¡Mamma Mia! La película

La habíamos visto hace ya tres años, pero como continuaba el DVD en casa y a uno de vez en cuando, le apetece tirarse en el sofá y disfrutar de un rato de televisión sin gritos, sin insultos y sin retortijones de estómago, el pasado viernes los del equipo acordamos volver a disfrutar del ritmo y de las canciones de los sempiternos ABBA, así que, sin pensarlo demasiado, nos pusimos cómodos y disfrutamos de “¡Mamma Mia! La película”.

Debemos asumir que, aunque no somos de la época dorada de los ABBA, su música siempre nos ha gustado, tanto por su simplicidad, como con su ritmo pegadizo, como sobre todo, por la energía positiva que casi 40 años después de su creación continua trasmitiendo. De hecho, continuamos con la espinita clavada de no haber podido disfrutar en el teatro de “¡Mamma Mia! El musical”, pero vamos, que a la que podamos, ahí estaremos.

Bueno, a lo que nos ocupa hoy, la película.

La historia empieza en la paradisíaca isla griega de Kalokairi (en la realidad Skopelos), y más concretamente en un viejo y destartalado hotel regentado por Donna (Meryl Streep). Allí, Sophie (Amanda Seyfried) se dispone a enviar una carta a tres desconocidos, Sam (Pierce Brosnan), Harry (Colin Firth) y Bill (Stellan Skarsgard). La carta es una invitación para su inminente boda y los supuestos desconocidos, pues... sus posibles padres.

Sí, habéis leído bien, Sophie no sabe quién es su padre, y rebuscando en el diario personal de su madre, Donna, descubre que justo el verano previo a su nacimiento, Donna estuvo sendas aventuras con tres hombres, Sam, Harry y Bill, así que, ni corta ni perezosa, y a espaldas de su madre, Sophie invita a sus posibles padres a su boda, con la esperanza de descubrir quién es su padre.

Dicha esperanza se desvanece a las primeras de cambio, ya que los tres tienen sus posibilidades y todos quieren ejercer como tal. Todo un dilema para Sophie. ¿Qué va a hacer con sus tres supuestos padres el día de su boda? ¿Quién le llevará al altar? Y para colmo, tiene que esconderles para que Donna no les vea, pues se lo tomaría fatal.

Y finalmente se lo toma, ya que sin quererlo, Donna se los encuentra. Todos los fantasmas de su pasado vuelven a sobrevolarla, casi al mismo ritmo que su viejo hotel se desmorona a cachos. Donna se pone histérica, pero acepta la decisión de su hija de querer conocer su pasado.

Finalmente… bueno, finalmente os recomendamos que le deis una oportunidad a “¡Mamma Mía!”, ya que, si esperáis encontraros aquí el nombre del padre de Sophie, lo tenéis bien claro, más que nada, porque se nos está acabando el tiempo y queremos pasar a valoraciones…

Aunque el esfuerzo realizado por el ya ex ‘agente 007’, Pierce Brosnan en una película tan radicalmente diferente al resto que había hecho hasta el momento, es más que digno de mención, también lo es su pésimo sentido musical, y las canciones que él interpreta (“Our last summer”, “S.O.S.”, “I do, I do, I do” y “When All Is Said and Done”), consiguen destacar como las peores de toda la cinta. Bien al contrario que nuestro querida Meryl Streep que, una vez más consigue dar el pego en el papel que le proponen, cantando además más que bien (“Money, money”, “Mamma Mia”, “Super Trouper”, “Slipping Through My Fingers”, …) para tratarse de una actriz y una cantante.

En cuanto a lo más destacable positivamente, pues la ambientación, la isla de Skopelos es genial, cuando uno ve sus bosques, sus playas, sus casitas blancas, siente el deseo de coger un avión e irse a Grecia, para disfrutar de las cálidas aguas del Mediterráneo al son de las sempiternas canciones de ABBA. También, para los del equipo es digno de mención lo bien que están ligadas las canciones entre sí, las cuales además han sido estupendamente seleccionadas de entre la totalidad del repertorio del que dispone el grupo sueco.

Por todo esto que os hemos contado, los del equipo, puntuamos a “Mamma Mia” con un 7 sobre 10, y nuestra recomendación, si queréis pasar un rato entretenido viendo maravillosos paisajes y escuchando la alegre (y sentimental) música de ABBA.

Título original: "Mamma Mia! The Movie" - Reino Unido - 2008

Dirigida por: Phyllida Lloyd

Duración: 108 minutos

Género: Musical, Comedia Romántica

Pa negre

Ni en sus mejores sueños el bueno de Emili Teixidor se hubiese podido imaginar una repercusión tan grande de una de sus obras, y menos que la mayor parte de esta repercusión se produjera con casi 7 años de retraso respeto a la primera edición del libro “Pa negre”.

Pues sí, 7 años después de causar furor en los certámenes literarios (consiguió el premio “Lletra d’Or”, y el Nacional de Literatura de la Generalitat de Catalunya), la adaptación cinematográfica de la misma obra veía luz, en el Festival de San Sebastián de 2010, obra del mallorquín Agustí Villaronga.

La historia de “Pa negre” se centra en el complicado descubrimiento de la vida que le toca vivir al pequeño Andreu (Francesc Colomer), en un pequeño pueblo perdido del interior de Catalunya, en los duros años de la posguerra civil española.

Un día volviendo a casa, el pequeño Andreu se encuentra con un carro que se ha precipitado por un acantilado, muriendo uno de sus amigos y el padre de este. Sin dudarlo ni un momento, nuestro protagonista va al pueblo para dar la voz de alarma, lo cual, evidentemente despierta el interés de la autoridades locales ya que encuentran indicios de un posible asesinato.

Pronto el alcalde (Sergi López) y el comisario de la guardia civil (Pep Tosar) enfocan sus acusaciones hacia Farriol (el padre de Andreu, interpretado por Roger Casamajor) y su esposa Florencia (Nora Navas), ya que además de los indicios que hacia ellos apuntan, forman parte del bando perdedor de la Guerra Civil, y eso ya de por si, indicaba culpabilidad en esa época.

Andreu por su parte, está convencido que el accidente es obra de de un monstruo que vive en el bosque, Pitorliua, sobre el cual giran varias fábulas y una historia negra en el pueblo. Con todo su esfuerzo, Andreu intentará descubrir a Pitorliua o en el peor de los casos al asesino de su amigo y poder así liberar a Farriol de cualquier acusación.

Mientras Andreu vive inmerso en la persecución de su monstruo va descubriendo poco a poco una realidad que poco había imaginado en la que todo el mundo a su alrededor tiene algún que otro secreto escondido. Por otro lado Farriol es apresado por el régimen y encarcelado bajo la acusación de asesinato.

Florencia deberá luchar tanto contra el alcalde, como contra su propio pasado para derrotar al monstruo de la ejecución sumarísima a la que enfrenta su marido. Finalmente, el monstruo de Andreu se enlazará con los monstruos de su familia, metiendo así de golpe al pequeño Andreu en el mundo adulto de la posguerra civil española.

Os podríamos contar muchas más cosas sobre el argumento de “Pa negre”, pero ya sabéis que no es nuestra filosofía, así que dejaremos aquí el resumen del argumento y pasaremos valorar.

La verdad es que es complicado valorar “Pa negre” y más desde el momento en que la Academia de Cine Española la ha elegido para representar a España en los 84º edición de los Oscar©, relegando a la anual producción de Almodóvar (en este caso “La piel quehabito”). Con este nombramiento, la película volvió a las carteleras y a las portadas de periódicos por constantes comentarios sobre la idoneidad de la misma (que si una vez más una película sobre la guerra, que si una película catalana representando a España, que si, bla bla bla). No queremos entrar en todo este ruido el cual, sin lugar a dudas, sí nos ha condicionado en el momento de ver esta cinta.

“Pa negre” no es una película al uso sobre la posguerra, pues en ningún momento toma partido por ninguno de los bandos, ni los ganadores son los malos, ni los perdedores los buenos (ni al revés), sino que se adentra en el mundo de monstruos, mentiras y secretos con los que la gente tenía que convivir en esa convulsa época. Entonces, os preguntaréis ¿es un drama? Pues sí es un drama, porque la época que relata era dramática y eso se respira en cada fotograma, aunque tampoco es un drama al uso.

Entre lo mejor de la cinta, sin lugar a dudas está la ambientación (tanto el entorno rural de posguerra, como la vestimenta de los personajes, sin lugar a dudas merecen un caluroso aplauso), y sobre todo el trabajo de sus protagonistas: el pequeño Francesc Colomer (Está muy bien en un papel bastante complicado), Nora Navas (en el papel de Florencia está inconmensurable, tanto que recibió “la Concha de Plata” en el festival de San Sebastián) o el propio Casamajor (Farriol).

El problema de “Pa negre” es otro, como mínimo para los del equipo, y es que, con la indefinición del género, y la poca definición de la mayoría de personajes uno acaba no implicándose con ellos hasta muy entrado el metraje, uno no sabe si sentir pena por Andreu y su familia, asco hacia el alcalde, o asco hacia la familia de Andreu y compasión por el niño.

A los del equipo por momentos se nos hizo lenta, en otros momentos nos perdimos en el argumento, sólo al final descubrimos el sentido de la película y cuáles eran los auténticos monstruos.

Sobre si debería ir o no representar a España en los Oscar©, pues esperamos equivocarnos, pero para nosotros no tiene la calidad suficiente para ganar, pero claro, visto lo que se presentó, creemos que tampoco había muchas más alternativas. Para los del equipo, y después de un duro consenso, la película perece una nota de 5,5/10.

Título original: “Pa Negre” – España – 2010

Dirigida por: Agustí Villaronga

Duración: 108 minutos

Género: Drama

El Gato con Botas

No es la primera vez que sucede que un personaje secundario se acabe convirtiendo en principal. De hecho, podríamos decir que se trata de algo tan habitual que hasta tiene un género propio, ‘spin off’.

Realmente no es algo nuevo, pues hasta los “Ewoks” consiguieron su propio ‘spin off’ de “Star Wars”. La cosa está en partir de una situación de éxito (película, libro, tira cómica o serie de televisión) con personajes secundarios que llamen la atención, por ejemplo: el ‘guapo’ Lobezno de los “X-Men”, la divertida Aída independizada de “Siete vidas”, y porqué no, el divertido y desvergonzado Gato de “Shrek”.

Pues sí, somos muchos cuando nos cruzamos por primera vez con Gato, en “Shrek 2” por allá a un ya lejano 2004, pensamos que el personaje tenía el tirón suficiente como para convertirse en un nuevo filón de la factoría Dreamworks... esos ojazos, esa presentación “Zoy er gato con botah”... En definitiva, no nos equivocamos, pues tuvo su protagonismo en las tres últimas partes de la saga de Shrek y ahora, 7 años después le ha llegado la independencia con: “El Gato con Botas”.

La verdad es que, cuando vimos el trailer, nos llamó poderosamente la atención. Había un riesgo elevado de salir decepcionados del cine, sobretodo si el personaje continuaba la caída libre mostrada en “Shrek 4”, donde se basaba única y exclusivamente en poner caritas, pero bueno, como el trailer pintaba bien, hicimos lo posible para estar en el cine el fin de semana de su estreno.

La historia empieza muchos años antes que nuestro amigo conociera al ogro verde más famoso de la historia del cine, cuando Gato empezaba a forjarse un nombre tanto entre los forajidos como entre las damas, gracias a sus dotes con la espada y su desenfadado poder de seducción (vaya, que no hay gatita que se le resista).

Buscando su nuevo golpe, Gato se da de bruces con lo que parece ser una gran aventura, hacerse con unas habas mágicas que le permitirán salir definitivamente de la pobreza, pues le llevaran a un mágico castillo habitado por una oca mágica (es capaz de producir huevos de oro).

Evidentemente a nuestro protagonista se le erizan los bigotes solo de pensar en el oro que allí encontrará, todo hasta que descubre que no hay un par más de rufianes tras las habas mágicas, una linda gatita llamada Kitty Zarpas Suaves (a quien pone voz Salma Hayek) y un viejo ‘amigo’ de infancia de Gato, Humpty Dumpty.

Los tres, quieran o no quieran, tendrán que acabar colaborando para hacerse con las habas mágicas, que están en manos de los malos malísimos de la película, Jack y Jill, los cuales, evidentemente van en busca de los huevos de oro.

Antes de aceptar la colaboración, Gato y Humpty deben solucionar un problema de confianza que hay entre ellos y que se originó años atrás, cuando ambos estaban en el orfanato de su pueblo. En esa época, y gracias a la avaricia y ganas de protagonismo de Humpty, nuestro amigo Gato se ve obligado a abandonar el pueblo donde había crecido.

Ya os podéis imaginar que aventuras y acción no le faltan precisamente a “El Gato con Botas”, ya que, tanto el flashback donde se nos cuenta la infancia y discusión de Gato con Humpty, como las posteriores aventuras de nuestros amigos con Jack & Jill, sus habitas y la oca de los huevos de oro si de una cosa está repleto es de aventuras y de acción, lo cual sinceramente, se agradece.

Pese al temor inicial de ir a verla, os debemos asumir que al final, la película nos pareció más bien justa. No es para nada aburrida, pero a la vez, nos es para nada sorprendente, pues aunque la acción fluye a raudales, no se abusa de las caritas de Gato, Antonio Banderas (que es quien, una vez más, le pone voz) está genial, ni la película, ni los gags que en ella se desarrollan son originales, más bien siguen la estela de los vistos en la saga “Shrek”.

Sinceramente le echamos de menos a nuestro minino cinematográfico favorito que fuera algo más sorprendente, que tuviera más cambios de registro, más pases de agresivo a seductor, o de espadachín a pobre gatito, en este sentido solo tuvimos la perla de verle beber su vasito de leche en plena taberna de forajidos.

No os vamos a negar que reímos, y que, aunque la vimos en 2D (una vez vista y valorada técnicamente, nos aventuramos a decir que no vale la pena pagar el suplemento que vale la tercera dimensión) nos gustó técnicamente aunque de ninguna de las maneras consideramos que “El Gato en Botas” pase a la historia del cine. Por todo esto, nuestra nota final es de un 6 sobre 10.

Título original: “Puss in boots” – 2011 – USA

Dirigida por: Chris Miller

Duración: 90 minutos

Género: Animación

Millennium 3. La reina en el palacio de las corrientes de aire

Como reza la dicha “no hay dos sin tres”, y como hicimos con los tomos de la trilogía literaria, no dejamos pasar muchos días después de ver “Los hombres que no amaban a lasmujeres” y “La chica que soñaba con una cerilla y un bidón de gasolina”, para ver el cierre de trilogía sueca basada en la obra homónima de Stieg Larsson, “Millennium”.

Vistas nuestras bajas puntuaciones a las primeras partes de la saga, no era cuestión de esperar mucho para ver “Millennium 3. La reina en el palacio de las corrientes de aire“, y menos con la creciente corriente de frustración entre los miembros del equipo con la adaptación cinematográficamente de las venturas de nuestra última heroína, Lisbeth Salander. Así que, sin mucha dilación nos apalancamos en el sofá y nos pusimos a verla.

La historia continúa en el mismo punto donde acabó la segunda parte, es decir, con la llegada al hospital de Sahlgren de una moribunda Lisbeth con un disparo en la cadera, otro en el tórax y otra en el cerebro. Su estado es crítico y su vida pende de un hilo, pero gracias al buen hacer del doctor Jonasson pronto empezará el proceso de recuperación.

Cuando esta recuperación empieza, Lisbeth se da cuenta que su vida está en peligro, pues no consiguió su objetivo de matar a Zalachenko y, pese a recibir un par de hachazos, éste se está recuperando en una habitación del mismo hospital de Sahlgren.

Mientras esta preocupaciones asaltan a nuestra protagonista, Blomkvist convence a su hermana Annika Giannini que se haga cargo de la defensa de Lisbeth Salander de los cargos de asesinato e intento de asesinato. En esta impás tampoco la antigua cúpula de la Säpo vive una época de tranquilidad, pues temen que todo salga a la luz y todo se vaya al garete, así pues, las viejas glorias que le quedan (Gunnar Björck, Fredrik Clinton y Evert Bullberg), deciden unirse para acabar con el problema Salander.

Su primera decisión es cargarse a Zalachenko en el propio hospital y así borrar de un plumazo toda posibilidad de traición, para más tarde borrar también a Salander lo cual, sin lugar a dudas les va a resultar algo más complicado, sobre todo teniendo en cuenta que ésta está bajo la protección del doctor Jonasson quien confía ciegamente en Lisbeth y Mikael.

Paralelamente, fuera del hospital la investigación continua descubriéndose cada vez detalles más escabrosos del pasado de Lisbeth, la Säpo y Zala.

Con la llegada del juicio todo toma unos matices complicados. La policía con la colaboración de Blomkvist se encuentra atascada, el fiscal Ekström (comprado por la Säpo) hace oidos sordos a las boces que claman la inocencia de Lisbeth, y esta ha dejado el hospital para pasar a la prisión.

Sólo Lisbeth, con la ayuda de su amigo pirata consigue avanzar y pasar información suficiente para rebatir los argumentos de una acusación poderosa.

Evidentemente, nuestra crack lo es hasta debajo de la tierra (y nunca mejor dicho) pero ya os podéis imaginar, no os vamos a decir todo lo que pasa en “Millennium 3”. Lo que si os vamos a contar es nuestra valoración, que muy a pesar nuestro, no podemos decir que sea muy positivo.

Como ya os contamos en “La chica que soñaba con una cerilla y un bidón de gasolina”, el director de esta cinta (Daniel Alfredson), comete un error que para nosotros es brutal, y no es otro que recortar a tijeretazo limpio todas aquellas historias que le parecen superfluas. Hasta un cierto punto está bien, pero es que en esta ocasión ¡se ha cargado medio libro!, sinó, alguien puede decirnos donde están las historias de:

·         El abandono de Millennium por parte de Erika Berger para irse a trabajar en el “Morgen Posten”.

·         El ataque a la casa de Erika Berger.

·         La aparición crucial del iraquí Idrish Guidi en el hospital de Sahlgren

·         La relación de Monica Figuerola con Blomkvist

·         Etc.

Quizá algunas de ellas era prescindibles, pero otras aportaban una información importante para saber porqué suceden determinadas cosas y de donde salen otras. De la manera como la ha dejado el Sr. Alfredson, todo queda a la imaginación del espectador, o a la memoria del lector que haya leído antes la trilogía de Larsson.

Por otro lado, nos ha parecido una película totalmente faltada de ritmo, con escenas de acción ridículas, aburridas y totalmente predecibles.

¿Lo positivo? Pues sinceramente, como os dijimos también la segunda parte, la interpretación de los personajes protagonistas, sobre todo el trabajo de Noomi Rapace (Lisbeth Salander) que pese a pasarse media película tumbada en la cama de un hospital, continua llenando la pantalla cada vez que aparece.

Por nuestra parte, repetimos la valoración, un 4/10, pues sinceramente nos decepcionó mucho.

Otros títulos de la saga:

"Millennium 1. Los hombres que no amaban a las mujeres"

"Millennium 2. La chica que soñaba con una cerilla y un bidón de gasolina"

Título original: “Luftslottet som sprängdes” – Suecia – 2009

Dirigida por:  Daniel Alfredson

Duración: 148 minutos

Género: Thriller

Las aventuras de Tintín: El secreto del Unicornio

Poco podía imaginarse Georges Remi (Herge) por allá al ya lejano 1930 que ese intrépido joven y su perro que se acababa de inventar,  cumpliría 81 años en plena forma y de actualidad, y todo gracias a que dos genios del cine (Steven Spielberg y Peter Jackson) han decidió que volviera a la actualidad después de muchos años de una merecida jubilación de oro.

No exenta de muchos problemas (pese a que Spielberg tiene los derechos desde el 1983, no pudo iniciar la grabación hasta el 2008 teniéndola que aplazar por problemas de financiación), el pasado 28 de octubre llegaba a nuestras pantallas “Las aventuras de Tintín: El secreto del Unicornio” en animación 3D. Nosotros, por mucho que nos apetecía verla, decidimos esperar una semanita, por eso de no escaldarse una vez más con el fabuloso (¡ejem!) 3D.

Aunque por el título, uno podría pensar que “El secreto del Unicornio” es la adaptación íntegra de la historia del mismo título que Herge creó entre 1942 y 1943, pero no lo es exactamente pues, para esta película, Spielberg y Jackson, además de “El secreto del Unicornio”, también se sirvieron de “El tesoro de Rackham el Rojo” y “Tintín y el cangrejo de las pinzas de oro”.

La historia empieza en París. Allí, en un mercado callejero, nuestro protagonista (Tintín) encuentra la réplica de un viejo navío, “El unicornio”, por el que suspiran varias personas más. Por lo que parece, el viejo navío guarda en sus entrañas un misterioso secreto, pues desde que cae en sus manos, la vida de Tintín sufre un repentino vuelco, pues entre otras cosas, se le rompe el mástil de su copia, entran en su casa y le roban su réplica, y para colmo, sufre un tiroteo. Finalmente, guiado por su instinto investigador, y acompañado por su inteligente y fiel amigo Milú, empezará a investigar los secretos del “Unicornio” o mejor dicho… el secreto de los unicornio.  

Sí, habéis leído bien, al poco de empezar la investigación, descubre que en el mundo hay tres navíos idénticos, los tres creados por Haddock, el antiguo capitán de la nave. Una de las réplicas la tenía Tintín en su casa, la otra, la encuentra en manos de Sakharine uno de los interesados en reunir las tres copias, y la otra… está en manos de un jeque árabe.

Al poco descubre parte del secreto, cada copia tiene escondida en su mástil un pergamino con un mensaje. Únicamente un descendiente del capitán Haddock podrá descubrir el enimga si dispone de los tres pergaminos.

Por una de esas casualidades e la vida, Tintín es secuestrado y metido en la bodega de un viejo mercante el Karabudjan. Allí descubrirá ante su asombro que tanto el propio barco como su capitán, también están secuestrado por Sakharine, pues el capitán del mercante no es otro que Archibald Haddock, el último descendiente vivo del original capitán y creador de las réplicas Haddock. Pronto, Tintín y Haddock entablan amistad, y luchan contra el malvado Sakharine...

A partir de este punto las aventuras, explosiones, luchas y persecuciones entre los protagonistas se suceden sin parar, aportando sin lugar a dudas, lo mejor de la cinta. De todas formas, pocos detalles más os daremos, pues ya sabéis que para nosotros, lo divertido del cine es disfrutarlo, no que te lo cuenten todo.

Lo que si os vamos a contar son nuestras sensaciones al ver “El secreto del Unicornio” pues, aunque la disfrutamos y nos gustó, no llegó a llenarnos del todo, por tanto, llegados a este punto, os dejamos con nuestra valoración.

Para empezar, y para quitárnoslo de encima, os contaremos lo que para nosotros es lo peor de la película, y que no es otra cosa que la duración de la misma, 107 minutos (algo más de 1 hora y 45 minutos). De todas formas el problema no radica tanto en la duración física, sino en que la primera parte de la cinta (hasta que Tintín y Haddock se alían), pese a tener bastante acción, se hace lenta y tediosa.

Lo que sin lugar a dudas nos encantó fue la factura técnica de “El secreto del Unicornio”, se nota cantidad que la técnica del “stop motion” con la que se ha realizado tiene la firma de dos auténticos cracks (Peter Jackson y Steven Spielberg), pues el realismo con que cobran vida los personajes hace que en algunas ocasiones los espectadores nos preguntemos si estamos viendo a Tintín, Haddock o Rackham el Rojo o bien a sus actores en carne y hueso Jamie Bell, Andy Serkis o Daniel Craig.

También nos gustó mucho la puesta en escena de las acciones, pues pasar de leer en los comics, los típicos “bang-bang”, “¡¡cabum!!” o “¡¡Zziiiu!!”, a ver escenas de acción en un 3D muy bien llevado a cabo, le hace disfrutar a uno de la acción de una forma especial.

Con todo, los del equipo creemos que la película podía ser mejor, por tanto, como sabemos que hay preparadas dos partes más (la siguiente dirigida por Peter Jackson, y la tercera, posiblemente a cuatro manos entre ellos dos), en esta primera parte de la saga, le ponemos un 7 sobre 10, con la esperanza que la siguiente, mejore un poco más.

Título original: “The Adventures of Tintin: Secret of the Unicorn” – USA – 2011

Duración: 107 minutos

Dirigida por: Steven Spielberg

Género: Animación