraparía rápidamente al gore, lo cual, por suerte para en muy pocos momentos de su metraje.

Por el contrario, os diremos que “La sustancia” nos ha enganchado con su narrativa totalmente envolvente y cargada de simbolismos, poniendo en todo momento en primer plano las consecuencias de haber creado una sociedad que ha perdido todo contacto con lo esencial: la vida humana, su estabilidad emocional y la propia responsabilidad colectiva.

“La sustancia”, mediante esa pócima misteriosa y original nos expone con total crudeza los vacíos existenciales que deja en las personas un sistema basado en la imagen y el consumo.

Desde sus primeras imágenes, “La sustancia” se muestra como una película que busca incomodar al espectador, tanto emocional como visualmente y lo hace con un lenguaje cargado de símbolos y atmósferas densas para mostrarnos una realidad totalmente inestable.

Nos ha sorprendido también el montaje de “La sustancia” con una sucesión de pequeños saltos en el tiempo para mostrarnos, sin muchos tapujos, el estado mental de sus protagonistas, desorientadas por los propios efectos de la sustancia y de una sociedad que valora lo que valora.

Interpretativamente hablando os diremos que “La sustancia” tiene, como uno de sus pilares fundamentales el trabajo de sus dos actrices principales, Demi Moore y Margaret Qualley. La primera nos presenta una mujer que ve como su mundo de diluye de la noche a la mañana y, en pro de mantener lo que tiene, acaba diluyendo su estabilidad emocional en medio de un rápido deterioro físico. Qualley, en su papel nos muestra el camino contrario, con el mismo resultado mental, la destrucción emocional de si misma. Ambas, brillantes dotando de una humanidad un relato que nos habla justamente de lo contrario.

Por todo lo que os hemos contado, nuestra nota final para “La sustancia” es de un merecido 8 sobre 10.

Ficha técnica de La sustancia

Título original: The substance

Año: 2024

Director: Coralie Fargeat

Duración: 140 minutos

Género: Terror, Thriller, Ficción

Cobra Kai - Temporada 6

Hay series que, por los motivos que sean, tienen un desarrollo comercial de lo más curioso. Una de las últimas en que lo hemos visto, ha sido la secuela de la saga de películas de los 80 del pasado siglo, “Karate Kid”, os hablamos de “Cobra Kai”.  “Cobra Kai” estrenó su primera temporada en 2018 en la plataforma “Youtube Red” con cierto éxito, la serie retomaba la historia de Daniel LaRusso y Johnny Lawrence, 33 años después de la célebre victoria de Daniel en el torneo de Karate de “All Valley” de 1984.

 

En 2020, el gigante Netflix se hizo con los derechos de “Cobra Kai” y durante dos años estrenó, con éxito tres temporadas de esta en la que nos narraba tanto la historia de encuentros y desencuentros de Lawrence y LaRusso como sus andanzas con los alumnos de sus respectivos Dojos.

 

En 2023, Netflix anunció la temporada final de “Cobra Kai” aunque, a causa de la huelga de guionistas de Estados Unidos esta temporada final, la sexta, se ha estrenad en tres partes de cinco capítulos cada una, en julio y noviembre del 24 y en febrero del 25.

 

La sexta temporada de “Cobra Kai” empieza justo donde acabó la quinta, con Lawrence (William Zabka) y LaRusso (Ralph Macchio) entrenando conjuntamente en el “Miyagi Do” tras la unificación de los dojos de ambos con el objetivo de conseguir un equipo equilibrado que pueda luchar en el “Sekai Taikai”, el campeonato mundial de Karate que se va a llevar a cabo en Barcelona.

 

Mientras esto ocurre, LaRusso descubre algunas cosas de su maestro, el Sr. Miyagi que le llevan a replantearse su filosofía haciendo que, por momentos se olvide de sus propios alumnos.

 

Después de una varias pruebas de selección, los seis integrantes del equipo del Miyagi Do para el Sekai Taikai son Sam, Tory, Miguel, Robby, Demetri y Devon, aunque en la lucha final por determinar los capitanes, Tory muy agresiva por la muerte de su madre, abandona el equipo dejando su puesto en el equipo a Hawk quedando de capitanes Robby y Sam.

 

Ya en Barcelona, la historia se complica cuando el equipo del Miyagi Do descubre al resto de equipos, entre los que destacan, por un lado y por su agresividad, los “Iron Dragons” del sensei Wolf y un “Cobra Kai” recuperado desde Corea del Sur con los sensei Kreese y Da-eun y Tory en su equipo femenino.

 

Los primeros combates en la ciudad condal dejan al Miyagi Do al borde de la eliminación por sus constantes despistes, las heridas mal cerradas y el gran nivel que muestran los rivales. Lawrence y LaRusso tienen muchos problemas para motivas a los suyos, tanto como para superar sus propios problemas (Daniel por los descubrimientos que hace de Miyagi y Johnny por su retorno a USA por el parto de su mujer).

 

Ya a la vuelta de sus menesteres y con un Daniel reforzado al descubrir parte de la historia del Sr. Miyagi y que, detrás del dojo de los “Iron Dragons” hay un viejo enemigo, Terry Silver, las capitanes de los cuatro mejores dojo del campeonato debe enfrentarse en el Torneo de Campeones aunque al final acaba pasando algo que obliga a la organización a dar por finalizado el Sekai Taikai.

 

Lawrence y LaRusso en el Sekai Taikai

Tiempo después, y con los chicos aceptando lo sucedido en Barcelona mientras enfocan su futuro en sus respectivas universidades, aunque la historia no puede acabar así y en un acto imprevisto de Silver, todos los sensei que quedan aceptan finalizar el Sekai Taikai en el Valle.

 

Al final, se reanuda el torneo, con Cobra Kai participando solo para la final femenina con Tory y con unos “Iron Dragons” claramente superiores a los Miyagi Do, aunque, tras una contundente sorpresa, los Miyagi se retiran uniéndose a los Cobra Kai quienes cuentan con un nuevo sensei, Johnny Lawrence.

 

¿Quién gana el Sekai Taikai? Pues aunque no os los diremos, lo que os diremos que, al final se hace justicia y todos, tienen lo que se merecen, unos una derrota y otros, una más que merecida victoria.

 

De esta sexta y última temporada de “Cobra Kai” lo que más nos ha sorprendido y gustado ha sido el conjunto de enseñanzas sobre el crecimiento personal, el perdón, la reconciliación y sobre todo, la evolución de sus personajes principales.

 

La temporada y por ende, la serie acaba con más de tres décadas de rivalidad entre Daniel LaRusso y Johnny Lawrence con ambos colaborando y remando juntos como senseis. Una unión que demuestra la importancia de superar diferencias y trabajar conjuntamente por un objetivo común. Como decimos muchas veces, las diferencias suman.

 

Otra de las grandes cosas que nos enseñan en “Cobra Kai” es la importancia de buscar un equilibro entre la empatía, la defensa y la agresividad, muy importante tanto para un dojo, como para enfrentarse a la vida cotidiana.

 

Interpretativamente hablando, en esta ocasión no vamos a resaltar el trabajo de ninguno de los interpretes ya que, lo más remarcable de su trabajo cómo nos muestran el cambio que sufren ambos protagonistas, dejando de estar aferrados al pasado, madurando y creciendo como personas y como maestros. En cuanto a los jóvenes, aunque a veces parece que van a seguir los errores de sus mentores, nos demuestran que se puede luchar, pero también curar mientras se superan las inseguridades y se confía en los demás.

 

No os vamos a engañar, vamos a echar de menos a “Cobra Kai”, aunque tampoco creemos que sea necesario estirar más el chicle.

 

Por todo lo que os hemos contado, nuestra nota final para esta sexta temporada de “Cobra Kai” es de un 8 sobre 10.

 

 

 

 

Título original: “Cobra Kai” – 2021 – USA

Año de creación: 2018

Año de finalización: 2025 (sexta temporada)

Duración: 65 capítulos (de unos 30 minutos cada uno)

Los dos hemisferios de Lucca (2025), crítica y análisis

Si en la sociedad actual hay algo que suele quedar en la sombra es el mundo de las enfermedades raras. Un universo con baja incidencia estadística, pero con un impacto devastador para quienes las padecen y, sobre todo, para sus familias.

No es habitual que el cine aborde estas realidades. Aunque todos recordamos títulos como “Wonder”, “La teoría del todo” o “Handia”,  lo cierto es que siguen siendo excepciones.

En 2025, Netflix estrenó una nueva propuesta basada en hechos reales: “Los dos hemisferios de Lucca”, dirigida por Mariana Chenillo y basada en la novela de Bárbara Anderson

Pero, ¿está a la altura emocional y cinematográfica del tema que trata?.

Sinopsis de “Los dos hemisferios de Lucca”

La película comienza con un flashback que nos presenta a Andrés (interpretado por Juan Pablo Medina) y Bárbara (Bárbara Mori) camino al hospital para el nacimiento de su hijo. 

Tras un parto complicado, nace Lucca. Al principio todo parece normal, pero pronto descubren que el pequeño padece parálisis cerebral, afectando tanto a su desarrollo motor como cognitivo. Desde ese momento, la vida de la familia cambia radicalmente. 

Bárbara y Andrés se vuelcan en ofrecerle todo tipo de terapias: masajes, gimnasia acuática y distintos tratamientos alternativos. Sin embargo, los avances no llegan.

Años después, cuando Lucca (interpretado por Julián Tello) comienza a sufrir convulsiones cada vez más severas, la desesperación aumenta.

Es entonces cuando Bárbara descubre un tratamiento experimental en la India con la máquina Cytotron, liderado por el doctor Kumar (Danish Husain). El coste: 50000 dólares.

La familia rehipoteca su casa para intentarlo. Lo que sigue es un viaje físico y emocional que pone a prueba sus límites económicos, emocionales y morales.

Crítica de “Los dos hemisferios de Lucca”

Mariana Chenillo opta por un enfoque sensible y realista, evitando caer en el melodrama fácil. Y eso es uno de los mayores aciertos de la película.

El tema era propenso al sentimentalismo excesivo, pero la directora mantiene el equilibrio entre emoción y contención.

Bárbara, Andrés y los pequeños de la familia

El montaje es fluido y acompaña la historia con naturalidad. El ritmo es pausado, pero constante, permitiendo al espectador procesar lo que está viendo sin sentirse manipulado emocionalmente.

No busca el golpe lacrimógeno inmediato, sino la empatía progresiva.

Uno de los aspectos más cuidados es la ambientación.

La película logra transmitir con credibilidad tanto la vida cotidiana en México como el choque cultural al llegar a la India. Las dificultades logísticas, económicas y culturales están bien reflejadas, aportando realismo a la historia.

Interpretaciones

Destaca especialmente el trabajo del joven Julián Tello, cuya interpretación resulta auténtica y conmovedora sin caer en artificios.

Bárbara Mori construye un personaje sólido: una madre luchadora, determinada, pero también vulnerable.

El reparto en conjunto funciona con naturalidad, ayudando a sostener una historia emocionalmente exigente.

Opinión final: ¿merece la pena ver Los dos hemisferios de Lucca?

Resumiendo, “Los dos hemisferios de Lucca” nos ha parecido una buena película con una narrativa dura para reflejar de forma auténtica y emotiva la lucha de una familia para mejorar la calidad de vida de su pequeño.

Por todo lo que os hemos contado, nuestra nota final para “Los dos hemisferios de Lucca” es de un 7 sobre 10.

Ficha técnica de Los dos hemisferios de Lucca

Título original: Los dos hemisferios de Lucca

Año: 2025

Director: Mariana Chenillo

Duración: 96 minutos

Género: Drama

Tiempo (2021), crítica y análisis

Desde que le descubriéramos en su tercera película, “El Sexto Sentido” por allá a un lejano 1999, la carrera del hindú afincado en Wisconsin, M. Night Shyamalan ha estado marcada por grandes aciertos y, por digamos, obras más mediocres consiguiendo eso sí, no dejar a nadie indiferente: o lo amas o lo criticas.

El estilo de Shyamalan está marcado por su gran habilidad para construir atmósferas inquietantes y realizar giros argumentales completamente inesperados. Siguiendo estas premisas, en 2021 se estrenó una de sus obras basada en la novela gráfica “Castillo de arena” de Pierre Oscar Levy, un thriller psicológico que intenta explorar una premisa tan simple como angustiante: “¿qué pasaría si el tiempo pasara demasiado rápido y no pudiéramos hacer nada para detenerlo?”

Sí, hoy en esta entrada vamos a hablaros de la película “Tiempo” (o “Old” en su versión original).

“Tiempo” empieza presentándonos al matrimonio formado por Prisca Cappa (a quien da vida Vicky Krieps) y Guy Cappa (interpretado por Gael García Bernal) quienes, con sus dos hijos pequeños, Trent y Maddox se dirigen a un resort a pasar las, posiblemente, última vacaciones en familia ya que, todo a punta a que Prisca y Guy se van a divorciar.

Al poco de llegar al resort y siguiendo las instrucciones del responsable del hotel, la familia se va de excursión a una apartada playa con otra pareja, el cirujano Charles, su esposa Chrystal, la pequeña Kara y Agnes, la madre de Charles y abuela de Kara. Sin apenas tiempo a aposentarse, llegan a la playa Jarin y Patricia, también del hotel.

En la playa, se encuentran arrinconado bajo las rocas, con un rapero. Al poco de estar en la playa aparece flotando el cuerpo sin vida de una joven, la pareja del rapero.

Mientras discuten que hacer ante la aparición del cadáver, Agnes, la madre de Charles muere repentinamente. Agobiados, intentan salir por donde han llegado, pero les resulta imposible ya que algo les repele y les deja inconscientes en la arena.

Gracias a que Prisca comprueba que los niños se han convertido en adolescentes, el grupo se da cuenta que la playa les está envejeciendo rápidamente. Además de esto, el grupo confirma que les une otra característica, como mínimo un miembro de cada familia sufre de alguna enfermedad grave.

En un descuido, los adolescentes Trent y Kara se hacen amigos, tanto que, Kara queda embarazada y minutos después da a luz a un pequeño bebé que, por las condiciones de la playa, no sobrevive más de un minuto.

Los protagonistas de "Tiempo" entre las costillas de uno de ellos

Poco a poco, todos van muriendo, ya sea por sus intentos de salir de la playa, por sus enfermedades o, como Guy y Prisca por ancianos. Al final solo quedan dos adultos, los hermanos Trent y Maddox quienes encuentran una posible vía de salida a través de un pasaje en la barrera de coral que rodea la playa.

¿Qué pasa en la playa? ¿Llegan Trent y Maddox al hotel? ¿Está implicado el hotel en lo que pasa en la playa? Como es evidente, nosotros tenemos las respuestas estas y otras preguntas, pero nos las guardaremos celosamente.

Técnicamente “Tiempo” es un largometraje que intenta explotar el género de thriller psicológico con toques de ciencia ficción, centrándose en la metáfora del inexorable paso del tiempo en un grupo de personas encerradas en una playa. Par ello, se apoya en el uso intensivo de planos secuencia con encuadres descentrados para enfatizar el caos que viven sus protagonistas.

Argumentalmente os diremos que “Tiempo” ejecuta bastante bien la máxima de enseñarnos como el tiempo puede ser nuestro enemigo, junto con la dificultad de enfrentarse al envejecimiento prematuro y, como no, a la muerte. Sin lugar a duda, una buena idea como experimento social mezclado con terror psicológico.

Con todo, y pese a la buena premisa de entrada, “Tiempo” sufre de un gran hándicap, forzar mucho la máquina en el apartado técnico y dejar de lado el auténtico drama que viven sus protagonistas. Tampoco acaba de funcionar otra de las marcas de la casa de Shyamalan, el giro sorpresa final ya que, en esta ocasión, queda desconectado, precipitado y porque no decirlo, forzado.

Interpretativamente hablando os diremos que nos ha gustado el trabajo de los niños, con sus miedos ante su crecimiento descontrolado, la paternidad, la pérdida, etc. Con todo, los personajes de “Tiempo” son excesivamente planos, con diálogos muy forzados y sin demasiada posibilidad de empatizar con ellos. Una auténtica pena.

A modo de resumen os asumimos que, “Tiempo” es una película entretenida que parte de una gran idea y un interesante planteamiento visual pero, su ejecución lastra totalmente la experiencia y es una pena porque Shyamalan era muy capaz de hacerlo mejor.

Por todo lo que os hemos contado, nuestra nota final para “Tiempo” es de un 6 sobre 10.

 

 

 

Título: “Old” – USA – 2021

Dirigida por: M. Night Shyamalan

Duración: 108 minutos

Género: Thriller, Drama, Terror psicológico